翻頁前，回望當代寫實這一路：毓繡美術館《我們走了十年》匯聚日本、義大利等48件典藏作，在南投山中編織光影與藝術

by Ning Chi 2026-03-18

毓繡美術館 南投 當代藝術 寫實 2026展覽
翻頁前，回望當代寫實這一路：毓繡美術館《我們走了十年》匯聚日本、義大利等48件典藏作，在南投山中編織光影與藝術

藏身南投山中的毓繡美術館發布2026年度計畫，上半年典藏展《我們走了十年》現正登陸主要展覽空間，匯聚曾到館辦展的18位藝術家共48件作品，並攜手台灣藝術家王妤璇策劃特別內容，回顧過去館方持續關懷偏鄉、深耕鄰里的諸多行動。另有衛星展《翻頁》於園區附設文創商店開啟相同展期，以各檔展覽製作物的延伸視角掀動10年記憶。

在白立方與黑盒子之間

足以促發想像、承載想像，乃至化想像為現實，「空間」顧名思義作為空白的場域，能發生任何事，也能不發生任何事；然藝術的無限可能，或許恰恰就在發生與不發生之間被孕育——無論用來指涉展場的白立方，抑或稱代劇場的黑盒子，確都指向這樣一種空的藝術容器。

承此概念，坐落南投草屯九九峰山腳下、建築群全採清水模打造的「灰」色毓繡美術館，如今適逢開館10週年之際，正嘗試藉策展形式挑戰寫實藝術底線，不懈深化自身為一處足以引領觀者不只為看展的強烈目的性而來，更願單純徜徉環境、駐足場館，聆聽光影的呢喃，感知藝術最真切的本質。

毓繡美術館坐落南投草屯九九峰山腳下。（圖片提供：毓繡美術館）
毓繡美術館坐落南投草屯九九峰山腳下。（圖片提供：毓繡美術館）
以長廊連綴的建築群全採清水模打造，形成與山林景致交融的灰色帶狀空間。（圖片提供：毓繡美術館）
以長廊連綴的建築群全採清水模打造，形成與山林景致交融的灰色帶狀空間。（圖片提供：毓繡美術館）

延伸閱讀：尋訪南投草屯祕境「毓繡美術館」：清水模建築、玻璃屋咖啡廳、當代寫實藝術策展，一趟都市人需要的五感體驗之旅

當代寫實藝術的10年里程碑

2026年1月正式樹起10年里程碑，館方於著手下一階段策展前，計畫先展開一次別具意義的總體回顧。追溯2015年興建完成、2016年對外開放以來，堅持向大眾推廣當代寫實藝術的設立宗旨，不僅已以私人美術館之姿，舉辦包括個展及聯展共近40檔展覽且同步典藏作品，甚在自然低調的營運方針下，逐漸「藝術會友」，與鄰里社群搭建信任，亦致力於偏鄉地區的兒童教育。相比所在位址草屯平林一帶這些年間經歷種種肉眼顯見的變遷，依舊與山相傍的毓繡美術館，倒在日常的反覆裡，生成抽象意義上諸多前有未有的可能。這些「發生」，於是被重整為下一個10年的靈感素材，透過2026上下半年兩期展覽與活動標記嶄新起點。

開館10年持續關懷偏鄉、深耕鄰里，毓繡美術館逐漸從最初不那麼被信任的「外來者」，成為在地居民的藝術之友。（圖片提供：毓繡美術館）
開館10年持續關懷偏鄉、深耕鄰里，毓繡美術館逐漸從最初不那麼被信任的「外來者」，成為在地居民的藝術之友。（圖片提供：毓繡美術館）

《我們走了十年》打頭陣，寓意回望與前行

農曆年後於展覽館率先亮相，預定持續至2026年8月23日的典藏與行動回顧展《我們走了十年》，依樓層鋪排18位海內外藝術家的48件精選館藏，揭露當代寫實創作的豐富樣貌，同時爬梳其內在精神和現世隱喻。

《我們走了十年》即日起至2026年8月23日展出，主視覺採用日本藝術家小笠原美環作品《中介空間》。（圖片提供：毓繡美術館）
《我們走了十年》即日起至2026年8月23日展出，主視覺採用日本藝術家小笠原美環作品《中介空間》。（圖片提供：毓繡美術館）

