Aïshti Foundation於時時刻刻見證歷史動盪的貝魯特開幕，展現藝術與商業完美並蓄的空間，為該市注入新能量，可望成為與國際水平的當代藝術對話的平台。La Vie 專訪擔綱設計的著名建築師David Adjaye，分享設計概念。

黎巴嫩的首都貝魯特是地中海東岸最大的港口城市，為中東地區重要交通樞紐，以獨特的建築風格與氣候聞名，這座文化古城留有戰後的滿目瘡痍，但經歷幾番輪迴的人民學會不被永無止境的政治鬥爭侷限，積極享受人生。

黎巴嫩新地標

時尚一直流動在貝魯特人的血液中，貝魯特素有「中東的巴黎」美譽，國際藝術社群對該地的注意也在近幾年來不斷增加；身為黎巴嫩時尚巨頭，擁有頂級奢侈品連鎖店Aïshti的富商暨收藏家Tony Salamé，決定扭轉貝魯特欠缺重要當代藝術美術館的現況，請來炙手可熱的非裔英籍建築師David Adjaye操刀設計，投資超過一億美金，在Jal el Dib區的海濱大道旁，取代原址之前的倉庫，打造出這棟新建築。用來展示當代藝術與教育項目的Aïshti Foundation屬於佔35,000平方公尺的綜合建築之一，其中還包括時尚店家、書店、餐廳、Spa與位於屋頂的天空酒吧。

注重城市背景，重現文化特色

Aïshti Foundation鋁製管狀花紋結構皮層，借鑑傳統的阿拉伯沙漠建築風格；顯眼的酒紅色來自於Adjaye對本土的記憶，Jal el Dib區在1970年代以當地紅磚屋頂粉刷別墅聞名，童年曾經住過貝魯特的他表示這是超棒的城市，他還記得小時候聽父母聊到貝魯特是多棒的海濱勝地，如今這一帶幾乎都成了工業區，因此他想要藉此建築，重現過往的紅磚記憶。

內部商場有如未來世界，使用黑白兩色，大量的玻璃、鏡面與稜角花樣的光滑大理石地面。藝廊空間不僅寬廣也有極高的彈性，隔牆可配合展場所需拆除滑動；大片向海的窗戶讓貝魯特快速發展的天際線與廣闊的藝廊空間產生視覺對話，這也是Adjaye非常滿意的特定角度，民眾可以繞過隔牆，置身藝廊與窗戶間，欣賞遼闊的大海。

由於這兒是中東和濱海地區氣候最溫和的地區之一，Adjaye將該建築遺產外觀融入當地特定背景，設法在設計上呈現具有特色的「三境界」，「素色實心牆」，用來保有隱私；「屏障」作為進入親密世界的媒介物，以及較開闊的「中庭」；綜合這些元素，一同響應了貝魯特的氣候與文化。

藝術與商業的完美結合

受到獨特的商業與藝術啟發，Adjaye與團隊決定不照慣例分開兩者，而是創造出全新建築類型，整合這兩個經常互相矛盾的空間，兼具藝術、商業、生活風格、樂活與美食。Adjaye專注於為Aïshti Foundation建立關鍵的中樞，他表示這是令人興奮的機會，由於基金會採取深度收藏的獨特策略，所以構思的出發點是如何以吸引人的方式，展出這些獨一無二的收藏，並在商業化中找到提供體驗藝術世界的方式，讓藝術與商業有完美的溝通。美術館採免費入場，Salamé不僅意欲回饋社會，也期許藝術能因此更大眾化。

(2020/08/06更新)

黎巴嫩首都貝魯特（Beirut）大爆炸從4日傍晚發生以後，至少造成135人死亡、超過5,000人受傷。而事發地點的港口工業區近乎全毀、周邊建築物都有嚴重程度不一的破壞。同樣位於海灣旁的Aïshti Foundation同樣也遭受波及。

專訪David Adjaye：「存檔」或「收藏」美術館，在我們這個時代已略微退位

Q：美術館在現今社會扮演什麼角色？

A： 作為市政建築的美術館讓大眾有權使用集體意識，也讓不同世代有機會與社會群體對話。建築物本身「強迫」了交流出現──你無法忽視它，一切總是從那裡展開，問題是我們如何去表揚或否認。很重要的一點是別受限於不同想法、或因此被嚇阻，反而應探索「開放性」，甚至思索其提供的可能性。我的建築中所闡釋的本體，歷史與記憶深植於研究調查，我的出發點一向是徹底了解這些特性，並將它們用作該建築的形式與實質性的關鍵動力。

