2025「台北當代藝術館」看什麼？英國建築師Peter Cook、豪華朗機工等10+精選展覽

台北當代藝術館（以下稱當代館）公布2025年展覽計畫，除了延續每年一度的「街區藝術計畫」，也將策劃4檔主題展，包含臺灣中新生代藝術家群展、豪華朗機工創作展等，探討主題從藝術純粹的力量、災難、人與非人物種間的感官差異，到媒體識讀、香港反送中事件重構等針對當代社會文化的反思，激發觀眾對於藝術、科技、社會與文化交織的深度思考。以下分別望向各展覽亮點：

臺灣藝術家群展《No Language》｜度過不說話的一天

文字語言是人們賴以溝通的工具，但單靠文字有時難以完全表達內心感覺和想法，而藝術就像是一種「沒有語言」的方式，能直接觸動內心。如果把參觀展覽當作一段旅程，《No Language》就像是「不說話的一天」——不需言語交流，也不存在理解與否的問題。本展邀集臺灣中生代與新生代創作者，透過其作探索如何在語言系統中成為「他者」，傳達藝術純粹而直觀的力量，邀請觀者在無語言的空間中，化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受，展開一段與內心對話的旅程。

展期｜2025/1/17～5/4

策展人｜黃彥穎

參展藝術家｜江忠倫、何彥諺、吳聯吟、李婷歡、崔廣宇、陳松志、陳為榛、陳萬仁、黃立穎、黃海欣、黃萱、廖建忠、劉文瑄、蘇育賢

《安全室》｜災難總在，我們如何與世界共存？

當代館推行「青年藝術計畫」即將邁入第五年，2025年將推出2檔策劃展，持續為青年創作者及策展人提供專業的展覽平台，凸顯新世代的獨特觀點。其中《安全室》以「災難」為主題，探討人類如何在面對自然和人為災難時，與環境共存及適應。展覽使用「安全室」這一建築概念，反映社會空間中的控制與監控，並反思災難後的治理與生活。參展藝術家的作品涵蓋影像、裝置、聲音等媒材，試圖以軟性的⽅式指涉國家⾄社會的空間政治裡，我們如何與隱匿在控制背後的世界共同⽣活。

展期｜2025/5/24～9/7

策展人｜林裕軒

參展藝術家（暫定）｜王煜松＋地震寫生團、湯雅雯、張程鈞、劉芳一、張宸瑋、李奧納多・布爾吉・特諾里奧（瑞士）等

《環世界觀測日誌》｜藝術與科學共作，潛入萬物的視野

當代館「2025青年藝術計畫」展覽之一。不同物種的感官差異與能力極限，非常直接地形塑了他們所經歷的世界。本展藉由藝術家的創作之眼以及與科學家的合作，帶領觀眾進入不同動物、植物、微生物的感官所構築的「環世界」之中，思考感官差異如何塑造我們的世界觀，並謹慎尋找人類與非人物種共存的可能平衡。

展期｜2025/5/24～9/7

策展人｜林承緯

參展藝術家｜王懷遠、羅晟文、羅伃君、姚睿蘭、葉采薇、王永安、李宸安、Timothy Thomasson（加拿大）、詹宏祿

豪華朗機工創作展｜舊作新演繹，展現創作的生命韻律

作為臺灣最具代表性的當代藝術團體之一，豪華朗機工的作品常見於台灣各大藝術季與設計展。此次個展以「自然迭代」為核心，聚焦於豪華朗機工對15件經典舊作的重新詮釋，看團隊如何將原作融入新的技術、媒材及合作方式，轉化為當下的時代語彙，探索時間賦予藝術的新生命與視角，讓作品在過去、現在與未來之間展開對話，展現生命進化的動態之美。