1F展區｜澳洲藝術家Sam Jinks X 日本藝術家小笠原美環 >> 台灣藝術家李足新

邁步進館，1F展區入口處為澳洲藝術家山姆詹克斯（Sam Jinks）的雕塑《跪著的女人》。原從事電影美術設計的詹克斯，善用樹脂、矽膠材料進行略小於真實尺度的超寫實創作，質地極其擬真。此作中臉面朝下跪臥的形體，發想自澳洲圓網蜘蛛的睡眠環抱姿態，進而汲取雌蛛的休眠、生產與死亡歷程，探索生命交替與循環。

1F展區。（圖片提供：毓繡美術館）
1F展區。（圖片提供：毓繡美術館）
（圖片提供：毓繡美術館）
（圖片提供：毓繡美術館）
澳洲藝術家Sam Jinks及其作品《跪著的女人》。（圖片提供：毓繡美術館）
澳洲藝術家Sam Jinks及其作品《跪著的女人》。（圖片提供：毓繡美術館）

周圍並置日本藝術家小笠原美環（Miwa Ogasawara）登上本展主視覺的繪畫《中介空間》。出身京都、年輕時移居德國，小笠原始終深受日本文化及在日成長經驗影響，創作多摻雜抽象思維於具象畫面，且觸及人性與世界觀等本質議題。

日本藝術家小笠原美環及其作品《中介空間》。（圖片提供：毓繡美術館）
日本藝術家小笠原美環及其作品《中介空間》。（圖片提供：毓繡美術館）

繞過中央展牆，2019年已故創館館長李足新的古典寫實作品映入眼簾。橫跨1992至2018年，其涵蓋裸女、老兵、馬、布幕、靜物與風景等主題的創作映現風格與心境的轉變，並繪有《平林秘境》一作留存毓繡美術館緣起故事。

台灣藝術家暨毓繡美術館創館館長李足新。（圖片提供：毓繡美術館）
台灣藝術家暨毓繡美術館創館館長李足新。（圖片提供：毓繡美術館）

2F展區｜台灣藝術家王妤璇

沿場館動線向上，2F展區營造截然不同的視覺感受。現居上海的台灣藝術家王妤璇，繼2022年參與毓繡美術館《無明》聯展後回歸策展，將葡萄、烏溪沙石、九九峰山巒等在地環境意象融入展場設計，在突顯該館與自然共存關係的同時，帶領觀者綜覽館方曾發起包括美感教育、文化體驗與社群連結等各面向行動，以及10年來逐步構成的藝術生態網絡。

台灣藝術家王妤璇。（圖片提供：毓繡美術館）
台灣藝術家王妤璇。（圖片提供：毓繡美術館）

視偏鄉藝術教育為重要發展目標，毓繡美術館自2016年開館即推出《我的美術課在美術館》計畫，由外部藝術家和館方導覽志工擔任教師，每年邀請範圍北至苗栗、南至嘉義，約10所偏鄉中小學到館上課，迄今累計近百所學校參與。2020年新冠疫情影響期間更進一步通過「藝術快遞」方案寄送教材，服務近30所學校。

王妤璇便秉持「減法」概念，搭配展牆上的葡萄園地圖及奇異生物符號演示上述實踐成果，讓觀眾直觀理解計畫運作全貌。圍繞「相遇」的核心題旨，另面展牆循3座沙洲如拓印般的紋理，投影毓繡美術館長期合作夥伴、平林社區及近年攜手的草屯地方創生青年欲對館方傾訴的話語；字句此起彼落，不指向特定項目，而是聚焦記述人與群體的連結。

2F展區。（圖片提供：毓繡美術館）
2F展區。（圖片提供：毓繡美術館）

隨時間、空間與人的流動，毓繡美術館亦孕育各樣參與式實驗內容。展場一隅故襯墊深藍牆面（下圖右側）播映「夜的美術館」展演與工作坊動態紀錄，並擺置山中市集、草屯走讀、繪本共學及食物藝術饗宴等活動相冊供自由翻閱。

