在理性與感性之間，尋找設計的脈絡：專訪2026金曲獎主視覺設計師李宜軒

第37屆金曲獎頒獎典禮於本月27日登場，不同於過往的金色與暖色調，本屆主視覺以深藍色為基底，透過花苞、花蕊與綻放的姿態，描繪音樂創作從醞釀到誕生的歷程。作為主視覺操刀團隊StudioPros的創辦人暨設計總監，李宜軒並不追求鮮明的個人風格，而是在理性與感性之間，逐步發展出一套有脈絡的設計思維。

➣本文選自La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》，更多精彩內容請點此

今年金曲獎主視覺中，一朵緩緩盛開的花，象徵著音樂創作從醞釀、生成到綻放的過程。而對李宜軒來說，設計或許也是如此。談起自己的設計歷程，她笑說自己大學時其實對設計產業並沒有太多浪漫想像。當身邊許多人仍在摸索未來方向時，她已經開始大量接案，試圖提早理解市場需求，也累積自己的作品集。後來進入了國立陽明交通大學應用藝術研究所，讓她逐漸跳脫傳統商業設計的框架，思考平面設計是否還有更多可能性。「那時候突然發現，大家都讀了4年大學，為什麼能力差距這麼大？」在這樣的刺激下，她開始學寫程式、做網頁，也開始創作海報，不斷摸索自己擅長的風格和專案類型。

研究所期間，李宜軒加入當時已是業界指標的設計公司Bito。那是她第一次真正理解國際級設計專案的運作方式，也看見設計產業光鮮作品背後龐大的研究、提案與溝通過程，然而同時，她也開始思考一個從接案時期就一直困擾著她的問題：為什麼設計師投入大量時間研究與創作，客戶卻未必能理解其價值？「是不是我們其實不夠了解客戶真正想要什麼？」帶著這樣的疑問，她轉而進入IBM擔任設計顧問，開始接觸UI/UX領域。

相較於常常「一張圖定生死」的平面設計，介面設計更強調使用者研究、數據分析與邏輯推演，大至新功能的開發，小至每一個按鈕的位置與操作流程，都需要明確的原因與數據支撐。這讓她逐漸意識到，設計若想被理解、被接受，尤其是在商業環境中，就必須建立在清晰的脈絡之上。「很多企業主其實不懂設計，但懂商業，他們在意的是轉換率、營收、消費者喜不喜歡、競品有沒有這個功能。」於是，她成立StudioPros與The Rebranding Lab，嘗試將UX研究的方法帶入品牌設計之中，並慢慢發展出一套介於理性與感性之間的工作方法。

設計，始於理解

「品牌重塑最重要的事情，其實不是設計，而是先把問題找出來，並且排序。」李宜軒解釋，一個品牌決定重塑時，往往早已面臨許多問題：可能是識別系統難以延伸、內部使用效率不佳，或是品牌定位逐漸模糊。因此在進入設計階段前，她往往會花費大量時間與客戶討論、訪談與研究，希望建立一套所有人都認同的目標與判斷標準。以《報導者》的合作為例，由於組織扁平、內部參與決策的人數眾多，因此團隊花了大量時間整理不同角色的需求與痛點。例如設計素材難以管理、社群貼文製作耗時，或版本檔案容易混亂等問題，都被納入品牌重塑的討論之中。「你會發現，真正重要的問題其實都和視覺美感無關，而是和易用性、系統性有關。」

李宜軒坦言，她不覺得自己有什麼特別鮮明的設計風格，也不會刻意追求流行，畢竟不同產業、不同客戶面對的問題各不相同，很難只靠單一風格回應所有需求。她更在意的是如何建立一套有脈絡的設計思維。「例如在品牌設計的討論中，我們談的通常不是好不好看，而是這個顏色能解決什麼問題、傳達什麼感受。像紅色可能比較熱情，那品牌真的需要熱情嗎？」

這樣的思考方式，也反映在李宜軒面對reference的態度上。在她看來，若只是想追求某種特定風格，或單純從reference去延伸自己的畫面，其實很難完全避免做出類似的設計。因此比起從畫面出發，更重要的還是回到品牌本身的需求與定位。「當品牌的故事與需求足夠清楚之後，設計就不需要一直從圖像反推品牌，而是能從品牌本身推導出新的圖像。」

