台北當代藝術館（以下稱當代館）公布2025年展覽計畫，除了延續每年一度的「街區藝術計畫」，也將策劃4檔主題展，包含臺灣中新生代藝術家群展、豪華朗機工創作展等，探討主題從藝術純粹的力量、災難、人與非人物種間的感官差異，到媒體識讀、香港反送中事件重構等針對當代社會文化的反思，激發觀眾對於藝術、科技、社會與文化交織的深度思考。以下分別望向各展覽亮點：

臺灣藝術家群展《No Language》｜度過不說話的一天

文字語言是人們賴以溝通的工具，但單靠文字有時難以完全表達內心感覺和想法，而藝術就像是一種「沒有語言」的方式，能直接觸動內心。如果把參觀展覽當作一段旅程，《No Language》就像是「不說話的一天」——不需言語交流，也不存在理解與否的問題。本展邀集臺灣中生代與新生代創作者，透過其作探索如何在語言系統中成為「他者」，傳達藝術純粹而直觀的力量，邀請觀者在無語言的空間中，化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受，展開一段與內心對話的旅程。

展期｜2025/1/17～5/4

策展人｜黃彥穎

參展藝術家｜江忠倫、何彥諺、吳聯吟、李婷歡、崔廣宇、陳松志、陳為榛、陳萬仁、黃立穎、黃海欣、黃萱、廖建忠、劉文瑄、蘇育賢

《安全室》｜災難總在，我們如何與世界共存？

當代館推行「青年藝術計畫」即將邁入第五年，2025年將推出2檔策劃展，持續為青年創作者及策展人提供專業的展覽平台，凸顯新世代的獨特觀點。其中《安全室》以「災難」為主題，探討人類如何在面對自然和人為災難時，與環境共存及適應。展覽使用「安全室」這一建築概念，反映社會空間中的控制與監控，並反思災難後的治理與生活。參展藝術家的作品涵蓋影像、裝置、聲音等媒材，試圖以軟性的⽅式指涉國家⾄社會的空間政治裡，我們如何與隱匿在控制背後的世界共同⽣活。

展期｜2025/5/24～9/7

策展人｜林裕軒

參展藝術家（暫定）｜王煜松＋地震寫生團、湯雅雯、張程鈞、劉芳一、張宸瑋、李奧納多・布爾吉・特諾里奧（瑞士）等

《環世界觀測日誌》｜藝術與科學共作，潛入萬物的視野

當代館「2025青年藝術計畫」展覽之一。不同物種的感官差異與能力極限，非常直接地形塑了他們所經歷的世界。本展藉由藝術家的創作之眼以及與科學家的合作，帶領觀眾進入不同動物、植物、微生物的感官所構築的「環世界」之中，思考感官差異如何塑造我們的世界觀，並謹慎尋找人類與非人物種共存的可能平衡。

展期｜2025/5/24～9/7

策展人｜林承緯

參展藝術家｜王懷遠、羅晟文、羅伃君、姚睿蘭、葉采薇、王永安、李宸安、Timothy Thomasson（加拿大）、詹宏祿

豪華朗機工創作展｜舊作新演繹，展現創作的生命韻律

作為臺灣最具代表性的當代藝術團體之一，豪華朗機工的作品常見於台灣各大藝術季與設計展。此次個展以「自然迭代」為核心，聚焦於豪華朗機工對15件經典舊作的重新詮釋，看團隊如何將原作融入新的技術、媒材及合作方式，轉化為當下的時代語彙，探索時間賦予藝術的新生命與視角，讓作品在過去、現在與未來之間展開對話，展現生命進化的動態之美。

