自去年9月秋天正式開幕以來，即將走完一整個四季的臺中國家歌劇院，在這值得歡慶祝賀的週年時刻，以「秋天‧來臺中與巨人相遇」為題，精選來自六國、共九檔的「巨人系列」節目，10月起連續三個月，邀請藝術愛好者站上這些「巨人」創作家的肩上，看他們如何透過舞蹈、音樂、戲劇與戲曲等不同領域，深化對表演藝術的想像與嶄新視野。

巨人挑選標準：獨特的風格

然而何謂「巨人」？是指這些作品皆為砸下大手筆預算的鉅作，還是指作品中都有所謂壯碩的巨人角色呢？事實上，「巨人」這個名詞早在歌劇院正式開幕的前一年，即搶先以「巨人來了」形式登場過，對於今年秋天再度以「巨人系列」為題，藝術總監王文儀表示：「有別於以作品為主的春天NTT-TIFA、夏天音樂劇，秋天的『巨人系列』則將聚焦於人，在挑選上我們特別著重藝術家本身，就作品來論，每位巨人的作品藝術切入角度皆非常具有獨特性，他們能在一件簡單平凡的事物中，找出截然不同，甚至細微到一般人可能不會探討或者是察覺的角度加以切入」，當然最重要的是，這些藝術家巨人，無論是作品本身，還是其想傳遞的精神思想，在勇於突破的他們身上，看不見任何一絲「重複」。

台灣本土巨人

在「巨人系列」九檔節目中，讓台灣觀眾最熟稔的莫屬雲門舞集創辦人兼舞蹈家林懷民與歌仔戲國寶廖瓊枝。林懷民繼39年前首度以台灣史為背景的《薪傳》後，相隔多年，再次從台灣氛圍與印象創作出《關於島嶼》，並搭配作家蔣勳朗誦當代作家描繪台灣的文字，以及桑布伊的吟唱，舞者恣意地在漢字節奏中，舞出這片島嶼的美麗與哀愁。「他就像是我們每個人的導師，之所以成為導師是因為他對台灣永遠有一份同情關懷，然後將之轉換到作品中，作為對當今社會現象的提問。」就如同這回《關於島嶼》中所探討的「文字」，文字作為溝通的載體，它在人際間的碰撞與傳輸，是讓我們漸漸被文字所奴役亦或文字為我們所駕馭，林懷民以他最細膩的手法及專業舞蹈向觀眾傳遞強而有力的訊息。

被譽為「台灣第一苦旦」的歌仔戲國寶廖瓊枝，同屬台灣表演藝術界殿堂級導師的她，則將以82歲高齡姿態站上臺中國家歌劇院舞台帶來改編自身故事的《凍水牡丹》，「就我們看《凍水牡丹》也許是悲苦的，然而廖瓊枝老師卻將之轉化成具生命力的藝術家典範，我想這是台灣人的特質，總是能把負面東西，靠著自己的力量轉化成一個非常正面而且繁花似錦的結果。」王文儀說道。

當然，除了這些早已站上台灣表演藝術殿堂的巨匠，正漸漸發光發熱的台灣新生代編舞家布拉瑞揚、旅居德國柏林的舞者暨編舞家孫尚綺、編劇家簡莉穎以及四把椅子劇團，這些正茁壯強大的「小巨人」，同樣值得期待。身為臺中國家歌劇院首位駐館藝術家的布拉瑞揚，這回帶來雙舞作《漂亮漂亮》和《無，或就以沉醉為名》，王文儀認為他是目前台灣唯一一位能把原住民的文化中非常傳統卻非常優美，甚至鮮少人理解的文化內涵，用精湛的編舞技巧，轉化到當代劇場中綻放，而且開始與國際對話。

