2002年，「文化創意產業」與「數位典藏國家型科技計畫」同年啟動，以數位典藏檔案的授權為基礎，故宮與文創產業間的數位應用鏈結就此展開。身為全球五大博物館之一的國立故宮博物院與台灣文化創意產業的未來，將如何發展？

「請問那個唐朝宮女頭髮造型的頸枕還有貨嗎？」國立故宮博物院（以下簡稱故宮）禮品供應中心櫃台前，兩名穿著時髦的女大學生正熱切地詢問店員，「前幾天朋友在臉書上分享，覺得實在太有趣了，今天特別跑來買，剛好也可以送給英國來的交換同學當禮物！」這款她們超想買到手的「墜馬髻」造型頸枕，取材自故宮典藏的名畫〈唐人宮樂圖〉，將唐朝女性當時流行的「墜馬髻」髮型轉化成為頸枕，不只可以枕在頸上、還可以諧仿唐代宮女戴在頭上「一秒變貴妃」，是繼熱賣近20萬組的「朕知道了」紙膠帶後故宮最新的話題商品。

「去年度由故宮文創商品所創造的收益達到新台幣8.2億元新高。」故宮文創處處長徐孝德表示，「文創商品所創造的收益已超過7.5億元的門票收入，呈現與國際各知名博物館相同的穩定營收結構。」故宮文創商品掀起年輕世代的熱烈討論、締造熱賣佳績，甚至連大陸各大博物館也連番前來拜訪取經，故宮近年對於文創產業所投注的心力似乎逐漸看到成果。

然而，從另個角度來看，身為擁有69萬多件經典館藏，且與法國羅浮宮、美國大都會藝術博物館、英國大英博物館等，並列為全球五大博物館的國立故宮博物院，無疑是台灣發展文化創意產業的重要資產。當我們意識到所謂文化創意產業不僅止於眼前文創小物掀起的微風潮時，又該如何期待故宮之於台灣文化創意產業的未來？

從數位典藏庫到數位藏金閣

「文化創意產業」這個在台灣每個人都朗朗上口的名詞，自2002年政府大力支持及推行以來，已經成為台灣最受矚目的重點產業。同樣在2002年，故宮開始參與國科會執行的「數位典藏國家型科技計畫」（以下簡稱數典計畫），將典藏的文物以數位化方式建立資料庫，徐孝德處長表示「原本建立數位資料庫只是為了保存和研究用途。」隨著文創產業的發展趨勢，以及當時政府對博物館補助連年遞減的財政壓力，故宮文物的數典資料庫也逐漸轉型，身兼起藉由圖像授權等模式進行文物加值應用的任務。

當時的故宮院長杜正勝在接受《商業週刊》專訪時曾談到，「文化和商業本來就可以結合在一起，與其把文物只關在故宮裡，不如藉由數位化影像授權推廣給大眾市場，讓更多人認識故宮。」以數位典藏資料檔案的授權為基礎，近十多年來故宮與文創產業數位應用鏈結互動就此展開。而隨著數典計畫在2012年結束，現任故宮院長馮明珠同時也擔任「數位典藏策略聯盟」副召集人，延續推動數位典藏橋接產業界任務。

電影、廣告與概念商品展

一部由桂綸鎂主演的電影【經過】、由林強擔綱以河洛閩南語吟唱著「花氣薰人帖」的形象廣告、侯孝賢與王小棣分別擔任導演所拍攝的紀錄片，以及邀請新銳設計團隊的概念商品展，這些聽起來在傳統觀念裡與故宮毫不相關的事件，都在故宮迎來八十周年大壽的，於當時故宮前後任院長石守謙及林曼麗的推動下，一一成為故宮「Old is New時尚故宮」系列活動中的重要作品，而這些讓許多民眾感到耳目一新的作品，也標示著故宮內部思維的轉變。

熟稔博物館行銷管理的國立臺北教育大學文化創意產業經營學系副教授林詠能分析，「當時故宮以『Old is New』為主軸推出一連串大型活動，對故宮作為一個品牌的轉型及年輕化有很大的助益。」同時，他也對於故宮當時所創造的階段性成就，抱持著肯定的態度。藉由電視新聞及各報章雜誌大篇幅的報導，故宮前所未有的創舉與受邀合作的明星效應，吸引了大量媒體和影迷
的關注，連一般民眾也開始逐漸感受到故宮希望藉由文化與創意的接合，拉近與民眾距離的企圖心。

故宮文創試金石：從實驗專案到授權制度化

在2007年義大利米蘭設計展上，一款頭戴清朝官帽、丹鳳眼、穿著藍袍的公仔首度露臉，這是由國際知名義大利設計品牌Alessi與故宮合作共同開發的「清宮娃娃系列」，也是故宮「Old Is New」系列活動中為了推動文創商品設計所展開的跨國合作成果。這款由Alessi首席設計師Stefano Giovannoni命名為「清先生」的公仔，據說是以故宮所出版的《乾隆皇帝文化大業》展覽圖錄封面人物，也就是故宮典藏《乾隆御製詩》裡乾隆30歲畫像為造型靈感。儘管在當時，商品才剛推出就傳出這款「清宮家族」的設計手法帶有民族歧視意味，招來部分媒體及民眾的議論紛紛。