一個成功的主視覺是？

繼在Bito時期以設計師身分參與金曲28典禮動態設計，時隔9年，如今李宜軒帶領StudioPros團隊操刀金曲37主視覺。不同於過往金曲獎常見的金色與暖色調，今年主視覺選擇以深藍色作為主色。李宜軒分享，當時主辦方希望跳脫大家對金曲獎的既有印象，因此團隊僅保留部分金色作為點綴，讓它像音樂中的亮點一般，隱藏在花蕊與細節之中。而花朵柔軟而流動的意象，則源自本屆核心命題「虛與實」，並恰好呼應音樂創作從醞釀、生成到綻放的過程。特別的是，許多主視覺通常是在定稿後，才交由動態團隊延伸，但這次StudioPros與動態團隊曜星三一從概念發想階段便同步合作，並提前思考未來在舞台、影像與各式動態片頭上的延伸可能，也讓整體視覺語言更具一致性。

對李宜軒而言，一個成功的主視覺要能夠隨著不同載體持續延伸與轉譯。以2023年新一代設計展主視覺為例，當時團隊從展覽主題「原點」出發，以座標與格狀結構發展出一系列幾何元素，並進一步思考如何串聯線上與線下體驗。除了社群與平面視覺外，也將海報、大型看板與識別證結合AR技術，讓觀眾透過手機掃描後，看見主視覺轉化為立體的3D物件。「現在大家的東西都做得很吸睛，所以設計還是要有亮點。」她笑著說，一方面是讓提案更有說服力，另一方面，也真的希望這些創作型專案能成為值得被記住的作品。

近幾年，StudioPros除了持續投入品牌設計，也陸續參與台北電影節、金曲獎等大型公共專案。李宜軒說，這樣的狀態其實正好回應了自己創業以來的理想工作方式。品牌設計重視邏輯與問題解決，視覺設計則保有更多創作自由，在理性與感性間來回切換，也讓她能持續保持對設計的熱情。比起找到一套固定的風格，設計之於李宜軒，似乎也如那從醞釀到綻放的過程，每一次都從不同的提問出發，緩緩長出新的可能。

李宜軒
StudioPros創辦人暨設計總監，曾任職於IBM Consulting團隊。擅長以使用者體驗與研究為起點，深入品牌背景與核心價值，提出具策略性的品牌設計解決方案。長期協助企業與公共組織釐清品牌定位、重塑溝通方式，透過設計打造兼具溫度與辨識度的品牌識別系統。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜StudioPros}

剪開布上的紗線，底層的圖案顯露而出，那些被劃開的紗線似草叢或似海浪，在圖上輕輕晃動。日本織品設計師氷室友里以親自開發的雙層布料，與LOEWE、PORSCHE、marimekko等品牌合作，在社群上引起關注。她說，剪刀剪下的瞬間，那些不可預期的變化、緊張又期待的心情，都是作品承載的珍貴回憶。

➣本文選自La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》，更多精彩內容請點此

今年初甫結束在韓國首爾「Ground Seesaw Hannam」的大型個展《JOY, TODAY》， 氷室友里在900平方公尺的展場裡，展出170件作品，共吸引7萬人參觀。她在現場以剪刀在布上「作畫」的影片透過社群分享，精緻又療癒的畫面，在資訊海中引人定睛。

想用日常物件創造歡樂世界

快樂，是氷室友里作品予人的感覺，也是她投入設計的原點。她回憶兒時，有次爸爸帶回了義大利廚具品牌ALESSI的紅酒開瓶器「Anna G.」作為伴手禮，人偶造形的結構，只要轉動頭部，雙手便會跟著舉起。她深深被其「明明是工具，卻又像玩具般充滿魅力」的特質所吸引，每次吃飯都很期待使用它。

上了小學後，父母帶她去看《義大利與日本 生活設計展》，展覽以近似裝置藝術的方式，展示了充滿玩心的家具與廚具。「我第一次意識到，日常使用的物件也能創造出如此歡樂的世界，開始有了『想成為創造這些東西的人』的念頭。」

在準備大學考試期間，她接觸到了荷蘭設計工作室Droog Design。她說，像是以鐵鎚敲打製成的沙發，或是將布料綑束而成的椅子，這樣並非著重於外觀美感或使用舒適度，而是從另一種角度切入的設計方法，使她相當嚮往。氷室友里坦言，其實最初並沒有特別喜愛織品設計，但因為很欣賞當時任職於Droog Design、同時也創作陶藝的荷蘭設計師Hella Jongerius，「我希望自己也能建立起對某個媒材的專長，因此選擇了這門專攻。」在學習途中，她逐漸發現布料與人的密切關係，也變得越來越投入。

