是的，朕又來了 故宮×文創 挑戰創益新關係

2002年，「文化創意產業」與「數位典藏國家型科技計畫」同年啟動，以數位典藏檔案的授權為基礎，故宮與文創產業間的數位應用鏈結就此展開。身為全球五大博物館之一的國立故宮博物院與台灣文化創意產業的未來，將如何發展？

「請問那個唐朝宮女頭髮造型的頸枕還有貨嗎？」國立故宮博物院（以下簡稱故宮）禮品供應中心櫃台前，兩名穿著時髦的女大學生正熱切地詢問店員，「前幾天朋友在臉書上分享，覺得實在太有趣了，今天特別跑來買，剛好也可以送給英國來的交換同學當禮物！」這款她們超想買到手的「墜馬髻」造型頸枕，取材自故宮典藏的名畫〈唐人宮樂圖〉，將唐朝女性當時流行的「墜馬髻」髮型轉化成為頸枕，不只可以枕在頸上、還可以諧仿唐代宮女戴在頭上「一秒變貴妃」，是繼熱賣近20萬組的「朕知道了」紙膠帶後故宮最新的話題商品。

「去年度由故宮文創商品所創造的收益達到新台幣8.2億元新高。」故宮文創處處長徐孝德表示，「文創商品所創造的收益已超過7.5億元的門票收入，呈現與國際各知名博物館相同的穩定營收結構。」故宮文創商品掀起年輕世代的熱烈討論、締造熱賣佳績，甚至連大陸各大博物館也連番前來拜訪取經，故宮近年對於文創產業所投注的心力似乎逐漸看到成果。

然而，從另個角度來看，身為擁有69萬多件經典館藏，且與法國羅浮宮、美國大都會藝術博物館、英國大英博物館等，並列為全球五大博物館的國立故宮博物院，無疑是台灣發展文化創意產業的重要資產。當我們意識到所謂文化創意產業不僅止於眼前文創小物掀起的微風潮時，又該如何期待故宮之於台灣文化創意產業的未來？

從數位典藏庫到數位藏金閣

「文化創意產業」這個在台灣每個人都朗朗上口的名詞，自2002年政府大力支持及推行以來，已經成為台灣最受矚目的重點產業。同樣在2002年，故宮開始參與國科會執行的「數位典藏國家型科技計畫」（以下簡稱數典計畫），將典藏的文物以數位化方式建立資料庫，徐孝德處長表示「原本建立數位資料庫只是為了保存和研究用途。」隨著文創產業的發展趨勢，以及當時政府對博物館補助連年遞減的財政壓力，故宮文物的數典資料庫也逐漸轉型，身兼起藉由圖像授權等模式進行文物加值應用的任務。

當時的故宮院長杜正勝在接受《商業週刊》專訪時曾談到，「文化和商業本來就可以結合在一起，與其把文物只關在故宮裡，不如藉由數位化影像授權推廣給大眾市場，讓更多人認識故宮。」以數位典藏資料檔案的授權為基礎，近十多年來故宮與文創產業數位應用鏈結互動就此展開。而隨著數典計畫在2012年結束，現任故宮院長馮明珠同時也擔任「數位典藏策略聯盟」副召集人，延續推動數位典藏橋接產業界任務。

電影、廣告與概念商品展

一部由桂綸鎂主演的電影【經過】、由林強擔綱以河洛閩南語吟唱著「花氣薰人帖」的形象廣告、侯孝賢與王小棣分別擔任導演所拍攝的紀錄片，以及邀請新銳設計團隊的概念商品展，這些聽起來在傳統觀念裡與故宮毫不相關的事件，都在故宮迎來八十周年大壽的，於當時故宮前後任院長石守謙及林曼麗的推動下，一一成為故宮「Old is New時尚故宮」系列活動中的重要作品，而這些讓許多民眾感到耳目一新的作品，也標示著故宮內部思維的轉變。

