美國雕塑藝術家Tony Matelli台灣首展《佈局》8/9登場:28件超寫實作品顛覆日常觀看,黑色幽默掀起存在主義恐懼

美國雕塑藝術家Tony Matelli台灣首展《佈局》8/9登場:28件超寫實作品顛覆日常觀看,黑色幽默掀起存在主義恐懼

藝術家「斷頭」、花瓶倒栽蔥、古典雕像被亂丟香蕉皮⋯⋯怎麼回事?以爭議性作品《Sleepwalker》廣為人知、同時憑藉刻意顛覆的黑色幽默手法備受推崇的美國雕塑家Tony Matelli即將首度來台舉辦個展。藝術總因不僅止於眼睛見到的這一層意義而發人深省,馬特利的創作亦是如此。覺得被荒謬到了?那更必要一探究竟。

▼ 先看代表作:Tony Matelli至今最為知名也尤具爭議性的雕塑作品《Sleepwalker》,曾因過於逼真而一度造成恐慌。
(圖片來源:Instagram @tonymatelli)
(圖片來源:Instagram @tonymatelli)

南投草屯山間一處靜謐之境,毓繡美術館將在2025年8月9日至2026年2月1日迎來美國藝術家Tony Matelli台灣首展《佈局》,28件雕塑與繪畫作品奠基充滿挑釁意味的創作語彙,並加以顛覆式的空間編排,邀觀眾共赴一場荒謬的觀看旅程。距開展尚餘一週時間,光主視覺已讓人在隱隱發笑和微微發毛間擺盪——作品吸睛毋庸置疑,但或許大家對創作者本人仍感到些許陌生,跟著本文同步了解藝術家背景與完整展覽資訊。

《托尼‧馬特利:佈局》將於2025年8月9日至2026年2月1日在南投毓繡美術館登場。(圖片提供:毓繡美術館)
《托尼‧馬特利:佈局》將於2025年8月9日至2026年2月1日在南投毓繡美術館登場。(圖片提供:毓繡美術館)

認識美國藝術家Tony Matelli

「超寫實主義」建構思辨性空間,探問存在主義命題

美國當代藝術家托尼‧馬特利(Tony Matelli),1971年生於芝加哥、現居紐約,創作靈感多源自對日常的情緒或情感,作品因此外化了他個人的反叛思維:看似批判體制、實則避而遠之,亦無意成為某種理論或意識形態的載體——如何使作品以浪漫主義式的精神與觀者產生內在連結,是他意欲實踐的核心思維。風格上一般被界定為「超寫實主義」(Hyperrealism,近乎照相寫實),尤擅將人、植物或物品轉化為極其真實卻帶有荒誕感的雕塑;藉由清晰明確的主題和高度精緻的物體呈現方式,使觀者相信、投入,進而與作品內蘊的價值觀形成交流對話,並依循個人生命狀態有所解讀或得到啟發。「我喜歡雕塑,因為它笨重,且雕塑中對於裝飾的抗拒更恰恰是我所喜愛的。『類型』當為『理念』服務,而不應本末倒置。」他如此陳述自己的創作本質。

美國雕塑藝術家托尼‧馬特利(Tony Matelli)。(圖片提供:毓繡美術館/攝影:Alexandra de Cossette)
美國雕塑藝術家托尼‧馬特利(Tony Matelli)。(圖片提供:毓繡美術館/攝影:Alexandra de Cossette)

另在藝術履歷方面,馬特利1998年曾獲紐約藝術基金會(NYFA)獎助金,2014年受美版《GQ》雜誌推薦為邁阿密巴塞爾藝術展(Art Basel Miami)10位最該認識的藝術家之一。個展足跡遍及布魯塞爾、巴黎、洛杉磯、紐約、斯德哥爾摩、伊斯坦堡、倫敦等世界各地畫廊,作品亦典藏於包含丹麥方舟現代美術館、挪威卑爾根美術館、西班牙安德拉克斯當代藝術中心、盧森堡讓大公現代美術館等藝術機構。

從《佈局》展開一場「超反常」觀看

縱使具備高度擬真的特性,馬特利的作品也並不停留在「模仿」現實的層面,更做到「超越」現實——擷取食物、花卉、繩索等人們熟悉的物件,透過弔詭的配置手法刻意製造視覺錯位,在背離邏輯的空間中打破日常觀看的慣性。作品令人莞爾之餘,又摻雜著一絲難以言喻的不安與焦慮。此次展覽《托尼‧馬特利:佈局(Tony Matelli: Arrangements)》以試圖擺脫地心引力的顛覆式編排策略,從地面出發、緩緩向上橫跨3層樓,造成整個觀展過程非但只是身體在攀升,視覺與感受也漸漸失重與失序,觀者於是得以在藝術家的精心「佈局」中翻轉認知、掙出社會束縛。