為布料設計「產生變化的瞬間」

奠定氷室友里創作風格的關鍵，是她在研究所時赴芬蘭交換，並接觸到的「提花織機」。她說，過去學習的是多臂織機，因為織造限制較多，「我一直覺得，自己的想法很難透過織造真正實現。」但提花織能獨立控制每一根經線，相對自由許多。她進一步解釋，提花織的設計其實是透過電腦完成，因大學裡設有能夠立即試作的小型提花織機，她便像是做實驗或玩遊戲般，一再重複「設計→查看織出來的結果」的過程。

為了創作出能帶來歡樂的布料，她不斷思索「人究竟會在什麼樣的瞬間，感到驚喜或露出笑容？最後我得到的答案是，人會被產生變化的瞬間觸動。」因此她開始將「互動」作為設計核心。

「SNIP SNAP」這款運用雙層布料與剪刀和人互動的代表作，就是她在研究所的畢業製作。「我拜託日本提花織工廠的職人協助，甚至住進職人家中，一起投入開發。」她說，開發過程相當耗時，由於表層是浮起的緯線，底層則織有圖案，最困難的莫過於紗線的選擇。若線太細，在剪開之前，下方的圖案就會露出來；但若太粗，又無法順利織製。

從人與物件的關係，展開合作宇宙

本是靜態的布料，在氷室友里的設計下變得能與人互動。除了「SNIP SNAP」，她也開發了正反兩面圖案不同的「HIDE AND SEEK」、圖案會隨觀看角度改變的「motion-textile」等布料系列。

最近，她也與時尚科技公司ZOZO NEXT合作，開發感溫布料系列「THERMO TEXTILE」。她說，ZOZO NEXT希望能將旗下的機能性紗線，以更親民的形式讓大眾接觸，因此邀她合作。不過她笑說，因為自己的手總是很冰冷，即使碰了布料，顏色也沒有改變；為了觀察顏色變化，便用雙手把布包起來，再對著它呵氣。這樣如生火般的舉動，令她想到可以用「火」為主題，創作出「camp」圖案。布料為一片藍色系森林，只要遇熱，營火、燭火燈等就會浮現粉紅色火焰。

因為她的布料總帶有互動性，讓作品也能以影片形式展現，更吸引了LOEWE、PORSCHE、marimekko等品牌找上門，合作在社群曝光的形象影片。今年她與土屋鞄製造所合作，設計2027年度的小學生書包型錄和店鋪主視覺。她說，土屋鞄製造所的書包製作得非常細緻，因此她反覆調整打樣，確保細節不會在織造過程中被模糊掉。她也和品牌方討論，細節到「剪開後出現什麼樣的元素會比較好」都彼此確認。最後除了花朵，各種動物與昆蟲也會在剪開紗線後浮現，以表她期許升上小學的孩子們，能享受全新的相遇與發現。

其實不僅織品，氷室友里的設計也拓展到家具、壁紙、手機殼等其他領域。她表示，自己並不會把布料視為單純的素材，而是看作一種「與人相關的日常用品」。而她在織品裡探索的「人與物件的關係」，也能運用到各種領域。

像是她和紡織品牌alltec合作的晴雨兩用傘，從「是否能透過撐傘這個動作，讓圖案產生某種變化？」開始思考，進而觀察到印在傘面外側的圖案，其實會透到內側。這讓她想到，「如果在內側也進行印刷，或許就能讓內外兩面的圖案疊合，創造有趣的效果。」於是她在雨傘的內外側都印上葉片圖樣，當陽光透過傘面灑落時，兩面圖樣會彼此疊合，讓使用者彷彿置身樹影斑駁中。這樣的設計，也隱含了她希望「無論烈日或雨天，都能享受撐傘的樂趣」的心意。

不走最短路徑，才能孕育出獨特性

氷室友里的日常，也總是與各種媒材為伍，經常透過親手觸摸、剪裁、摺疊、捲起、揉皺等方式，反覆觀察布料的反應，藉此發想靈感。她說，自己有收集媒材的習慣，包括利用原始結構產生獨特動態的玩具、具有機關的繪本等，都在範圍內。她也提到，最近工作室設置了一台從挪威訂購的手織提花織機（TC2），開始進行不以量產為前提的自由實驗。她說，「這台機器，正是我當初在芬蘭第一次學習提花織時所使用的同款機型。我一直希望能有一個可以親自動手、把想法具體化的環境，儘管是一筆相當大的投資，我還是決定購入。」