熟稔博物館行銷管理的國立臺北教育大學文化創意產業經營學系副教授林詠能分析，「當時故宮以『Old is New』為主軸推出一連串大型活動，對故宮作為一個品牌的轉型及年輕化有很大的助益。」同時，他也對於故宮當時所創造的階段性成就，抱持著肯定的態度。藉由電視新聞及各報章雜誌大篇幅的報導，故宮前所未有的創舉與受邀合作的明星效應，吸引了大量媒體和影迷
的關注，連一般民眾也開始逐漸感受到故宮希望藉由文化與創意的接合，拉近與民眾距離的企圖心。

故宮文創試金石：從實驗專案到授權制度化

在2007年義大利米蘭設計展上，一款頭戴清朝官帽、丹鳳眼、穿著藍袍的公仔首度露臉，這是由國際知名義大利設計品牌Alessi與故宮合作共同開發的「清宮娃娃系列」，也是故宮「Old Is New」系列活動中為了推動文創商品設計所展開的跨國合作成果。這款由Alessi首席設計師Stefano Giovannoni命名為「清先生」的公仔，據說是以故宮所出版的《乾隆皇帝文化大業》展覽圖錄封面人物，也就是故宮典藏《乾隆御製詩》裡乾隆30歲畫像為造型靈感。儘管在當時，商品才剛推出就傳出這款「清宮家族」的設計手法帶有民族歧視意味，招來部分媒體及民眾的議論紛紛。

先不論Alessi設計造型帶來的爭議，這款結合當代國際知名設計品牌的故宮產品，在上市後的一年間，據Alessi表示在全球熱賣超過台幣六億元成績，印證了故宮藉由推動活化資產及異業合作也能創造實際收益。但當時與Alessi的合作模式，若有其他品牌或廠商希望洽談合作，故宮是否也能乘勝追擊、廣為沿用呢？徐孝德處長坦言，「2005年與Alessi簽訂合作意向書時，是以一種帶有實驗性質的模式在進行。那時候故宮相關授權機制還在建置中，所以是透過與『台灣創意設計中心』共同合作的專案模式進行。」

為了使牽涉到文創發展的故宮圖像授權機制更為周全，故宮在2006年逐步參考了包括法國國家博物館聯合會（Réunion des musées nationaux，RMN）、義大利Scalar影像資料庫（Scala Archives）等國際間重要的相關機構收費標準，多年來經過一連串的修法與申請規章建置，目前在圖像授權的部分依循「國立故宮博物院藏品圖像授權及出版授權利用辦法」為標準，從DVD影音出版、車廂廣告甚至是用來當作悠遊卡等圖樣設計元素都有清楚的收費標準。

而廠商與故宮合作的授權機制，除了最常見的圖像授權之外，還包括出版品授權、合作開發（也稱委託產製）及品牌授權（雙品牌合作）總共四種模式。像是持續熱賣中的「墜馬髻」造型頸枕、或是「聖旨」文件夾，都是屬於合作開發模式下產生的創意設計商品。

其中，以品牌授權合作模式生產出的產品，可以在商品包裝上印製雙品牌商標，故宮商標具有的專業感及藝術品牌形象，能夠為廠商品牌帶來大幅提升知名度及形象的加乘效果，相應地，故宮也可以藉由合作品牌既有的廣泛通路拓增故宮商品能見度，雙品牌間相互拉抬及連結度最緊密。因此在四種合作開發模式中，又以品牌授權（雙品牌合作）最能為雙方帶來授權運用的最大化效益。以下將就故宮與文創產業兩者之間關係熟習的過程，及其衍生的課題展開討論。