展期｜2025/9/20～12/28

參展藝術家｜豪華朗機工

2025街區藝術計畫「當街典藏展」

2012年起，當代館開啟與鄰近街區合作的展覽項目，透過藝術家的作品或展演活動，走出白盒子，在日常生活中製造各種與藝術相遇的可能；經過十幾年累積，歷年展出過的藝術作品與其曾經設置的地點，在地圖上逐漸地勾勒出一個既模糊也清晰的藝術場域。為了呈現這樣的場域，「2025街區藝術計畫」將虛構一個「當代藝術館街區典藏庫房」，簡稱「當街典藏展」，展覽重點在於「當街」而非「典藏」——藝術家現地創作的作品，嘗試「當街」對話，也嘗試與過往的每一次「當街」相互參照；作品的意義不僅是「物」的詮釋和解讀，更源自作品從開始設置到離開現場期間，一同討論、溝通和協商的參與者。

展期｜2025/10/4～11/30

策展人｜走路草農／藝團

參展藝術家（暫定）｜石梓廷、李佩瑜、孫知行、郭品君、陳為榛、陳世育、劉紀汎、劉紀彤

MoCA Studio 當代實驗展場｜探討時間、社會變遷、媒體釋讀等命題

MoCA Studio實驗展場每年公開徵選展覽提案，2025年4檔展覽將探索光、聲音、空間、文化與社會變遷等多重議題，包含：韓國藝術家Ligyun個展《Chrono Eclipse》，透過聲光與空間的互動，探索時間的非線性結構；英國建築大師Peter Cook個展《山 / 市》以作品呈現臺灣的雙重面貌——西部都市的繁忙與東部山脈的神秘，藉「秘密街道」與「包容性景觀」兩部分，探索臺灣獨特的地理與文化景觀；吳建興個展《黑手煉金術V》以自身與父親共同修復汽車零件的經歷為靈感，透過對車體殘破零件的再造，探討傳統工藝在現代化進程中的轉型；《無中生有料理站》大型互動裝置則由藝術家莊毅柔、策展人林婕穎合作，邀請觀眾扮演新聞製造者、評論員等角色，透過討論與批判假新聞，反思資訊過載時代下媒體識讀的重要性。

MoCA Video 當代影像聚場｜探討城市文化、個人情感等主題

聚焦於影像藝術創作的MoCA Video，將透過6檔展覽探討城市文化、歷史再現、個人情感等多重議題，包含：香港藝術家李鈺淇個展《散落在異國海洋的星空》以細膩的手繪動畫捕捉香港社會的微觀敘事，探討城市中的變遷與個人的情感記憶；林俊耀個展《檔案重製》回顧2019年香港反送中運動後的集體記憶，運用重製照片與影像重新詮釋歷史事件，並反映香港的政治變遷與社會情境；謝宇喬個展《帷幕之外：重構的現實》探討數位媒體如何塑造全球化中的文化與認知；印度藝術家Sameer Tawde個展《Dialogues of an Introvert》以日常物品與環境的迷你場景，呈現現實與幻想之間的張力，探索自我與外部世界的疏離感等。

此外，當代館亦針對12歲以下的親子觀眾打造全新「U12小玩藝空間」，邀請均勻製作總監胡忻儀設計「展覽製造所」，讓小朋友透過材質觸摸、感知探索與互動體驗，了解展覽誕生的過程，激發他們對藝術創作的興趣與想像。2025年的當代館，無論對大人小孩來說，都將是更有趣精彩的所在。

羅馬博爾蓋塞美術館即日起至2025年9月14日舉辦肯亞藝術家Wangechi Mutu個展《Black Soil Poems》。隨「特定場域創作」成人類互動虛擬化下更為有力的當代表達，Mutu以首位進駐該館的在世女性藝術家之姿，藉懸浮布展形式、大膽空間語彙及嶄新神話故事重新詮釋這座具權威象徵性的場館。各色作品從展廳延伸至戶外祕密花園，在形塑跨場域對話的同時，更強化了藝術作為所有既定觀念「轉換、衝破」地帶的深刻意義。

博爾蓋塞美術館（Galleria Borghese）首度在紅衣主教西皮奧內博爾蓋塞（Cardinal Scipione Borghese）故居內舉辦的《Black Soil Poems》展覽，由義大利品牌Fendi贊助、獨立策展人Cloé Perrone策劃，並一脈相承自先前致敬巴洛克詩人Giovan Battista Marino的展覽，延續該館近期對詩意表達的關注。

