台北當代藝術館（以下稱當代館）公布2025年展覽計畫，除了延續每年一度的「街區藝術計畫」，也將策劃4檔主題展，包含臺灣中新生代藝術家群展、豪華朗機工創作展等，探討主題從藝術純粹的力量、災難、人與非人物種間的感官差異，到媒體識讀、香港反送中事件重構等針對當代社會文化的反思，激發觀眾對於藝術、科技、社會與文化交織的深度思考。以下分別望向各展覽亮點：

臺灣藝術家群展《No Language》｜度過不說話的一天

文字語言是人們賴以溝通的工具，但單靠文字有時難以完全表達內心感覺和想法，而藝術就像是一種「沒有語言」的方式，能直接觸動內心。如果把參觀展覽當作一段旅程，《No Language》就像是「不說話的一天」——不需言語交流，也不存在理解與否的問題。本展邀集臺灣中生代與新生代創作者，透過其作探索如何在語言系統中成為「他者」，傳達藝術純粹而直觀的力量，邀請觀者在無語言的空間中，化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受，展開一段與內心對話的旅程。

展期｜2025/1/17～5/4

策展人｜黃彥穎

參展藝術家｜江忠倫、何彥諺、吳聯吟、李婷歡、崔廣宇、陳松志、陳為榛、陳萬仁、黃立穎、黃海欣、黃萱、廖建忠、劉文瑄、蘇育賢

《安全室》｜災難總在，我們如何與世界共存？

當代館推行「青年藝術計畫」即將邁入第五年，2025年將推出2檔策劃展，持續為青年創作者及策展人提供專業的展覽平台，凸顯新世代的獨特觀點。其中《安全室》以「災難」為主題，探討人類如何在面對自然和人為災難時，與環境共存及適應。展覽使用「安全室」這一建築概念，反映社會空間中的控制與監控，並反思災難後的治理與生活。參展藝術家的作品涵蓋影像、裝置、聲音等媒材，試圖以軟性的⽅式指涉國家⾄社會的空間政治裡，我們如何與隱匿在控制背後的世界共同⽣活。

展期｜2025/5/24～9/7

策展人｜林裕軒

參展藝術家（暫定）｜王煜松＋地震寫生團、湯雅雯、張程鈞、劉芳一、張宸瑋、李奧納多・布爾吉・特諾里奧（瑞士）等

《環世界觀測日誌》｜藝術與科學共作，潛入萬物的視野

當代館「2025青年藝術計畫」展覽之一。不同物種的感官差異與能力極限，非常直接地形塑了他們所經歷的世界。本展藉由藝術家的創作之眼以及與科學家的合作，帶領觀眾進入不同動物、植物、微生物的感官所構築的「環世界」之中，思考感官差異如何塑造我們的世界觀，並謹慎尋找人類與非人物種共存的可能平衡。

展期｜2025/5/24～9/7

策展人｜林承緯

參展藝術家｜王懷遠、羅晟文、羅伃君、姚睿蘭、葉采薇、王永安、李宸安、Timothy Thomasson（加拿大）、詹宏祿

豪華朗機工創作展｜舊作新演繹，展現創作的生命韻律

作為臺灣最具代表性的當代藝術團體之一，豪華朗機工的作品常見於台灣各大藝術季與設計展。此次個展以「自然迭代」為核心，聚焦於豪華朗機工對15件經典舊作的重新詮釋，看團隊如何將原作融入新的技術、媒材及合作方式，轉化為當下的時代語彙，探索時間賦予藝術的新生命與視角，讓作品在過去、現在與未來之間展開對話，展現生命進化的動態之美。

展期｜2025/9/20～12/28

參展藝術家｜豪華朗機工

2025街區藝術計畫「當街典藏展」

2012年起，當代館開啟與鄰近街區合作的展覽項目，透過藝術家的作品或展演活動，走出白盒子，在日常生活中製造各種與藝術相遇的可能；經過十幾年累積，歷年展出過的藝術作品與其曾經設置的地點，在地圖上逐漸地勾勒出一個既模糊也清晰的藝術場域。為了呈現這樣的場域，「2025街區藝術計畫」將虛構一個「當代藝術館街區典藏庫房」，簡稱「當街典藏展」，展覽重點在於「當街」而非「典藏」——藝術家現地創作的作品，嘗試「當街」對話，也嘗試與過往的每一次「當街」相互參照；作品的意義不僅是「物」的詮釋和解讀，更源自作品從開始設置到離開現場期間，一同討論、溝通和協商的參與者。

