悶熱的五月天，一早我們肩負著任務急奔臺中國家歌劇院，眼看距離活動開始時間還有一些片刻，正當我們緩緩穿梭在如洞穴般的美聲涵洞時，赫然發現在某個角落聚集了近兩百位群眾，這對一早甚至還未對外開館的臺中國家歌劇院來說，可稱得上是難得一見的場景，當然這群個個有備而來的粉絲，為的正是從日本遠道而來的《死亡筆記本》音樂劇兩位主演柿澤勇人與小池徹平。

廣為人知的日本鬥智推理漫畫《死亡筆記本》，故事透過站在黑白兩面的兩位主角夜神月與L，引領觀眾探討何謂真正的正義，抑或是天生純粹的邪惡，充滿複雜激烈的交鋒情節，接連被改編成電影、電視，甚至在2015年搬上舞台，藉由音樂劇形式為高潮迭起的劇情增加故事張力。不過音樂舞台劇並不像電影般能夠靠事後剪輯，不僅需要有流暢的故事情節，更十分考驗演員與團隊在舞台上的臨場反應，舉凡表情、對白、音樂、走位，及服裝、燈光場景等，每個環節皆要配合得天衣無縫，不禁讓人好奇原本篇幅就不算小的《死亡筆記本》，真的能夠在短短兩、三個小時內，將原作錯綜複雜的鬥智情節完整闡述嗎？

為此，特地來台宣傳的兩位主演也在百忙行程中接受La Vie專訪，與我們分享此次首度移師海外演出的心情，以及暢談自身在詮釋角色時所遇見的困境與趣事。

舞台劇王子化身夜神月 柿澤勇人力求「新鮮感」

首度來台，劇中扮演主角夜神月的柿澤勇人，對於一般台灣觀眾來說或許相對陌生，然而這位有著帥氣銳利外表的男演員，其實在劇場已深耕多年，擁有無數舞台劇演出經驗，不過此次要超齡揣摩高中生主角夜神月，他透露自己「回春」的秘訣，就是想像當今年輕人的心境，「《死亡筆記本》音樂劇以現代東京為背景，像是大家十分熟悉的東京澀谷，在那個人來人往的大十字路口，每個人幾乎都低著頭看手機，埋首在自身的世界，卻又跟身旁的人保持微妙距離的習性，這是現代社會的寫照，大部分的人多多少少會有共鳴，我也藉此想像年輕朋友的心境。」。

他也透露這次《死亡筆記本》有別於一般音樂劇，夜神月將由自己與浦井健治先生兩人一起扮演，如此的演出安排在音樂劇製作中其實並不常見，甚至在接到演出邀約時，不免感到重重壓力，畢竟電影版夜神月的扮演者藤原龍也，其銀幕形象早已深深烙印在影迷心中，自己該如何詮釋出「柿澤風格」版本的夜神月，再加上得在觀眾面前開口唱歌，舉手投足間如何彰顯情緒爆發力，以及表現出引發夜神月性格扭轉的契機，其較鮮為人知、可憐的一面，都是這齣舞台劇自己得克服的難題，「由於每一場觀眾都是第一次看，也因此每次演出自己都必須將新鮮感帶給觀眾」柿澤勇人說道。

小池徹平翻轉過往陽光魅力 古怪「L」入魂

至於另一位主人翁L，則由陽光開朗形象深植人心的小池徹平飾演，為了完美融入陰沉古怪的L角色中，小池徹平可說是下了一番苦功，他坦言起初得知受邀演出L一角時，「確實有驚訝到」，甚至對要改編成音樂劇這件事感到稍稍不安，「因為看漫畫時無法感受得到這是可以加入唱歌元素的故事，然而當和兩位夜神月主演、栗山導演接觸後，反而開始期待音樂劇會以怎樣的獨特視角說故事，又會和眾人擦撞出多不同的火花。」。