馬特利的作品具備「高度擬真」特性。(圖片提供:毓繡美術館/攝影:Alexandra de Cossette)
馬特利的作品具備「高度擬真」特性。(圖片提供:毓繡美術館/攝影:Alexandra de Cossette)
▼ 且經常擷取如香腸、麵包、蔬果等食物元素為雕塑的一部分。

3層展間介紹

1F|永恆與腐敗:任性的隱喻

展覽始於一樓沉重粗曠的質地,馬特利首先以戲謔手法將古典雕像和日常可見的蔬果並置,讓崇高永恆與世俗易腐兩種相互牴觸的元素共存,藉此展現出對立性、衝突感和矛盾張力。

▼ 橘瓣、香蕉皮、紫甘藍、西芹等鮮豔食物「壓制」著灰白石膏像,除在性質上構成矛盾,色彩和質量上也給人對比和顛覆之感。
左為展品〈腳(橘子)〉,2021,石膏、聚氨酯、彩繪青銅(圖片來源:Instagram @tonymatelli);右為其局部特寫。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
左為展品〈腳(橘子)〉,2021,石膏、聚氨酯、彩繪青銅(圖片來源:Instagram @tonymatelli);右為其局部特寫。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
展品〈頭(甘藍與芹菜)〉,2025,混凝土、彩繪青銅。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
展品〈頭(甘藍與芹菜)〉,2025,混凝土、彩繪青銅。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
展品〈獅子(香蕉)〉,2022,混凝土、彩繪青銅。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
展品〈獅子(香蕉)〉,2022,混凝土、彩繪青銅。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)

周遭牆面另擺放了佈滿灰塵、塗鴉和手印的鏡子,令觀者無法順利照看自己,既一定程度地遮蔽、又仍然隱約顯現。

展品〈不開心的臉〉局部特寫,2025,聚氨酯與琺瑯漆於鏡面。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
展品〈不開心的臉〉局部特寫,2025,聚氨酯與琺瑯漆於鏡面。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)

往裡側展間走,更會發現諸多令人匪夷所思的安排,如展牆縫隙長出的雜草讓人心生「這究竟是否為藝術裝置?」的疑惑,在在突顯馬特利通過翻轉事物結構以「引起臆測」之所長,無論是對自我形象、身分的認同,抑或對事物的價值意義。他將叛逆精神注入創作,化作品為一只不確定的開放容器,為觀者構建一個自我探究的思辨性空間。

▼ 展牆縫隙長出的雜草,這究竟是否為藝術裝置?(圖為國外展出一隅)

2F|顛倒與重組:另類的編排

二樓展間相對輕盈,重力似乎開始失效,各種顛倒的花束、斷頭的肖像皆違反生命時序與生長邏輯,狀態亦介於平衡與掉落之間——馬特利創造了一套神祕的自然法則,重新定位觀者的感知。在觀者正經歷逼真體驗的同時,藝術家進一步提出對道德判斷的反思:這些是正常的還是畸形的?並透過形式的解構與重組創造新的排列方式,對「美」進行再詮釋。

左為展品〈插花〉,2022,彩繪青銅、不鏽鋼;右亦為展品〈插花〉,2024,彩繪青銅、不鏽鋼、環氧樹脂。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
左為展品〈插花〉,2022,彩繪青銅、不鏽鋼;右亦為展品〈插花〉,2024,彩繪青銅、不鏽鋼、環氧樹脂。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
展品〈排列〉,2022,矽膠、環氧樹脂、聚氨酯、頭髮、衣物。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
展品〈排列〉,2022,矽膠、環氧樹脂、聚氨酯、頭髮、衣物。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)

3F|漂浮與失重:暫時烏托邦

觀展路徑的最後來到最上層空間,一座荒謬的伊甸園。倒立的男女雕塑與懸浮的綠色繩子各有指涉,馬特利在黑色幽默中逾越社會界限,詮釋出一種普遍的人類狀態,亦無奈地揭露此狀態的有限性與宿命感。

我們的身心能否暫時逃離社會的綁束,實現自主和解放?在內在慾望面前,我們如何展現陌生的自己?馬特利鬆動了外界對自我存在的定義,質疑與挑戰社會的既定秩序,掀起存在主義的深層恐懼,然而自由終究只是一場幻象。