Q：你理想中的美術館設計為何？

A： 我設計過許多美術館和文化性建築，我非常喜歡這方面的工作。這些項目由共享的市民參與和強烈的社會共鳴所聯結，而那些特性正是我所實踐的核心。

Q：你在設計美術館時，最關心哪項設計元素？

A： 我認為過去的美術館似乎全依照常規，但是未來美術館並不用照這個路線走。雖然有特定的參數，你如果有收藏品，牆面寬就得是特定的公尺或公里尺度，也有特定的氣候問題，這些都立下清楚的要求。但要求的同時也是創造的機會，去思考一座機構看起來該是何種樣貌，一座美術館又該如何與人群交流，我認為那方面仍然有發展空間，也從未被徹底突破，這是一場持續進行的實驗，我也慶幸永遠不會有完美的解決方案，因為變化是常態。

我所謂的「存檔」或「收藏」美術館，在我們這個時代已經略微退位，相較下，我們如今熱愛的是視覺饗宴，取而代之的是與人群以對話的方式討論藝術，並以不同的蒐藏方式看世界的交流。

 Adjaye Associates

Adjaye建築事務所由首席建築師與獲得英國勳章的David Adjaye OBE於2000年6月創辦，在全球具有極高的知名度。主要業務跨及歐洲，北美洲，中東，亞洲和非洲，囊括私人住宅，展覽，臨時場館，大型藝術中心，市政建築到總體規劃。以廣泛的建材、色盤與整合文化背景聞名。完成的建案包括2015年奈及利亞拉哥斯的Alara概念店，2014年倫敦的Mrian Goodman藝廊及2010年奧斯陸諾貝爾和平中心。

地址： Sea side Rd Antelias LB 1202 2090، Sea Side Rd, 黎巴嫩 

https://www.facebook.com/AishtiWorld/ 

Text / 劉語柔 

Photo / Guillaume Ziccarelli / Aïshti Foundation、Ed Reeve / Adjaye Associates

近年的影視作品中，復古未來主義（Retro-futurism）以懷舊而前衛的姿態反覆現身，它既描繪飛天汽車與銀白城市的烏托邦，也映照冷戰陰影下的焦慮與諷刺。而對漫威美術指導Kasra Farahani來說，這樣的世界構築不只關乎風格與美學，更是一場關於想像力的實驗——在矛盾的時間縫隙裡，為觀眾開啟一個帶有溫度與真實的科幻宇宙。

駕駛著飛天汽車、身穿太空服的人們在飄浮城市的高塔間穿梭；老舊的機器人端著銀色托盤，為顧客送上今日的膠囊餐點⋯⋯。在許多電影裡，我們似乎都曾見過這樣的「未來」。那是一個由金屬與夢想構築的世界，一切閃爍著科技的光澤，卻隱隱流露出懷舊的氣息，甚至帶有幾分荒謬的滑稽。這種看似矛盾的視覺語彙，其實正是復古未來主義最令人著迷的地方——它帶領人們回到那個相信「一切皆有可能」的時代，再次凝視那從未真正被實現的未來。

太空夢、霓虹雨與超級英雄

復古未來主義的美學最早可追溯至20世紀初期的科幻小說與視覺藝術。當時人們見證了飛機、收音機與電視的誕生，對於未來的想像前所未有地樂觀而宏大；進入冷戰時期後，太空競賽更將這股科技信仰推向巔峰，從包浩斯建築到家電廣告，設計語言開始被「太空時代」的形象徹底占據，金屬、流線、圓頂與閃亮的銀白色，成為象徵進步與希望的符號。

然而，隨著80年代個人電腦的普及、冷戰的陰影與能源危機的延續，人們不再仰望太空，而是轉向螢幕與數位世界，也讓過去那些關於科技烏托邦的願景顯得天真而遙遠。在這樣的時代背景下，復古未來主義的概念逐漸興起，成為人們重新理解「過去如何想像未來」的一種文化視角，也成為日後許多電影與設計取材的靈感來源。