展覽名稱由來於Wangechi Mutu創作上二元性：既富有詩意與神話色彩，又與當代社會和物質背景緊密相連。「Black Soil」，黑土，在雨水的滋潤下如黏土一般豐饒而可塑，出現在包括博爾蓋塞美術館祕密花園在內的諸多地理場域，恰和這位藝術家的想像力共鳴——從這片黑土中，雕塑彷彿被一股原始力量自然捏塑而成，具象化為故事、神話、回憶和詩篇。而此意象也愈加強調出Mutu作品的孕育性和轉化性：根植於物質本身，又向未來開放，邀請人們給予多重詮釋。

在特定「權威空間」完成當代表達

作為一次特定場域創作，《Black Soil Poems》的各色作品遍布於展廳、美術館外牆和祕密花園。藝術家透過懸浮和流動形式的運用、物質碎片和神話語彙的重構等創作策略，對古典傳統和館藏本身的視覺重量提出質疑，進而與這座具制度權威象徵性的空間進行一場層層交織的對話。同時更以雕塑、裝置和動態影像等手法，為博物館空間提出一種創新的觀看方式，挑戰既定意義、階級秩序觀念和所謂的永恆性。在其創作力渲染下，美術館空間不再只是靜態展示物品的容器，而是一個不斷變動的有機體，在失去、適應和再建構中持續轉換和重新被定義。

「觀看方向性」的再定義：重繪視覺場域，開啟全新感知

展覽分為相輔相成的兩部分。首先Mutu在館內徹底重新思考空間的方向性：她的雕塑作品並未遮擋住原來的收藏品，比起「占據」更像「點綴」；那些輕盈懸置於空中，抑或無聲安放於平面上的作品，都如虛無的幽靈般存在。數件裝置〈Ndege〉、〈Suspended Playtime〉、〈First Weeping Head〉、〈Second Weeping Head〉彷彿不顧重力邏輯地掛在天花板上，構築出有別過往的觀看視線——深層意義上，此形式亦引發對歷史敘事和物質階級秩序的轉換。Mutu重新繪製了博爾蓋塞美術館的整體視覺場域，引導觀者用各種角度與意識重新審視這座空間，讓多重敘事方式共存，並且告訴人們美術館不僅是一個記憶空間，也是想像與轉換的場所。

青銅、木材、羽毛、土壤、紙張、水和蠟同是本展核心精神。其中尤以青銅為重，它褪去傳統賦予它的象徵意義，成了承載先人記憶、復原和多元性的容器。當藝術家將有機、流動和可變的材質，帶入這個隨處都是大理石、灰泥和鍍金表面的空間時，更重申了一種轉換的詩學。

Wangechi Mutu的作品促請人們以不同方式參觀美術館——不只看那些展示的東西，也要凝視曾經被移除、被壓抑或被隱藏起來的東西。

人類 X 神話 X 容器，混合創作形態呼應全球宇宙觀

來到館外，即見多座青銅雕塑散落於優美風景中。〈The Seated I〉和〈The Seated IV〉兩座當代女像柱，標誌著藝術家與重要公共機構之間一次意義深遠的合作時刻（詳見下方圖說）；〈Nyoka〉、〈Heads in a Basket〉、〈Musa〉和〈Water Woman〉等青銅作品，將原型容器詮釋為轉換場所；〈The End of Eating Everything〉則將Mutu的雕塑語彙延伸至影像，為她對神話的持續探索增添了時間性與沉浸感。

一部分人類，一部分神話，一部分容器，彷彿從一片象徵性的土壤中浮現，呼應東非傳統和全球宇宙觀。這些作品靜靜擺置於花園和建築的入口處，與場地的古典秩序達成微妙平衡，挑戰理想化的形式和線性敘事，轉而追求模糊性、差異性與精神存在感。

《Black Soil Poems》的最後一件名為〈Shavasana I〉的青銅像在羅馬美國學院展出。其名取自瑜伽體式「攤屍式（Shavasana）」，以真實事件為靈感呈現一具仰臥的身體蓋著編織草蓆；雕塑放置於學院中庭，四周環繞古羅馬墓誌銘，凸顯出死亡、臣服和生命尊嚴的主題。