左為展品〈人物1〉局部特寫,2015,矽膠、鋼、聚氨酯、頭髮;右為展品〈人物2〉,2015,矽膠、鋼、聚氨酯、頭髮。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
左為展品〈人物1〉局部特寫,2015,矽膠、鋼、聚氨酯、頭髮;右為展品〈人物2〉,2015,矽膠、鋼、聚氨酯、頭髮。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
展品〈繩子〉,2015,上色矽膠、不鏽鋼。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)
展品〈繩子〉,2015,上色矽膠、不鏽鋼。(圖片提供:毓繡美術館 © Tony Matelli)

托尼‧馬特利個展《佈局》

  • 時間:2025年8月9日至2026年2月1日10:00-17:00,週一及國定假日休館、週四15:00閉館
  • 地點:毓繡美術館(南投縣草屯鎮平林里健行路150巷26號)

>> 參觀請至毓繡美術館官方網站預約。

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用藝術視角拆解作物「從土地到餐桌」的過程!黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生

廚房那瓶清透的橄欖油,或墜入鍋裡與義大利麵交融、或淋在沙拉和麵包上注入一抹清香,理所當然地陪伴著我們的餐食日常。那你是否曾好奇,這我們習慣從超市貨架取下的食品,在抵達日常之前,經歷過怎樣的土地淬鍊與生產系統的運轉?

藝術家黃麗音走進西班牙第一線生產現場,蹲點尋找答案,並將收穫集結為個展《丘之粼粼》,其現正於台北藝廊TKG+展出。踏入展場,枝葉婆娑的採收聲響與落果影像鋪展開來,將分散於自然、勞動與資本之間的片段,重新組構成身體化的觀看經驗。在看似平靜的場景中,一場關於制度和價值的反思,正靜靜展開。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)
黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

圍繞著「食物」展開的藝術實踐

從裝置、攝影到多媒材雕塑,黃麗音的作品多圍繞著生活中不可或缺的「食物」展開,她關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費,從市場、貿易、產業、生產勞動,延伸至消費、包裝與剩餘物,探索著跨文化、也跨時代的物質流通系統。2025年,黃麗音曾在北美館打造一間「小吃店」,那是她的個展《Lili Deli 麗麗食品》——展場內堆砌出日常飲食消費的微景觀,反思現代人追求廉價和效率,方便與實用至上的生活方式。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:臺北市立美術館)

2026年來到TKG+呈現個展《丘之粼粼》,她將視線推向食品生產鏈的上游,進一步回到食品生產的源頭,從橄欖園到工業流水線,追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中,成為我們熟悉的形式。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

到西班牙橄欖園實地踏查

黃麗音走進西班牙南部的橄欖園,追溯橄欖成為日常食物之前,所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實,諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構,讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場,使觀者得以從橄欖油出發,看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品,橄欖並未發生根本性的改變,改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

變的不是橄欖,而是⋯⋯?

橄欖在大地中歷經熟成與採收,進入以效率、速度、產量與標準化為核心的生產系統;來到TKG+台北生產階段中,也被賦予了不同的價值與意義。然而,有趣的是,從果實到成品,橄欖其實沒有發生根本性的改變,改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)
黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

走進橄欖油的一生

走入《丘之粼粼》展場,先能隱約聽見橄欖採收時枝葉間接觸的婆娑聲響,像是從土地深處滲出。雙眼所見是黃麗音在田野調查時所拍攝的影像,被轉化為覆蓋展牆的壁紙。此外,掉落在地上的橄欖、散落的枝葉……這些作物生長的尋常痕跡,經歷從植物、攝影對象到空間表面的身分轉換,在展場中成為了身體化的觀看空間,重新連結了生產現場與展覽。那些原本不會出現在商品最終樣貌中的滿地橄欖與枝葉,經由藝術家的選擇,成為展覽中的視覺主體,使被生產過程排除在外的痕跡,重新進入觀看。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)
黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

對現實的「重新組構」

自20世紀初「現成物」進入藝術實踐以來,物件的藝術身份便不再僅由其自身決定,展示場域、藝術制度與觀看關係也逐漸成為作品意義的一部分。黃麗音延續並轉化這項實踐,將屬於日常的橄欖油及其生產過程中帶入作品,讓它脫離原有的使用脈絡,同時保留材質、功能、價格,以及生產、消費與丟棄等社會痕跡,成為承載勞動與資本關係的具體物件。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