雖然復古未來主義起源於對未來的樂觀想像，但當這份願景顯得過於理想化，許多創作者也開始以它構築出一種帶著憂鬱與諷刺的「未來幻象」。在電影《銀翼殺手》（1982）中，日式霓虹、工業廢墟與陰雨都市，交織出一個被科技與記憶腐蝕的世界，人工智慧與複製人的出現，引領觀眾反思人性與存在的界線；而在《巴西》（1985）裡，被管線纏繞的大樓與無處不在的監控看似是荒誕的寓言，實際上卻是對早期科技信仰的深刻反諷。這些作品共同揭示了復古未來主義的另一面——它並非單純的懷舊，而是一面映照人類焦慮與理想的鏡子。

在近10年的影視作品中，復古未來主義也再度崛起。無論是《明日世界》（2015）的懷舊太空城設計、《銀翼殺手2049》（2017）對原作的視覺復刻與延伸，還是《小行星城》與影集《明天會更好！》（2023）中幽默荒誕的科幻敘事，都展現了復古與未來並行的奇異錯置。而隨著漫威電影宇宙的擴張，這樣的風格也被重新詮釋於超級英雄的世界之中。從《星際異攻隊》（2014）的70年代太空歌劇氛圍，到《洛基》（2021）中結合粗獷主義與中世紀現代風格的「時間變異管理局」（TVA），再到今年７月上映的《驚奇４超人：第一步》，皆帶領觀眾投入復古未來主義的無限想像。

《洛基》：一個凍結於過去與未來之間的時空

「我認為復古未來主義的迷人之處，在於那種單純而真誠的驚奇與敬畏感。」Kasra Farahani接受La Vie專訪時說道。作為《洛基》與《驚奇4超人：第一步》的美術指導，Kasra過去也曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》與《阿凡達》等多部作品的製作；他擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象的世界觀化為具體的空間。

在《洛基》的核心場景「時間變異管理局」中，他以混凝土牆面、暗橘色燈光與泛著金屬光澤的控制面板，打造出同時屬於過去與未來的矛盾空間。這些元素融合了粗獷主義與中世紀現代主義，靈感來自建築師Marcel Breuer、Pier Luigi Nervi與Paul Rudolph的結構語彙，以及經典科幻電影《2001：太空漫遊》中對未來秩序的想像，構築出一種彷彿停滯於太空時代的氛圍。

「就像大學或政府機關，在興建或整修時常獲得大量經費，但完成後的數十年間卻幾乎不再改變，整個環境彷彿被凍結在那個時代的瞬間。」Kasra如此形容他對TVA世界觀的思考。從色彩、家具到牆面的材質，機構裡的一切都停留在一個過去的未來之中，就連影集經典角色「Miss Minutes」，也延續了這份時代錯置的幽默：她以50年代美國汽車產業公共宣傳片（PSA）的擬人動畫風格登場，溫柔卻略帶詭異的語調、鮮明的色彩與手繪質感，讓「人工智慧」的形象多了一層懷舊。「在我看來，構築世界觀最重要的原則就是一致性。要思考的是，在那個時空中的人，會如何想像『未來』？」他補充道。

《驚奇4超人：第一步》：一座科幻摩天樓裡的小木屋

如果說《洛基》探索的是時間與秩序的荒謬，那麼《驚奇4超人：第一步》則將復古未來主義推向另一個高峰。這一次，Kasra為一個靈感來自60年代的平行宇宙「地球－828」建構世界：紐約上空飛著汽車，街道閃烁著銀藍光芒，整座城市既現代又帶著古典的浪漫氣息。電影的核心場景「巴克斯特大樓」更是這種氣質的縮影。

「我認為『未來感』最明顯地體現在誇張的室內尺度，以及戲劇性、曲線感強烈的表面與輪廓；但在材質上，我選擇保留那些在當時的普通住宅裡也隨處可見的熟悉元素。」他將這座超級英雄總部重新想像為「頂樓裡的小木屋」，以木質牆面、中央壁爐與下沉式談話區構築出家的溫度，讓觀眾在科幻的未來裡仍能感受到生活的真實。

