航向淨土的種子船──林舜龍

孩子的嘴角抿著笑，眼睛輕閉，像期待些什麼。他的眼型似亞洲人，高挺的鼻來自西方，豐厚的嘴唇則如深色皮膚的民族。稚嫩的身軀讓人分不太出性別。他是全世界孩子的化身。

「世界的難民潮讓很多小孩掉到海裡淹死了，看了誰不痛心？台灣這幾年又有殺童，或父母虐待孩子的新聞。我覺得，人類是在把自己的希望扼殺掉。」林舜龍一邊感慨地說，一邊望向橫放桌上，他親手做出的幼童雕塑──即將以銅重新鑄造，站上他的種子船作品〈跨越國境．海〉。

「現在世界依政治權力分割成很多國家。我們做藝術的人，對國家不是那麼care，反而希望用文化串聯，構成一張生命地圖。因為大家都活在這個星球上，應該尊重彼此的多樣性。」

「跨越」的本意

算起來今年已是第三次了，林舜龍受邀參與日本馳名海外的《瀨戶內國際藝術祭》，繼上一屆2013年讓種子船登陸瀨戶內海的豊島後，今年受主辦單位邀請，這件高達九尺的裝置在春天再度復活於人潮最多的小豆島，而且是永久設置。

提到「跨越」的想法，林舜龍說，這最早萌發於2000年回台首度舉辦個展《無明飛行》的時候，有一系列作品用嬰兒出生前，於母體內浮游的狀態為比喻，描述那即將誕生、邁向下一階段的感受。「跨越有幾種層面，一是土地的跨越，還有一種是超越自己，因為生命本身就是冒險的旅程。」

從內省到面向群眾

從小生長在鄉下三合院，由阿公阿嬤照顧，最甜美的回憶就是踩在暖暖的泥巴田裡，看著彩虹發呆。但這一切卻在上台北求學後變了樣，父親日式的嚴厲管教，都市生活的擁擠和汙濁，都讓林舜龍不斷想逃離。放假就直奔鄉下，收假則一直哭著向北。他回憶，當時繪畫宛如秘密基地，躲進去就與外界隔絕。即便後來旅居日、法，畫中的主題卻始終圍繞風景，而不見人煙。

1996年從法國歸來，開始從事兒童美術教育和創作公共藝術品，才逐漸有所改變。「以前一直在聽自己的聲音，現在學習如何聆聽別人。街上每個人在走，其實都帶著一串故事在後面。」經過這樣的心路轉變，加上這十幾年間世界變得更動盪不安，在《瀨戶內國際藝術祭》捎來邀約時，他想到援用航海的概念，搭造以海漂植物棋盤腳為造型的巨大種子船。「棋盤腳的漂移和人類遷徙的路徑一致，而且每株只乘載一顆果實，就像人永遠都是獨自航行。」

依循直覺動手做

比起2013年坐落海水拍打的沙岸，今年現地製作的區域位於都會地段，附近皆為人造建築，種子船的出現就像遠古傳說與現代寓言的對話。其主要由木頭和鐵件構成，在台灣先做雛形，到日本再重新組裝。這次為增加耐久度，基地台較高，通往內部的斜坡道也長了許多，門口又小，需彎身通過；然而一旦踏入，空間倏地展開，像一個渾圓自足的宇宙，最多可容納80人。入口處懸吊的鑼，遮去外部過強的光線，敲響時則鏗鏘迴盪，充滿儀式性。

協助搭建的工班，是8位台灣原住民朋友，手中沒有任何設計圖，全憑感覺與相互討論逐步完工。一位前來幫忙的日本藝術家非常羨慕他們這種沒有預先計劃，卻能悠遊其中的工作方式。「越現代化以後，人的直覺越會喪失。小孩子不知道食物怎麼來，因為都到超市去買。跟生命離得很遠，也就不再珍惜，這在日本是滿嚴重的。他們習慣把計劃妥當安排好，因而失去本能，事情誰在控制？是大企業、大政府。藝術家想找的是生命的自由度，因為人沒有自由，絕不會有愛；沒有愛，世界怎麼會和平？」

友愛和包容，是台灣人的特質。他打趣說，在《瀨戶內國際藝術祭》最重要的支援就是志工，為了酬謝他們的幫忙，團隊每天都煮好吃的飯菜請客。結果主辦單位很為難，因為其他藝術家不見得有備餐。最後雙方協議只要在種子船的施工圍籬內，就照台灣的規矩辦事，大家在裡面播放民謠，一邊歌唱一邊工作，非常快樂。

等待，並懷抱希望

即將於夏季落成的另一件作品〈跨越國境．潮〉，亦表達林舜龍博愛的思想。他以目前完成的孩童雕塑為原型，用糯米粉、石灰、黑糖、麻纖維、和當地的海沙相揉搓，塑出196尊造型相同的泥像。196是日本目前承認的世界國家總數，每一座泥像分別面向各國，並垂掛書寫該國與小豆島距離和經緯度的牌子。日曬雨淋後，表面風化，作為支撐的鐵片則露出——上面刻著各國家的名字，就像墓碑一樣。

「他們的衣服貼在身上像是濕了。憋著氣是因為掉進海裡，但依舊面帶微笑，表示還是相信這個世界。」唯一不會化掉的孩子，正是在種子船上以銅鑄造的那一尊。其身旁有一隻青蛙和一隻水牛，象徵與自然的連結。牠們陪伴人類航行，尋覓更美麗的境土。

「這一屆是這樣。但下一屆我想把他換成坐下來，因為他站三年了，可以換一個感覺面向海。」林舜龍愛惜地說。就像他小時候坐在田裡遙望彩虹，雖然未知可能帶來傷害，但內心依舊期待──因為美好的事物或許也正在不遠處。

《瀨戶內國際藝術祭2016》

Date／夏07.18～09.04；秋10.08～11.06

Web／setouchi-artfest.jp

Text／歐陽辰柔

Via／達達創意股份有限公司、王文志、竹腰耕平、松本秋則、Sou Fujimoto Architects、Benesse Art Site Naoshima、Setouchi Triennale

【更多完整專訪內容請見《LaVie》2016年6月號】

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」