Aïshti Foundation於時時刻刻見證歷史動盪的貝魯特開幕，展現藝術與商業完美並蓄的空間，為該市注入新能量，可望成為與國際水平的當代藝術對話的平台。La Vie 專訪擔綱設計的著名建築師David Adjaye，分享設計概念。

黎巴嫩的首都貝魯特是地中海東岸最大的港口城市，為中東地區重要交通樞紐，以獨特的建築風格與氣候聞名，這座文化古城留有戰後的滿目瘡痍，但經歷幾番輪迴的人民學會不被永無止境的政治鬥爭侷限，積極享受人生。

黎巴嫩新地標

時尚一直流動在貝魯特人的血液中，貝魯特素有「中東的巴黎」美譽，國際藝術社群對該地的注意也在近幾年來不斷增加；身為黎巴嫩時尚巨頭，擁有頂級奢侈品連鎖店Aïshti的富商暨收藏家Tony Salamé，決定扭轉貝魯特欠缺重要當代藝術美術館的現況，請來炙手可熱的非裔英籍建築師David Adjaye操刀設計，投資超過一億美金，在Jal el Dib區的海濱大道旁，取代原址之前的倉庫，打造出這棟新建築。用來展示當代藝術與教育項目的Aïshti Foundation屬於佔35,000平方公尺的綜合建築之一，其中還包括時尚店家、書店、餐廳、Spa與位於屋頂的天空酒吧。

注重城市背景，重現文化特色

Aïshti Foundation鋁製管狀花紋結構皮層，借鑑傳統的阿拉伯沙漠建築風格；顯眼的酒紅色來自於Adjaye對本土的記憶，Jal el Dib區在1970年代以當地紅磚屋頂粉刷別墅聞名，童年曾經住過貝魯特的他表示這是超棒的城市，他還記得小時候聽父母聊到貝魯特是多棒的海濱勝地，如今這一帶幾乎都成了工業區，因此他想要藉此建築，重現過往的紅磚記憶。

內部商場有如未來世界，使用黑白兩色，大量的玻璃、鏡面與稜角花樣的光滑大理石地面。藝廊空間不僅寬廣也有極高的彈性，隔牆可配合展場所需拆除滑動；大片向海的窗戶讓貝魯特快速發展的天際線與廣闊的藝廊空間產生視覺對話，這也是Adjaye非常滿意的特定角度，民眾可以繞過隔牆，置身藝廊與窗戶間，欣賞遼闊的大海。

由於這兒是中東和濱海地區氣候最溫和的地區之一，Adjaye將該建築遺產外觀融入當地特定背景，設法在設計上呈現具有特色的「三境界」，「素色實心牆」，用來保有隱私；「屏障」作為進入親密世界的媒介物，以及較開闊的「中庭」；綜合這些元素，一同響應了貝魯特的氣候與文化。

藝術與商業的完美結合

受到獨特的商業與藝術啟發，Adjaye與團隊決定不照慣例分開兩者，而是創造出全新建築類型，整合這兩個經常互相矛盾的空間，兼具藝術、商業、生活風格、樂活與美食。Adjaye專注於為Aïshti Foundation建立關鍵的中樞，他表示這是令人興奮的機會，由於基金會採取深度收藏的獨特策略，所以構思的出發點是如何以吸引人的方式，展出這些獨一無二的收藏，並在商業化中找到提供體驗藝術世界的方式，讓藝術與商業有完美的溝通。美術館採免費入場，Salamé不僅意欲回饋社會，也期許藝術能因此更大眾化。

(2020/08/06更新)

黎巴嫩首都貝魯特（Beirut）大爆炸從4日傍晚發生以後，至少造成135人死亡、超過5,000人受傷。而事發地點的港口工業區近乎全毀、周邊建築物都有嚴重程度不一的破壞。同樣位於海灣旁的Aïshti Foundation同樣也遭受波及。

專訪David Adjaye：「存檔」或「收藏」美術館，在我們這個時代已略微退位

Q：美術館在現今社會扮演什麼角色？

A： 作為市政建築的美術館讓大眾有權使用集體意識，也讓不同世代有機會與社會群體對話。建築物本身「強迫」了交流出現──你無法忽視它，一切總是從那裡展開，問題是我們如何去表揚或否認。很重要的一點是別受限於不同想法、或因此被嚇阻，反而應探索「開放性」，甚至思索其提供的可能性。我的建築中所闡釋的本體，歷史與記憶深植於研究調查，我的出發點一向是徹底了解這些特性，並將它們用作該建築的形式與實質性的關鍵動力。

Q：你理想中的美術館設計為何？

A： 我設計過許多美術館和文化性建築，我非常喜歡這方面的工作。這些項目由共享的市民參與和強烈的社會共鳴所聯結，而那些特性正是我所實踐的核心。

Q：你在設計美術館時，最關心哪項設計元素？

A： 我認為過去的美術館似乎全依照常規，但是未來美術館並不用照這個路線走。雖然有特定的參數，你如果有收藏品，牆面寬就得是特定的公尺或公里尺度，也有特定的氣候問題，這些都立下清楚的要求。但要求的同時也是創造的機會，去思考一座機構看起來該是何種樣貌，一座美術館又該如何與人群交流，我認為那方面仍然有發展空間，也從未被徹底突破，這是一場持續進行的實驗，我也慶幸永遠不會有完美的解決方案，因為變化是常態。

我所謂的「存檔」或「收藏」美術館，在我們這個時代已經略微退位，相較下，我們如今熱愛的是視覺饗宴，取而代之的是與人群以對話的方式討論藝術，並以不同的蒐藏方式看世界的交流。

 Adjaye Associates

Adjaye建築事務所由首席建築師與獲得英國勳章的David Adjaye OBE於2000年6月創辦，在全球具有極高的知名度。主要業務跨及歐洲，北美洲，中東，亞洲和非洲，囊括私人住宅，展覽，臨時場館，大型藝術中心，市政建築到總體規劃。以廣泛的建材、色盤與整合文化背景聞名。完成的建案包括2015年奈及利亞拉哥斯的Alara概念店，2014年倫敦的Mrian Goodman藝廊及2010年奧斯陸諾貝爾和平中心。

地址： Sea side Rd Antelias LB 1202 2090، Sea Side Rd, 黎巴嫩 

https://www.facebook.com/AishtiWorld/ 

Text / 劉語柔 

Photo / Guillaume Ziccarelli / Aïshti Foundation、Ed Reeve / Adjaye Associates

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？