從北京胡同開始的概念店 中國新時尚的支柱力量DONG LIANG棟樑

中國新時尚的支柱力量DONG LIANG棟樑

作為中國新時尚多品牌概念平台,棟梁一路引領並與本土設計進化成長,不設限的創意讓一棟一樑成為躍上國際舞台的支柱力量。

 

2009年的8月,一家10坪不到的小店悄悄在北京五道營胡同開啟了門。原先想要開一家咖啡館的兩位好友南朗Charles Wong,在準備過程中恰巧注意到中國新銳獨立設計師苦無銷售管道,起心動念,轉而經營起時尚零售概念店。小小的空間,一房一頂一棟一樑皆出於雙手和純粹初衷,於是喚名為棟梁

 

六年前的中國時尚產業並不明朗。媒體上鮮少見在地設計師報導,資源匱乏且缺乏與市場互動的機會。廣告行銷人Tasha Liu一直對獨立設計師保有高度關注,作為棟梁最初的客戶,從興趣到認同,索性辭去工作正式加入創業團隊。志同道合的三人根據本身專長背景各司其職,創意總監出身的南朗擔任藝術總監,擅長客戶關係管理的Charles負責採購和銷售,Tasha主管行銷策略。

 

致力於推廣中國設計的平台

以中國設計為載體,致力於搭建設計師與穿著者間的橋樑。不以小店為限,棟梁試著把初心放大。「棟梁一直不把自己只當做一個銷售時裝的店鋪,而是致力於推廣中國設計的平台。既然是平台,它就要靠更多的維度讓中國設計變得栩栩如生,所以希望能夠借助如藝術、生活形態,甚至是在店鋪層面把店鋪格局打開,讓設計師以各種不同的開放形式加入。」Tasha說。平台的打造是紮穩馬步、穩健茁壯。

 

首先是增加接觸點,2011年第二家棟梁開在上海富民路三層洋房內,隔年北京店換到了國貿區。秉持「所有與風格有關的事都是自在的生活」,無須華麗裝飾,在棟梁空間裡,有藝文展覽、閒適樂音和新鮮正好的創意。「對於棟梁來說,沒有讓每家店鋪都承載不同的銷售目標或者消費人群⋯⋯這幾家店鋪對棟梁而言,就好像音樂家透過他們所譜的曲子,服裝設計師透過一系列設計的衣服,畫家用他們手裡的畫筆或裝置,而棟樑的店鋪就是我們想表達的觀點,它用什麼材料製成,每一個細節怎麼對待,以及我們的服裝有哪些選擇,這些都是我們為人處事的一些反映。在統一的維度下反映出三位創始人對這個行業或者對於生活本身的一些價值觀念。」Tasha闡述。

 

自在、真誠態度亦反映在棟梁與設計師之間。在與設計師共榮共進的關係中, 棟梁扮演著夥伴角色。「棟梁從來不會去干涉設計師的創作本源,我們只會從一些消費者的回饋提供建議,而這些建議也不是要讓設計師從本質上改變他們的設計理念,而是幫他們鮮明、清晰化輪廓,或者在細節上做一些調整。」Tasha說。每一年,棟梁都堅持以「Fresh Air」計畫發掘並推薦最新設計力量,與本土時裝齊步成長。「尤其是對新興設計師,棟梁會在他們在學時就開始關注他們每一個前進的步伐,多數時候棟梁也會成為他們合作的第一家店鋪,幫他們推出第一個系列,甚至幫他們完成人生第一場面對大觀眾的時裝秀。在這個過程中,我們跟設計師的交流不僅是灌輸一些商業上的價值,更重要的是告訴他們棟梁對這個行業的理解及對作生意的價值標準。」

 