展期｜2025/10/4～11/30

策展人｜走路草農／藝團

參展藝術家（暫定）｜石梓廷、李佩瑜、孫知行、郭品君、陳為榛、陳世育、劉紀汎、劉紀彤

MoCA Studio 當代實驗展場｜探討時間、社會變遷、媒體釋讀等命題

MoCA Studio實驗展場每年公開徵選展覽提案，2025年4檔展覽將探索光、聲音、空間、文化與社會變遷等多重議題，包含：韓國藝術家Ligyun個展《Chrono Eclipse》，透過聲光與空間的互動，探索時間的非線性結構；英國建築大師Peter Cook個展《山 / 市》以作品呈現臺灣的雙重面貌——西部都市的繁忙與東部山脈的神秘，藉「秘密街道」與「包容性景觀」兩部分，探索臺灣獨特的地理與文化景觀；吳建興個展《黑手煉金術V》以自身與父親共同修復汽車零件的經歷為靈感，透過對車體殘破零件的再造，探討傳統工藝在現代化進程中的轉型；《無中生有料理站》大型互動裝置則由藝術家莊毅柔、策展人林婕穎合作，邀請觀眾扮演新聞製造者、評論員等角色，透過討論與批判假新聞，反思資訊過載時代下媒體識讀的重要性。

MoCA Video 當代影像聚場｜探討城市文化、個人情感等主題

聚焦於影像藝術創作的MoCA Video，將透過6檔展覽探討城市文化、歷史再現、個人情感等多重議題，包含：香港藝術家李鈺淇個展《散落在異國海洋的星空》以細膩的手繪動畫捕捉香港社會的微觀敘事，探討城市中的變遷與個人的情感記憶；林俊耀個展《檔案重製》回顧2019年香港反送中運動後的集體記憶，運用重製照片與影像重新詮釋歷史事件，並反映香港的政治變遷與社會情境；謝宇喬個展《帷幕之外：重構的現實》探討數位媒體如何塑造全球化中的文化與認知；印度藝術家Sameer Tawde個展《Dialogues of an Introvert》以日常物品與環境的迷你場景，呈現現實與幻想之間的張力，探索自我與外部世界的疏離感等。

此外，當代館亦針對12歲以下的親子觀眾打造全新「U12小玩藝空間」，邀請均勻製作總監胡忻儀設計「展覽製造所」，讓小朋友透過材質觸摸、感知探索與互動體驗，了解展覽誕生的過程，激發他們對藝術創作的興趣與想像。2025年的當代館，無論對大人小孩來說，都將是更有趣精彩的所在。

從長居花蓮、對地震的感知記憶出發，台灣藝術家邱承宏用403花蓮大地震的斷垣殘壁，及其他震災後留下的建築遺構為材料，重構了書櫃、螺旋樓梯等生活物件，試圖在崩壞後，以物質材料為媒介、自身經驗為見證，建構一種生活新秩序。這片由災後廢墟重生的風景，現正於台北耿畫廊旗下藝術空間TKG+《柔韌之餘》展覽展出中。

為何以震災遺構為材？

台灣島位處環太平洋火山帶，地震等天災對生活在這座島上的人們並不陌生——從經歷震盪時的不安、面對生死的苦痛，到災後如何面對、感受、記憶那破碎後的日常，是伴隨台灣人成長經歷的個人和集體經驗。《柔韌之餘》主角藝術家——邱承宏，生於花蓮，現也在花蓮居住和工作，對此感受尤為深刻。

考古藝術家的記憶修補術

邱承宏的創作過程，如一場又一場「修補記憶」的歷程。他常以「考古探險」般的姿態，潛入時空縫隙，挖掘那些曾經存在的身影和軌跡，並將這些細膩觀察，透過裝置、雕塑生動地重塑，藉此發展一套獨到的「記憶修補術」。在《柔韌之餘》展覽中，邱承宏從長居花蓮的經驗出發，以地震倒塌建築中回收的鋼筋、磚瓦與混凝土為材料，重構出旋轉樓梯、櫃體結構、燈具等雕塑，這些作品悄然佇立展間，彷彿在災難崩壞後形成一種生活新秩序。

斷垣殘壁重生後的生活場景

展間內，〈失衡的螺旋〉像是一座扭曲的螺旋階梯，其造型取法自然界生命生成與自我複製的基本法則——以0、1、1、2、3、5、8……為節奏的費波那契數列，以及DNA雙螺旋結構。然而在此，螺旋不再穩定向上、循環不息，而是帶著偏斜與裂縫，顯露出斷裂、錯置與再生的痕跡。每一階梯面承載來自不同災難場域的殘片，表面以磨石子封存時間與磨損的痕跡，像是將強烈的地質運動，凝結為一種看似建構、實則失衡的螺旋結構。