先不論Alessi設計造型帶來的爭議，這款結合當代國際知名設計品牌的故宮產品，在上市後的一年間，據Alessi表示在全球熱賣超過台幣六億元成績，印證了故宮藉由推動活化資產及異業合作也能創造實際收益。但當時與Alessi的合作模式，若有其他品牌或廠商希望洽談合作，故宮是否也能乘勝追擊、廣為沿用呢？徐孝德處長坦言，「2005年與Alessi簽訂合作意向書時，是以一種帶有實驗性質的模式在進行。那時候故宮相關授權機制還在建置中，所以是透過與『台灣創意設計中心』共同合作的專案模式進行。」

為了使牽涉到文創發展的故宮圖像授權機制更為周全，故宮在2006年逐步參考了包括法國國家博物館聯合會（Réunion des musées nationaux，RMN）、義大利Scalar影像資料庫（Scala Archives）等國際間重要的相關機構收費標準，多年來經過一連串的修法與申請規章建置，目前在圖像授權的部分依循「國立故宮博物院藏品圖像授權及出版授權利用辦法」為標準，從DVD影音出版、車廂廣告甚至是用來當作悠遊卡等圖樣設計元素都有清楚的收費標準。

而廠商與故宮合作的授權機制，除了最常見的圖像授權之外，還包括出版品授權、合作開發（也稱委託產製）及品牌授權（雙品牌合作）總共四種模式。像是持續熱賣中的「墜馬髻」造型頸枕、或是「聖旨」文件夾，都是屬於合作開發模式下產生的創意設計商品。

其中，以品牌授權合作模式生產出的產品，可以在商品包裝上印製雙品牌商標，故宮商標具有的專業感及藝術品牌形象，能夠為廠商品牌帶來大幅提升知名度及形象的加乘效果，相應地，故宮也可以藉由合作品牌既有的廣泛通路拓增故宮商品能見度，雙品牌間相互拉抬及連結度最緊密。因此在四種合作開發模式中，又以品牌授權（雙品牌合作）最能為雙方帶來授權運用的最大化效益。以下將就故宮與文創產業兩者之間關係熟習的過程，及其衍生的課題展開討論。

習題：合作門檻，授權審核條件的調整

去年12月，台北101大樓裡喜氣洋洋的舞龍舞獅正叼著紅包穿梭在櫃位之間，這一天是占地220坪的「文創101專區」剪綵開幕的日子，台灣著名的文創品牌包括琉璃工房、法藍瓷、神話言及陶作坊等10家文創品牌，均應台北101的之邀進駐。台北101購物中心總經理戴蔭本表示，「台北101每年迎接超過300萬名國際遊客，進駐的都是文創界『精品級』品牌。」

其中獲邀進駐台北101的神話言，從2013年開始與故宮進行雙品牌合作，藝拓國際執行長、同時也是神話言品牌創辦人曾國源表示：「2013年我們改變在大陸快速拓點的策略，集中能量回到台灣和故宮進行雙品牌合作。隨後2014年推出的『我是乾隆‧天子之寶』小乾隆茶器，就獲得2014年Good Design Award國際大獎。」此外，神話言也在故宮博物館、永康街、鶯歌老街等四個景點接連開設店位，「2014年度在台灣的零售營業額就進帳約5,000多萬元，和2010年的500萬元相比，業績成長了將近十倍。」

故宮文創行銷處處長徐孝德表示，「雙品牌合作是故宮授權模式中最嚴格的一種，品牌前三年營收平均要達到兩千萬元，才能向故宮申請。而到目前為止，總計也只有二十幾家品牌通過審核。」要經過層層審核才能過關的嚴格篩選方式，對於申請合作的品牌來說真的值得嗎？

就目前成果，神話言與故宮進行雙品牌合作後的效益對很多廠商或品牌來說，似乎是一個很成功的案例。但是，當談起新品設計及後續產製過程時，曾國源也透露，「故宮每兩個月會舉辦一次新商品提案審查，在審查之前廠商除了要完成研發設計圖以外，也需要估算新品詳細預估生產的數量、成本等等。這些在前期都是需要先投入一筆資本的，更何況還有可能遇到被故宮退件拒絕的風險。」曾國源直言，「對於較小型的公司來說，還是比較建議從與故宮合作開發的模式切入。」

針對故宮與廠商合作中雙方的角色地位，林詠能副教授表示，「雙品牌成功的基礎在於合作雙方能彼此互惠、共同獲利。因此，故宮的態度不應該過於強勢，並避免本位主義，只從自身的利益出發。畢竟，故宮身為國家級的文化機構，對於民間業者應該給予適當的協助與支持，不應設定過於嚴苛的合作條件，這樣反而可能降低業者投入文創產業的意願。」

本文選自第132期 La Vie 月刊，更多精彩內容請點選→La Vie 4月號/2015 第132期

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

場次及購票資訊請點此