力求創新的多元合作

目標逐步實現。2013年棟梁第一次帶著設計師出國,應上海服裝設計協會和英國時裝協會的共同邀請參與Design By Shanghai的中國設計師海外推廣計畫,棟梁是此次唯一合作的中國多品牌概念店,也是中國設計師首次集體國際亮相。2014年新銳設計師Uma Wang在棟梁帶領下站上米蘭時裝周舞台, 成為第一位進入官方時程表的中國設計師。同一時間, 棟梁的創新作為獲得英國文化協會頒予青年創意企業家(YCE,Young Creative Entrepreneur)中國區得主。2015春夏上海時裝周, 棟梁策動了「一日ONE DAY」作為排程裡的壓軸,七個新銳品牌: 沒邊/Boundless:設計師張達、RENLI SU:設計師蘇仁莉、AngelChen:設計師陳安琪、YIRANTIAN:設計師郭一然天、deepmoss:設計師劉小路、ARETE: 設計師馮鈺琪、HAIZHEN WANG;設計師王海震,代表著棟梁在不同階段的設計力量中,最當值分享的故事。

 

「這些東西都是時勢使然的。並不是哪一件事情的發生是一個轉捩點,而是棟梁對每一件事情都認為是一個階段的總結,跟另一個階段的起始。」Tasha如是說。今年6月,棟梁新的旅程已經出發,在特別計畫「以家為名」,Airbnb邀請棟梁及其設計師,帶著攝影機和日記本前往世界7個城市體驗不同風格的Airbnb之家,紀錄旅途中的瞬間靈感,並把世界帶回家,設計發行限量版旅行系列。規劃在上海長樂路開設新的店鋪,不久將來網路商店也將上線,樑柱樹立好了,棟梁想與世界更多人分享獨立設計的自在生活。Tasha闡述。

 

Interview靈魂人物現身說法 創辦人暨營運行銷總監 TashaLiu

Q:可否請你簡單描述你在棟梁主要負責的工作及角色為何?

A:營運行銷總監。所有跟傳播有關的,包含行銷活動策劃與執行及公共關係的維護都是我的工作範圍。

 

Q:棟梁的願景是以中國設計為載體,努力搭建一座設計師和穿著者之間的橋樑。所謂「最初的心做永遠的設計」的意義為何?

A:首先我們做這件事情的初衷是因為大家對這個行業的喜歡。不只是表層或膚淺的喜歡,而是覺得設計本身是要服務於生活的。設計本身要有生命力催人奮進的能力,以及幫人記錄生活的基本功能性。

 

Q:對中國本土時尚產業,形成什麼樣的影響?

A:我覺得這個影響由自己說可能並不是特別中肯。至少棟梁的存在讓更多年輕設計師看到一些希望跟奮鬥向上的可能性,也提供了一些穿著者另一個選擇,而且這種選擇他們會很清晰的歸類到「中國設計」。我們並不是想把「穿著」這一件事情標籤化,而是用這件事與大家的情感拉的更近。就好像很多人也希望看到國產動畫片出現,或者國產電影能夠脫穎而出是一樣的道理;希望自己文化背景下的東西能夠被大家接納,棟樑想努力的把這件事情做到讓別人覺得我們在完成它,我們的堅持是有意義的。

 

Q:身為棟梁的營運總監,在你的工作記事上(Check-list),最常出現的項目是什麼?

A:我現在養成了一個習慣就是當看到一些新生事物,認識新的人或者看到有趣的事件,我會非常尊重這個事物的本身,也會去發現其價值。並思考這件事與棟梁是否有關,是否可能會產生一些碰撞或合作火花,思考「資源上的整合」已經變成了我日常生活中的習慣。

 

Interview靈魂人物現身說法 創辦人暨採購總監Charles Wong

Q:你的工作及角色為何?

A:我在棟樑主要負責產品的採購,還有銷售總監。

 

Q:棟梁是如何決定自己的採購方向?

A:我們在產品選擇上最主要遵循兩個原則,第一個是品牌的設計語言完整並且有很清晰的自我定位和風格,第二是要求產品的品質完成度要非常高。在這兩個基礎上,如果產品的風格是適合棟樑的,我們就會考慮合作。

 

Q:棟梁如何在風格與市場性間取得雙贏?

A:我們儘量在體現設計師的個性的同時,選擇相對比較日常可穿性比較強的衣服。對於我來說,服裝本身的功能性比較重要,這樣客戶才會一直購買。服裝不是藝術品,我個人不欣賞那種只能擺在博物館或者畫廊的設計,並且除了大師以外,一般的設計師也很難做到這點。

 

Q:棟梁對於中國時尚消費的觀察為何?

