北美館2月份展覽《食物箴言：思想與食物》主張回到食物真正的意義，在覓食、攝取、味覺、營養消化等尋常食物系統論戰之外，集結21組創作者，自「食物」之歷史文化、社會概念、生理功能等面向，建構出一個劇場文本，呈現食物繁複的意象，並直探食物在自我及人類社會中完整的思想演化。21組創作者運用藝術創作與表演計畫將展覽的概念拉升為全面性的感官體驗，在「食物」的不同形式間，萌發無比豐富的表現性與誘惑力。

展覽以耿一偉行動劇《藝術的重量》開場，在北美館一樓北側迴廊，耿一偉裝扮成電影《廚師、大盜，跟他的情人》男主角，將參展作品提到之食物擺於觀眾面前的大餐桌前，於演出前先稱體重，接著以大胃王的行為模式進食，結束後再次量體重，到底多了多少重量。演出過程中搭配現場側錄即時播放影像，強調透過媒體的各種飲食節目或報導，食物已成為奇觀社會(La Société du spectacle)的縮影。

此場開幕演出除了引介策展主題與內容之外，本身也刺激觀眾從藝術史與社會史的角度思考，食物與藝術的關係，並成為一則現場演出版的食物箴言。

策展人蕭淑文談到策展理念，說明這是一檔「充滿誘惑的展覽」，以8個場景：「信仰」、「欲望」、「文化」、「記憶」、「關係」、「墮落」、「知識」及「消費」，鋪陳食物帶來的感官經驗。味覺、觸覺、視覺、嗅覺，在人類世界中，食物始終是活躍的參與者，它具備了一種巫術的力量，通過人類思想與感官體系，將身體和心靈一併喚醒。食物在文化、生理及社會上的的多層次符號象徵，讓人與食物的關係多變又豐富，參與《食物箴言：思想與食物》的21組創作者：林明弘、侯怡亭、張恩滿+半路咖啡、涂維政、黃博志、陳慧嶠、何采柔、王德瑜、湯皇珍+謝東寧、袁廣鳴、李明學、王董碩、邵樂人、廖堉安、廖祈羽、張暉明、林其蔚、郭文泰、王俊傑、楊俊、劉信佑、耿一偉的作品及表演計畫，為本展創造出具有話語權的食物形貌，在食物劇場的8個場景中以不同角色登場，上演一齣後設劇碼，為觀者帶來一種極限經驗、一種精神式的「食物啟蒙」體驗。

【食物劇場】 場景一：信仰
〈半路夜食譜─施工中〉，一個以國家獨立為信念所經營的咖啡廳，如何從食物去反芻環境、社會，且有意識地通過食物去量繪一幅社群形貌，從而獲得觀點。藝術家張恩滿將參展形式定義為出版計畫，邀請「半路咖啡」的店長及主廚們，用食譜做為介面，從素食主義到貧窮美味，讓飲食成為一種思想上的信仰。

【食物劇場】 場景二：欲望
李明學作品〈甜甜圈〉 以「物」做為欲望的替身，其誇大的形體，成為某種瞻仰式的觀看，讓欲望得以依附而生存。何采柔錄像作品〈記憶過曝〉中的「物」已被改變原有物質狀態，表現過度欲望的暴力。王德瑜複合媒材聲響作品〈No. 78〉將自己的身體物化為欲望的試劑，以過度飽嗝，處於失衡狀態的生理現象緩慢回應無限需索的心理欲望。

【食物劇場】 場景三：文化；場景四：記憶 
行為藝術家湯皇珍及劇場導演謝東寧以4個文本演繹4場演出，用「生成(DEVENIR)」概念，不斷解構、重組食物隱藏在思想底下的疆域。「生成」就像做一道千層麵，從捏麵、擀麵到成型，食物就是思想本身，在不斷流動、質變之間充滿了自覺的靈光。楊俊在維也納重現亞洲食物的「概念店」，不論餐廳所販賣的菜色、飲料多麼廣泛，他讓空間來發表立場，讓食物回歸日常飲食結構中，誘發具有強烈情感的共享食物記憶，讓食物克服距離與時空建立起自己的血統。

【食物劇場】 場景五：關係
從當代心理學的觀點切入，食物創造出人與人，人與鬼神之間的權力關係。食物描述了最複雜的東西：在同一個儀式中，愛與恨、誠敬與蔑視同時並存。袁廣鳴作品〈預言〉巧心佈置的餐桌，營造一個充塞著沉默與靜止的畫面。靜默飽含意象，更具感染力，當聲響伴隨著猛烈的搖撼劃破空間，精心擺設的餐桌洩露了人與人之間一種趨於停格的關係。王董碩作品〈宇宙〉以抽象繪畫表現堆滿供品的餐桌，表達了與先祖、諸神共進一餐所締結的關係。郭文泰〈食戰〉系列影像照片裡的食物，彷彿進入內心層次，引爆一場不可收拾的共食衝突，直指倫理背後的真實情感關係。巧克力經常被拿來當成情愛的隱喻，涂維政複合媒材裝置〈情人節快樂〉卻用巧克力製作武器，宣示一種具毀滅性的破壞力量，表現人類彼此對立關係的殘酷。