由於L對比他過往演出的角色有著極大反差，當被問及在準備期間是否比想像中困難不少？小池徹平答道：「應該是剛開始準備的時期，像是最初讀本時，會思考L會用哪種眼神與他人交流。」，因此他在片場甚至會關進小房間排練，避開與他人接觸的機會，從駝背身軀、生活習慣都進入L模式，「自己反而像是被L附身般」，難道不怕入戲太深，他笑說：「下戲後，還是能自然與大家去喝一杯。」；對於和兩位夜神月合作，他認為能一次和兩位演員同台飆戲其實相當過癮，「並不會感到混淆，反倒成了一件很有趣的事，有點像是自己一人要去對抗兩個人，以演戲來說，反而是件很奢侈享受的事。」。

邊演邊唱大不易 兩人談心中最喜愛歌曲

當然除了要深入角色心境外，兩位演員還得面臨在舞台邊演邊唱歌這項大挑戰，柿澤勇人表示：「這次的歌曲Key比較高，幾乎已經到頂，因此每回表演前都非常緊張，深怕自己會不小心破音。」；而擁有歌手身分的小池徹平，則解釋音樂劇的台詞多是由歌曲來進行，「基於這樣的編排，有時像是吵架的戲，一來一往中反而容易被對方的情緒牽走，以L和夜神月來比喻，前者較為內斂，後者則較外放整體情感會往上衝，這時自己就得控制拿捏，不能一次全將情緒揮灑出去。」，畢竟當觀眾入席的那刻起，台上的演員就沒有NG、沒有重來的機會。

問及兩人劇中最喜歡的歌曲，柿澤勇人選擇了死神雷姆獻給彌海砂的曲子，他認為那種想闡述「心中有多麼喜歡一個人」無私奉獻的心情，每次聽見皆會深受感動；小池徹平則選了夜神月第一次撿到筆記本時的曲子，特別想演唱氣勢磅礡，滿滿帥氣感的歌曲。在最後，不免俗地向兩位問及若有機會挑戰其他人物角色，甚至可能是反轉版視角，會挑選哪名角色，柿澤大笑說：「當然是彌海砂」，如此一來他便能近距離感受那首讓他為之感動的曲子，一旁聽見柿澤答案略顯驚訝的小池徹平則思考了一會表示，若之後有機會能夠演出對方的角色，相信會是不錯的嘗試，還能給予看過的觀眾全新反差的想像。

靠著音樂劇建立絕佳好默契的兩人，首度海外公演即選在臺中國家歌劇院，對此兩人表示《死亡筆記本》音樂劇透過栗山民導演別具巧思的燈光視覺與編排，加上新加入的卡司陣容，勢必能帶給臺灣觀眾嶄新的觀戲體驗，至於在舞台上站在對立面的兩人會激盪出怎樣耀眼的火花，則待大家親臨現場好好感受！

《死亡筆記本》音樂劇

演出地點：臺中國家歌劇院大劇院

演出時間：
7 / 21 (五) 19:30 (夜神月 : 浦井健治 飾)
7 / 22 (六) 14:30 (夜神月 : 柿澤勇人 飾) / 19:30 (夜神月 : 浦井健治 飾)
7 / 23 (日) 14:30 (夜神月 : 柿澤勇人 飾)

更多《死亡筆記本》音樂劇資訊▶https://goo.gl/wa0B2n

Text / Ian Liu

Photo / 臺中國家歌劇院

世界三大影展殊榮一輩子要拿一次都極其不容易，台灣導演陳芯宜卻已經從威尼斯抱回兩座！改編自小說家吳明益同名短篇的VR作品《雲在兩千米》勇奪本屆最佳沉浸體驗大獎，伴隨虛擬實境在五感真實度上的快速進化，亦不乏「這是否會成為電影可能的未來之一？」的討論——答案或許人人不同，然陳芯宜運用「空間導演」手法精密構築的走動式體驗，著實拓寬了現階段我們對觀影型態的想像。

第82屆威尼斯影展得獎名單於台灣時間2025年9月7日凌晨揭曉，導演陳芯宜繼2022年以《無法離開的人》初在世界三大影展嶄露鋒芒後，再憑VR新作《雲在兩千米》從30部來自世界各地的優秀入圍作品中脫穎而出，二度拿下「沉浸式內容競賽（Venice Immersive Competition）」單元最高榮譽「最佳沉浸體驗大獎（Venice Immersive Grand Prize）」。台灣觀眾也不必久候，此作同步入圍2025高雄電影節XR沉浸式影像大展「XR DREAMLAND」國際競賽單元，10月份就將和大家見面。