「我們希望這裡更像『家』，而不只是炫目的豪宅。」Kasra進一步說明，為了營造這份親切感，他選用了中世紀現代主義常見的自然元素，如天然石板、暖色木料與植栽，並搭配金色與黃銅細節，與外部銀白的城市形成鮮明對比。其中最具象徵性的空間之一，莫過於4超人每週共享家庭晚餐的廚房：半球形烤肉架、自動蛋糕轉盤，以及在燈光下閃爍的金屬桌面，都彷彿重現了1964年紐約世博會的未來願景，讓觀眾回到那個充滿希望的年代。

「這是一個關於樂觀與烏托邦的故事，讓我們得以從那些常見的反烏托邦題材中暫時抽離。」

對Kasra而言，美術設計的首要任務是服務於敘事，並支撐每一場戲的情感意圖。「無論借鑑何種美學靈感，只要『故事』是核心考量，最終的設計就會自然成為該故事獨有的風格。」

從《洛基》到《驚奇4超人：第一步》，復古未來主義不再只是懷舊的表象，而是一種以「想像」為核心的創作語言。「我不確定它是不是一種潮流，但它確實捕捉了一個充滿創新的黃金時期。」他認為60年代後大眾文化逐漸轉向悲觀，未來常被描繪為冷酷、荒蕪，甚至被機器統治的世界；而復古未來主義之所以迷人，或許正在於那份帶著浪漫與希望的無限想像。

「我很想創造一個設定在1920年代的『未來』，或一個發生在西元3000年的世界——這兩種想像都充滿挑戰，卻也令人極度興奮，不是嗎？」

Kasra Farahani

伊朗裔美術指導與設計師，現居於洛杉磯。早年學習工業設計，曾於多個設計領域工作，後轉入電影產業。曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》、《阿凡達》等多部作品，並擔任《洛基》與《驚奇4超人：第一步》美術指導，擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象世界觀化為具體場景。

從城市街道到山林越野，跑步是一種跨越世代和文化的共同本能，努力往前奔跑揮汗的姿態，更在某些時刻達到鼓舞人心的能量。以此為想像，英國藝術家Julian Opie的全新LED影像裝置作品《Marathon. Women.》，則讓銀座GINZA SIX的挑空中庭化身為「懸浮空中的跑道」！

作品極具辨識度的Julian Opie，其極簡線條搭配鮮明色彩，強烈簡約風格讓人看過後就印象深刻；其作品靈感來自生活四面八方，從古典肖像畫、埃及象形文字、日本浮世繪，到公共指標與道路標誌等，經由他之手，都能被轉化一件件簡潔明快的視覺創作。

在空中展開一場無止境的馬拉松

本次《Marathon. Women.》同樣依循Julian Opie的視覺語彙，以英國國家田徑代表隊選手為靈感的影像裝置，只見7位女性跑者化為擁有鮮豔色彩與簡潔線條的人物形象，並各自以不同的顏色與速度，在彷彿漂浮於半空中的長方形螢幕上不斷奔馳，形成一場沒有終點的賽跑。

《Marathon. Women.》從人類最原始的肢體動作「奔跑」出發，之所以聚焦此項主題，Julian Opie表示是自己過往在公園拍攝城市行走者時，被跑者穿越鏡頭時自然且富節奏的擺動吸引；當時，他便心想若能將跑者在奔馳的速度、姿勢與細節，提煉為極簡的線條與色彩，應該會是相當有趣的創作。

Julian Opie認為「跑」這個動作深深扎根在人們的本能裡，而GINZA SIX開放挑高的中庭空間，更能將這份動態能量放大，擴散至整個空間；為了讓人們能切實感受跑步的速度感，他選擇讓作品動起來，以長 10 公尺、寬 8 公尺、高 1 公尺左右的 LED 螢幕箱體作為主要架構，搭配有著紅、藍、黃、綠等不同顏色的跑者人物，帶來強烈的躍動感與沉浸式體驗。

裝置作品充分運用 GINZA SIX 中庭的建築特性，當從不同樓層和角度觀賞時，人們的目光很快便能被螢幕上，有著不同色彩的跑者時所吸引，並開始追著某個特定顏色看，在心中默默為目光鎖定的跑者加油打氣，進而對作品產生共鳴互動與新鮮感受。

《Marathon. Women.》預計將一路展出至2026年秋天，有機會造訪銀座的人，不妨走進GINZA SIX，近距離欣賞這場永無止境的空中賽跑。

資料來源｜GINZA SIX