師承現代舞大師林懷民、曾為雲門舞集二舞者的孫尚綺，他「兼具東方與西方」的當代身體風格，這回則攜手柏林心音樂室內樂團重新詮釋現代傳奇音樂大師菲利普格拉斯（Philip Glass）的多媒體劇作《攝影師》，以舞蹈、戲劇與音樂三體合一，以語言和音樂對話，用肢體與影像共舞，昇華攝影藝術先驅麥布里奇（Eadweard Muybridge）的悲劇人生。

至於與四把椅子劇團合作「重寫經典計畫」的編劇家簡莉穎，繼2015年改寫契訶夫《三姐妹》後，今年則改寫挪威大劇作家易卜生的名著《群鬼》，將西方元素改編為台味十足，宛若鄉土家庭倫理劇的《遙遠的東方有一群鬼》，王文儀認為看似對立的東、西方文化融合特別有趣，特別是19世紀的文學創作，卻能夠如此貼近21世紀的台灣社會本質，她相信觀眾必能從舞台上獲得深刻的反思以及絕對的娛樂。

海外巨人

即將出任明年臺中國家歌劇院NTT-TIFA年度策展人的法國鬼才跨界藝術家克里斯汀‧赫佐(Christian Rizzo)，今年帶來探討「大眾舞蹈」(Dance Anonyme)的三部曲尾聲之作《伊恩症候群》（Le Syndrome Ian），其創作靈感源自青少年時期到迪斯可舞廳的記憶，探討身體在個體與群體間的關係。「赫佐就像是劇場界的哲學家，他的作品永遠有很多哲學性、本質性的探討」，王文儀表示其作品具有很強的儀式感，舞者像是刻意背對觀眾，這種有點距離卻又讓人想參與其中的美學手法並非人人能處理，但赫佐總能將觀眾拉進他所創造的獨特舞蹈儀式中，「就像米其林的醬料，看似簡單、實質上卻是深邃的。經過多道手續的繁覆料裡，追求的只是瞬間口感的至高美味，層次豐富而令人回味。」。

「華格納的《尼貝龍指環》四部曲是歌劇院規模最大的展演」，連續4年由西班牙拉夫拉前衛劇團導演卡盧斯帕德利薩(Carlus Padrissa)掌舵，今年繼續為觀眾帶來二部曲《女武神》（Die Walküre），王文儀表示這次每位表演者皆是經過一個月的彩排跟精準的練習，加上在出身街頭藝術的卡盧斯調教下，屆時《女武神》所呈現給觀眾的視、聽覺想像感受勢必非常震撼，而原本極其龐大複雜的故事，也在他巧手下「簡單化」，天神、巨人、侏儒、人類四層環環相扣，關係卻清楚分明，相當精采明瞭。王文儀也指出，劇中有一幕是30位特技演員互相交疊形成如球體般的狀態，為了讓觀眾搶先看到這項特色，在正式公演前，10月10日先以高空人肉網（Human Net）特技於歌劇院戶外廣場搶先為節目暖身，讓大家近距離感受舞台上極具令人讚嘆的效果！

挑戰觀眾想像極限的還有日本前衛鋼琴家向井山朋子所帶來，挑戰以四架鋼琴低限演出的《繁複第三號－給四部鋼琴的頑固低音之歌》，打破舞台限制，觀眾將席地環繞圍坐在四位鋼琴家身邊，聽他們如何在不停地重複彈奏下，在保持十足默契的同時，還能克服出錯的恐懼，專注在音符旋律上。王文儀認為這場表演就像是萬花筒般，很繁複卻又相當有紀律，始終保持在最美的狀態，稍有差池那分破綻就會被無形放大，「非常叛逆也非常獨具風格」。

首次接觸巨人系列的朋友，王文儀推薦由俄羅斯鬼才導演德米特里克雷莫夫（Dmitry Krymov）以巨型人偶、雜技、唱詩、芭蕾舞蹈等元素，重新解構莎翁兩部喜劇所創作的《仲夏夜之一切如戲》(A Midsummer Night's Dream-As You Like It)，充滿超現實主義與奇幻的風格，除打破第四面牆限制，更給予觀賞者強烈豐富的視覺張力。