A:在業內的6年多的零售經驗來看,中國消費者的成熟速度非常快。從幾年前根本不懂什麼是設計師品牌,到現在對於國內外很多小眾品牌設計師開始很熟悉,並且越來越能找到適合自己的風格,成熟得很快。

 

Interview靈魂人物現身說法 創辦人暨藝術總監南朗

Q:你的工作及角色為何?

A:我是藝術總監,主要負責棟梁美學的研究和實踐。

 

Q:你如何定義棟梁的創意風格?

A:棟梁一直以來堅持著踏實、樸實、不造作的美學風格。

 

Q:你如何將棟梁的品味具體呈現?

A:在棟梁宣導的美學裡,我刻意去掉了很多無味的裝飾,讓一切恢復物體本身的實用功能,一切都是真誠且踏實的存在。

 

Q : 你主導了棟梁的《Crow Magazine》及店內的空間設計,針對不同的載具,想傳達的訊息為何?

A:《Crow Magazine》完全是我個人喜好的體現,單純的想把我看到體驗到的「美」分享出來。棟梁的空間設計我想強調的是一切無需華飾,空間最本真的一面最美。

 

Q:就你的角色而言,品牌如何保有源源不絕的創意能量?

A:一切的創意來源於人,人對了,才有好的創意,很感恩我現擁有一支非常棒,非常有創意的團隊。

 

Q:在整體形象規劃上,如何突顯設計師的個人風格又不失棟梁的中心思想?

A:每個設計師都會有他獨特的風格語言,為了凸顯這些品牌的個性,我們先會按風格分類,用空間來分區,然後再用棟梁的風格特質把這些點狀的空間(品牌)串聯起來

 

 

Text/吳書萱

via/棟樑

 

【完整內容請見《LaVie》2015年08月號】

當時尚跨越性別:《時尚單品全圖鑑》揭開領結、無尾禮服與華麗搖滾的文化革命

左圖:佛萊迪.墨裘瑞,國家展覽中心,伯明罕,1984。右圖:安迪.沃荷,Time Life 雜誌。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

追溯這些我們早已習以為常或無限憧憬的單品起源,就是在追溯一段由男男女女、流行文化、浮華與深沉交織而出的時尚史。這麼做也是在這個時尚變得如此輕佻的時代裡,重塑衣著的價值。藉由讚頌時尚單品與美麗外表,我們最終禮讚的是每個獨特的靈魂。

衣物間的必備單品:蝴蝶領結

蝴蝶領結的歷史和領帶息息相關,兩者都源於男士以絲巾裝飾頸部的喜好。17、18世紀,貴族們喜愛以蕾絲領或領帶點綴服飾,有些人認為蝴蝶領結就是19世紀結合這兩者而誕生的。

極致黑領結

領結的流行與19世紀的丹迪(Dandy)風密不可分。工業革命時期的新貴與權貴們都把領結視為優雅和品味的象徵。隨著無尾禮服(菸裝smoking)的流行,領結更成為男士晚宴著裝必備的配件。據說現代的無尾禮服搭配蝴蝶領結的設計是Pierre Lorillard為James Potter參加紐約州的Tuxedo俱樂部舞會特別打造的。James Potter的驚豔亮相開啟了「black tie」的時尚傳奇。

不分晝夜

依舊是在紐約,1924年,領帶製造商Jesse Langsdorf推出一款全新設計的領帶,與當時普遍流行的領結完全不同。當時,領結既是晚宴上優雅的配件,也是辦公室職員的日常裝束,隨處可見。

既幽默又性感

銀幕上的領帶也能展現滑稽感,成為卓別林、勞萊與哈台等喜劇大師的服飾配件。另一方面,女星瑪琳.黛德麗和凱薩琳.赫本也帶上領結,挑戰性別界線。而在男性身上,領結又展現不同的魅力,隨著佛瑞.亞斯坦的舞姿律動,隨鼠黨(Rat Pack)的輕佻傲然,或隨詹姆斯.龐德的從容優雅,演繹出誘惑與高貴等不同氣質的雙重戲碼。