（圖片提供：毓繡美術館）
（圖片提供：毓繡美術館）

3F展區｜台灣藝術家林煒翔 X 日本藝術家深堀隆介 X 捷克藝術家Zdenek Janda >> 義大利藝術家Nicola Samorì X 台灣藝術家徐均育

憑著對美術館更深一層的理解來到3F展區，將開啟另類觀看視角。展場被展牆劃分開來，台灣藝術家林煒翔筆下的寫意風景、日本藝術家深堀隆介（Riusuke Fukahori）運用立體繪畫技法創作的金魚，以及捷克藝術家茲德涅克揚達（Zdenek Janda）蘊含超現實氛圍的劇場式畫作，紛呈自然意象、時空錯綜和生死議題。

3F展區。（圖片提供：毓繡美術館）
3F展區。（圖片提供：毓繡美術館）
（圖片提供：毓繡美術館）
（圖片提供：毓繡美術館）

穿越拱門，空間轉向談論當代社會中的慾望、衝突與精神語彙，思考自然與文明的關係。義大利藝術家尼古拉薩莫利（Nicola Samorì）被解構的半身雕塑《薩提拉（森林之神）》首先匯聚目光。師承學院派，薩莫利以瑪瑙紋理和石材缺口重新詮釋文藝復興與巴洛克時期的大師之作，揭示圖像主體的脆弱性。最後，雕塑後方，由台灣藝術家徐均育交錯金屬線材所構築的社會群像收束。

義大利藝術家Nicola Samorì及其作品《薩提拉（森林之神）》。（圖片提供：毓繡美術館）
義大利藝術家Nicola Samorì及其作品《薩提拉（森林之神）》。（圖片提供：毓繡美術館）

4F展區｜澳洲藝術家Patricia Piccinini >> 日本藝術家鈴木貴彥 X 泰國藝術家Kusofiyah Nibuesa

除常規的3層展場，本展特別延伸至非典型空間。通往4F樓梯旁的私密房間內，藏有澳洲藝術家派翠西亞匹斯尼尼（Patricia Piccinini）的雕塑《迎接賓客》；她曾代表澳洲參加第50屆威尼斯雙年展，創作常觸及生物科技與人類基因議題。此作中刻畫的人物原型正是她的女兒，眼見女孩凝視奇異生物，看似詭譎卻傳達不帶異樣目光的純粹之愛。

澳洲藝術家Patricia Piccinini。（圖片提供：毓繡美術館）
澳洲藝術家Patricia Piccinini。（圖片提供：毓繡美術館）
其作品《迎接賓客》。（圖片提供：毓繡美術館）
其作品《迎接賓客》。（圖片提供：毓繡美術館）

4F高閣則呈現日本藝術家鈴木貴彥（Takahiko Suzuki）與泰國藝術家庫索菲亞尼布耶莎（Kusofiyah Nibuesa）作品。鈴木貴彥利用檳榔攤裝置描繪台灣街頭景觀，尼布耶莎則藉紙板雕塑《在Guelae的市場》再現泰南北大年傳統市場中多元族群共生的日常。兩者自然形成台灣與異地街景的對話，巧妙呼應毓繡美術館不斷探索並分享人本故事的願景。

泰國藝術家Kusofiyah Nibuesa。（圖片提供：毓繡美術館）
泰國藝術家Kusofiyah Nibuesa。（圖片提供：毓繡美術館）
其作品《在Guelae的市場》。（圖片提供：毓繡美術館）
其作品《在Guelae的市場》。（圖片提供：毓繡美術館）

《翻頁》進駐衛星展區，從展覽專刊與設計物件切題

展覽館幾步之外，作為衛星展區的文創商店規劃《翻頁》小型特展，陳列歷年展覽專刊、摺頁手冊，以及誕生自展覽概念的設計物件，回應《我們走了十年》大展。

文創商店獨立於展覽館外。（圖片提供：毓繡美術館）
文創商店獨立於展覽館外。（圖片提供：毓繡美術館）

「翻頁」一詞不僅為物理動作，更意在使來自多維時空的內容產生新意義。主視覺中鮮明的逆時針線條同樣點明「回望」之意，室內空間奠基飽和色調和幾何元素、重新編排書籍與物件，策動觀者身體，期待經由每個人的翻閱、觸摸甚或拾起賞玩，形塑時間、感官與文化交織的多重體驗。