而博爾蓋塞美術館繼2023年推出《Giuseppe Penone: Universal Gestures》（吉塞普佩諾內）、2024年籌辦《Louise Bourgeois: Unconscious Memories》（路易絲布爾喬亞）展覽後，今年通過本展再次延續推廣當代藝術的承諾，藉由重量級國際藝術家的視野，激發觀者以嶄新視角觀看空間，創造出嶄新連結與對話。

Wangechi Mutu《Black Soil Poems》個展

• 時間：即日起至2025年9月14日
• 地點：義大利羅馬博爾蓋塞美術館

同場加映：Wangechi Mutu x Fendi Peekaboo特別包款

同時，為歡慶這項Fendi與美術館長期合作計畫的其中一環盛事，藝術家亦攜手品牌創作獨一無二的Peekaboo包款。Mutu表示：「Fendi的Peekaboo包幾何俐落，結構堅挺，而我當下就想讓它變得有機、夢幻、富有生命力。一邊是恩貢山丘，另一邊是美麗的肯亞山峰。這兩座山把袋子撐在一起。而內部的枝枒，就像生命在縫隙中竄生而出。這不只是一個包包，它是一件雕塑。」

呼應著Mutu詩意且充滿神話想像的創作視角、同時深深扎根於當代社會與物質脈絡，此特別包款融合多種技法打造，甚運用包括金箔在內的媒材裝飾包身，營造出層次豐富的視覺和觸感；不僅可見對藝術家本人別具意義的「恩貢山丘」和「肯亞山峰」兩處風景躍然其上，更有一組雕塑感木枝構成的裝置，如富生命般破袋而出。

Fendi Peekaboo藝術合作系列

Fendi長期深耕藝術與文化領域的精神，自2014年展開的Peekaboo藝術合作系列多年來與各界知名人士共同打造特別包款，包括建築大師Zaha Hadid、設計師Sabine Marcelis、雕塑藝術家Arnaldo Pomodoro和Giuseppe Penone乃至歌手Adele都曾參與。

繼《顫動的靈魂》從東京森美術館巡展各地，今年4月份方才於巴黎大皇宮落幕，塩田千春全新個展《靜寂之空》已在北京紅磚美術館領觀者另闢一段悟化旅程。與空間有著強烈互動性的「塩田式創作」，終以時而像擁抱、時而似拉扯、時而張力平衡的姿態，應場館本身環境蓬勃生長。而那兩綑至今不斷探問「缺席的存在」的黑紅絲線，此次更剝開東方哲學，化「空」為視覺沉思，在流瀉禪意的靜寂場館裡綻現生命力。

日本藝術家塩田千春（Chiharu Shiota）大型個展即日起至2025年8月31日於北京紅磚美術館展出。紅磚美術館館長閆士傑親力策劃，由藝術家根據館內環境，深度挖掘東方元素、充分調度在地材料，創作出一系列全新特定場域裝置。

《靜寂之空（Silent Emptiness）》籌備始於2018年，中間歷經5年的反覆調整與碰撞，完成了藝術家本人看來近年最好的一次展覽。不僅是對塩田千春「缺席的存在」這一核心命題的深化，更以她獨特的東方哲思與跨文化經驗為脈絡，將東方哲學中的「空」轉化為可觸可感的視覺沉思，亦在其創作生涯中尋找新坐標。再者，透過早期行為影像、為本展特別繪製的手稿等檔案資料的同步公開，觀者更可循跡回溯她「流離」之下獨特的藝術實踐歷程：作為日本人，如何從柏林一步步走入全球當代藝術視野，從方寸間的繪畫走向沉浸式大型空間裝置。