手作的堅持，和近年大肆興起的AI浪潮看似對立，氷室友里卻有不同想法。「AI並非人手創造的設計的對立面，應該是像Photoshop一樣，被自然地運用到創作中的工具。」她說，不論是處理繁瑣作業、研究資料，或作為設計上的討論對象，AI已經成為她在工作與日常中不可或缺的存在。但她也指出，譬如手感、剪裁產生的不可預期變化，「這些無法單靠數位完成的部分，才能真正成為體驗與記憶，留存在心中。」

如今在東京造形大學擔任兼任講師的她，注意到數位原生世代的學生，非常擅長以iPad繪製草圖，也熟捻運用AI研究或在數位環境中發展創意，「我認為靈活運用數位工具是很好的，但同時，實際動手後才會有的發現、不走最短路徑才能孕育出的獨特性，我也希望將這些容易因過度追求效率而被忽略的面向，傳達給他們。」

曾有一位藏家告訴她，自己將作品作為孩子第一次使用剪刀的紀念，這是連氷室友里都未曾想像過的運用方式。她說，「比起所謂正確或美感，剪下第一刀時的期待與緊張，以及那段時光所留下的記憶，都能夠具體地保存在布料上，這件事本身就非常有意義。」對人們來說，很多時候正是過程本身，讓結果更加值得珍惜。

氷室友里
於日本與芬蘭學習並從事創作的織品設計師／藝術家。以透過人與布料間的關係，為日常帶來驚喜、樂趣與豐富性為主題，創立織品品牌YURI HIMURO，從事織品開發及企業設計合作。近年與LOEWE、PORSCHE的社群合作引發話題，亦於韓國首爾約900平方公尺的大型空間舉辦個展《JOY, TODAY》，吸引約7萬人參觀，持續朝國際發展。曾獲2018 Salone Satellite Award Third Prize、2021 Maison&Objet Rising Talent Awards Japan等多項獎項肯定。

_{文｜張以潔　圖片提供｜各單位} 

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》

從是枝裕和電影、NHK晨間劇等視覺，Canon、KIRIN、niko and ...等廣告，到311大地震後的節電標誌等社會參與，森本千絵的每一個設計，都始於一張親手繪製的畫。最近，她在Mr.Children〈產聲〉MV與14位包含底片攝影、逐格動畫、AI藝術的創作者共創。影像裡的人不斷奔跑，她也在創意路上持續前行，讓設計隨著時代與生命一起活著。

➣本文選自La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》，更多精彩內容請點此

森本千絵的創意原點，得回溯到青森縣三澤市的祖父母家。她喜歡在祖父的西服店裡，感受布料的觸感和纖維中細微的色彩變化，或撿起學習花道的祖母和母親掉落的花朵和枝莖玩耍。家門前有片遼闊草原，每當她找到瓢蟲，就會把牠們放進祖父的帽子或祖母的花瓶。森本千絵回憶，由於喜歡一個人沉浸在幻想世界，到東京上小學時，一度對同儕關係感到壓力。但她總會在課本上塗鴉，放學時也常繞路，還曾被在陽光下閃閃發亮、堆積如山的鐵絲吸引，飛撲進去弄得滿身是血。

後來因參加教會主日學，神父交給森本千絵為孩子創作紙芝居的任務，讓她第一次感受到，「透過繪畫去表達事情並不害羞，反而相當自在。」在小學高年級時，她開始因為筆記整理得清楚易懂而受到稱讚，進而擔綱校刊編輯、會議記錄等職務。她也為朋友畫肖像、製作生日卡片，大家開心的樣子，讓她越來越樂在其中。她說，「願意為了某個人花心思親手製作的心情，都是因為家人的愛，以及從小透過身體接觸到的大自然，所帶來的影響。」