而在作品〈夜與靈魂〉中，邱承宏將地震災後遺留的鋼筋與混凝土，轉化為書櫃與書本雕塑，構築出一座承載記憶的微型圖書館。邱承宏提及，這件作品揉合了他在高壓狀態下反覆出現的夢魘，以及2024年403花蓮大地震中倒塌建築所留下的斷垣殘壁。他將扭曲的鋼筋，重構成書櫃的骨架，把碎裂的混凝土、混合水泥重新鑄造成書本的形體，交織創傷、夢境、物質，與工作燈投射出的微光，讓空間迷漫著一股幽謐、近乎潮濕的氣息，彷彿某段被覆於瓦礫之下的時間重新滲出表層。

回到《柔韌之餘》這一題目，邱承宏作品之「柔韌」不只是以人本出發所展現的堅韌，更是關於材料作為一種見證，也關於雕塑作為一種當代紀錄，側寫下了這個時代人類、物質與自然之間依存又緊繃的關係。

回顧更多邱承宏的「記憶修補術」

《柔韌之餘》是一場邱承宏對於災難的「記憶修補」，再回溯他的其他作品，主題更為廣泛。如雕塑作品〈繡燕〉，源自2020年他在花蓮找到一批老舊的水泥動物雕塑，這些斑馬、豹、老虎……出自不知名工匠之手，外表粗糙滑稽，用料和比例缺乏考究，在70年代的台灣蔚為流行，常見於校園或遊樂空間。

邱承宏對這些動物雕塑的缺口、風蝕痕跡等「傷口」進行掃描，並利用3D列印將其放大200倍，做成磨石子雕塑，表面以混凝土、礦物、銅線縫補點綴，讓缺陷再次豐盈，令人工雕塑以「石」的形態回歸自然。在〈繡燕〉當中，邱承宏是穿梭回70年代台灣搬運記憶的時空行者，也是用雕塑重構記憶的工藝家。

雕塑是「經修補後的圓滿」

隨時代演變，雕塑早已不像在古典藝術中，單純作為紀念碑或宗教、英雄史觀的載體，而從「崇高」象徵逐漸轉向對現實處境的回應，開始觸及勞動、性別、族群與記憶等具體而微的生命經驗；媒材也從講求「永恆」的大理石、不鏽鋼等，擴延至工業材料、現成物等，甚至引入聲音和行動。

邱承宏的雕塑也是如此，他不用雕塑重現某種形體、指涉特定事件，並將金屬工具、災難遺跡、吊車等素材融入創作，以作品作為回應時間、空間、身體的媒介，具象化自身抽象意念的視野。對他而言，雕塑是「經由修補後的圓滿」，無論是將缺口與殘片重新修復，或是讓缺口透過藝術的形式獲得美學上的新生——這樣如日本「金繼」工藝中對「碎片與缺失的關懷」，貫穿了邱承宏的創作價值觀。

《柔韌之餘 — 邱承宏個展》

展期 | 2026.03.07－04.25

地點 | TKG+（台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）

由臺北市立美術館策劃之台灣館「鬱卒的平面：李亦凡」，即將在2026第61屆威尼斯國際美術雙年展於義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）展出，展期為2026年5月9日至11月22日，其中5月7日至5月9日開幕當週的下午將舉辦多場公眾活動，並於5月7日晚間舉辦台灣館開幕儀式。

藝術家李亦凡 × 策展人Raphael  Fonseca

本屆威尼斯雙年展台灣館由成長於網路技術萌芽期的藝術家李亦凡與策展人哈法艾爾・馮希卡（Raphael  Fonseca）組成，在數位轉型世代的背景下，同為見證者與觀察者，透過幽默與荒誕的敘事語境，提出不同於以往的觀看視角與當代觀點。展覽最初以葡萄牙語「Melancolia de tela」構思，指涉長期使用螢幕所產生的鬱卒狀態；隨著轉譯為中英文「鬱卒的平面（Screen Melancholy）」，在不同語境中展開新的意涵。「鬱卒」回應數位時代資訊過載與人工智慧快速發展所帶來的焦慮，同時映照人在螢幕介面中逐漸被扁平化的感知經驗與情緒狀態。

策展概念從李亦凡影像創作的發展脈絡抽絲剝繭，馮希卡追溯自第一件作品《海邊散步》（2011）至本屆威尼斯雙年展新作《鬱卒的平面》（2026）的創作軌跡，觀察其影像技術的演變與敘事節奏的轉變，並延伸至對當代數位文化的思考。他亦以西方藝術史視角加以詮釋，借鑑德國藝術家阿爾布雷希特．杜勒（Albrecht Dürer）1514年的版畫《憂鬱 I》（Melencolia I），將文藝復興時期對人類處境的思考延伸至當代科技與影像焦慮的探討。