衰退與復興

1960年代,領結變得過於傳統、保守且陽剛,光芒逐漸黯淡。這時的它更多時候出現在喜劇角色和宅宅的怪咖技客(geeks)身上,被世人嘲弄、邊緣化。然而,到了2000年代,設計師Tom Ford將復古的氣概帶回時尚舞台,重拾領結的榮耀。

左圖 :一對男女,紐約大都會歌劇院,1943年。右圖: 經典緞布蝴蝶領結,Tom Ford。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)
左圖 :一對男女,紐約大都會歌劇院,1943年。右圖: 經典緞布蝴蝶領結,Tom Ford。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

經典設計:無尾禮服

早在1962年的首個高級定製系列中,Yves Saint Laurent就把原本屬於男性服飾的長褲穿到女性身上。雖然他並不是第一位讓女性穿上長褲的設計師,但他的貢獻在於讓長褲變成女性衣櫥中再平凡不過的選擇。

走出吸菸室

1966年,Yves Saint Laurent選擇將男性的無尾禮服(又稱菸裝,Smoking)帶入女性時尚。他在當年的秋冬系列中為女性提供了前所未見的大膽選項:穿上這件男性衣櫥中最具格調的服裝。無尾禮服原本是在吸菸室中穿的服飾,象徵男性的陽剛與權力結構,同時也是女性的禁區。

權力遊戲

Yves Saint Laurent打破傳統規範,在1960年代這個正在重塑社會規則的時代,他主張女性有權選擇穿上無尾禮服!他認為女性穿著無尾禮服不是一種抗爭,而是自然而然的權利。在他手裡,原本充滿爭議的長褲成為新的誘惑密碼。他反對將無尾禮服視為女性模仿男性的工具,積極賦予它優雅與自信。透過他設計的風格,女性和男性擁有平等的姿態。這不是一場性別的對立,而是時尚與權力的對話。

開啟副本

馮絲華.哈蒂是第一位訂購Yves Saint Laurent無尾禮服的女性,然而,當時的女性尚未準備好自在地接受褲裝,因此其他高級定製時裝的顧客並沒有立即跟進。直到1966年,Yves Saint Laurent推出成衣副牌Saint Laurent Rive Gauche後,無尾禮服才找到它的市場。雖然是同一年發生的事,但因為品牌改變客群,轉向更年輕、更獨立的女性,提供價格相對親民的無尾禮服,時尚潮流就改變了。

新女性時尚

Yves Saint Laurent的女裝無尾禮服經過改良,以更貼合女性體態的修身剪裁展現魅力。它顛覆了傳統時尚的定義,讓女性的中性氣質自然流露卻又不失性感。女性真的需要模仿男性穿著才能感受到力量嗎?答案是否定的,但她們可以把男性的時尚領域變成自己的遊戲場。

夏綠蒂.蘭普琳(Charlotte Rampling ),1974年。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)
夏綠蒂.蘭普琳(Charlotte Rampling ),1974年。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

風格的誕生:華麗搖滾

雖然華麗搖滾只風靡了短短幾年,1977年後就被龐克風取代,但它的影響力仍不容忽視。這股風潮讓原本隱匿於地下文化的造型與符碼躍上舞台,成為公眾矚目的焦點。跨性別裝扮不再局限於小眾,音樂也成為極致華麗與誇張表現的天地。

重新定義性別

華麗搖滾本質上是一種玩世不恭的音樂風格,與1960年代充滿社會與政治訴求的搖滾不同,它在1970年代前半葉捨棄沉重的議題,轉而全心頌揚明星文化,以閃爍的亮片、華麗的羽毛圍巾和誇張的厚底鞋打造視覺震撼。這股風潮主要由來自英國和美國的男性樂團引領,甚至影響到非洲,在尚比亞衛生出融合放克與搖滾的zamrock(尚式搖滾),搭配誇張的大帽飾增添特色。華麗搖滾用極具戲劇性的方式,重新定義性別表達與舞台魅力。

由Marc Bolan領軍的T. Rex樂團引領了這場風潮,掀起了一場介於丹迪主義與歌舞劇場間的審美革命,宛如華麗炫目的視覺盛宴。男性化了妝,穿上閃耀且貼身的衣物,長髮飄逸。這種風格不在意俗氣與否,只有幽默與浮華的極致展現。華麗搖滾大膽挑戰1970年代英國社會根深蒂固的保守思想,顛覆傳統的男性形象,甚至帶著一絲挑釁意味。例如大衛.鮑伊毫不掩飾地公開自己的雙性戀身份,甚至穿著裙裝亮相。這場美學叛亂席捲而來,嚴苛的道德堡壘只能在它的光芒之中逐漸崩解。