鹽的結晶，流離中的自我覺醒

作為長居柏林的藝術家，塩田千春的創作始終遊走於「東方基因」與「全球經驗」之間。她曾以「鹽的結晶」精準捕捉自己跨國身分的流動與凝結，而這種流離中的覺醒亦始終貫穿其創作。「在德國，我覺得自己學會了看到更多在日本時無法察覺的自我。例如，當妳把鹽水留在盤子裡，水分蒸發後，只剩下鹽。原本溶於水中、不可見的鹽開始結晶。我在日本時，作為個體是不可見的。在那片「水」中，我不知道自己是誰，不知道自己想做什麼，也不知道什麼是必要的。而來到德國後，我覺得自己終於成為了一個獨立的個體，如同結晶般清晰可見，並第一次真正理解了這些。」

生成於場館空間，6大作品重構「空」的詩學

自開放空間與流動氣韻凝塑出的「靜寂」精神，構建起了此次《靜寂之空》充滿詩意的場域。塩田千春特別強調紅磚美術館的空間特質，「它融合了東方園林的靜謐禪意與西方建築的秩序感，與我的文化背景產生難以言喻的共鳴。」再加上在其他場館難以實施的大膽手法（包括用水鋪滿主展廳、把兩面牆體鑿開巨大的洞等），愈發體現創作者本身對「空」的深刻理解。恰如策展人閆士傑所述，「塩田的每件作品都將充分與紅磚的建築空間完美融合，轉化為深邃的場域空間，共同構建了一個關於『存在』的終極追問，導向東方哲學中對『空』的悟化。」

▍空間裝置

#01〈多重現實〉

以7件連衣裙為載體，既是對「第二層皮膚」的隱喻，亦是對「肉身消逝後靈魂起舞」的追問。藝術家落下註解：「衣服承載個體的記憶、情感與經歷，是自我的延伸。」當空蕩的衣裙在昏暗的房間裡緩緩旋轉，倒影在平靜的水面上，像一場缺席之舞；肉身消失，但仍能從裙擺的運動中感受到其存在。正呼應藝術家自己對「缺席的存在」的詮釋——事物的缺席並非消亡，而是融入更遼闊的宇宙，重新參與時間的流轉，與萬物相連。

#02〈意識的蛻變〉

水面上一條蜿蜒的石墩小徑通向一個柔光絲滑下墜的黑暗房間，蝴蝶正從軀殼般的身體中剝離，引入莊周夢蝶的哲思；並通過懸浮的蝶翼與殘留體溫的床鋪，挑戰肉身與意識的二元對立。承藝術家之言，「每一次入睡都是死亡的預演——一次超越身體的旅程。」在這裡，「空」恰似生死界限的消融。

#03〈通往靜寂之門〉

以藏傳佛教一座古老的門庭建築為主體，無數紅線穿越其中，衝破牆壁，撕裂物理空間的邊界，輾轉延伸至天際，彷彿一股無形的能量突破了物質空間的束縛，構建出一個超越現實的精神通道——紅線既是聯結的紐帶，亦是斷裂的痕跡。挑戰物質與精神的界限，邀請觀者進入一個沉思與悟化的空間。

塩田千春的紅線在此是依緣而顯、隨緣應物的當下覺知。——策展人閆士傑

#04〈時間的回響〉

取北京當地的天然洞石，賦予「時間」以物質形態。從巖石孔洞中冒出的黑線如波浪般在空間中翻湧成無垠的夜空、黑暗而炙熱的遠古大地——塩田千春以「線」隱喻時間對物質的侵蝕與重塑。而在東方文化中，石頭更關乎哲學與信仰，是人們理解宇宙、建構意義的載體。當3塊石頭佇立於同一空間時，便彷彿形成了一處小型遺跡，觀者能夠感知那席捲一切的時間洪流在空間中激蕩起的回響。

#05〈生根的記憶〉

再沿隱祕小徑入一溫熱空間，一艘來自河北邢台朱莊水庫的廢棄木船占據核心，船體裂縫中生長出一棵樹，紅色繩索如雨絲般垂落，滋養根系。塩田千春通過「樹從船中生」的意象，構建自然與人類活動的共生循環：樹是船的起源，船又是樹的搖籃，孕育出新的生命——物質的消亡恰是生命輪迴的起點。