展期｜2025/9/20～12/28

參展藝術家｜豪華朗機工

2025街區藝術計畫「當街典藏展」

2012年起，當代館開啟與鄰近街區合作的展覽項目，透過藝術家的作品或展演活動，走出白盒子，在日常生活中製造各種與藝術相遇的可能；經過十幾年累積，歷年展出過的藝術作品與其曾經設置的地點，在地圖上逐漸地勾勒出一個既模糊也清晰的藝術場域。為了呈現這樣的場域，「2025街區藝術計畫」將虛構一個「當代藝術館街區典藏庫房」，簡稱「當街典藏展」，展覽重點在於「當街」而非「典藏」——藝術家現地創作的作品，嘗試「當街」對話，也嘗試與過往的每一次「當街」相互參照；作品的意義不僅是「物」的詮釋和解讀，更源自作品從開始設置到離開現場期間，一同討論、溝通和協商的參與者。

展期｜2025/10/4～11/30

策展人｜走路草農／藝團

參展藝術家（暫定）｜石梓廷、李佩瑜、孫知行、郭品君、陳為榛、陳世育、劉紀汎、劉紀彤

MoCA Studio 當代實驗展場｜探討時間、社會變遷、媒體釋讀等命題

MoCA Studio實驗展場每年公開徵選展覽提案，2025年4檔展覽將探索光、聲音、空間、文化與社會變遷等多重議題，包含：韓國藝術家Ligyun個展《Chrono Eclipse》，透過聲光與空間的互動，探索時間的非線性結構；英國建築大師Peter Cook個展《山 / 市》以作品呈現臺灣的雙重面貌——西部都市的繁忙與東部山脈的神秘，藉「秘密街道」與「包容性景觀」兩部分，探索臺灣獨特的地理與文化景觀；吳建興個展《黑手煉金術V》以自身與父親共同修復汽車零件的經歷為靈感，透過對車體殘破零件的再造，探討傳統工藝在現代化進程中的轉型；《無中生有料理站》大型互動裝置則由藝術家莊毅柔、策展人林婕穎合作，邀請觀眾扮演新聞製造者、評論員等角色，透過討論與批判假新聞，反思資訊過載時代下媒體識讀的重要性。

MoCA Video 當代影像聚場｜探討城市文化、個人情感等主題

聚焦於影像藝術創作的MoCA Video，將透過6檔展覽探討城市文化、歷史再現、個人情感等多重議題，包含：香港藝術家李鈺淇個展《散落在異國海洋的星空》以細膩的手繪動畫捕捉香港社會的微觀敘事，探討城市中的變遷與個人的情感記憶；林俊耀個展《檔案重製》回顧2019年香港反送中運動後的集體記憶，運用重製照片與影像重新詮釋歷史事件，並反映香港的政治變遷與社會情境；謝宇喬個展《帷幕之外：重構的現實》探討數位媒體如何塑造全球化中的文化與認知；印度藝術家Sameer Tawde個展《Dialogues of an Introvert》以日常物品與環境的迷你場景，呈現現實與幻想之間的張力，探索自我與外部世界的疏離感等。

此外，當代館亦針對12歲以下的親子觀眾打造全新「U12小玩藝空間」，邀請均勻製作總監胡忻儀設計「展覽製造所」，讓小朋友透過材質觸摸、感知探索與互動體驗，了解展覽誕生的過程，激發他們對藝術創作的興趣與想像。2025年的當代館，無論對大人小孩來說，都將是更有趣精彩的所在。

由臺中市政府與國巨基金會共同主辦的國際特展「蠍子與青蛙：國巨基金會典藏展」，將於今年11月在臺中市立美術館登場。本次展出精選自國巨基金會典藏、共計66件橫跨文藝復興至當代的東西方經典作品，其中有55件作品首度於臺灣公開展出。早鳥票將於10月15日上午9時起至11月19日限時販售。

