悶熱的五月天，一早我們肩負著任務急奔臺中國家歌劇院，眼看距離活動開始時間還有一些片刻，正當我們緩緩穿梭在如洞穴般的美聲涵洞時，赫然發現在某個角落聚集了近兩百位群眾，這對一早甚至還未對外開館的臺中國家歌劇院來說，可稱得上是難得一見的場景，當然這群個個有備而來的粉絲，為的正是從日本遠道而來的《死亡筆記本》音樂劇兩位主演柿澤勇人與小池徹平。

廣為人知的日本鬥智推理漫畫《死亡筆記本》，故事透過站在黑白兩面的兩位主角夜神月與L，引領觀眾探討何謂真正的正義，抑或是天生純粹的邪惡，充滿複雜激烈的交鋒情節，接連被改編成電影、電視，甚至在2015年搬上舞台，藉由音樂劇形式為高潮迭起的劇情增加故事張力。不過音樂舞台劇並不像電影般能夠靠事後剪輯，不僅需要有流暢的故事情節，更十分考驗演員與團隊在舞台上的臨場反應，舉凡表情、對白、音樂、走位，及服裝、燈光場景等，每個環節皆要配合得天衣無縫，不禁讓人好奇原本篇幅就不算小的《死亡筆記本》，真的能夠在短短兩、三個小時內，將原作錯綜複雜的鬥智情節完整闡述嗎？

為此，特地來台宣傳的兩位主演也在百忙行程中接受La Vie專訪，與我們分享此次首度移師海外演出的心情，以及暢談自身在詮釋角色時所遇見的困境與趣事。

舞台劇王子化身夜神月 柿澤勇人力求「新鮮感」

首度來台，劇中扮演主角夜神月的柿澤勇人，對於一般台灣觀眾來說或許相對陌生，然而這位有著帥氣銳利外表的男演員，其實在劇場已深耕多年，擁有無數舞台劇演出經驗，不過此次要超齡揣摩高中生主角夜神月，他透露自己「回春」的秘訣，就是想像當今年輕人的心境，「《死亡筆記本》音樂劇以現代東京為背景，像是大家十分熟悉的東京澀谷，在那個人來人往的大十字路口，每個人幾乎都低著頭看手機，埋首在自身的世界，卻又跟身旁的人保持微妙距離的習性，這是現代社會的寫照，大部分的人多多少少會有共鳴，我也藉此想像年輕朋友的心境。」。

他也透露這次《死亡筆記本》有別於一般音樂劇，夜神月將由自己與浦井健治先生兩人一起扮演，如此的演出安排在音樂劇製作中其實並不常見，甚至在接到演出邀約時，不免感到重重壓力，畢竟電影版夜神月的扮演者藤原龍也，其銀幕形象早已深深烙印在影迷心中，自己該如何詮釋出「柿澤風格」版本的夜神月，再加上得在觀眾面前開口唱歌，舉手投足間如何彰顯情緒爆發力，以及表現出引發夜神月性格扭轉的契機，其較鮮為人知、可憐的一面，都是這齣舞台劇自己得克服的難題，「由於每一場觀眾都是第一次看，也因此每次演出自己都必須將新鮮感帶給觀眾」柿澤勇人說道。

小池徹平翻轉過往陽光魅力 古怪「L」入魂

至於另一位主人翁L，則由陽光開朗形象深植人心的小池徹平飾演，為了完美融入陰沉古怪的L角色中，小池徹平可說是下了一番苦功，他坦言起初得知受邀演出L一角時，「確實有驚訝到」，甚至對要改編成音樂劇這件事感到稍稍不安，「因為看漫畫時無法感受得到這是可以加入唱歌元素的故事，然而當和兩位夜神月主演、栗山導演接觸後，反而開始期待音樂劇會以怎樣的獨特視角說故事，又會和眾人擦撞出多不同的火花。」。