綜觀九檔巨人系列節目，有自傳式故事、有關懷社會，也有以過往經典文學為根，植入現代思想的劇作，對王文儀來說，這些編排節目能觸碰到觀賞者的心是最為基本的，但那份觸動並非一味地灑狗血，「就像我們閱讀不同類型的文學作品，嚴肅的片段無法逃避，但就是會有直衝到心裡面的時刻，表演藝術亦是如此，舞台上第一秒鐘開始創造的氛圍、燈光、情緒以及對話，再加上抽象的肢體表現，台上所發生的一切，都能讓台下每個人從旁觀者變成參與者，這是一個很恐怖卻又迷人的能力。」，而「巨人」系列的藝術家一大特色即是化繁為簡，「極簡的背後事實上是有著相當複雜的思考跟複雜的創作過程，唯有這樣的精心設計，才能創造出一個非常簡單卻深刻的結論。」。

Text／Ian Liu

Via / 臺中國家歌劇院

衛武營與勞力士啟動合作關係，可謂其走入全球頂尖文化機構網絡的重要里程碑。肩負「提升在地文化景觀，深化國際藝術連結」使命，雙方將致力匯聚世界級傑作於地方樞紐，續寫台灣表演藝術新頁。本文關注場館和品牌此前鋪陳與此後展望，同場邀你親臨觀賞預定2026年3月21日為計畫揭幕的精彩音樂會。

衛武營日前發表消息，正式宣布攜手瑞士鐘錶品牌勞力士，未來共同秉持嶄新視角開創文化傳承的下一篇章。從耕耘台灣表演藝術能量，到涵養藝術底蘊而與世界密切對話，勞力士將以專屬鐘錶合作夥伴（Official Timepiece）之姿，協力場館推動國際大師和地方舞台間的高層次交流。有賴衛武營標誌性的旗艦歌劇製作等項目實踐，總體計畫期待在當代語境下重新詮釋經典與傳統，沿襲對藝術的不懈追求，締造跨越時間的文化資產。以下依序爬梳勞力士伸入多元範疇的品牌觸角、衛武營著眼在地並面向世界的發展願景，深究雙方合作脈絡及又一精品品牌力行藝術贊助的美談。

勞力士｜1976年結緣首位合作夥伴，積極促成藝術登峰

以「恒動（Perpetual）」一字承載品牌價值，勞力士不僅專注彰顯製錶本業的精湛工藝與卓越品質，更充分肯定藝術在當今社會所扮演的重要角色：藝術家透過作品喚醒共通情感、聯繫群眾，不斷激發各樣創意——此時，品牌所為正是措置有利條件，助他們登峰造極。

回望逾半世紀歷程，勞力士自1976年與首位合作夥伴、著名女高音卡娜娃女爵士（Dame Kiri Te Kanawa）結緣以來，已建立和眾多藝術先驅的深厚關係，每位皆憑最高標準於所屬專業精益求精。後進一步與世界級藝術領域代言人及機構展開合作，使涵蓋建築、電影、舞蹈、文學、音樂、戲劇、視覺藝術的跨域支持計畫《藝術傳承・恒動不息（Perpetual Arts Initiative）》逐漸成形。至今仍持續與才華橫溢的創作者、頌揚非凡藝術成就的各地單位攜手並進；一來表彰傑出人才，二來培養後起之秀，供其機會攀自身高峰。上述內容以外，勞力士亦鼓勵體育和探險活動，且投入環境保護，展現關愛地球的企業態度。

2026年決意攜手衛武營，勞力士台灣分公司總經理林人和說明，「透過這次合作，我們不僅禮讚傳統，也開啟創意與文化交流的新機會。表演藝術能跨越界限，凝聚社群，激發對話；藉由此夥伴關係，衛武營與勞力士再次重申我們的承諾——持續為在地與國際觀眾帶來更豐富的文化體驗。」