集結34位國際藝術家作品

本次「蠍子與青蛙：國巨基金會典藏展」集結34位參展藝術家，涵蓋丁托列托（Jacopo Tintoretto）、阿爾泰米西婭・簡提列斯基（Artemisia Gentileschi）、 古斯塔夫・克林姆（Gustav Klimt）、巴布羅・畢卡索（Pablo Picasso）、馬克・羅斯科（Mark Rothko)、安迪・沃荷（Andy Warhol）、大衛・霍克尼（David Hockney）及傑夫・昆斯（Jeff Koons）等國際知名藝術家。展覽透過跨時代、跨媒材的作品並置，重新探討理性、本能等議題，邀請觀眾從不同時代作品的相互映照中，以嶄新的視角重新觀看藝術史上重要的藝術家經典作品。

以寓言隱喻開啟新的觀看方式

本展由常駐紐約的菲利普・拉瑞特－史密斯（Philip Larratt-Smith）策劃。他現任伊斯頓基金會（The Easton Foundation）策展人，負責路易絲・布爾喬亞（Louise Bourgeois）藝術遺產相關策展工作，近年曾策劃上海龍美術館的路易絲．布爾喬亞大型回顧展等著名藝術家國際展覽。

展名「蠍子與青蛙」源於一則俄國寓言，講述蠍子請求青蛙載牠渡河，卻因無法違背本性，在渡河途中螫傷青蛙，最終雙雙沉沒的故事。青蛙象徵理性與道德，蠍子則代表欲望、命運與人性。策展人以俄國寓言「蠍子與青蛙」為隱喻，並以「身心之別」作為選件的核心原則，將不同時代、文化與媒材的作品編排成20組對話，藉由故事中理性與本能的辯證，展開跨越時空的藝術對話。展覽從作品之間的視覺呼應與意義關聯出發，呈現不同作品如何彼此回應、重新詮釋，引導觀眾思考理性與本能、身體與心智之間的關係。 

從作品並置探索人性多重面貌

策展人將20世紀最具影響力的人物畫家法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉（Study for a Pope VI）與文藝復興晚期威尼斯畫派最具代表性的藝術家之一丁托列托所繪的〈樞機主教馬坎托尼奧．達．穆拉肖像〉(Portrait of Cardinal Marcantonio da Mula)並置於同一展間。培根以扭曲、變形的人物形象重新詮釋傳統宗教肖像，呈現人物內在的不安、焦慮與精神張力，也使其「教宗系列」成為20世紀藝術史的重要經典。策展人將這組相隔4個世紀的畫作並置於同一展間，凸顯了丁托列托筆下寫實與客觀的教宗權威形象，並與培根作品中所呈現的心理張力形成鮮明對照。

常玉〈裸女背像〉與馬克・羅斯科〈第7號〉（No.7，1951）及〈無題〉（Untitled，1955）3件作品並置，展現兩位藝術家在形式上的巧妙對照。常玉以水平分界構成畫面，運用粉紅與橙紅色調，與羅斯科畫中的白色與橙色相互輝映，其細膩而纖柔的筆觸，也與羅斯科作品中色塊邊緣柔和而富有變化的效果相近。兩位藝術家皆以色彩為重要的表現元素，而常玉畫作中流露的靜謐，也與羅斯科試圖透過作品表達的精神境界形成呼應。 

另一組作品則從家庭與生命記憶出發，將格哈德・里希特（Gerhard Richter）〈瑪莉安阿姨〉（Aunt Marianne，1965）與路易絲・布爾喬亞（Louise Bourgeois）〈蜘蛛〉（Spider，1994）相互對照。里希特以一張家庭照片為創作基礎，描繪阿姨瑪莉安與仍在襁褓中的自己，看似溫馨的家庭影像背後，卻隱含瑪莉安日後遭納粹「安樂死」計畫殺害的家族創傷。出生於掛毯修復家庭的她，將母親修補織物的工作與蜘蛛織網的意象相連，並延伸成修復、保護與母職的意涵。兩件作品看似迥異，卻皆以隱晦的方式梳理著自我與家庭的連結：里希特的畫作呈現家族歷史與社會、政治創傷的交會，而布爾喬亞的雕塑是母子關係的象徵性再現，同時也是對藝術家所稱「家庭病毒」(the family virus)的隱晦指涉。 