由於L對比他過往演出的角色有著極大反差，當被問及在準備期間是否比想像中困難不少？小池徹平答道：「應該是剛開始準備的時期，像是最初讀本時，會思考L會用哪種眼神與他人交流。」，因此他在片場甚至會關進小房間排練，避開與他人接觸的機會，從駝背身軀、生活習慣都進入L模式，「自己反而像是被L附身般」，難道不怕入戲太深，他笑說：「下戲後，還是能自然與大家去喝一杯。」；對於和兩位夜神月合作，他認為能一次和兩位演員同台飆戲其實相當過癮，「並不會感到混淆，反倒成了一件很有趣的事，有點像是自己一人要去對抗兩個人，以演戲來說，反而是件很奢侈享受的事。」。

邊演邊唱大不易 兩人談心中最喜愛歌曲

當然除了要深入角色心境外，兩位演員還得面臨在舞台邊演邊唱歌這項大挑戰，柿澤勇人表示：「這次的歌曲Key比較高，幾乎已經到頂，因此每回表演前都非常緊張，深怕自己會不小心破音。」；而擁有歌手身分的小池徹平，則解釋音樂劇的台詞多是由歌曲來進行，「基於這樣的編排，有時像是吵架的戲，一來一往中反而容易被對方的情緒牽走，以L和夜神月來比喻，前者較為內斂，後者則較外放整體情感會往上衝，這時自己就得控制拿捏，不能一次全將情緒揮灑出去。」，畢竟當觀眾入席的那刻起，台上的演員就沒有NG、沒有重來的機會。

問及兩人劇中最喜歡的歌曲，柿澤勇人選擇了死神雷姆獻給彌海砂的曲子，他認為那種想闡述「心中有多麼喜歡一個人」無私奉獻的心情，每次聽見皆會深受感動；小池徹平則選了夜神月第一次撿到筆記本時的曲子，特別想演唱氣勢磅礡，滿滿帥氣感的歌曲。在最後，不免俗地向兩位問及若有機會挑戰其他人物角色，甚至可能是反轉版視角，會挑選哪名角色，柿澤大笑說：「當然是彌海砂」，如此一來他便能近距離感受那首讓他為之感動的曲子，一旁聽見柿澤答案略顯驚訝的小池徹平則思考了一會表示，若之後有機會能夠演出對方的角色，相信會是不錯的嘗試，還能給予看過的觀眾全新反差的想像。

靠著音樂劇建立絕佳好默契的兩人，首度海外公演即選在臺中國家歌劇院，對此兩人表示《死亡筆記本》音樂劇透過栗山民導演別具巧思的燈光視覺與編排，加上新加入的卡司陣容，勢必能帶給臺灣觀眾嶄新的觀戲體驗，至於在舞台上站在對立面的兩人會激盪出怎樣耀眼的火花，則待大家親臨現場好好感受！

《死亡筆記本》音樂劇

演出地點：臺中國家歌劇院大劇院

演出時間：
7 / 21 (五) 19:30 (夜神月 : 浦井健治 飾)
7 / 22 (六) 14:30 (夜神月 : 柿澤勇人 飾) / 19:30 (夜神月 : 浦井健治 飾)
7 / 23 (日) 14:30 (夜神月 : 柿澤勇人 飾)

更多《死亡筆記本》音樂劇資訊▶https://goo.gl/wa0B2n

Text / Ian Liu

Photo / 臺中國家歌劇院

衛武營與勞力士啟動合作關係，可謂其走入全球頂尖文化機構網絡的重要里程碑。肩負「提升在地文化景觀，深化國際藝術連結」使命，雙方將致力匯聚世界級傑作於地方樞紐，續寫台灣表演藝術新頁。本文關注場館和品牌此前鋪陳與此後展望，同場邀你親臨觀賞預定2026年3月21日為計畫揭幕的精彩音樂會。