紐約娃娃樂團(New York Dolls ),1970年左右。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)
紐約娃娃樂團(New York Dolls ),1970年左右。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

本文內容節錄自La Vie出版書籍《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》

出版日期|2025/06/21

作者|海莉.愛德華-杜雅丹 Hayley Edwards-Dujardin

這是一張時尚界的寶藏地圖,帶你認識那些永遠不會退流行的經典單品。本書精選了 78 件經典服飾和60件改寫時尚史的創意設計,一次帶你看懂潮流是怎麼被創造出來的。收錄超過280張精美圖片與資訊圖表,帶你用最直覺的方式了解每個單品的歷史背景、設計亮點,甚至是它們如何影響了當時的社會文化。

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時尚迷必備工具書:《時尚單品全圖鑑》全面剖析,從牛仔外套、泡泡裙、解構主義讀懂衣著背後的故事

左圖:山本耀司1981年秋冬成衣系列。右圖:片場上的瑪麗蓮.夢露(Marilyn Monroe),內華達州(Nevada),美國,1960年。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

有些服裝打破了時間的藩籬,也有些成了走上伸展台和高級訂製的不朽神話,都講述著設計師們的奇思妙想,以及對夢想和潮流的追求。

衣物間的必備單品:丹寧夾克(或牛仔外套)

「藍色已成為這個世紀後半葉的經典色調,賦予所有人與事一種獨特的色彩。它的流行無可撼動,未來也將繼續如此。」——克里斯蒂安.拉克魯瓦(Christian Lacroix)

述說丹寧夾克的歷史,就是探索靛藍染料的故事。丹寧布(牛仔布)的起源與藍色密不可分,這種顏色結合堅韌的面料,成為全球勞動階層日常生活的一部分。而到了20世紀,這件藍色的服飾更成為時尚界的經典單品。

Trucker Jacket的誕生

Levi’s在20世紀上半葉推出了多款丹寧夾克,但真正定義今日丹寧夾克風格的,是1967年的Type III款式,也就是大家熟知的Trucker Jacket。這款夾克以修身的設計和兩個高位口袋為特色,成為現代丹寧夾克的代表。從1930年代電影中的牛仔,到1950年代的叛逆青年,甚至是瑪麗蓮.夢露都穿過這款夾克。不過要一直到嬉皮運動興起,它才真正風靡街頭。

MAKE LOVE NOT WAR

嬉皮擁抱丹寧夾克,又賦予它全新的意義。這款夾克成為美國文化的旗幟,既象徵著深植於社會的刻板印象,又述說對體制的反抗,更是傳遞標語與信息的載體。

叛逆到底

丹寧夾克曾是反主流文化的代名詞,穿梭於社會、電影與音樂之間。70年代的龐克、法國的搖滾狂熱、80年代的青春偶像,以及後來的嘻哈、油漬搖滾(grunge)和電音,都賦予它新的意義。革命的、多變的與超越邊界的丹寧夾克不靠邊站,反而選擇將各種文化串聯起來,成為反叛精神的時尚象徵。

左圖:塞吉.甘斯柏、珍.柏金與凱特.貝瑞,巴黎,1969年。右圖:經典丹寧夾克,Wrangler。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)
左圖:塞吉.甘斯柏、珍.柏金與凱特.貝瑞,巴黎,1969年。右圖:經典丹寧夾克,Wrangler。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

經典設計:泡泡裙(舞會皇后)

「我們始終在追尋逝水年華。」——克里斯蒂安.拉克魯瓦(Christian Lacroix)

人們常說,1980年代是巴黎高級訂製時裝的第二個黃金時代。第一個則是在1950年代。1980年代的這十年間,經濟繁榮帶來了財富的積累,富裕階層渴望展現自己的奢華生活方式,時尚風格因此變得浮誇而張揚。