【食物劇場】 場景六：墮落
就像在《論現代興奮劑》裡巴爾札克談到菸草，他說：「人類怎麼也沒想過當煙囪也可帶來快感。」亢奮、麻痺、著魔、停頓，林其蔚創作〈靈芝仙草繪〉時的生理體驗；陳慧嶠在〈罌粟花〉裝置所提供的視覺感官的誘惑，撩撥觀者在其中汲取翻攪的衝動。只能在神話幻想中汲取的罌粟花及各類幻覺仙草，毀滅與重生的神秘力量，就地完整再現。黃博志的〈蛋白質男孩〉是一部關於迷戀食物與性的短篇小說，藉著兩者的連結串起人類的基本生理訴求。事實是，從菸草到蛋白質，都是一邊釋放一邊自我毀滅，都是用食物來進行的一場靈魂治療。

【食物劇場】 場景七：知識
張暉明單頻錄像作品〈蘋果樹〉傳達《聖經•創世記》中蘋果被稱為「知識之果」的寓言。作品中以三種不同物質呈現蘋果樹形而上的意念，挑明物質與抽象概念皆在意念之中啟動思想。做為一個創作者及騷莎舞者，邵樂人啟動網路社群結合有氧運動，將食物的生理及健康知識融入日常生活。他的創作計畫發展出一套結合飲食與舞蹈的健康生活指南APP軟體〈騷莎人生─騷莎人生活指南應用軟體〉，提供給觀眾免費下載。廖堉安則以標誌性的鳥人圖騰，以一系列卡漫風格繪畫嘲諷當下世代讚頌的健康飲食方式。為了信奉健康專家、營養專家的養生知識論，過度的控制與放縱成為此一世代的飲食特徵。

【食物劇場】 場景八：消費
「消費」是我們對物質的原欲追求手段，宮廷料理、焦糖烤布雷、咖啡、蔬果，在消費市場裡，每一種食物都在成本與效益考量下生產。在我們身處的時代，隨著食物信念的移轉，我們供奉能符合當代人感覺的所有食物。王俊傑〈十三日羊肉小饅頭〉將古中國宮廷料理，帶入中產階級消費市場。林明弘的攤車〈又涼又甜〉販賣一種無邊界的咖啡與甜點。作為現代人的興奮劑，咖啡甜點一貫地反覆於常民飲食中餵養無止盡的渴求。劉信佑的黑白攝影作品〈超級市場〉，直觀地拍攝逐漸腐壞的蔬果，靜止的影像無須滔滔雄辯，卻有力地批判了資本主義下的市場供需鏈。更多詳細活動內容，請上臺北市立美術館官網查詢。

策展人：蕭淑文
協同策展：簡伯勳
參展藝術家：林明弘、侯怡亭、張恩滿+半路咖啡、涂維政、黃博志、陳慧嶠、何采柔、王德瑜、湯皇珍+謝東寧、袁廣鳴、李明學、王董碩、邵樂人、廖堉安、廖祈羽、張暉明、林其蔚、郭文泰、王俊傑、楊俊、劉信佑、耿一偉

展覽資訊
展期：2015年2月7日至2015年5月3日
地點：臺北市立美術館 展覽室1A、1B
開放時間：每週二至週日9:30—17:30，每週六延長開放至夜間20:30
農曆年除夕（2/18）及初一（2/19）休館，初二（2/20）恢復正常開放

圖文資料提供/臺北市立美術館

在倫敦薩默塞特府（Somerset House）的樓梯間，一場輕盈卻深刻的相遇正悄悄上演。由隈研吾發起的實驗團隊SEKISUI HOUSE – KUMA LAB，透過「Paper Clouds（紙雲）」這座漂浮的和紙裝置，把日本工藝、自然意象與未來建築研究一同帶進2025年倫敦設計雙年展，邀請人們重新想像材料與空間的邊界。

和紙雲朵飄進18世紀英國建築

走進由William Chambers設計的古典石階，你馬上就會被一片片的雲朵吸引目光。共約70片的雲朵以紙纖維製成，再用金色絲線輕輕懸掛，自樓梯最高處如雲瀑般垂下。

「Paper Clouds」作品靈感來自日本繪畫中「すやり霞（Suyari-Gasumi）」的技法，創造出如薄霧般若隱若現，卻又能呈現具體的質感。看似輕盈的裝置，背後卻承載建築材料創新的實驗精神：要如何在極致輕薄中，依然保有足夠的結構強度？

傳統工藝的當代技術突破

為了達成這種「有重量感的輕盈」，KUMA LAB開發了一種嶄新的和紙工藝，使用與傳統和紙相同的楮樹纖維，但卻不是製作液體狀的紙漿，而是製成濃稠的糊狀物，再以手指壓出格狀紋理，創造剛性與立體感。而每塊乾燥後的「雲朵」擁有如淺碗狀的造型，其輕如羽毛，卻具足夠強度懸掛於空中。KUMA LAB計畫將這項技術擴展到更多實驗，例如3D列印和耐候性塗料，希望未來能運用在永久性建築中。

材料、文化、藝術的交會點

「Paper Clouds」不只是一個視覺裝置，它也觸及聽覺與身體感知。本計劃邀請到小提琴家兼作曲家小町碧為此創作全新作品，錄音過程中還特別捕捉了和紙貼近肌膚所產生的摩擦聲。共同策展人Clare Farrow認為，這是東西方之間的一場對話——從和紙、金線到18世紀石階，材料跨越時間和文化，日式工藝的輕盈感與英國古典建築的厚重彼此對照、也互相映襯。

即便隈研吾事務所（KKAA）已是全球規模最大的建築團隊之一，其仍然堅持透過這些小型計畫，找到持續創新的能量。隈研吾曾表示：「大多數業主都非常注重安全，希望重複既有的設計方式，只有在這些小實驗中，我們才有機會挑戰未知或是測試新材料。」

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00