▼ 回顧陳芯宜第79屆獲獎作品《無法離開的人》（The Man Who Couldn't Leave）

受公視之邀投入製作，構築多時空的複雜世界

3年前獲生涯首座威尼斯影展大獎後，陳芯宜便接到影集《天橋上的魔術師》製作人李淑屏邀其執導公視全新企劃，改編吳明益小說《苦雨之地》中的同名短篇〈雲在兩千米〉為VR創作，將台灣文學厚度、文化內涵和電影敘事轉以沉浸科技的新語彙詮釋，進而無所隔閡地向國際推展，感動更多觀眾。50分鐘VR版《雲在兩千米》由莫子儀、姚以緹和馬志翔主演，故事描述律師關，在妻子意外過世後無意間發現一處名為「雲端裂縫」之地，存有諸多妻子的雲端足跡，當中包括她遺留下來的未完成小說；因思念與好奇，關循著文字走進妻子的潛意識，也走進台灣的山林。當記憶、現實與神話交錯，界線逐漸模糊，一段重新連結、尋找與療癒的旅程就此展開。

▼ 聽主創分析故事結構＆分享製作幕後

文學與科技跨域激盪，重現「失落與連結」歷程

從座席到獎台，這濃縮於直播螢幕裡短短的幾秒鐘，乘載團隊創作過程中不可計數的時間與心力，如今站上同一獎台，陳芯宜直言自己感覺非常奇妙，首先要感謝小說家吳明益創作出這麼美麗的故事，「《雲在兩千米》是一個關於悲傷、記憶、愛，以及台灣獨特文化的故事，我將自己在電影、劇場與沉浸式創作中的經驗融入這部作品，希望能讓觀眾完全走進故事之中，以全新的沉浸式體驗感受這段關於失落與連結的情感歷程。」吳明益得知團隊獲獎後也回應，「一個作品成為另一些人的作品，那意味著作品存在著生命力。謝謝陳芯宜導演的團隊，創作出啟發我的新作品。」無疑構畫出不同領域創作間互為激盪，創作者間亦惺惺相惜的美好風景。

VR有別於傳統影視，「技術」實為創作是否成形的一大關鍵，對此，陳芯宜逐一表達對出色團隊成員的感謝，「特別是製片宋沁諠、VR總監全明遠、主程式設計師黃郁傑、技術美術林依依，以及技術設計師謝潔明。他們從計畫一開始就一路陪伴著我，沒有他們的付出，這個作品根本不可能誕生。」《雲在兩千米》另獲德國FFF Fund和SLM Fund支持，並由台灣公共電視、行者影像及德國Reynard Films聯合製作出品。

觀眾到專業人士都盛讚，稱「這可能就是電影的未來」

《雲在兩千米》於8月27日至9月6日進行11天展映，威尼斯影展沉浸式內容競賽單元共同策展人Michel Reilhec親吐觀影時的震撼，「我記得，我和共同策展人Liz在選片階段第一次看完《雲在兩千米》，拿下頭顯，我們看著對方，說不出話來，不約而同地發出『哇』的讚嘆。陳芯宜所展現的創意，創造了一種處理空間、以空間來講述故事的方法，透過走動探索的形式讓觀眾從身體上就被牽動。」更進一步針對此種「空間導演」的藝術性手法盛讚，「她成功地深深觸動了我們的情感——這可能是我們看過最有力道的、關於悲傷的作品之一。」

受策展人喜愛之餘，此作同時造就場場爆滿、一票難求的極高觀眾迴響，每天開館即有許多人排隊登記候補，更傳出現場餐館老闆因聽聞大家都在談論這部片而跑來一探究竟。體驗過的民眾及產業人士紛紛給出好評，「超乎想像」已不在話下，甚有觀者稱此作品「可能就是電影的未來」。