衛武營｜從「眾人的藝術中心」躋身國際頂尖藝文場館

如藝術綠洲般坐落高雄鳳山，衛武營作為台灣規模最大的藝文場館、亞洲最大單一屋頂綜合劇院，由荷蘭麥肯諾（Mecanoo）建築事務所建築師暨共同創辦人侯班（Francine Houben）汲取靈感自當地常見的榕樹群，轉化樹冠盤根錯節的意象為流暢的白色波浪曲線，連綴主體建築獨特外觀。館內共設4座國際級場地，每年呈獻包括歌劇、音樂、舞蹈、馬戲、傳統戲曲等600餘場海內外藝術家演出，造訪人次超過150萬；其中尤具代表性的音樂廳採全台唯一的葡萄園式設計，經環繞舞台的階梯座椅堆疊全方位感官饗宴與聲學效果。

廳院間另規劃半戶外公共區域「榕樹廣場」，不使用直角牆體圍堵，轉藉樹蔭似的弧形鋼鐵頂棚模糊室內外邊界，讓風與光影得以自由穿透，實現該場館願成「眾人的藝術中心」之旨——既嶄露建築美感，甚透過開放的空間策略，將藝術自然融入居民日常，打造與世界連結的文化樞紐。

>> 延伸閱讀：解密高雄「衛武營」全球最大單一屋頂劇院！荷蘭建築團隊Mecanoo、藝術總監探訪全台最大藝文場域秘辛

今再成為勞力士初次出手支持的台灣在地表演藝術中心，實屬躋身國際頂尖文化場館行列的象徵，衛武營藝術總監簡文彬表示，「衛武營自2018年啟用以來，便致力於體現『眾人的藝術中心』之願景，我們深耕歌劇、舞蹈與傳統戲曲，不僅是為了守護文化根基，更是為了在當代語境中尋求突破。勞力士對於卓越品質的極致追求與『永恆傳承』的堅定信念，與衛武營的發展策略極為契合。透過雙方合作，我們期許能讓台灣獨特的文化創意力獲得肯定，並在國際藝壇的舞台上展現獨特的光芒。」

承先啟後：力邀世界級藝術家來台，展望群星雲集的未來

過去即有過勞力士代言人、傳奇男高音Jonas Kaufmann在衛武營留下足跡。雙方正式攜手後的首度對話，則由音樂會《超越（Beyond）》於2026年3月21日揭開序幕——自2025年起出任勞力士代言人、現下最受矚假聲男高音之一奧林斯基（Jakub Józef Orliński），將挾以風靡全球的舞台魅力和技巧，同台實力強勁的金蘋果古樂團（Il Pomo d’Oro），為台灣觀眾帶來同步世界的視聽體驗。

▼ 精彩片段搶先聽

勞力士多年來未停下擴展藝術合作版圖，除與米蘭斯卡拉歌劇院（Teatro alla Scala）、倫敦皇家芭蕾暨歌劇院（Royal Ballet and Opera）、紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）、巴黎國家歌劇院（Opéra national de Paris）、布宜諾斯艾利斯哥倫布劇院（Teatro Colón）等全球諸多頂尖歌劇院與表演藝術中心結為合作夥伴外，更涉足薩爾斯堡音樂節（Salzburg Festival）、聖靈降臨節音樂節（Whitsun Festival），並支持維也納愛樂（Vienna Philharmonic），憑其無與倫比的新年音樂會和仲夏夜音樂會聞名於世。今後與衛武營的合作深度，無疑也將步步體現於引進世界級演出的承諾上。

美籍華裔作曲家黃若即將帶著開創性作品《浮聲之城》來台，試圖打破古典音樂聆賞與表演的場域界限，整場演出包含「城市之旅」及「現場LIVE演出」，於3/28-3/29在臺中國家歌劇院大劇院展開！

《浮聲之城》（City of Floating Sounds）顛覆傳統坐在台下聽台上音樂家的演奏方式，作曲家黃若將整座城市轉化成帶有流動特質的「城市劇場」（Theater for the City），觀眾使用手機帶路，人手一機播放特定音軌，眾人形成隨機的大合奏，路上經歷與所看、所聽，也都成為體驗的一部分。