創意是描繪從未見過的世界

國中便立志從事廣告的森本千絵，進入武藏野美術大學後，隨即大量研究海外廣告作品，並快速熟捻Mac電腦操作，以數位形式創作了大量平面藝術作品。之後她獲教授推薦進入博報堂實習，當自信之作展示在前輩們眼前時，卻得到「全都只是曾經在哪裡看過、無法打動人心的無趣作品」的批評。這才打醒了她，「原來我所描繪的，都只是自己曾經看過的世界。從那之後，我開始有意識地思考，如何提出讓人驚訝、想立刻告訴別人，如話題事件般的廣告創意。」

要想出未曾見過的創意，又要能把僅存於心中的想法傳遞給合作夥伴，森本千絵摸索出的方法是「畫」。她說，自己大學時相當擅長Photoshop影像合成，能做出接近成品的模擬圖。當她第一次與攝影家瀧本幹也合作時，對方卻向她說：「一旦看過合成的畫面，思考就會被牽著走。」森本千絵反思後也相當認同，「如果用太接近成品的形式去提案，就會不自覺地朝那個方向前進。但我腦中浮現的景色，是某種從未看過、更加美好的東西。」

她將自己的畫，比喻為團隊的地圖、旅行手冊或情書，要讓大家對「目的地」感到興奮與期待。例如由菅田將暉和小松菜奈演繹的niko and ...系列廣告，森本千絵先在大上畫紙上邊作畫邊思考，並把圖畫像繪本般裝訂成冊，再發給攝影師等每一位夥伴。她說，每一張畫最後都會變成影像裡的一顆鏡頭，「正因為是畫，才能激發大家的想像力。」

除了親手繪畫，森本千絵針對每一個專案，幾乎都會採集從案子浮現出的音樂，並製作成播放清單。她會聽著這些音樂散步或開車，讓樂音與景色、人的身影、氣味、風與光共鳴，「這些感受時而耀眼時而哀傷，同時帶著強烈力量，不斷推動著我前進。」她說，宇宙物理學家佐治晴夫曾告訴她：「比起眼睛，耳朵接收的資訊量遠遠更多，也更接近真實。」從小學鋼琴、在教會聖歌隊唱歌的她，一直都很喜歡音樂。每當自己在唱歌或聽音樂時，腦海中總會浮現出許多更自由的畫面。

首次擔綱藝術總監：與Mr.Children的初相遇

在森本千絵的職涯中，樂團Mr.Children無疑是相當重要的存在。她首次擔任藝術總監，就是2001年、Mr.Children出道10週年的精選輯廣告。她策劃了「水滴」和「防波堤」兩檔廣告，並邀請瀧本幹也拍攝。森本千絵說明，因為當時正值Mr.Children結束休團、重新復出，於是想到讓報紙沾到水滴、若隱若現透出資訊的意象。為了呈現在家中翻閱報紙時，真的滴到水的自然感，他們實際製作並印刷出整份報紙，實驗後發現，若使用一般的水會看起來像污漬，因此加入了甘油，再用注射器謹慎滴下液體。

而「防波堤」則拍攝於沖繩，由一對大學生姊姊與國中妹妹，以食指沾顏料在防波堤畫上Mr.Children的歌詞，最後包括森本千絵與瀧本幹也，連附近居民都加入作畫，到了晚上還開著車燈繼續。隔天早晨，再以4×5相機在沒有白雲的藍天下，拍下這幅「與音樂一起活著」的畫面。

跨越類比、數位、AI藝術的界線

2026年Mr.Children發行新專輯《產聲》，森本千絵說，第一次聽到歌時，感受到各個時代、各種人生片段彼此交疊融合，甚至有股想奔跑起來的衝動。「於是我開始思考，能否創作出一張持續轉動、持續活著的封面。我不想把音樂封存在一張固定的圖像裡。」

她說，專輯同名歌曲〈產聲〉傳達了「今天仍然活著，這件事本身就具有意義」的訊息，她便以這首歌為基礎，用手機剪輯了一段從死通往生的影像，每個看似微不足道的瞬間，如跑馬燈般接連浮現。森本千絵認為，人生便是由這一個個瞬間的點組成，「這些點並非從出生開始，或許人是在逐漸死去的過程中，才再一次誕生。」於是她將這些點命名為「產聲點」，逐步推進企劃。

過程中森本千絵意識到，需要涵納大量的人生片段、季節感與時間，如果單憑一個人的視角來呈現，終究只是「某個人」的故事，因此她邀請了12位攝影師加入共創。不僅拍攝剛出生數週的新生兒，也獲得導演山田洋次的《家族真命苦2》授權，使用了片中靈車行駛的畫面。森本千絵每天透過攝影師的眼睛感受世界，同時著手設計專輯封面如曼荼羅般的排版，又不斷打掉重練，如此持續了兩個月。