衛武營日前發表消息，正式宣布攜手瑞士鐘錶品牌勞力士（Rolex），未來共同秉持嶄新視角開創文化傳承的下一篇章。從耕耘台灣表演藝術能量，到涵養藝術底蘊而與世界密切對話，勞力士將以專屬鐘錶合作夥伴（Official Timepiece）之姿，協力場館推動國際大師和地方舞台間的高層次交流。有賴衛武營標誌性的旗艦歌劇製作等項目實踐，總體計畫期待在當代語境下重新詮釋經典與傳統，沿襲對藝術的不懈追求，締造跨越時間的文化資產。以下依序爬梳勞力士伸入多元範疇的品牌觸角、衛武營著眼在地並面向世界的發展願景，深究雙方合作脈絡及又一精品品牌力行藝術贊助的美談。

勞力士｜1976年結緣首位合作夥伴，積極促成藝術登峰

以「恒動（Perpetual）」一字承載品牌價值，勞力士不僅專注彰顯製錶本業的精湛工藝與卓越品質，更充分肯定藝術在當今社會所扮演的重要角色：藝術家透過作品喚醒共通情感、聯繫群眾，不斷激發各樣創意——此時，品牌所為正是措置有利條件，助他們登峰造極。

回望逾半世紀歷程，勞力士自1976年與首位合作夥伴、著名女高音卡娜娃女爵士（Dame Kiri Te Kanawa）結緣以來，已建立和眾多藝術先驅的深厚關係，每位皆憑最高標準於所屬專業精益求精。後進一步與世界級藝術領域代言人及機構展開合作，使涵蓋建築、電影、舞蹈、文學、音樂、戲劇、視覺藝術的跨域支持計畫《藝術傳承・恒動不息（Perpetual Arts Initiative）》逐漸成形。至今仍持續與才華橫溢的創作者、頌揚非凡藝術成就的各地單位攜手並進；一來表彰傑出人才，二來培養後起之秀，供其機會攀自身高峰。上述內容以外，勞力士亦鼓勵體育和探險活動，且投入環境保護，展現關愛地球的企業態度。

2026年決意攜手衛武營，勞力士台灣分公司總經理林人和說明，「透過這次合作，我們不僅禮讚傳統，也開啟創意與文化交流的新機會。表演藝術能跨越界限，凝聚社群，激發對話；藉由此夥伴關係，衛武營與勞力士再次重申我們的承諾——持續為在地與國際觀眾帶來更豐富的文化體驗。」

衛武營｜從「眾人的藝術中心」躋身國際頂尖藝文場館

如藝術綠洲般坐落高雄鳳山，衛武營作為台灣規模最大的藝文場館、亞洲最大單一屋頂綜合劇院，由荷蘭麥肯諾（Mecanoo）建築事務所建築師暨共同創辦人侯班（Francine Houben）汲取靈感自當地常見的榕樹群，轉化樹冠盤根錯節的意象為流暢的白色波浪曲線，連綴主體建築獨特外觀。館內共設4座國際級場地，每年呈獻包括歌劇、音樂、舞蹈、馬戲、傳統戲曲等600餘場海內外藝術家演出，造訪人次超過150萬；其中尤具代表性的音樂廳採全台唯一的葡萄園式設計，經環繞舞台的階梯座椅堆疊全方位感官饗宴與聲學效果。

廳院間另規劃半戶外公共區域「榕樹廣場」，不使用直角牆體圍堵，轉藉樹蔭似的弧形鋼鐵頂棚模糊室內外邊界，讓風與光影得以自由穿透，實現該場館願成「眾人的藝術中心」之旨——既嶄露建築美感，甚透過開放的空間策略，將藝術自然融入居民日常，打造與世界連結的文化樞紐。

