北歐設計選品總盤點60+：史上最偉大的10張北歐名椅

45號單椅
 Finn Juhl（1945）
 丹麥精神的主人椅，胡桃木支架與牛皮座面採分離式設計、搭配黑色頂級牛皮的內斂造型，結構出一種椅子的成熟型態。無論胡桃木椅架的曲線或是座墊弧度的打造，都呈現出溫潤的完美弧度，突破傳統技法將椅座及椅背從框架中解放出來，流線而不受拘束的有機造型和漂浮無重力感是Finn Juhl的經典符號，也成為經典的設計語言。

BM2 ARM CHAIR
Børge Mogensen（1958）
由椅子的外型可以得知是傳承自Bø r g e Mogensen的老師Kaare Klint之作，BM2的座位十分寬大舒適，後面的椅腳也是由完整的實木手工雕塑而成，是一般機器大規模生產所無法取代的，而且所有家具的表面都需要由手工慢慢琢磨，實木質地的簡約細膩觸感，以及手把上的直榫結構，皆顯示出這件作品的高超工藝及精湛表現。

FK87 Grasshopper Chair
Preben Fabricius & Jørgen Kastholm（1968）
受到1920年代機能主義先驅，以及1960年代斯堪地那維亞外型革新的影響，設計師運用編織布料，結合Analin皮革再搭配鍍鉻鋼，呈現出奢華簡約的藝術風格。座椅下，隱藏著細膩的剪裁與縫線車工，Fabricius & Kastholm的作品以設計、品質和機能迸出完美火花，而其設計作品至今仍蘊含著經典設計的獨特韻味且歷久彌新。

OW149 The Colonial Chair
Ole Wanscher（1949）
OW149可說是Ole Wanscher最具代表性的作品。從椅背階梯狀的配置，可以看到十八世紀中葉英國家具的影響，頗具異國文化的風格。而略寬且重心較低的樣式與扶手鵝脖向下連接至橫棖的設計，也反映出Wanscher對於中國明式家具的喜好，扶手則採用傳統中式家具的套榫造法，此外藤編椅座搭配皮製充填羽毛椅墊，更具舒適感。

Panton Chair
Verner Panton（1959）
Verner Panton在1959年設計，並於1968年生產的經典作品，以當年的技術來說，Panton Chair的S造型與結構，是件技術極為困難的工業製品，耗費了將近7年的時間經三次材質實驗才順利將它量產。耐髒防曬、輕盈環保、一體成型且成色完美的Panton Chair，後來在Vitra色彩研究所的開發下，穿上了各式艷麗色澤的新衣，為經典系列再創高峰。

CH07三腳椅
Hans J. Wegner（1963）
CH07椅面和椅背由夾板製成，美麗的木紋也流露著Hans J. Wegner對木頭濃濃的熱愛。椅腳則是由合板構成，為了使其更舒適，以螺絲在椅背加裝了兩塊軟墊，此設計雖然高度既矮且沒有扶手的支撐，但藉著抓住前緣，使用者仍可以輕鬆站起。CH07兼具實用及藝術性，並在1999年丹麥科技協會測試中獲得最高等評價。

Egg Chair
Arne Jacobsen（1958）
Egg Chair是Arne Jacobsen於1958年為丹麥哥本哈根皇家飯店（現已改名為Radisson SAS Royal Hotel）所設計的經典代表作，以宛如蛋型，溫柔地包覆。Egg Chair皆需以兩張精選優質天然揉製的公牛皮，加上技巧純熟的技術以純手工一針一線，耗費至少四天以上縫製而成，經典的型體與完美工藝早已成為北歐迷的頭號收藏逸品。

PP225 Lounge Chair
Hans J. Wegner（1950）
旗繩椅的型態並不常見，實心不鏽鋼材，搭配240公尺長特殊研製的升旗繩與細緻的天然長毛羊毯，它是極致放鬆的奢華代表作！2002年，PP Møbler 因為恢復生產這款旗繩椅而得到博貝里家具獎（Bo Bedre）的經典獎。它既傳達現代主義的思維，同時也顯示出Hans J.Wegner採用鍍鉻鋼管這項獨特材質，展現的不凡設計美學。

PP 250 THE VALET CHAIR
Hans J. Wegner（1953）
趣味與功能性往往在 Hans J. Wegner 的作品裡扮演著重要的角色，而在這件作品裡最能看出這些特色來。侍從椅是1953年Hans J. Wegner經過與建築學教授Steen Eiler Rasmussen和設計師Bo Bojesen的一段關於「在睡前以最實用的方式折疊衣服的問題」所長談後構思出來的，其線條與材質的運用，對於當時的工匠來說是極高挑戰。