習題：合作門檻，授權審核條件的調整

去年12月，台北101大樓裡喜氣洋洋的舞龍舞獅正叼著紅包穿梭在櫃位之間，這一天是占地220坪的「文創101專區」剪綵開幕的日子，台灣著名的文創品牌包括琉璃工房、法藍瓷、神話言及陶作坊等10家文創品牌，均應台北101的之邀進駐。台北101購物中心總經理戴蔭本表示，「台北101每年迎接超過300萬名國際遊客，進駐的都是文創界『精品級』品牌。」

其中獲邀進駐台北101的神話言，從2013年開始與故宮進行雙品牌合作，藝拓國際執行長、同時也是神話言品牌創辦人曾國源表示：「2013年我們改變在大陸快速拓點的策略，集中能量回到台灣和故宮進行雙品牌合作。隨後2014年推出的『我是乾隆‧天子之寶』小乾隆茶器，就獲得2014年Good Design Award國際大獎。」此外，神話言也在故宮博物館、永康街、鶯歌老街等四個景點接連開設店位，「2014年度在台灣的零售營業額就進帳約5,000多萬元，和2010年的500萬元相比，業績成長了將近十倍。」

故宮文創行銷處處長徐孝德表示，「雙品牌合作是故宮授權模式中最嚴格的一種，品牌前三年營收平均要達到兩千萬元，才能向故宮申請。而到目前為止，總計也只有二十幾家品牌通過審核。」要經過層層審核才能過關的嚴格篩選方式，對於申請合作的品牌來說真的值得嗎？

就目前成果，神話言與故宮進行雙品牌合作後的效益對很多廠商或品牌來說，似乎是一個很成功的案例。但是，當談起新品設計及後續產製過程時，曾國源也透露，「故宮每兩個月會舉辦一次新商品提案審查，在審查之前廠商除了要完成研發設計圖以外，也需要估算新品詳細預估生產的數量、成本等等。這些在前期都是需要先投入一筆資本的，更何況還有可能遇到被故宮退件拒絕的風險。」曾國源直言，「對於較小型的公司來說，還是比較建議從與故宮合作開發的模式切入。」

針對故宮與廠商合作中雙方的角色地位，林詠能副教授表示，「雙品牌成功的基礎在於合作雙方能彼此互惠、共同獲利。因此，故宮的態度不應該過於強勢，並避免本位主義，只從自身的利益出發。畢竟，故宮身為國家級的文化機構，對於民間業者應該給予適當的協助與支持，不應設定過於嚴苛的合作條件，這樣反而可能降低業者投入文創產業的意願。」

本文選自第132期 La Vie 月刊，更多精彩內容請點選→La Vie 4月號/2015 第132期

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

Longchamp x Caroline Hélain首發膠囊系列重磅登場！延續2026秋冬系列品牌創意團隊所發想的「Creative Curiosity」概念，此次全新聯名服飾、配件及包袋特別攜手比利時藝術家Caroline Hélain，以9幅採用手裁布料層疊而成的岩礦地景，激發人們的探索欲與創意好奇心。隨本篇認識這位創作遊走於具象與抽象之間詩意地帶的當代視覺藝術家，同場看該系列從T恤、絲巾、托特包到旅行包等「自然系」單品設計亮點。

永續與創新，無疑是當代設計兩項不容忽視的重中之重。向來秉持真誠活力與樂觀精神的Longchamp，自1948年憑製作皮革煙斗起家至今，已然發展成為產品涵蓋旅行配件、包袋、服飾、眼鏡及鞋履等豐富類型的全方位生活風格品牌。2026年，Longchamp進一步將其社會責任與環境承諾制度化，透過取得B Corp™企業認證，嶄露不懈推動永續生產的決心。