>> 延伸閱讀：解密高雄「衛武營」全球最大單一屋頂劇院！荷蘭建築團隊Mecanoo、藝術總監探訪全台最大藝文場域秘辛

今再成為勞力士初次出手支持的台灣在地表演藝術中心，實屬躋身國際頂尖文化場館行列的象徵，衛武營藝術總監簡文彬表示，「衛武營自2018年啟用以來，便致力於體現『眾人的藝術中心』之願景，我們深耕歌劇、舞蹈與傳統戲曲，不僅是為了守護文化根基，更是為了在當代語境中尋求突破。勞力士對於卓越品質的極致追求與『永恆傳承』的堅定信念，與衛武營的發展策略極為契合。透過雙方合作，我們期許能讓台灣獨特的文化創意力獲得肯定，並在國際藝壇的舞台上展現獨特的光芒。」

承先啟後：力邀世界級藝術家來台，展望群星雲集的未來

過去即有過勞力士代言人、傳奇男高音Jonas Kaufmann在衛武營留下足跡。雙方啟動合作關係的首度對話，則由音樂會《超越（Beyond）》於2026年3月21日揭開序幕——自2025年起出任勞力士代言人、現下最受矚假聲男高音之一奧林斯基（Jakub Józef Orliński），將挾以風靡全球的舞台魅力和技巧，同台實力強勁的金蘋果古樂團（Il Pomo d’Oro），為台灣觀眾帶來同步世界的視聽體驗。

▼ 精彩片段搶先聽

勞力士多年來未停下擴展藝術合作版圖，除與米蘭斯卡拉歌劇院（Teatro alla Scala）、倫敦皇家芭蕾暨歌劇院（Royal Ballet and Opera）、紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）、巴黎國家歌劇院（Opéra national de Paris）、布宜諾斯艾利斯哥倫布劇院（Teatro Colón）等全球諸多頂尖歌劇院與表演藝術中心結為合作夥伴外，更涉足薩爾斯堡音樂節（Salzburg Festival）、聖靈降臨節音樂節（Whitsun Festival），並支持維也納愛樂（Vienna Philharmonic），憑其無與倫比的新年音樂會和仲夏夜音樂會聞名於世。今後與衛武營的合作深度，無疑也將步步體現於引進世界級演出的承諾上。

美籍華裔作曲家黃若即將帶著開創性作品《浮聲之城》來台，試圖打破古典音樂聆賞與表演的場域界限，整場演出包含「城市之旅」及「現場LIVE演出」，於3/28-3/29在臺中國家歌劇院大劇院展開！

《浮聲之城》（City of Floating Sounds）顛覆傳統坐在台下聽台上音樂家的演奏方式，作曲家黃若將整座城市轉化成帶有流動特質的「城市劇場」（Theater for the City），觀眾使用手機帶路，人手一機播放特定音軌，眾人形成隨機的大合奏，路上經歷與所看、所聽，也都成為體驗的一部分。

黃若的音樂啟蒙來自作曲家父親黃英森，以他的琴藝與作曲概念為引導，經常帶黃若上音樂課的是母親，「母親雖不懂音樂，但她用頁碼、小節數來為我做筆記，那是非常珍貴的記憶。」

最初形塑黃若藝術觀點的，還可追溯到孩童時期接觸的戲曲文化。小時候在海南老家，跟著奶奶去看瓊劇的日子，是黃若最初的藝術啟蒙。「中國的地方戲曲，它既是劇，就有故事，有唱、有演、有武術打鬥。它不是Elite（菁英）文化，而是農村的人也可以看得懂、免費參與的公共藝術。」

這種「全民劇場」的公共精神，讓黃若對歌劇和戲劇性產生極大的熱情。而他走上作曲之路則源於一次驚險的演出經歷。「有次在台上演奏，我忘譜了。老師之前告誡我『千萬不要停下來，也不要從頭開始』，我後來就自己Improvise（即興創作），就這樣彈下去了。」演出後，老師告訴他的父親，「這孩子成不了鋼琴家，但可以考慮走作曲的路。」黃若的創作之路，正是源自對「即興」與「不受限制」的熱愛。