對黃麗音而言,現成物的創作並非單純的拼湊,也不是對既存現實的再現,而是一種「組構」:藝術家透過選擇與配置,將分散於不同社會位置的生產、消費與勞動關係帶入同一觀看空間,使隱藏於日常物件背後的社會關係得以浮現。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

《丘之粼粼》呈現了對「習以為常」發出的遲疑,當物件從原有的使用脈絡中被抽離,生產現場的聲音、影像與痕跡也隨之進入展場,使那些我們熟悉的日常物產生陌生感。在離開展場後,貨架上的瓶罐或許仍維持原來的模樣,但我們觀看它們的方式,已經有所不同。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

《丘之粼粼》黃麗音個展

展期|2026.09.19-11.14

地點|TKG+ (台北市內湖區瑞光路548巷15號B1)

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台北藝術週開跑,精選10檔藝文展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
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在台北,秋季是屬於藝術的季節。「2026台北藝術週」將於10月24日至11月2日登場,這段期間,各家美術館、畫廊等藝文機構將祭出特展響應,從北到南、由東至西,在城市間編織出一張得以映射內心、療癒精神的藝術之網。本篇編輯精選10場展覽,不妨趁此親訪觀展。

《露水幻夢》Benjamin Spiers X 曾建穎雙人展

📍TAO ART

《露水幻夢》由來自英國的Benjamin Spiers(班傑明.斯皮爾斯)與台灣藝術家曾建穎,攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統,卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發,探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態,讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織,形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片來源:TAO ART)

Benjamin Spiers的作品充滿原始生命力,亦可見幻想交疊的幻象。他擅長運用油彩,以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體,細膩的肌膚質感彷彿觸手可及,令人難以抗拒。

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(圖片來源:TAO ART)

曾建穎則以墨、膠彩與礦物顏料於細緻的紙材上創作,從宗教圖像中汲取靈感,將繪畫視為精神性的容器,創造出新的人體圖式,並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風〈仙果〉作品中,他在屏風正面描繪一顆熟桃,切開的缺口微微露出桃的內部,下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常;另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐,既可能是鏡子前的自我凝視,也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

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(圖片來源:TAO ART)

《喜悅與棲所:捷克當代攝影聯展》

📍圓山別邸 MAISON ACME

一百年前的巴黎,曾是捷克前衛藝術家追尋自由與實驗精神的中心。如今,策展人Štěpánka Stein集結14位捷克當代攝影師,回應前人追尋藝術的精神,展開一場跨世紀的對話。展覽中,攝影師們透過鏡頭,在動盪而撕裂的數位世代,藉影像追問著喜悅從何來?哪裡才是讓我們安心的棲所?影像作品擺盪在虛與實、紀錄和擺拍之間,邀請觀者在其中找尋自己的答案。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片來源:台北藝術週)
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(圖片來源:台北藝術週)

《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》

📍NOKE忠泰樂生活

由香港平面設計師毛灼然、日本編輯暨設計師後藤哲也共同策展。展覽源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書,其中「C」代表「Chinese」,從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計;進入策展環節後,則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」,並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。

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(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品,也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響,以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

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《小日夢》寺倉京古個展

📍白石畫廊

以陶土為材,日本新銳藝術家寺倉京古常以「孩童」為創作主題,用陶捏塑出圓潤形體,重現孩子樸稚姿態,藉此捕捉日常生活中微小卻珍貴的希望,以及近乎被遺忘的純真。《小日夢》集結各式姿態的孩童雕塑,他們或靜靜沈睡、或乘著雲朵眺望,乘載著存於人們心中的細膩情感,也象徵著每個人「曾經擁有的自己」。

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(圖片提供:白石畫廊)
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《銀河脈輪》

📍Bluerider ART 台北・微風廣場

在百貨公司也能看展!Bluerider ART位於微風廣場的據點,推出《銀河脈輪》藝術家群展,集結美國藝術家Carol Prusa、德國藝術家Eberhard Ross、捷克藝術家Jan Kaláb等多位國際藝術家之作,共同叩問一個古老而雋永的命題——宇宙秩序如何映照於身體與心靈之中。

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展覽以卷軸雙面畫《奇異吸引子》為亮點,9米長的巨大尺度令人路過櫥窗很難不多看一眼。卷軸一面描繪人體脈輪、能量向外流動的軌跡,另一面則以詩句與物理方程式,描述宇宙均勻與空間擴展,使「內在」的脈輪能量線與「外在」的宇宙演化在兩面對望。