從博物館到時尚

在成為時裝設計師前,Christian Lacroix曾夢想成為博物館館長或戲服設計師。他對戲劇、歷史與藝術的熱愛,深深影響了他的設計風格。他先是為品牌Patou工作,而後在1987年創立了自己的品牌,在那個物質生活豐富、無憂無慮的十年中,他逐漸嶄露頭角。他的風格與1980年代那些出門就像參加華麗舞會的富家女一致。

時光的記憶

Lacroix的設計深受過去華麗風格的影響,他喚回17與18世紀的古典美學,以緊身胸衣搭配蓬鬆、甚至誇張的裙子。他的靈感來源根植於他的故鄉亞爾與普羅旺斯,這片土地與卡馬格的風土賦予他的設計鮮明的色彩、繁複的圖案與靈動的印花。他的模特兒宛如行走的故事敘述者,在伸展台上演繹華麗且如戲劇般的時尚場景,將伸展台變成一場視覺盛宴。

十年風華

Christian Lacroix的設計充滿懷舊風情,但卻從不守舊。他的作品完美詮釋了一個時代的精神,金錢至上,奢華無罪。那是個晚會和雞尾酒會不斷的年代。1970年代遭到摒棄的華麗裝束在這個十年重新綻放。在晚宴禮服與雞尾酒會穿搭之間,Christian Lacroix找到了完美平衡,以短版的小外套搭配蓬蓬裙,那層層疊疊的裙襬令人想到宮廷禮服的招搖。

Lacroix的經典

1980年代是一個極致浮華的年代,誇張的墊肩、纖細的腰身,以及Christian Lacroix經典的泡泡裙都是當時最具代表性的設計。這種裙子優雅又帶點叛逆,正好展現那個時代的輕盈無憂氛圍。它像是社交派對上的焦點,在舞池裡旋轉,魅惑人心又耀眼。Christian Lacroix讓這種沉睡的美重新煥發光彩,燃燒出更為炙熱的生命力。

左圖:費.唐娜薇,紐約,1981年。右圖:迷你裙,Christian Lacroix。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)
左圖:費.唐娜薇,紐約,1981年。右圖:迷你裙,Christian Lacroix。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

風格的誕生:反時尚「解構主義」

「我覺得完美是醜陋的。我希望在人類創造的事物中看到傷痕、缺陷、混亂與變形。」——山本耀司(Yohji Yamamoto)

哲學家德希達在1960年提出「解構主義」的概念,用以指涉這個時代對既有規範與傳統的推翻與重塑。然而,要等到1989年,時尚評論家Bill Cunningham在一篇文章中首次將「解構」一詞用於描述服裝設計,並特別指向Martin Margiela的作品時,這個詞才真正用在時尚領域。

東方哲學

時尚的解構美學真正誕生於1970年代末,由三宅一生、山本耀司與川久保玲三位日本設計師共同開創。他們深受自身文化影響,從讚頌歲月痕跡與不完美魅力的「侘寂」(wabi-sabi)中汲取靈感,並借鑒將裂痕轉化為美感的金繼(kintsugi)藝術,挑戰傳統服裝結構,改變了西方自文藝復興以來審美概念。

外在實踐

解構主義的支持者以不對稱的剪裁、深邃的色調為服裝基礎,甚至穿著大膽展露破損、破洞與未收邊的衣物,這些都是曾被西方時尚厭棄的「瑕疵」。這種刻意的不完美,吸引了那些將穿衣視為思想實踐的人,他們選擇拋開1980年代的炫目奢華,以黑色為載體,映照對外在符號的抗拒。解構主義引發的,不僅是一場審美的革命,更是一場關於時尚話語權的顛覆,使「反時尚」成為當代時尚語言的一部分。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》

出版日期|2025/06/21

作者|海莉.愛德華-杜雅丹 Hayley Edwards-Dujardin

這是一張時尚界的寶藏地圖,帶你認識那些永遠不會退流行的經典單品。本書精選了 78 件經典服飾和60件改寫時尚史的創意設計,一次帶你看懂潮流是怎麼被創造出來的。收錄超過280張精美圖片與資訊圖表,帶你用最直覺的方式了解每個單品的歷史背景、設計亮點,甚至是它們如何影響了當時的社會文化。

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