與此同時，針對自家商品設計與時下藝術脈動的結合，Longchamp亦不遺餘力；舉凡數度攜手多元藝術家推出聯名系列、連年攜各式挑戰工藝邊界的創意家具進軍米蘭設計週，比比皆是實例。本季，品牌懷抱感性與好奇心，首度與比利時視覺藝術家Caroline Hélain展開合作，轉化藝術家所縫製細膩且富有層次的獨特地景為服裝與皮件圖樣，從而以滿含詩意的跨領域對話再次印證：作為Longchamp成立70餘年來的創作核心，廣義「藝術」及其多元表現形式始終扮演品牌旗下一切設計的關鍵角色，深度聯繫著創意團隊對長遠未來的嚮往心情，以及品牌受眾對嶄新視野的開放態度。

▼ Longchamp日前落地台北的2026秋冬系列發表會，於現場構築一座沉浸式畫廊展陳單品

在藝術與實驗之間——認識藝術家Caroline Hélain：

以手裁布料為基礎，描繪光影下別具生命力的自然形態

視覺藝術家Caroline Hélain現居比利時布魯塞爾，兼於布魯塞爾藝術學院進行研究工作，藉交流與實驗持續拓展藝術視野。大都汲取靈感自植物與自然景觀，其作品發跡於手工裁剪和塑形的布料，並經不同材質與色調層層拼接構成，各細節組成脈絡可謂遊走在觀察與記憶、具象與抽象地帶。尤其擅長以細膩視角感知周遭的她，且多運用風景、材質與視覺感官的連結，重新詮釋記憶中的景象；從色彩相互映襯的節奏、線條交織產生的律動、各層布料擁有的共鳴，乃至自由縫製所勾勒出的線條語彙，全是成就Caroline Hélain標誌性風格的有形與無形符碼。除從事個人創作外，她也通過工作室及文化機構舉辦的工作坊，分享自身於縫紉和刺繡領域的專業知識與實務經驗。

針對此次聯名，Caroline Hélain表示，「我的藝術創作存在於具象與抽象之間。與Longchamp的合作，讓我有機會將作品中的自然景致化為可穿戴作品。我所描繪的地平線能隨身形流動，以環繞整體輪廓，這對我而言別具深刻意義。」細賞她精心打造的系列單品，時有一座沙丘、一片峭壁，抑或一道天際線浮現，恰似幀幀被解構後重新拼湊的風景畫。

專屬創作躍然多元單品，邀你穿戴探索未知風景

Caroline Hélain共為Longchamp 2026冬季系列構思9幅專屬地景，各幅作品一方面以細緻的織紋肌理和色彩層次堆疊與品牌單品本身線條有所呼應的柔和意象，另方面而言亦借力於Longchamp精湛製衣與鞣革手法的二度演繹，躍然服飾配件之上。

首先，Daylong系列皮革包袋善用多層次拼接再現藝術家的地景創作，並由Longchamp工坊匠人悉心縫製，盡展品牌工藝底蘊。包型部分提供迷你包與旅行包兩種，邀人們踏上探索未知風景的旅程。

再者，鮮明的色彩構圖同步渡上毛衣與長洋裝，使多款服飾彷彿點綴流動壁畫般自帶生命力。其中最具代表性與辨識度的無袖背心，揉合皮革與初剪羊毛圈紗材質，描繪沙丘和模糊天際線交會的壯麗景觀，實踐藝術與工藝的精妙平衡。

最後，Longchamp遊牧風格衣櫥內所收藏的絲巾、喀什米爾方巾、口袋飾以地景圖樣的T恤，和Le Pliage系列棉質帆布托特包等單品，無一不讓人一眼即識Caroline Hélain的創作。色彩部分選用橄欖綠、薊花紫、焦糖褐與芭蕾粉等富有礦石質地的大地色為主調，帶出自然沉靜的秋冬氛圍。

「每一季，我都熱衷於發掘不同領域的創意人才。我初次看到Caroline Hélain的作品時，不僅被她細膩的藝術感知所吸引，也深深著迷於她精湛的創作技法。這兩種特質恰好呼應Longchamp一直以來重視的創意探索精神與工藝底蘊，因此便順理成章地促成此次合作。」——Longchamp創意總監Sophie Delafontaine