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《丘之粼粼》黃麗音個展

📍TKG+

2025年曾於北美館推出個展《Lili Deli 麗麗食品》的黃麗音,長期關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費,創作從市場、貿易、產業到生產勞動,延伸至消費、包裝與剩餘物的重新組構。這次她在TKG+呈現的《丘之粼粼》,將視線推向食品生產鏈的上游,進一步回到食品生產的源頭,從橄欖園到工業流水線,追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中,成為我們熟悉的形式。

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她走進西班牙南部的橄欖園,追溯橄欖成為日常食物之前,所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實,諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構,讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場,使觀者得以從橄欖油出發,看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品,橄欖並未發生根本性的改變,改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

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(圖片提供:TKG+)

《無筆之繪》Dirk Salz個展

📍Bluerider ART台北・敦南

拋開傳統形式,不以畫布和畫筆作畫,德國藝術家Dirk Salz(迪爾克.薩爾茲)用油漆滾筒創作,並借助樹脂潑灑時的重力流動,讓作品跳脫傳統極簡主義的框架,持續展現並探索透明度、色彩張力,以及光線與空間之間的關係。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:Bluerider ART)

展名《無筆之繪》指向Salz不使用畫筆的創作方式。他將顏料調入樹脂,以油漆滾筒鋪展色層,再順應重力讓樹脂自然流淌、趨於平整;每一層須待固化後,方能覆上下一層,作品在反覆堆疊與等待中逐步成形。薄如玻璃的色層彼此交疊,光線在其間穿透、折射、反射,色彩不再停留於表面,而是從深處緩緩浮現。沒有筆觸,也沒有手繪痕跡,畫面由材料、重力與時間共同完成,模糊了真實與虛幻的邊界,正如他所言:「我想要創造的,是一個不能被詮釋的情境,一個觀者與作品之間無法言說的感受,姑且稱之為『魔法』的地方。」

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(圖片提供:Bluerider ART)

《夜的日光》

📍Taipei Lumitree 敦南之森

「光」是藝術家謝鎮璘DAMONXART的靈感泉源。在敦南林蔭大道下的藝術光廊Taipei Lumitree,他結合錯視、光柵材質及風力驅動裝置,將你我熟悉的日月意象轉化為持續變動的視覺經驗,讓觀者在夜色中看見日光,閱讀太陽與月亮之間的對話,深刻感受光是如何改變雙眼所見的景象。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:謝鎮璘)

多年來,謝鎮璘持續從旅行與日常觀察中提取色彩,將天空、海洋與地平線的印象轉化為創作語言。在《夜的日光》中,他將這份觀察聚焦於日與月的關係——光如何從一個地方抵達另一個地方,又如何在反射、材質與觀看位置的變化之中,被感知為不同的形態。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:謝鎮璘)

《溫柔災變》女性藝術家聯展

📍T Space

作為首場公開展覽,T Space邀請亞紀畫廊負責人黃亞紀策展此檔女性抽象藝術家群展,《溫柔災變》集13位女性藝術家,她們各來自不同時代、地域和文化背景,作品在此展相遇交會,共同呈現女性力量如何探問持續變動的世界,以及藝術能為我們帶來什麼療癒與啟示。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:T Space)

展名所提的「溫柔」,並非脆弱或被動承受,而是藝術家讓感知和直覺保持開放,持續面對無法完全掌控的變化,容許自己進入流動、矛盾與未知,並反覆思辨的狀態。展覽在女性的敘事下,呈現出生命經驗的不同面貌——當女性經驗不再只由疼痛、承受與犧牲所定義,人們能否看見女性作為獨立的認知主體,如何理解自然、身體以及自己所處的世界?

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:T Space)

《代理之窗》張書瑋個展

📍洪建全基金會

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」,每年都會提出一道問題,探討社會、文化與生命內涵,並妥託藝術家透過創作對答。今年度計畫探討的是什麼?在科技以親切形象滲透日常的今天,人與機器早已互為義肢。只要算力足夠,AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師,甚至是神明——這種「不需要對等,不需要協商,也不會有拒絕」的新關係,正在悄悄改變我們對情感的認知。

展覽由此切入,由藝術家張書瑋擔綱答題者,藉影像裝置、互動雕塑和錄像,探討AI與人類之間的「親密關係」。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:洪建全基金會)

展覽將「你+我+AI」共同建構的世界封裝成一個情感景觀,一段「親密關係」的模擬現場,一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲。動線如同一道逐步深入的程序,映照出人與機器緊密互動之間,所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中,親近與不適的感受並存,觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構,隨後迷失於遊戲之中。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:洪建全基金會)

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