臺北邁向2016世界設計之都，自2012年起，跑遍歐、非、澳、亞四大洲，陸續參加芬蘭赫爾辛基設計週、荷蘭設計週、南非Design Indaba設計展、倫敦設計節100%設計展、雪梨DesignEX展，以及日本東京設計師週，讓國際看見「臺北．設計城市」的創新意象，今年3月，臺北設計更將首次進入中東杜拜，讓阿拉伯國家驚豔！

臺北市文化局文創科科長楊靜如，以及設計師周育潤、徐景亭、吳孝儒、林曉瑛出席行前媒體茶敘現場共襄盛舉，執行單位台灣設計師連線總統籌邱乾珉表示，繼日本、韓國之後，臺北這次能夠代表臺灣前往2015杜拜設計節參展，代表臺灣設計已經獲得國際間的肯定！而這次將一同前往杜拜設計節的設計師周育潤則表示，杜拜是喜歡金色的國家，這次的竹編工作坊，他將把竹編融入金色的線條，相信一定能受到杜拜當地民眾喜愛！

杜拜設計節，臺灣新工藝亮相
杜拜為2020年世界博覽會的主辦城市，近年來並籌劃杜拜設計園區（Dubai Design District），積極發展設計產業。杜拜設計節（Design Days Dubai）匯集來自全球的設計商品及趨勢，走高端設計的路線，許多限量與罕見的當代設計品都可在此看見，因此成為許多中東藏家與設計師的集散地，也是杜拜王室每年必定造訪的行程，可見此展是行銷城市設計及設計產業交流合作的國際重要展會。杜拜設計節在規劃上極具野心，以中東為中心輻射擴散，廣納歐洲、亞洲、美洲等各地設計師作品，展期為3月16至20日。

作為宣傳2016臺北世界設計之都的中東前哨戰，今年將有多件臺灣的優秀作品前進杜拜設計節亮相！臺北市此次參展題目為「新工藝」－臺灣當代工藝技術蛻變，事實上，追溯臺灣的設計發展，從傳統加工製造業轉型到今日的品牌研發已有超過40年以上的歷史，在亞洲區的整體設計發展有著亮眼的表現。然而，大多數國際人士對於「臺灣製造」的印象仍停留在科技產品，為此，臺北市在杜拜展出結合了在地材質與傳統工藝，卻又具有當代思維的臺灣設計師作品，例如設計師王俊隆利用大理石切割的工藝技巧，將老舊的紅磚牆重新切割拋光製成的器皿，以及設計師周育潤與工藝師蘇素任合作製作的泡泡椅，以模組化的竹編元素創造出具永續性的當代沙發，將傳統竹編技藝變成一套現代傢具，設計師周育潤更將在展場舉辦竹編工作坊活動，讓阿拉伯民眾親身體驗東方竹編文化之美。

除此之外，臺灣多元的文化底蘊亦是此次中東宣傳的重點。文化的混生狀態充斥於臺灣社會的各個層面，透過巧妙的手法，參展設計師善於將異質文化元素結合進設計當中，例如設計師吳孝儒植接坊間常見的塑膠凳以及明式傢具而成的「新台凳」；設計師徐景亭與工藝師李存仁融合傳統刺繡與蕾絲圖樣的柔性作品等。「新工藝」表現出其他亞洲城市少見兼容傳統工藝技法與當代語彙的設計元素，並蓄多元文化，用當代設計語言宣傳臺北，推廣臺灣。

設計師X工藝師，重新詮釋傳統工藝
在工業化與全球化的影響下，世界各地許多傳統產業逐漸式微，然而在導入了設計師的創作想法後，不少傳統工藝產生了新面貌，這樣跨領域的合作模式也為傳統產業創造了新的契機。譬如原產於亞洲的竹子，擁有溫潤的材質與強韌的天然特性，也因此竹編工藝在許多亞洲國家有著深遠的歷史。這次將赴杜拜參展的展品之一「泡泡椅」即為設計師周育潤與工藝師蘇素任合作誕生的成果，多次造訪南投竹山的周育潤說：「工業設計的物品目的是量產的同時求取一定的利潤，工藝作品的目的卻是欣賞單件作品中的美感與細節，兩項產業結合後，要能巧妙平衡、雙方對作品的定位有清晰的共識是件不容易的事。」而對工藝師蘇素任來說，這項合作則開啟了她的好奇心：「傳統竹藝做久了會有框架，我也很好奇作品會長什麼樣子。」這樣跨領域的創作摩擦出令人驚艷的火花，更開啟了兩人後續的合作，另一作品「竹凳(Bambool)」曾在法國Maison & Object 展出時廣受歡迎被票選為「最喜愛的作品」(coup de coeur)。在設計師、工藝師們的投入下，臺灣傳統工藝的未來十分令人期待，這波跨領域的合作不僅復興了傳統產業，手藝精湛的工藝師們也正不斷探索新的可能！

2016年相約在臺北，不斷提升的城市！
當代城市發展面對嚴苛的挑戰與威脅，包括從生態、經濟、社會到文化面向，城市的治理都必須致力於求新求變，發展創新的思維與作法，唯有不斷的求新求變，當代的城市才有能力為市民帶來更美好的生活品質，而這也是臺北申請2016世界設計之都的原因，期望臺北市藉由「設計」的手段，用以因應城市發展的各式挑戰，在放眼國際的同時，肩扛模範都市的責任，看見2016臺北市的改變！

圖文資料提供/台北文化局

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}