打造專屬「森林香」，將威尼斯觀眾引入台灣山間

《雲在兩千米》展場汲取台灣森林意象打造，且當體驗者摘下頭顯的那一刻，場內會播放台灣森林夜晚的聲音，並備有電影專屬香氛卡作為觀影禮，形塑從入展間到出展間的完整沉浸感。負責香氣設計的台灣原創家飾品牌「HANSCHIU瀚思」調香師Hans談及，「這張香氛片不只是嗅覺的瞬間刺激，而是一場能在展演後的2到3天內，持續與觀者對話的時間經驗。」構想將一陣台灣山林空氣「摺疊」放入香氛片中，讓影展觀眾即使身在距台灣數千公里遠的他方，也能藉由氣味的牽引，恍然潛進台灣山間。

兩年一次的Camping Asia又將啟動，今年5檔分別來自法國、英國、澳洲和波蘭的精彩演出搶先曝光，全場次票券9月8日開放會員預購、15日全面啟售。從(LA)HORDE盡展激進美學的末日鉅作《崩世光景》、塊動舞團在舞台上構築的賽博龐克《機神祭》，到編舞家Noé Soulier去風格化的身體論述《動作以上以上動作》⋯⋯本篇帶來包括編舞團隊和節目內容的最完整介紹。

臺北表演藝術中心、法國國家舞蹈中心（Centre national de la danse, CN D）與香奈兒合作推出的Camping Asia，2025年預計於11月10日至21日回歸。這項集創作、教育、演出於一體的前瞻性計畫，最早由北藝中心於2019年將法國巴黎Camping計畫精髓移植至亞洲而啟動，此後便兩年一度在臺北舉辦為期12天的舞蹈營，邀集全球頂尖院校進行跨領域、跨文化、跨世代的對話。今年，自日本、韓國、香港、新加坡、法國、奧地利遠到的7校，加上臺灣本地9校，共計16所藝術院校、近150位師生將齊聚北藝中心，不僅帶來自由創作能量，助力臺北持續深化「亞洲當代舞蹈重鎮」的角色，更積極孵育領先亞太的文化表達，並促進全球性的藝術交流。

所有表演節目將於2025年9月8日中午12點起開放付費會員預購，並於9月15日中午12點正式啟售，優惠方案詳見北藝中心官網。

從臺北基地踏上頂尖舞者共學之路

超越語言，讓身體自由說話、讓世界相互理解

Camping Asia旨在以舞蹈為軸心，連結機構、藝術家和藝術院校學生，啟發年輕舞者的內在天賦，同時藉由新穎方式開展人類最本能的肢體活力，為亞洲舞蹈界引入不同視野。而北藝中心身為CN D及香奈兒在亞洲的合作夥伴，肩負推動創意永續之重任——Camping Asia打破傳統教條，透過面向專業人士與面向社會大眾並行模式推廣表演藝術的舉措，無疑和香奈兒長年來支持文化傳承、關注當下與未來的精神相當契合，因此品牌自2023年起即投以香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）協力至今。

2025 Camping Asia活動內容沿承過往豐富設計，打造多元的共學場域。每日密集行程從早課、專業工作坊、學校馬拉松、大堂課、深度論壇到微電影展，提供參與者高強度、多面向的身體探索與實踐機會。而針對將於每日晚間上演的5檔精選表演節目，策展人林人中表示，此次在策劃上試圖讓舞蹈不再被既定語彙所框限，而是與聲音、影像、科技、哲學乃至政治現實直接碰撞，希望創作者們得透過這些作品看見舞蹈何以作為一種思考與感知的力量，在不確定的時代裡仍不斷激發對世界的想像。

2025 Camping Asia精選表演節目

#01 《崩世光景》（Room With a View）

• 演出時間：2025年11月14、15日

• 演出地點：臺北表演藝術中心大劇院

• 演出單位：法國｜馬賽國立芭蕾舞團藝術總監狂徒（(LA)HORDE）

當代電子音樂與舞蹈劇場激烈碰撞，末日烏托邦彷彿在臺北現身。前衛編舞團體「狂徒（(LA)HORDE）」自2019年起接任馬賽國立芭蕾舞團藝術總監，首部作品《崩世光景》延續其帶有激進政治性的美學實驗，攜手法國知名電子音樂製作人霍恩（Rone）重塑舞台為一座蘊藏憤怒的末日景觀：舞作將狂烈怒吼轉成不馴的戰歌，以脆弱肉身衝撞巨大的怪物，為年輕世代贖回直面氣候災變、父權瓦解、社群疏離和身體焦慮的勇氣；電子音場則宛如末日聖歌，領觀眾走進一場感官風暴，經受視覺、聽覺的同步震撼。