The GJ Chair
Grete Jalk（1963）
The GJ Chair和The GJ Table，這兩件作品現今被視為丹麥設計知名度最高的設計組合，最初與細木工匠Poul Jeppesen合作生產，然而，即使The GJ Chair贏得了英國日報《Daily Mail》的首獎，但它始終不曾被大量生產。以兩片形狀類似的模壓膠合板結合而成，為1930年代興起的設計型態，The GJ Chair即是此風潮之下的產物，也成為此種設計型態的代表作品。

文：葉靜芳 

圖片提供：MOT/CASA、森/CASA、惟德國際、丹意信實

本文摘錄自第130期 La Vie 月刊，更多精彩內容請點選→La Vie 02月號/2015 第130期

林宥嘉第7張專輯《Apples of Thy Eye》在去年7月數位上線，實體的液態黑膠則於今年4月底發行。如果你也是經過了漫長的預購等待，才拿到這張如藝術品般的專輯，不妨跟著設計師聶永真、陳聖智的分享，一探埋藏在「蘋果專輯」的設計細節。

2024年，林宥嘉推出睽違8年的專輯《王》。一年後，一首首釋出的新歌，也正式為第7張專輯拉開序幕。聶永真說明，剛開始開案時，專輯的名稱已經定下來，但他們花了滿多時間去釐清歌手的想法，最後才延伸出「每個人都是造物者眼中的蘋果，都是獨一無二且值得被珍惜的存在。」

延伸閱讀：設計師陳聖智、聶永真親解林宥嘉《王》專輯設計巧思

每一首歌，都是一個角色

而新專輯的每一首歌都代表著一個角色或群體，並以不同的蘋果作為單曲封面。比如以許多光點構成的〈歌迷〉，象徵演唱會現場歌迷揮舞手機的光；以性為主題的〈新郎〉，將蘋果做成類似帶著汗水的臀部輪廓；〈怪情歌〉的靈感則來自於MV畫面中的金髮與粉紅髮色。

當時他們先提出整體的視覺基調，確定走向後，便發展出現在所看到的「蘋果」造型，後續每首單曲的視覺也都在這樣的骨骼架構下進行製作。陳聖智補充，起初得知專輯將以單曲形式陸續釋出時，他們便認為這是個很特別的企劃形式，原本唱片公司沒有打算讓每首單曲封面都不一樣，「但我們覺得如果歌手本身這麼有企圖心，讓每一首歌都能單獨被檢視，那單曲封面也能依照企劃方向延伸，使視覺與歌曲的結合可以更完整。」

讓音樂載體化為可陳列、收藏的作品

至於為什麼是液態膠？陳聖智說，初期連是否推出實體專輯都不確定，但大家經過一輪討論後，認為仍需要一個可以收藏的物件。當時曾評估CD、卡帶、USB等形式，後來林宥嘉提出，希望這張音樂的載體本身能更具特殊性，同時也能如同一件作品般、被陳列於家中。因此，他們最終選定了液態膠，並重新設計了實體封面。聶永真說，他們當初提了許多版本，其中一個提案便是專輯中最直接且最代表性的兩個符碼——眼睛與蘋果，這也是林宥嘉一眼就選中的版本。

以「眼睛」與「蘋果」創造經典的封面視覺

聶永真表示，其實像封面有一個眼睛和蘋果，它的呈現方式可以有很多種，而這次他們以極度圖像化的方式來表達，也會讓專輯更具藝術性與經典感。「另一方面，以黑膠這個尺寸而言，一個眼睛與一個蘋果並行在一起，它的視覺張力非常的強。這也是當初我們會有這一版提案的原因。」另外也能發現，除了封膜上的貼紙，封面並沒有出現任何專輯名稱，他們希望透過具有辨識度的眼睛與蘋果，讓人們能直接得知「Apples of Thy Eye」這個名稱。

細看封面，還藏了一個小巧思。陳聖智說，蘋果旁的「A」符號，不僅代表Apple，轉個方向後，看來就像是側邊的眼睛；再轉向，則化為象徵林宥嘉（Yoga Lin）的「Y」。

翻開專輯內頁，可見從11首歌延伸而來的「眼睛」符號，長成一棵隱喻宇宙的基因樹，這也象徵著各式各樣的個體，在同一個環境下生長、彼此牽引且共生的關係；與之相對應的另一頁，則是將「Apples of Thy Eye」的英文字母圖像化後，組構出屬於人類的生命樹。

跳脫傳統黑膠配置，滿載細節的裝幀

而如果有在收藏黑膠的樂迷應該不難發現，相較主流黑膠以附上大海報、單張歌詞的形式，《Apples of Thy Eye》的裝幀方式較為少見，從亮膜封套、金色騎馬釘、多頁歌詞本、燙金、網版印刷等細節，都賦予了這張實體專輯如藝術作品般的收藏價值。除此之外，陳聖智提到，有些國外歌手的液態黑膠，無法直接收進封套，因此他們特別調整了封套的版型與厚度，使液態膠在收納後，即使平放也不會翹起。