霍克尼雙人肖像首度在台亮相

本展另一件點睛之作，則是今年辭世的英國藝術家大衛・霍克尼的雙人肖像〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉（Christopher Isherwood and Don Bachardy）。此作為霍克尼備受推崇的雙人肖像系列代表作之一，亦是首次在臺灣公開展出的重要作品。霍克尼細膩地描繪英國作家克里斯多福・伊舍伍德（Christopher Isherwood）與其伴侶的情感關係，畫面採取古典式構圖，畫中的戀人各自獨立、相隔而坐，卻又彼此相依，巧妙映照出本展理性與本能相互消長的核心命題。

世界級名作走進中美館

另外，本次展覽匯集多件橫跨不同時代的藝術名作，呈現藝術家各具特色的創作語彙。巴洛克時期重要女性藝術家阿爾泰米西婭・簡提列斯基(Artemisia Gentileschi)〈沉思中的抹大拉馬利亞〉（Mary Magdalen in Meditation）描繪沉浸於冥想中的抹大拉的馬利亞，十字架、骷髏與《聖經》等物件環繞其側，透過豐富色彩與強烈明暗對比，展現女性角色的自主性與意志。古斯塔夫・克林姆〈扶手椅上的女士 〉（Dame im Fauteuil）創作於1897至1898年間，是其藝術發展的重要作品，見證他逐漸擺脫學院派傳統、轉向更具實驗性的表達，並首度採用日後經常使用的正方形畫幅。畫中女子身著深紅色洋裝與帽子，臉部輪廓清晰，腰間的綠色與畫面左上方的兩張隱約臉孔，更為作品增添視覺層次與神祕感。 

進入20世紀現當代藝術，畢卡索（Pablo Picasso）〈男子頭像〉（Tête d'Homme）創作於1971年，以灰色、赭色與淺藍等色彩構成錯落的人物面部，搭配紅白相間的頭帶與張開的嘴，呈現藝術家晚年自由奔放的創作風格。安迪・沃荷（Andy Warhol）〈自畫像（驚悚假髮)〉（Self-Portrait (Fright Wig)）以深黑背景襯托面容與極具辨識度的銀色假髮，將個人形象轉化為鮮明的視覺標誌，展現他對公眾形象的經營。傑夫・昆斯（Jeff Koons）〈氣球狗（紅) 〉（Balloon Dog (Red) ）將平易近人的氣球造型放大至紀念碑式尺度，以光亮如鏡的表面映照周遭環境與觀者身影，將尋常物件轉化為引人注目的當代藝術作品。 

早鳥優惠10/15起限時販售

「蠍子與青蛙：國巨基金會典藏展」早鳥票將於10月15日上午9時起至11月19日限時販售，每張200元（原價300元）。票券依平日、假日提供不同選擇，平日採非預約票入場，假日及國定假日為維護觀展品質推出「假日預約時段票」，觀眾可選擇「假日預約時段票」或「非預約票」。預約時段票可事先選定觀展時段，並可由「優先通道」排隊優先入場；非預約票則無須預先指定時段，惟假日及國定假日須於「一般通道」待預約時段票入場結束後，依現場安排入場，讓觀眾可依行程規劃參觀時間。票券皆可於綠美圖1樓服務檯售票櫃檯及官方網站購買，非預約票另可透過KKday、Klook、GetYourGuide、Trip.com、易遊網、雄獅、ibon、Famiport、中台灣好玩卡等平臺選購。

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蠍子與青蛙：國巨基金會典藏展
時間：2026年11月20日至2027年4月4日
地點：臺中市立美術館｜展覽室D、E
開放時間：每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00，國定假日照常開放
早鳥票定價200元 (10月15日上午9時起至11月19日下午4時30分限時販售)
售票連結請點此