舞台意象從「大理石採石場」應運而生——白立方空間中，節奏如同機器心跳，舞者們赤裸靈魂，用肢體交織出青春的悸動與憂傷，在科技與自然、冷冽與狂喜間撕裂重生。他們時而擁抱、時而碰撞，展現親密與暴力共生的極限書寫，彷彿要從廢墟中尋得新的愛與信仰。

▼ (LA)HORDE曾與瑪丹娜（Madonna）合作其演唱會舞台；《崩世光景》作為年輕人獻給年輕人的作品，策展人林人中特別推薦必看。

#02 《即席寫真》（Find Your Eyes）

• 演出時間：2025年11月15、16日

• 演出地點：臺北表演藝術中心藍盒子

• 演出單位：英國｜班吉瑞德（Benji Reid）

以非洲未來主義圖像聞名的舞蹈攝影師班吉瑞德（Benji Reid），融會舞蹈、戲劇和攝影，催生引人注目的超現實圖像，反映他以黑人身分在當今英國所經歷的種種。其作品常見人物飄浮於空中，如暫時脫離現實重力的狀態，也投射出身心在困境中的掙扎與渴望。

「我不是在拍照，而是在表演。」——班吉瑞德（Benji Reid）

出身英國霹靂舞傳奇團體「破碎玻璃（Broken Glass）」、還曾為知名樂團「靈魂靈魂（Soul II Soul）」首席舞者，班吉瑞德在歷經人生低潮後轉以攝影為表達與療癒工具，開創出結合舞台美學與攝影敘事的嶄新創作形式。此次表演節目《即席寫真》正揭示了創作幕後，舞台如化身一間真實的工作室，由班吉瑞德為3名演員進行編排，並交融自身回憶和情感於觀眾面前即興攝影。

故事主要講述藝術創作過程中的挑戰、創傷、康復及重塑自我；攝影則成了這個故事的鏡頭，通過獨特視覺語言展露班吉瑞德的藝術觀和生命哲學，同時記錄如何在生活縫隙中尋找光明和希望。

觀眾不再只是觀看者，而是影像發生的一部分，與角色共享同一個凝視。

#03 《機神祭》（U>N>I>T>E>D）

• 演出時間：2025年11月20、21日

• 演出地點：臺北表演藝術中心藍盒子

• 演出單位：澳洲｜塊動舞團（Chunky Move）

「在塊動舞團極端科幻的未來裡，技術異教敲響了機器人的心。」美國舞蹈專業刊物《Dance Magazine》這麼評價。以打破類型界限聞名的澳洲當代舞團「塊動舞團（Chunky Move）」成立於1995年，團名本身即指「身體動作的塊狀構成」，尤關注舞蹈與裝置、機械、科技、空間之間的互動可能，作品曾於威尼斯雙年展、愛丁堡藝術節等地演出。

受2025墨爾本藝術節Asia TOPA委託創作、方於年初首演的《機神祭》，隨即將此一沉浸式體驗帶到臺北。藝術總監安東尼漢密爾頓（Antony Hamilton）與6位頂尖舞者，於爪哇迷幻電音的激昂節拍中，穿戴著以越野機車零件回收打造的機械裝備，構築部落儀式、賽博龐克世界觀，挑戰傳統舞蹈的邊界，也挑戰人們對未來的理解。

整體視覺設計深受1980-90年代科幻電影、神話符號與峇里島儀式文化影響，約60分鐘演出挾威脅感開場，由6名舞者輪流化身半神半獸的「後人類神話生物」變形和延展，組合出巨龍般的集體身體，在霓虹光影裡探索「當代靈性如何從機械叢林中甦醒」命題；同時藉以強烈感官語彙，提出對人性與集體連結的深刻質問。