《翻頁》與《我們走了十年》同步登場，主視覺中央逆時針線條亦象徵回望。（圖片提供：毓繡美術館）
《翻頁》與《我們走了十年》同步登場，主視覺中央逆時針線條亦象徵回望。（圖片提供：毓繡美術館）
展出內容包括歷年展覽專刊及延伸製作物。（圖片提供：毓繡美術館）
展出內容包括歷年展覽專刊及延伸製作物。（圖片提供：毓繡美術館）
（圖片提供：毓繡美術館）
（圖片提供：毓繡美術館）
如《無明》聯展杯墊（左）、《人造風景》聯展拼圖（右）等。（圖片提供：毓繡美術館）
如《無明》聯展杯墊（左）、《人造風景》聯展拼圖（右）等。（圖片提供：毓繡美術館）

毓繡美術館

南投縣草屯鎮健行路150巷26號

  • 開放時間：10:00-17:00，週一及國定假日休館、週四15:00閉館
  • 當期展覽：

10週年典藏與行動回顧展《我們走了十年》

- 展期：即日起至2026年8月23日

- 地點：展覽館

衛星展《翻頁》

- 展期：即日起至2026年8月23日

- 地點：文創商店

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整個展廳化為作品！藝術家賴純純個展《光成為海》臺東美術館登場，感受藝術與光影交融的生命能量

by La Vie 2026-05-02

2026展覽 台東展覽 賴純純
整個展廳化為作品！藝術家賴純純個展《光成為海》臺東美術館登場，感受藝術與光影交融的生命能量

藝術家賴純純全新藝術創作實驗個展《光成為海｜作品作為場》，於臺東美術館登場，她將整個展廳化為作品，讓觀眾也成為作品的一部分，歡迎人們走入現場，一同感受藝術與光影交融的生命能量。

展出巨型雕塑《希望之花》

藝術家賴純純創作橫跨繪畫、雕塑、空間裝置、觀念行動與公共藝術等領域，落腳臺東近20年的她，將對東海岸光線、海洋與土地律動的深刻體會，化為藝術的集大成呈現在這次展覽中。值得一提的是，賴純純在2025大阪世博展出的巨型雕塑〈希望之花〉也首度在臺東美術館的中庭展出，藉由光影折射，讓象徵生命力與希望的花朵，在臺東純淨的藍天下綻放，呈現夢幻般的繽紛色彩。

賴純純〈希望之花〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈希望之花〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
藝術家賴純純（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
藝術家賴純純（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈島嶼新生〉，2017（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈島嶼新生〉，2017（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

走入充滿生命能量的光影旅程

展覽共分為8個展區，從室內的深邃海色到戶外的陽光體驗，帶領觀眾進入一場充滿生命能量的光影旅程。展覽巧妙利用臺東美術館雙展廳的獨特結構，構築出完整的感知路徑。在山歌展廳以實驗性大型裝置作品〈光為山〉為核心，運用鋼材廢料構築主體，在挑高空間中，光影投射隨著時序持續轉化。

賴純純〈光為山〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

海舞廳則由〈光為海／黑潮〉的澎湃能量拉開序幕，作品利用鏡面底板的反射特性，觀者在不同角度凝視時，光影也將隨之流轉，彷彿海面上閃爍的粼粼波光，以極具張力的抽象視覺與材質特性，展現海洋深處洶湧搏動的生命力。

賴純純〈光為海〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為海〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純《光成為海｜作品作為場》海舞廳。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純《光成為海｜作品作為場》海舞廳。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無眼界〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無眼界〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

將不定期前往展場「加入新元素」

賴純純說，「這次於臺東美術館的展出意義非凡。臺東的光、海、空氣、時間節奏，以及山海相鄰的地理狀態，使『生成』不再只是抽象觀念，而是可以被感知、被經驗的存在著。」她更透漏，於展期間，會依循靈感不定期前往展場「加入新元素」，隨時調整與增添作品內容，讓多次造訪的觀眾一同感受藝術在時間流動中持續變化、生長，充分展現她推動的「自由生成美學」理念。

賴純純〈黑潮〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈黑潮〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無罣礙〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無罣礙〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

《光成為海｜作品作為場》賴純純個展 "Light Becoming Sea | The Work as Field"
展覽時間｜115年4月30日－6月14日  
展出時間｜週二至週日 09:00-12:00；13:30-17:00（週一休館）
展覽地點｜臺東美術館（臺東市浙江路350號）