_{資料提供｜中美館、文字整理｜Adela Cheng}

2025年於日本京都 ddd gallery 登場的《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》，由香港平面設計師、策展人毛灼然（Javin Mo）與現居大阪的設計師、策展人及編輯後藤哲也（Tetsuya Goto）共同策展。今年跨出日本，由NOKE忠泰樂生活、明日製作所攜手公益財團法人 DNP 文化振興財團（DNP）移師台北，即日起至11月9日在NOKE 3F Uncanny 展出。

從漢字文化圈到「台北」

《C-GRAPHIC/TAIPEI》源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書，其中「C」代表「Chinese」，從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計；發展成展覽時，則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」，並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品，也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響，以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

延伸閱讀：京都ddd gallery《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽現場直擊：台灣設計在日本人眼中，有哪些好奇與獨特之處？

策展人如何觀看這座城市？

對後藤哲也而言，觀看台灣設計的起點，可以追溯至聶永真、王志弘等較早一代設計師，從設計介入公共議題，到漢字、日文與出版設計之間的重新詮釋，都讓他看見台灣平面設計與社會、文化之間緊密的連結。後藤哲也表示：「台灣的年輕世代設計師，常有機會直接參與政府、公共及大型文化活動的主視覺，展現出個人工作室與公共性高度對話的獨特動能。」而對毛灼然來說，他則認為：「風格極其多元且不受拘束。正如展覽主視覺所呈現的，我們大膽運用了呼應台灣『廟宇、夜市、煙火』等在地生活風景的強烈色彩組合，精準體現了當代台北新生代設計不墨守成規、敢於碰撞與實驗的視覺能量。」

首度跨出日本、落腳台北

 《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽首度跨出日本，首站即選擇台北作為落腳處，並非將原有內容原封不動地移植，而是重新回到這座曾經被「觀看」的城市，讓展覽內容更加多元豐富。台北站除原有10組設計師外，進一步擴充至15組，透過不同世代、文化背景與創作方法的交會，呈現更加豐富多元的設計樣貌。展覽不僅呈現了當代台北平面設計的多元創作光譜，也讓觀眾能從不同視角，理解設計如何回應城市文化、社會議題與日常生活，並深入認識當代創作者在不同媒介與領域之間持續探索的實踐樣貌。

同步展出《gggBooks》世界設計典藏

 除了聚焦台北當代平面設計，本次展覽也將觀看視角從台北延伸至世界，展出近40冊由公益財團法人DNP文化振興財團出版的《gggBooks》（World Graphic Design Series／世界平面設計系列）。《gggBooks》系列迄今已累積發行147輯，被譽為一座「微型畫廊」，精選收錄了日本及海外頂尖平面設計師的代表作，匯集充滿獨特個性的視覺內容。本次展覽是台灣首次有系統、大規模地展出此系列叢書，讓觀眾除了能欣賞台灣平面設計師的作品外，也能透過這些書頁窺見世界的設計脈動。

匯聚多位 AGI 台灣會員

值得一提的是，本次策展及參展陣容中，更匯聚多位國際平面設計聯盟 AGI（Alliance Graphique Internationale）會員。AGI 於1952年成立於巴黎，被視為國際平面設計界極具代表性的專業聯盟，會員須經現任成員推薦、審查及投票通過，70多年來全球僅有約500位設計師獲選。此次策展人毛灼然，以及參展設計師葉忠宜、HOUTH何婉君、洪彰聯皆名列其中；在台灣目前僅10位正式會員的情況下，本展即集結其中3位台灣會員，展現2020年代台北平面設計在國際設計脈絡中的能見度與創作實力。

C-GRAPHIC/TAIPEI

展期｜2026年10月8日－11月9日
時間｜週日－週四 11:00–21:30；週五－週六 11:00–22:00
地點｜NOKE 忠泰樂生活 3F Uncanny｜台北市中山區樂群三路200號 (捷運劍南路站)
票價｜NT$100（限 Uncanny 現場購票）

_{資料提供｜NOKE忠泰樂生活、文字整理｜Adela Cheng}