世界上的每一個人都是重要的

回到液態膠本身，陳聖智分享，除了製作這張液態膠的壓片廠外，還需送往另一個工廠加工、打造出噴濺效果，也由於最終噴濺成型的樣貌無法預測，因此，每一張液態膠都是獨一無二的，這也呼應了專輯的核心概念——「世界上的每一個人都是重要的」。他補充，液態膠內的黑灰色液體也是特別訂製而成，讓音樂載體本身與數位封面上的眼睛有所連結。

而這張蘋果專輯的核心想法，也被收進最細微的地方。歌詞本中，「你」、「我」、「他」、「人」等字樣下方，那些看似只是點綴的小點點，其實都是一顆顆被極度縮小的蘋果，一再提醒著我們，每一個人都值得被看見與珍惜。

一座城市的魅力，往往藏在細節裡，像是一張讓人過目難忘的海報、一把讓長輩和孩子都能安心坐下的椅子，又或是一片在炎熱夏日裡，能讓人忘記城市喧囂的綠意廣場。這些隱而不顯的日常即景，都是讓城市更迷人的原因。而作為全台唯一獲得「世界設計組織」（WDO）、「國際設計社團組織」（ICoD）、「國際室內建築師設計師團體聯盟」（IFI）三大國際設計組織認證的國際設計競賽，邁入第19屆的「臺北設計獎」即日起至6月30日，廣邀全球創意人一起用好設計，回應來自城市的提問，創造出更美好的生活風景。

兩大徵件項目，集結多元創意能量

以「讓設計成為形塑美好未來的驅動力」為核心願景，今年臺北設計獎分為兩大項目，其中「國際競賽」涵蓋工業設計、視覺傳達設計與公共空間設計三大類，以不設定特定主題的方式，給予創作者最純粹的靈感自由；「臺北城市設計選拔」則以「永續‧共融」為題，無論是聚焦淨零碳排、韌性城市，或是懷抱著人文關懷與共享共融的思維，只要能與臺北產生對話、提出解決方案，都是這條賽道渴望留下的創意輪廓。

至於評選標準則從應用性（40%）、創意性（30%）、技術性（20%）及藝術性（10%）四大面向全面評估，格外看重作品的可量產性及市場性。總獎金則高達新臺幣450萬元，最高榮耀「全場大獎」獎金更達60萬元，得獎作品亦可取得年度標章授權，為創作者增添國際獎項的實質肯定。

評審來自4大洲、11個國家，匯聚多元設計眼光

另一方面，「臺北設計獎」向來以接軌國際為人所知，今年評審團更齊聚來自歐、亞、美、非四大洲，共11國的專業評審。像是工業設計類評審包含SONY設計團隊負責人Daisuke Ishii、西班牙瓦倫西亞地區設計基金會執行長暨WDO理事的Xavi Calvo等人；視覺傳達設計類則有ICoD秘書長Anssi Kähärä、Landor中東區域執行創意總監Lara Assouad等；公共空間設計類有Snøhetta建築事務所亞洲合夥人暨董事總經理Robert Greenwood、IFI理事Tatu Ahlroos等專家；臺北城市設計選拔則由臺灣設計研究院院長張基義領軍，易境永續設計顧問創辦人暨執行長何宗翰等設計人共同評選。

如此多元的文化背景，不僅能讓參賽作品在不同文化脈絡下接受檢視，淬鍊出凌駕於短暫潮流之上的「好設計共識」，更讓臺北設計獎成為創意人直面頂尖設計眼光的絕佳契機。

一次搞懂徵件眉角，傾聽得獎作品背後的思考工序

如果你正躍躍欲試，那麼將於6月3日（三）13:30–16:30在榕錦時光生活園區2樓舉辦的「2026臺北設計獎徵件暨年度活動說明會」，絕對是不容錯過的良機。當天不僅將詳細解析徵件辦法，更規劃歷屆得獎案例深度分享。在此，說明會也特別邀請曾以「金瑞田嬰小屋」榮獲臺北城市設計選拔金獎的樸明建築師事務所蔡崇憲建築師、曾以「溝通的開始Typing..._臺北市立美術館休憩空間規劃」奪得工業設計類金獎的無氏製作等獲獎團隊，不藏私地解構創意理念與實踐歷程。說明會最後也有問答與自由交流時間，讓人用一個午後的時光與大師對話，找到創意的方向。

畢竟，設計從來不只是關乎美感，更是我們回應城市，改變生活的溫柔革命。第19屆臺北設計獎的徵件倒數中，如果你對於身處的城市懷抱期待，這次不妨讓世界看見，你的好設計將如何形塑城市的未來。

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_{文字 | 郭慧  圖片提供 | 臺北市政府產業發展局}