資料提供｜臺東美術館、文字整理｜Adela Cheng

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北美館典藏研究展「物質世界」登場：跨越90年館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像

by La Vie 2026-04-30

2026展覽 台北展覽 北美館
北美館典藏研究展「物質世界」登場：跨越90年館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像

臺北市立美術館「物質世界」自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。本展由館內助理研究員馮馨策劃，以典藏作品為主軸，匯集29位不同世代藝術家的創作，展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件/組作品，最早自何德來1936年的油畫至今，創作年代跨越90年，其中包含3件全新委託製作，以及多件入藏後首次展出的典藏作品。

從1970年代布希亞（Jean Baudrillard）提出消費社會中的符號價值，到1990年代提姆．登特（Tim Dant）與貝爾納．斯蒂格勒（Bernard Stiegler）對物質實踐的進一步探討，物質早已不僅是被消費的對象或承載意義的符號，更在日常的操作、使用與感知過程中，衍生出各種技術形式，進而形塑人們的行動模式與社會樣態。以「物質世界」為題，本展試圖回望自農業社會轉向工商社會以來，物質的生產與流通如何深刻改變我們所處的生活環境與世界樣貌。

臺北市立美術館推出「物質世界」，自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。（圖片提供：北美館）
臺北市立美術館推出「物質世界」，自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。（圖片提供：北美館）

展覽空間依循由外而內、再回返感知的敘事路徑展開。首展區從物質消費與其機制出發，延伸至物件所構築的居所與城市的現代化進程，李明學的《溢出的記憶》將不同品牌的同款商品分別陳列於兩座不鏽鋼層架，如不同牌子、瓶子顏色同樣為藍綠色的洗衣精，使觀眾在觀看過程誤以為相同商品重複出現，進而探討視覺消費符號遺留的慣習，觀者依賴過往的視覺經驗來辨識物品，反而被相似的視覺暗示所欺騙；黃冠均的《黃》中，壓克力顏料脫離畫布，成為塑膠雨衣的材質本身，既回應熟悉的日常經驗，也凸顯創作媒材的物質性。

李明學，《溢出的記憶》，2019，超市與超商物件，尺寸依場地而定。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
李明學，《溢出的記憶》，2019，超市與超商物件，尺寸依場地而定。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
黃冠鈞，《黃》，2017，壓克力顏料、壓克力媒介劑，160 × 100 公分。私人收藏。（圖片提供：北美館）
黃冠鈞，《黃》，2017，壓克力顏料、壓克力媒介劑，160 × 100 公分。私人收藏。（圖片提供：北美館）

《流逝的歲月》與《巴黎閣樓-照見系列》分別為何德來與黃銘昌以自身居住於東京目黑區與巴黎的空間為創作主題，透過畫面色調與室內陳設物件，映照不同年代的情感、記憶與生活樣貌。白景瑞的《台北之晨（林強全新配樂版）》以錄像形式記錄1960年代臺北市井小民的生活景況，此次展出版本為2019年，由與創作年份同齡的音樂人林強重新配樂，以電子樂與實驗聲響，將現代精神融入昔日臺北景觀，展開一場跨越媒介與時代的對話。

何德來，《流逝的歲月》，1936，油彩、木板，33 × 24 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
何德來，《流逝的歲月》，1936，油彩、木板，33 × 24 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
黃銘昌，《巴黎閣樓—照見系列》，1978-1983，油彩、畫布、紙本。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
黃銘昌，《巴黎閣樓—照見系列》，1978-1983，油彩、畫布、紙本。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
白景瑞，《台北之晨（林強全新配樂版）》，1964，DCP，20分鐘。國家電影及視聽文化中心典藏。（圖片提供：國家電影及視聽文化中心與北美館）
白景瑞，《台北之晨（林強全新配樂版）》，1964，DCP，20分鐘。國家電影及視聽文化中心典藏。（圖片提供：國家電影及視聽文化中心與北美館）