在龐大的影像素材中，她始終覺得對生死觀的描繪有些不足。她偶然在社群看到了AI藝術家川田十夢的作品，其中一支描繪少女無論身處宇宙、大海或校園，都持續騎著自行車奔馳的影像，令她深受感動。懷著「答案的線索或許就在這裡」的念頭，森本千絵立刻聯繫川田十夢，表示希望能向對方學習，並得到「比起教導，或許更適合一起創作些什麼」的回覆，便邀請他加入共創。

她說，「這次的企劃，正是要拆除類比、數位、AI之間的界線，透過所有可能的方法，去描繪並連結生死觀與幸福感，讓作品更真實地觸及活在當下這件事。」川田十夢將實拍的奶嘴化為「奶嘴火箭」飛向下一段生命、創造出難以明辨生死的黑白海岸與男人⋯⋯，在這些影像的牽引下，森本千絵於交稿前幾天又再次將MV重新剪輯，完成了最終版本。

AI才有的創意　人手才有的記憶

當AI正大幅改變創作生態，許多創作者開始有意識地想與AI區隔，但〈產聲〉MV卻讓底片攝影、逐格動畫、AI藝術在影像裡共存，如同嬰兒來到世界般，純粹地探索從未見過的景色。「我並不否定AI，對於『只有AI才能做出來的創意』也很感興趣。我不喜歡在沒有深入理解、沒有親身經歷前，就先行否定任何事物。」森本千絵說，透過這次合作，她才得以理解AI的擅長與不擅長之處，以及未來想挑戰的方向。

她認為，AI在素描能力上仍無法超越人類，比起在電腦上繪製的線條，經過鍛鍊的人手畫出的線條更為美麗。「但要表現『時間』與『相遇』這類題材時，我認為AI非常有趣。」她解釋，以時間來說，AI能讓已經過世的親人，從照片直接走向此刻，這並非透過演員演出，而是讓「本人」實際活在某段時空中；至於相遇，像是動物與人類並肩走在車站，AI能以更富真實感與趣味性的手法實現。而日本美學中的「間」，森本千絵說，這部分過去多半由人類的想像來補足，其曖昧與留白也正是迷人之處。「但 AI能將『間』具體生成出來，從中能感受到屬於AI自身的想像力，這點非常耐人尋味。」

至今近30年的職涯中，森本千絵曾運用CG，也做過偶動畫、逐格動畫等類比創作，從一鏡到底、紀錄片到實物投影動畫等，她幾乎挑戰過各種手法。「創作方法本來就應該根據『想描繪』與『必須描繪』的內容自由選擇，若以時代區分，反而是一種不自由。」但她設想，若世界全由AI構成，溫度、誤差、碰撞甚至原創，似乎也都消失了。

她表示，過去只要做錯事，就會有人出來斥責；現在無論責備或說出自己認為正確的事，都可能被視為騷擾。在這個「小心翼翼測量彼此距離的時代」，她認為現在「已經不太會有那種不顧一切向前衝、在碰壁後崩潰，再重新站起來的戲劇性經驗了。失敗如今被視為一件麻煩的事。」但她回首過往，映現的都是低潮的波瀾萬丈，這些記憶都被身體好好記著，成為持續前進的動力。

對森本千絵來說，「那些親手創作留下的痕跡，也寄宿著記憶。當我們接觸到由某個人親手創造出的事物時，其實也是在觸碰那個人的記憶與故事。能夠去想像、感受一個人的內心深處，本身就是一種幸福。」親身接觸、誠實感受，再親手創造，設計也在這樣的迴圈中，與每個階段的自己一起活著。

森本千絵
出生於日本青森縣三澤市。武藏野美術大學畢業後，於1999年展開廣告職涯。2007年，以「發現相遇，將夢想化為形體，連繫人與人」為理念，成立工作室goen°。創作領域橫跨廣告、商品開發、裝幀與書籍設計、空間策劃、地方再生計畫、教育設計等。曾於海內外獲得多項大獎，亦擔任各類設計獎項評審。懷著貼近生命的設計理念，相信設計的力量能為人帶來幸福，持續向前邁進。

_{文｜張以潔　圖片提供｜goen°}

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》