航向淨土的種子船──林舜龍

孩子的嘴角抿著笑，眼睛輕閉，像期待些什麼。他的眼型似亞洲人，高挺的鼻來自西方，豐厚的嘴唇則如深色皮膚的民族。稚嫩的身軀讓人分不太出性別。他是全世界孩子的化身。

「世界的難民潮讓很多小孩掉到海裡淹死了，看了誰不痛心？台灣這幾年又有殺童，或父母虐待孩子的新聞。我覺得，人類是在把自己的希望扼殺掉。」林舜龍一邊感慨地說，一邊望向橫放桌上，他親手做出的幼童雕塑──即將以銅重新鑄造，站上他的種子船作品〈跨越國境．海〉。

「現在世界依政治權力分割成很多國家。我們做藝術的人，對國家不是那麼care，反而希望用文化串聯，構成一張生命地圖。因為大家都活在這個星球上，應該尊重彼此的多樣性。」

「跨越」的本意

算起來今年已是第三次了，林舜龍受邀參與日本馳名海外的《瀨戶內國際藝術祭》，繼上一屆2013年讓種子船登陸瀨戶內海的豊島後，今年受主辦單位邀請，這件高達九尺的裝置在春天再度復活於人潮最多的小豆島，而且是永久設置。

提到「跨越」的想法，林舜龍說，這最早萌發於2000年回台首度舉辦個展《無明飛行》的時候，有一系列作品用嬰兒出生前，於母體內浮游的狀態為比喻，描述那即將誕生、邁向下一階段的感受。「跨越有幾種層面，一是土地的跨越，還有一種是超越自己，因為生命本身就是冒險的旅程。」

從內省到面向群眾

從小生長在鄉下三合院，由阿公阿嬤照顧，最甜美的回憶就是踩在暖暖的泥巴田裡，看著彩虹發呆。但這一切卻在上台北求學後變了樣，父親日式的嚴厲管教，都市生活的擁擠和汙濁，都讓林舜龍不斷想逃離。放假就直奔鄉下，收假則一直哭著向北。他回憶，當時繪畫宛如秘密基地，躲進去就與外界隔絕。即便後來旅居日、法，畫中的主題卻始終圍繞風景，而不見人煙。

1996年從法國歸來，開始從事兒童美術教育和創作公共藝術品，才逐漸有所改變。「以前一直在聽自己的聲音，現在學習如何聆聽別人。街上每個人在走，其實都帶著一串故事在後面。」經過這樣的心路轉變，加上這十幾年間世界變得更動盪不安，在《瀨戶內國際藝術祭》捎來邀約時，他想到援用航海的概念，搭造以海漂植物棋盤腳為造型的巨大種子船。「棋盤腳的漂移和人類遷徙的路徑一致，而且每株只乘載一顆果實，就像人永遠都是獨自航行。」

依循直覺動手做

比起2013年坐落海水拍打的沙岸，今年現地製作的區域位於都會地段，附近皆為人造建築，種子船的出現就像遠古傳說與現代寓言的對話。其主要由木頭和鐵件構成，在台灣先做雛形，到日本再重新組裝。這次為增加耐久度，基地台較高，通往內部的斜坡道也長了許多，門口又小，需彎身通過；然而一旦踏入，空間倏地展開，像一個渾圓自足的宇宙，最多可容納80人。入口處懸吊的鑼，遮去外部過強的光線，敲響時則鏗鏘迴盪，充滿儀式性。

協助搭建的工班，是8位台灣原住民朋友，手中沒有任何設計圖，全憑感覺與相互討論逐步完工。一位前來幫忙的日本藝術家非常羨慕他們這種沒有預先計劃，卻能悠遊其中的工作方式。「越現代化以後，人的直覺越會喪失。小孩子不知道食物怎麼來，因為都到超市去買。跟生命離得很遠，也就不再珍惜，這在日本是滿嚴重的。他們習慣把計劃妥當安排好，因而失去本能，事情誰在控制？是大企業、大政府。藝術家想找的是生命的自由度，因為人沒有自由，絕不會有愛；沒有愛，世界怎麼會和平？」

友愛和包容，是台灣人的特質。他打趣說，在《瀨戶內國際藝術祭》最重要的支援就是志工，為了酬謝他們的幫忙，團隊每天都煮好吃的飯菜請客。結果主辦單位很為難，因為其他藝術家不見得有備餐。最後雙方協議只要在種子船的施工圍籬內，就照台灣的規矩辦事，大家在裡面播放民謠，一邊歌唱一邊工作，非常快樂。

等待，並懷抱希望

即將於夏季落成的另一件作品〈跨越國境．潮〉，亦表達林舜龍博愛的思想。他以目前完成的孩童雕塑為原型，用糯米粉、石灰、黑糖、麻纖維、和當地的海沙相揉搓，塑出196尊造型相同的泥像。196是日本目前承認的世界國家總數，每一座泥像分別面向各國，並垂掛書寫該國與小豆島距離和經緯度的牌子。日曬雨淋後，表面風化，作為支撐的鐵片則露出——上面刻著各國家的名字，就像墓碑一樣。

「他們的衣服貼在身上像是濕了。憋著氣是因為掉進海裡，但依舊面帶微笑，表示還是相信這個世界。」唯一不會化掉的孩子，正是在種子船上以銅鑄造的那一尊。其身旁有一隻青蛙和一隻水牛，象徵與自然的連結。牠們陪伴人類航行，尋覓更美麗的境土。

「這一屆是這樣。但下一屆我想把他換成坐下來，因為他站三年了，可以換一個感覺面向海。」林舜龍愛惜地說。就像他小時候坐在田裡遙望彩虹，雖然未知可能帶來傷害，但內心依舊期待──因為美好的事物或許也正在不遠處。

《瀨戶內國際藝術祭2016》

Date／夏07.18～09.04；秋10.08～11.06

Web／setouchi-artfest.jp

Text／歐陽辰柔

Via／達達創意股份有限公司、王文志、竹腰耕平、松本秋則、Sou Fujimoto Architects、Benesse Art Site Naoshima、Setouchi Triennale

【更多完整專訪內容請見《LaVie》2016年6月號】

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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