北美館《食物箴言：思想與食物》展將探究食物的誘惑與符號象徵

北美館2月份展覽《食物箴言：思想與食物》主張回到食物真正的意義，在覓食、攝取、味覺、營養消化等尋常食物系統論戰之外，集結21組創作者，自「食物」之歷史文化、社會概念、生理功能等面向，建構出一個劇場文本，呈現食物繁複的意象，並直探食物在自我及人類社會中完整的思想演化。21組創作者運用藝術創作與表演計畫將展覽的概念拉升為全面性的感官體驗，在「食物」的不同形式間，萌發無比豐富的表現性與誘惑力。

展覽以耿一偉行動劇《藝術的重量》開場，在北美館一樓北側迴廊，耿一偉裝扮成電影《廚師、大盜，跟他的情人》男主角，將參展作品提到之食物擺於觀眾面前的大餐桌前，於演出前先稱體重，接著以大胃王的行為模式進食，結束後再次量體重，到底多了多少重量。演出過程中搭配現場側錄即時播放影像，強調透過媒體的各種飲食節目或報導，食物已成為奇觀社會(La Société du spectacle)的縮影。

此場開幕演出除了引介策展主題與內容之外，本身也刺激觀眾從藝術史與社會史的角度思考，食物與藝術的關係，並成為一則現場演出版的食物箴言。

策展人蕭淑文談到策展理念，說明這是一檔「充滿誘惑的展覽」，以8個場景：「信仰」、「欲望」、「文化」、「記憶」、「關係」、「墮落」、「知識」及「消費」，鋪陳食物帶來的感官經驗。味覺、觸覺、視覺、嗅覺，在人類世界中，食物始終是活躍的參與者，它具備了一種巫術的力量，通過人類思想與感官體系，將身體和心靈一併喚醒。食物在文化、生理及社會上的的多層次符號象徵，讓人與食物的關係多變又豐富，參與《食物箴言：思想與食物》的21組創作者：林明弘、侯怡亭、張恩滿+半路咖啡、涂維政、黃博志、陳慧嶠、何采柔、王德瑜、湯皇珍+謝東寧、袁廣鳴、李明學、王董碩、邵樂人、廖堉安、廖祈羽、張暉明、林其蔚、郭文泰、王俊傑、楊俊、劉信佑、耿一偉的作品及表演計畫，為本展創造出具有話語權的食物形貌，在食物劇場的8個場景中以不同角色登場，上演一齣後設劇碼，為觀者帶來一種極限經驗、一種精神式的「食物啟蒙」體驗。

【食物劇場】 場景一：信仰
〈半路夜食譜─施工中〉，一個以國家獨立為信念所經營的咖啡廳，如何從食物去反芻環境、社會，且有意識地通過食物去量繪一幅社群形貌，從而獲得觀點。藝術家張恩滿將參展形式定義為出版計畫，邀請「半路咖啡」的店長及主廚們，用食譜做為介面，從素食主義到貧窮美味，讓飲食成為一種思想上的信仰。

【食物劇場】 場景二：欲望
李明學作品〈甜甜圈〉 以「物」做為欲望的替身，其誇大的形體，成為某種瞻仰式的觀看，讓欲望得以依附而生存。何采柔錄像作品〈記憶過曝〉中的「物」已被改變原有物質狀態，表現過度欲望的暴力。王德瑜複合媒材聲響作品〈No. 78〉將自己的身體物化為欲望的試劑，以過度飽嗝，處於失衡狀態的生理現象緩慢回應無限需索的心理欲望。

【食物劇場】 場景三：文化；場景四：記憶 
行為藝術家湯皇珍及劇場導演謝東寧以4個文本演繹4場演出，用「生成(DEVENIR)」概念，不斷解構、重組食物隱藏在思想底下的疆域。「生成」就像做一道千層麵，從捏麵、擀麵到成型，食物就是思想本身，在不斷流動、質變之間充滿了自覺的靈光。楊俊在維也納重現亞洲食物的「概念店」，不論餐廳所販賣的菜色、飲料多麼廣泛，他讓空間來發表立場，讓食物回歸日常飲食結構中，誘發具有強烈情感的共享食物記憶，讓食物克服距離與時空建立起自己的血統。

【食物劇場】 場景五：關係
從當代心理學的觀點切入，食物創造出人與人，人與鬼神之間的權力關係。食物描述了最複雜的東西：在同一個儀式中，愛與恨、誠敬與蔑視同時並存。袁廣鳴作品〈預言〉巧心佈置的餐桌，營造一個充塞著沉默與靜止的畫面。靜默飽含意象，更具感染力，當聲響伴隨著猛烈的搖撼劃破空間，精心擺設的餐桌洩露了人與人之間一種趨於停格的關係。王董碩作品〈宇宙〉以抽象繪畫表現堆滿供品的餐桌，表達了與先祖、諸神共進一餐所締結的關係。郭文泰〈食戰〉系列影像照片裡的食物，彷彿進入內心層次，引爆一場不可收拾的共食衝突，直指倫理背後的真實情感關係。巧克力經常被拿來當成情愛的隱喻，涂維政複合媒材裝置〈情人節快樂〉卻用巧克力製作武器，宣示一種具毀滅性的破壞力量，表現人類彼此對立關係的殘酷。