以手機科技為介面，翻轉隔閡為連接

《浮聲之城》的靈感始於2017年，黃若參與曼徹斯特國際藝術節期間生根發芽。當時，他對於一座城市如何說故事深感著迷，並嘗試結合互動性與場域特定的聲音景觀。黃若表示，他一直希望有一部參與者可以生活在音樂裡，並直接和城市景觀、周圍人群互動的作品。

經過多年發想，《浮聲之城》隨之而生，2024年6月在曼徹斯特全球首演，7月到紐約演出，2025年10月於北京呈現。黃若將這種體驗擴展成一場城市活動，讓觀眾真正成為交響樂的一部分，將他們的腳步與存在編入音樂紋理，讓城市本身成為流動的舞台。順應不同的城市，有不同的路線設定。

黃若坦言，他是帶著對現代都會人際關係的反思，進而萌生了《浮聲之城》的創作理念。他觀察到，現代社會中，智慧型手機雖然是為了連接和聯絡而生，卻經常成為人與人之間最大的隔閡。「有時雖然家人、朋友在同一個客廳裡，但每個人都在自己的電子產品上，沒有人講話，沒有人交流。Technology（科技）實際上是隔閡了我們。」

如何將城市裡的人們透過一部作品連接起來？他決定反轉手機的孤立功能，讓它成為分享的工具。即使是平常沒有習慣進劇場、聽音樂會的人，也會想參與的作品。

從室外走向室內的動態樂譜

要欣賞《浮聲之城》，首先必須完成第一段戶外部分，使用手機App體驗。在戶外，觀眾也是「樂器」的概念，在下載 App 後，會隨機被分配到交響樂中13個不同聲部（如長笛、大提琴等）音軌。

接著，每位觀眾代表的「樂器聲」一起在戶外播放，就像是眾人合奏，隨著不同路線的參與者在城市中走動，聲音自然地疊加、交融。人群愈密集，聲音就愈豐富。

如此一來，城市成為動態的樂譜，參與者的腳步、城市的街道、突發的環境聲，如：救護車聲、街頭藝人、車水馬龍，都成為作品的一部分。黃若形容，「觀眾手持手機播放聲音的目的，是為了把自己的聲音跟大家共享。」

黃若表示，「希望大眾能夠 Share with them what you have, and then you could get what they have. You complete their world and they will complete your world（分享你擁有的，並得到他們擁有的；你圓滿他們的世界，他們也會圓滿你的世界）。」

打破台上台下界線！將音樂廳變為流動空間

《浮聲之城》的第二部分是室內演出，當不同路線的觀眾從城市各處匯聚到音樂廳後，將共同體驗音樂的高潮。針對臺中國家歌劇院的場地，黃若提出新構想，「我希望把現場樂隊安排在大劇院內不同的角落，讓聽眾自由走動。你可以跑到長號後面去聽，你的聲音透視感（Perspective）會完全不一樣。」

黃若表示，這能解決傳統音樂廳座位與舞台固定的問題，讓觀眾在已經預設好的場地中，依然能獲得沉浸式與互動式的體驗，最終目標就是打破聽眾與演奏者、場地與非場地之間的無形之牆。

黃若認為，藝術應當是推動社會往前的功能。他希望《浮聲之城》能在不同的城市帶來共鳴，讓身處繁忙都市中的人們，有機會Slow down（慢下來），聽見那些平時忽略的聲音。

2026 NTT Arts NOVA 曼徹斯特國際工房╳黃若《浮聲之城》

場次資訊：2026/3/28 (六) 10:00、15:00，2026/3/29 (日) 10:00、15:00，共4場

展演地址：臺中國家歌劇院大劇院（臺中市西屯區惠來路二段101號）

購票請點此

_{文｜李欣恬　圖片提供｜臺中國家歌劇院}