反思知識的廣度與科技焦慮的當代處境

李亦凡生於臺北，目前正於荷蘭皇家視覺藝術學院（Rijksakademie van Beeldende Kunsten）駐村。長期自製影像開發工具，發展「數位操偶」創作方法，自2021年透過即時遊戲引擎進行創作，將動畫生產轉化為更具直覺性的過程，使影像成為個人且私密的探索與後設反思；李亦凡不僅在創作中檢視自身，也揭示影像背後的權力結構，重新檢視人與影像技術之間的關係，探討影像如何形塑人類感知。新作《鬱卒的平面》呈現藝術家創作實踐的關鍵新階段，集結多年鑽研的影像技術，在機械學習生成式人工智慧的細縫中尋求人性的本質，引導觀者反思知識的廣度與科技焦慮的當代處境。

作品回應普里奇歐尼宮邸的歷史與建築脈絡

台灣館自1995年設於威尼斯普里奇歐尼宮邸，這棟建於17世紀初與總督宮相連的監獄，是過往囚犯走向即將終生囚禁的牢房前的必經之路。李亦凡試圖回應普里奇歐尼宮邸的歷史與建築脈絡，將實體場域融入影像敘事，創作出前所未見之作。當觀者觀看作品時，承載著影像、聲響與雕塑的空間容器，彷彿重新召喚身體記憶，在虛實交錯的感知之中，讓觀者體驗「既觀看、亦被觀看」的親密且具臨場感的觀看經驗。

映照千禧世代與科技之間的緊密關係

隨著步入展間，以一件長達60分鐘的全新影像裝置為核心，搭配兩件新作短影片，訴說一顆「眼球」返家的故事，探索眼球世代中個人與「影像」的層層關係，沉浸在藝術家私密的後設反思。李亦凡以一人即興讀白的口吻摻雜著教學影片的形式，提出對電腦動畫的講解與AI生成影像的思考，再延伸至「高雅」與「低俗」文化影像差異的討論，更透過不同人體器官重逢的對話，探討人工智能對人的影響。隨著劇情推進，場景不斷變換，在影片中普宮化為戲劇性的動力舞臺，交織慾望與恐懼，映照千禧世代與科技之間的緊密關係。

逐漸模糊「真實」與「數位」之間的界線

延續李亦凡長期對模型、數位操偶與模擬佈景構圖的興趣，他在實體展場內陳列著手掌、腳、頭、局部的腿與手臂等大型3D列印雕塑，與影像中角色的身體相互呼應。觀者在觀看影像的同時，也被這些誇張比例的身體碎片包圍，將空間轉化為戲劇性的後設舞台，營造出呼應著電腦生成影像的戲劇性解構場景，並可供觀眾坐下休憩，使「真實」與「數位」之間的界線逐漸模糊，展現台灣館不同以往的全新力度。

李亦凡表示：「我的創作始終源於個人情感，但這次我思考的是，這些私密情緒如何與同世代的人產生共鳴。我希望觀眾在《鬱卒的平面》中既展開一段孤獨的旅程，也共同面對這個由科技重塑、由演算法主導的世界。影像曾是如此重要，曾像是連接世界的窗戶，如今卻發現這個窗戶其實僅是一塊平面時，我們又該如何回應。」

馮希卡指出：「李亦凡透過即時引擎與建模系統等工具，解構影像生產技術的結構。當這條創作軌跡與他慣用的黑色幽默交織時，便揭示出一種在扁平螢幕前共享的憂鬱狀態。在身處於21世紀的四分之一末端，面對日益狹隘化的後虛構與數位自戀，李亦凡並未提供神奇的解方或道德化的回應，而是暗示每個人都兼具囚徒、操控者與偶的三重身分。就讓我們欣然接受這種處境的鬱卒，準備迎接如螢幕般扁平化的存在。一切才剛開始而已。」

另外，開幕當日下午將舉辦藝術家與策展人對談，分享展覽創作歷程。隨後，韓國藝術家洪銀珠（Eunju Hong）將帶來現場演出《She seemed devastated, when I was weeping with joy》，透過編舞探討憂鬱與身體動態的主題。

2026「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館 「鬱卒的平面：李亦凡」
展期：2026年5月9日至11月22日
2026年5月09日至9月30日，每週二至週日上午11 時至下午7時
2026年10月1日至11月22日，每週二至週日上午10時至下午6時
週一休館， 5/11、11/16特別開放
地點：義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni, Venice, Italy）
主題網頁：www.taiwaninvenice.org/2026