#06〈灰燼中的聯繫〉

作為展覽最後一件作品，燒焦的椅子全被紅線連接起來，象徵人與人的關係看似分離卻仍保有看不見的聯繫，彷彿訴說著：即使缺席，依然能被感知；即使毀滅，痕跡依然存留。

▍行為影像

展覽還將展出塩田千春早期的行為影像，包括1999年的〈浴室〉與2010年的〈牆〉皆以身體為媒介探討跨國身分的認同。〈浴室〉中，清洗的徒勞揭示了記憶的頑固性，如同皮膚上的烙印，既是個體歷史的見證，也是無法剝離的身分存在；〈牆〉中，身體既是牆本身，又是被牆禁錮的對象，如紅線般密布身體表面正在流動的「血管」則揭示了界限的虛妄——牆可倒塌、線可斷裂，但生命的力量永遠在禁錮的裂隙中湧動。

答案在每一根絲線的震顫中

從行為到裝置，塩田千春大量使用纖維、舊物、泥土等超越地域標籤的媒材，表達記憶、焦慮、夢想、沉默等無形的事物，通過對身分、界限和存在等普遍概念的質疑，巧妙地將個體焦慮轉化為集體記憶，將文化疏離昇華為對人類存在困境的叩問。策展人閆士傑強調，「塩田千春的『空』不屬於任何地域，而是對人類存在困境的終極回應。這正源於她在流離中的自我覺醒，在覺醒與疼痛間爆發出驚人的能量。」

進入紅磚美術館《塩田千春：靜寂之空》，如入一場「悟空」的旅程——當物質消逝、軀體消亡、時間流逝，人類如何通過記憶、藝術與信仰，在無我的宇宙重構存在之錨？塩田千春的答案藏在每一根絲線的震顫中——斷裂與聯結本是一體，廢墟中亦可生長新生。

這不僅是一場展覽，更是一場哲學宣言。塩田千春以纖維為經、舊物為緯，編織出「空」的當代詮釋：

它非虛無，而是緣起性空的自由，直面生死後的慈悲。

空性如如，不礙萬法紛然。

塩田千春

1972年生於日本大阪，現居德國柏林。2015年代表日本參加第56屆威尼斯雙年展，2025年被授予日本藝術選獎文部科學大臣獎。其創作靈感往往來自個人經歷或情感，進而擴展為生命、死亡和關係等人類普遍關注的議題。她通過收集既存的日常物件，如鞋子、鑰匙、床、椅子和裙子，使它們被吞沒在巨大的線織結構中，重新定義了記憶和意識的概念；並藉裝置、雕塑、繪畫、照片、行為影像等多元媒材深刻探索「缺席的存在」命題，2001至今在日本及世界各地場館多有展出。

紅磚VOICE｜對話塩田千春

以下內容由紅磚美術館製作，本平台經館方授權轉載

文字採訪：李彥瑾

Q1 請用你自己的語言向觀眾闡釋展覽《靜寂之空》？

A：展覽《靜寂之空》延續了我一直以來的創作理念——缺席的存在。在紅磚美術館這樣一個空曠而沉靜的空間中，我試圖喚起種種「存在」的感知：石頭承載的記憶、船體積累的時間、藏地古門的歷史、旋轉的巨大裙子汲取的能量，還有作品〈意識的蛻變〉中夢境與現實交織的邊界。展覽最後一件作品〈灰燼中的聯繫〉中，所有的椅子都被紅線連接起來，象徵著人和人之間即使看似分離，也仍保有看不見的聯繫。這些作品共同編織出一個關於「空」與「存在」的完整敘事。

Q2 在展覽《靜寂之空》中，你的作品如何與紅磚的空間對話？

A：這次展覽的策展人是紅磚美術館的館長閆士傑，籌備初期，我們就進行了多次深入的溝通。比如說他會提供大量可用於創作的材料和空間資料，我會根據材料分享我希望探索的方向。我們就這樣反覆溝通、碰撞、提煉，最後形成了如今的展覽。這次的作品確實是根據紅磚美術館的空間關係因地制宜進行在地創作。比如，〈多重現實〉的展廳設有一方水池，盡頭是一扇小門，觀眾通過它可以看到旁邊〈通往靜寂之門〉的門庭。這個視角製造出一種奇異的錯覺：入口與出口似乎共存於同一時空，引導人通往一個未知的世界。