第二展區則轉向由物而開展的奇想，透過物的變形與再解構，打開現實與潛意識之間的縫隙，使日常之物成為感知轉譯的媒介。黃文浩的《上帝與我》以機械式節拍器驅動取自經典作品《創世紀》中亞當與上帝之手，形成無法觸及彼此的循環，隱喻徒勞往復的焦慮與荒謬；賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則透過作品與命名的辯證關係，回應超現實主義藝術家馬格利特（Rene Magritte），進一步探討符號與對應物之間的張力。

黃文浩，《上帝與我》，1996，節拍器、雜誌紙，57 × 12 × 14.5公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
黃文浩，《上帝與我》，1996，節拍器、雜誌紙，57 × 12 × 14.5公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
賴九岑，《這不是瑪格利特的天堂》，2018，壓克力顏料、畫布，140 × 180 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
賴九岑，《這不是瑪格利特的天堂》，2018，壓克力顏料、畫布，140 × 180 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）

第三展區進一步聚焦人與物之間的辯證關係，從由物而體現的自我、聚集之物與其乘載到系統中的人與空間，觀察物如何滲入身體經驗、身份認同與當代社會結構。首次於1998年台北雙年展展出並被典藏的《超越認同》來自日本藝術家日下淳一，以30套懸吊的改造服裝構成，其中如帶有監獄式粗直條紋的西裝外套，指向衣物不僅決定外在形象，更影響個體的思考與人格認同；張照堂於1960年代創作的《存在與虛無》系列，實驗銀鹽相紙的媒材特性呈現詭譎而超現實的畫面構圖，回應其對生命、存在與虛無命題的思索。

日下淳一，《超越認同》，1994-1998，衣服、線，30套衣服。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
日下淳一，《超越認同》，1994-1998，衣服、線，30套衣服。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
張照堂，《存在與虛無I》，1962，銀鹽相紙，56 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
張照堂，《存在與虛無I》，1962，銀鹽相紙，56 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）

何采柔的《More》與湯雅雯的委託新作《揚起》，分別採集乾衣機中的棉絮與家中灰塵，轉化為毛衣與藝術裝置，將那些難以被察覺的微小變化，緩慢堆積成時間的痕跡。周育正《工作史－盧皆得》為2012年台北美術獎首獎並被收藏，內容圍繞在臨時工盧皆得，他的生命故事被印製成冊，而作品整體視覺的展陳結合他常穿的藍色格紋衫，反思創作勞動與工作勞動之間的異同。

何采柔，《More》，2016，乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆，42 × 42 × 78 公分。私人收藏（圖片提供：北美館）
何采柔，《More》，2016，乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆，42 × 42 × 78 公分。私人收藏（圖片提供：北美館）
湯雅雯，《揚起》，2023-2026，循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
湯雅雯，《揚起》，2023-2026，循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
周育正，《工作史—盧皆得》，2012-2013，壓克力彩、畫布、木板、印刷書。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
周育正，《工作史—盧皆得》，2012-2013，壓克力彩、畫布、木板、印刷書。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）

最終，第四展區回到感知與物件的堆疊，李傑的全新委託製作作品《People hate you for a reason》透過在空間中迴盪的流行音樂與自製聲響，以及投映於不織布地毯、不鏽鋼板與佈滿膠帶上的筆觸式影像，隨著觀眾在展場中的移動，生成多重媒介交錯堆疊下的觀看經驗，進一步思考感知如何被物質延展與重塑。

李傑，《People hate you for a reason》，2026，繪畫 (噴漆、粉彩、不鏽鋼板)、投影、不織布地毯、膠帶、壓克力、聲音及現成物，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
李傑，《People hate you for a reason》，2026，繪畫 (噴漆、粉彩、不鏽鋼板)、投影、不織布地毯、膠帶、壓克力、聲音及現成物，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）

另外，不同於中文展名對「物質世界」的直指，英文展名「Material Extensions」則試圖討論當代物質如何作為一種媒介，持續延展並擴張我們的日常知覺，並使展覽敘事形成一條由物質通往感知、再由感知重新理解物質世界的循環路徑。作為北美館典藏研究與展示脈絡的重要策劃之一，「物質世界」透過大量且珍貴的館藏作品，重新梳理不同世代藝術家如何回應物質、媒介與生活經驗的轉變，也凸顯典藏作品作為時代感知與社會樣貌見證的重要性。

物質世界 Material Extensions
2026.05.01－2026.08.16
地點：臺北市立美術館 2A、2B展覽室

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