【食物劇場】 場景六：墮落
就像在《論現代興奮劑》裡巴爾札克談到菸草，他說：「人類怎麼也沒想過當煙囪也可帶來快感。」亢奮、麻痺、著魔、停頓，林其蔚創作〈靈芝仙草繪〉時的生理體驗；陳慧嶠在〈罌粟花〉裝置所提供的視覺感官的誘惑，撩撥觀者在其中汲取翻攪的衝動。只能在神話幻想中汲取的罌粟花及各類幻覺仙草，毀滅與重生的神秘力量，就地完整再現。黃博志的〈蛋白質男孩〉是一部關於迷戀食物與性的短篇小說，藉著兩者的連結串起人類的基本生理訴求。事實是，從菸草到蛋白質，都是一邊釋放一邊自我毀滅，都是用食物來進行的一場靈魂治療。

【食物劇場】 場景七：知識
張暉明單頻錄像作品〈蘋果樹〉傳達《聖經•創世記》中蘋果被稱為「知識之果」的寓言。作品中以三種不同物質呈現蘋果樹形而上的意念，挑明物質與抽象概念皆在意念之中啟動思想。做為一個創作者及騷莎舞者，邵樂人啟動網路社群結合有氧運動，將食物的生理及健康知識融入日常生活。他的創作計畫發展出一套結合飲食與舞蹈的健康生活指南APP軟體〈騷莎人生─騷莎人生活指南應用軟體〉，提供給觀眾免費下載。廖堉安則以標誌性的鳥人圖騰，以一系列卡漫風格繪畫嘲諷當下世代讚頌的健康飲食方式。為了信奉健康專家、營養專家的養生知識論，過度的控制與放縱成為此一世代的飲食特徵。

【食物劇場】 場景八：消費
「消費」是我們對物質的原欲追求手段，宮廷料理、焦糖烤布雷、咖啡、蔬果，在消費市場裡，每一種食物都在成本與效益考量下生產。在我們身處的時代，隨著食物信念的移轉，我們供奉能符合當代人感覺的所有食物。王俊傑〈十三日羊肉小饅頭〉將古中國宮廷料理，帶入中產階級消費市場。林明弘的攤車〈又涼又甜〉販賣一種無邊界的咖啡與甜點。作為現代人的興奮劑，咖啡甜點一貫地反覆於常民飲食中餵養無止盡的渴求。劉信佑的黑白攝影作品〈超級市場〉，直觀地拍攝逐漸腐壞的蔬果，靜止的影像無須滔滔雄辯，卻有力地批判了資本主義下的市場供需鏈。更多詳細活動內容，請上臺北市立美術館官網查詢。

策展人：蕭淑文
協同策展：簡伯勳
參展藝術家：林明弘、侯怡亭、張恩滿+半路咖啡、涂維政、黃博志、陳慧嶠、何采柔、王德瑜、湯皇珍+謝東寧、袁廣鳴、李明學、王董碩、邵樂人、廖堉安、廖祈羽、張暉明、林其蔚、郭文泰、王俊傑、楊俊、劉信佑、耿一偉

展覽資訊
展期：2015年2月7日至2015年5月3日
地點：臺北市立美術館 展覽室1A、1B
開放時間：每週二至週日9:30—17:30，每週六延長開放至夜間20:30
農曆年除夕（2/18）及初一（2/19）休館，初二（2/20）恢復正常開放

圖文資料提供/臺北市立美術館

一間不賣鮮花的花店，竟能巡迴紐約、墨爾本、香港、新加坡等大城市，所到之地皆掀起排隊熱潮，這到底是怎麼一回事？原來這是澳洲當代藝術家Cj Hendry策動的「Flower Shop」藝術計畫，她以絨毛為材質，重新演繹各形各色的花卉，從莖葉到花瓣都細膩還原！

在開花店之前，「色鉛筆」超寫實畫作就引發社群討論

早在「Flower Shop」爆紅之前，Cj Hendry就以高超到得以「掩人耳目」的畫技為藝術迷熟知——閃閃發亮的迪斯可球、揉皺的塑膠袋、黏稠未乾的顏料、輕盈閃著幻彩的泡泡、盤中渾圓美味的魚子醬……，她不靠多樣媒材，就憑「色鉛筆」調色作畫！每道如顏料質地反射的光、彷彿立體物件自帶的影，都靠她巧手創造。看著這些巨幅超寫實畫作，沒人提醒還以為是攝影作品。

「Flower Shop」專賣永不凋零的花

近年，Cj Hendry將創作領域從超寫實畫作，拓展至大型藝術裝置和體驗，讓藝術以更可親的方式靠近大眾。2024年，她在紐約首度推出「Flower Market」，販售一系列以織品和泡棉製作而成、永不凋零的絨毛花朵，沒想到活動大受歡迎，最後快閃甚至演變為一間位於紐約SoHo區的永久性花店。其後，Hendry將計畫更名為「Flower Shop」並帶著作品去往世界各地。

為何以花為創作載體？Hendry認為，花是一種「人人都懂的語言」，無論是慶祝、道歉或單純想為日常製造浪漫，人們都會買花；不過可惜的是，鮮花總敵不過枯萎的命運。她想將這件事反轉，藉由永不凋零的花朵，讓心意得以永遠綿延。此外，Hendry希望透過Flower Shop讓人們知道，藝術不一定高冷艱澀，也能是觸手可及、可以輕鬆和親朋好友分享的。

「Flower Shop」8/28登台北微風廣場

巡迴紐約、新加坡、香港和澳洲多座城市後，Flower Shop今年夏天來到台北，8/28起於微風廣場快閃登場。這座露天花店將佈置如溫室，讓人們有造訪花市的實感，現場集結100種絨毛花卉，其中包含7款以台灣花卉為靈感的作品。想為自己或所愛之人挑一束永生花束，別忘了把這行程加上行事曆！

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）