「即使身處後工業化與都市化的環境中，人類與靈性之間的連結依然存在，只是往往被忽略。」——安東尼漢密爾頓（Antony Hamilton）

#04 《動作以上以上動作》（Mouvement sur mouvement）

• 演出時間：2025年11月18、19日

• 演出地點：臺北表演藝術中心排練場

• 演出單位：法國｜諾埃蘇利耶（Noé Soulier）

「語言和動作從來不曾平行，它們總是在彼此的陰影中相互滲透。」法國編舞家諾埃蘇利耶（Noé Soulier）作為《動作以上以上動作》的編舞者和唯一表演者，將獨自站在舞台上「重現」現代芭蕾大師威廉佛賽斯（William Forsythe）示範教學影片《即興技術》中的動作序列，一面進行肢體實作、一面口述所執行的動作（表面上解釋動作的生成，實則暴露舞蹈背後的邏輯結構）；其話音引領舞蹈，有時協調一致、有時完全相反，透過重疊與錯置帶來精密而詩意的身體論述。

「我不表演動作，我讓動作自己說話。」——諾埃蘇利耶（Noé Soulier）

而為建立「觀念優先」的觀看條件，《動作以上以上動作》從舞台、燈光、音效到服裝設計皆去除風格化的可能。舞台空曠乾淨，沒有布景、沒有進出口的明顯區分，徹底消除空間的敘事暗示；亮度均勻且位置固定的燈光橫亙整場演出，幾乎像排練場或實驗室；音效只剩諾埃蘇利耶本人發出的聲音，貼身上衣和長褲亦選擇刻意低調的顏色款式，使觀眾全然聚焦於動作本身——且是「怎麼看」動作，而非表演者的動作「是什麼」。

自幼接受嚴謹古典芭蕾訓練的諾埃蘇里耶，曾花費4年時間放下學院派視角，沉潛在以「培養會思考的舞者」為核心的布魯塞爾P.A.R.T.S.表演藝術研究與訓練工作室（多位現活躍於世界舞台的知名編舞家都至此深造），探索不同創作方法。舞蹈實踐與思辨當被放在同等重要的位置，如今他透過與觀眾共享對於已知結構的編輯，使自身作品在次次演出中不斷再生，成為持續變動的運動。

#05 《洛伊富勒：研究一下》（Loïe Fuller:  Research）

• 演出時間：2025年11月15日

• 演出地點：臺北表演藝術中心排練場

• 演出單位：波蘭｜奧拉瑪齊耶斯嘉（Ola Maciejewska）

波蘭編舞家奧拉瑪齊耶斯嘉（Ola Maciejewska）作品《洛伊富勒：研究一下》既致敬19世紀末現代舞先驅洛伊富勒（Loïe Fuller）撼動當時大眾對女性身體審美想像的「蛇形舞（Serpentine Dance）」，更創造一場深入歷史、物質與身體之間的高張力實驗。她擅於回望現代舞史的女性脈絡，將經典拆解為動作條件、物理能量與知覺結構，再運用當代表演語彙重新詮釋。

《洛伊富勒：研究一下》自2011年首演後經多次演化，接下來登陸北藝中心排練場的演出，將以舞者、長絲與光束共構舞台的極簡姿態，呈獻關於「觀看與感知」的對話。形式上藉由竹筒支架和絲綢的劇烈擺動，使道具成為共演者、舞者反被推向工具化臨界——觀眾凝視著舞者，卻分不清是人推進了布，抑或布料拉動了人。這身體與布料的感官交鋒，除重新審視富勒的創新精神，亦在21世紀舞台上開啟形式革命。

「我想讓物件不只是舞台上的道具，而是創作過程的共謀者。」——奧拉瑪齊耶斯嘉（Ola Maciejewska）

Camping Asia是給下個世代的未來藝術學苑，更是讓臺灣在國際文化版圖上保有自由能量的藝術旅程。2025年節目精彩度首屈一指，此份指南願幫大家選到喜愛的演出，11月10日至21日讓我們攜手走進劇場，共感每一場都僅此一次的極致舞台魅力。