Q3 今年你有多個展覽同開，比如巴黎大皇宮的展覽《顫動的靈魂》，與《靜寂之空》有什麼區別？

A：巴黎大皇宮的展覽在4月19日剛剛結束，是我之前在日本森美術館《顫動的靈魂》巡展，這個展覽圍繞「靈魂將前往何處」展開。展覽《靜寂之空》更側重於對東方文化基因的挖掘與植根，不僅是對紅磚美術館空間特質的呼應，也是我時至今日創作理念的延伸。我的作品中「缺席的存在」與東方哲學中的「空」相通，缺席並非消亡，而是融入更遼闊的宇宙，重新參與時間的流轉，與萬物相連。

Q4 這次在紅磚布展你親自參與長達半個多月，與以往展覽有什麼不同的體驗？

A：其實在日本和歐洲做展覽會比較像，展覽往往早早規劃好，按部就班推進，一切似乎都在可控範圍內。但這次在紅磚的布展節奏非常不同，時間緊湊，挑戰很多，大家的力量凝聚在一起，把不可能的事變成現實，這是非常不可思議的。雖然很辛苦，但我覺得特別有意思。

Q5 你剛提到不可思議的事情，可以展開聊聊嗎？

A：作品〈生根的記憶〉最令我動容，我從沒有想像過一艘長出樹的船可以被「活著」搬到展廳；還有作品〈多重現實〉的展廳中引入了一方池水，這對我來說也是不可思議的。所以說，《靜寂之空》只有在紅磚美術館，才得以實現。

Q6 你之前的作品如〈內與外〉曾探討東、西柏林的分隔與連接，《靜寂之空》展覽中是否也有類似的文化或社區性？

A：在這次展覽中，〈時間的回響〉與中國文化有很深的連接。中國人對「石頭」的理解和情感投射是非常獨特的，比如人們會將精神、審美、情感寄託於一塊石頭上，再贈予他人，這種行為本身就富含文化性和地域性。在這件作品中，我嘗試捕捉這種文化情緒與物之間的隱祕共鳴。

Q7 你提到過很多藝術家都是在工作室完成作品，但你是在展廳中完成作品。對你來說，你通常會在工作室中做些什麼？

A：我的工作室基本上就是存放材料的地方。我會在裡面選擇我作品的材料，做小範圍的試驗。如果試驗成功了，這個模型就會成為之後在美術館空間中展出的範式。我的作品與空間本身密不可分，或者可以說是在現場「生成」的。

Q8 你從上世紀90年代末就一直在柏林生活、創作，為什麽選擇定居柏林？

A：我在德國生活，因為語言不通，反而讓我感覺藝術環境更加自由與放鬆。而且德國經歷二戰後長期在反思歷史，這種文化氛圍會讓大家更能接受真實的自己和彼此的差異。在這樣一個文化背景下，我可以更坦然地理解差異，更清晰地認識自己，也更本真地回應周遭。

Q9 你說過不願自己被貼上「女性藝術家」的標籤，為什麼？

A：我不想被任何標籤限制。現在全球有很多專為女性藝術家舉辦的展覽，但我不太願意參與。我還在日本生活的時候，對於自己是一位女性常常感到自卑，但當我去到柏林生活後，這種自卑感漸漸消失了。我並不是在否定女性主義，而是希望藝術家被看見是因為作品本身，而不是因為性別身分。

Q10 你希望觀眾在看完《靜寂之空》後有何所思所想？

A：我的願望非常單純，希望所有來看展覽的觀眾都會喜歡上藝術。讓他們覺得藝術是很簡單、很有趣的一件事，如果這個展覽能讓觀眾想要去看更多當代藝術，對我來說這就足夠了。

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