黃若的音樂啟蒙來自作曲家父親黃英森，以他的琴藝與作曲概念為引導，經常帶黃若上音樂課的是母親，「母親雖不懂音樂，但她用頁碼、小節數來為我做筆記，那是非常珍貴的記憶。」

最初形塑黃若藝術觀點的，還可追溯到孩童時期接觸的戲曲文化。小時候在海南老家，跟著奶奶去看瓊劇的日子，是黃若最初的藝術啟蒙。「中國的地方戲曲，它既是劇，就有故事，有唱、有演、有武術打鬥。它不是Elite（菁英）文化，而是農村的人也可以看得懂、免費參與的公共藝術。」

這種「全民劇場」的公共精神，讓黃若對歌劇和戲劇性產生極大的熱情。而他走上作曲之路則源於一次驚險的演出經歷。「有次在台上演奏，我忘譜了。老師之前告誡我『千萬不要停下來，也不要從頭開始』，我後來就自己Improvise（即興創作），就這樣彈下去了。」演出後，老師告訴他的父親，「這孩子成不了鋼琴家，但可以考慮走作曲的路。」黃若的創作之路，正是源自對「即興」與「不受限制」的熱愛。

以手機科技為介面，翻轉隔閡為連接

《浮聲之城》的靈感始於2017年，黃若參與曼徹斯特國際藝術節期間生根發芽。當時，他對於一座城市如何說故事深感著迷，並嘗試結合互動性與場域特定的聲音景觀。黃若表示，他一直希望有一部參與者可以生活在音樂裡，並直接和城市景觀、周圍人群互動的作品。

經過多年發想，《浮聲之城》隨之而生，2024年6月在曼徹斯特全球首演，7月到紐約演出，2025年10月於北京呈現。黃若將這種體驗擴展成一場城市活動，讓觀眾真正成為交響樂的一部分，將他們的腳步與存在編入音樂紋理，讓城市本身成為流動的舞台。順應不同的城市，有不同的路線設定。

黃若坦言，他是帶著對現代都會人際關係的反思，進而萌生了《浮聲之城》的創作理念。他觀察到，現代社會中，智慧型手機雖然是為了連接和聯絡而生，卻經常成為人與人之間最大的隔閡。「有時雖然家人、朋友在同一個客廳裡，但每個人都在自己的電子產品上，沒有人講話，沒有人交流。Technology（科技）實際上是隔閡了我們。」

如何將城市裡的人們透過一部作品連接起來？他決定反轉手機的孤立功能，讓它成為分享的工具。即使是平常沒有習慣進劇場、聽音樂會的人，也會想參與的作品。

從室外走向室內的動態樂譜

要欣賞《浮聲之城》，首先必須完成第一段戶外部分，使用手機App體驗。在戶外，觀眾也是「樂器」的概念，在下載 App 後，會隨機被分配到交響樂中13個不同聲部（如長笛、大提琴等）音軌。

接著，每位觀眾代表的「樂器聲」一起在戶外播放，就像是眾人合奏，隨著不同路線的參與者在城市中走動，聲音自然地疊加、交融。人群愈密集，聲音就愈豐富。

如此一來，城市成為動態的樂譜，參與者的腳步、城市的街道、突發的環境聲，如：救護車聲、街頭藝人、車水馬龍，都成為作品的一部分。黃若形容，「觀眾手持手機播放聲音的目的，是為了把自己的聲音跟大家共享。」

黃若表示，「希望大眾能夠 Share with them what you have, and then you could get what they have. You complete their world and they will complete your world（分享你擁有的，並得到他們擁有的；你圓滿他們的世界，他們也會圓滿你的世界）。」

打破台上台下界線！將音樂廳變為流動空間

《浮聲之城》的第二部分是室內演出，當不同路線的觀眾從城市各處匯聚到音樂廳後，將共同體驗音樂的高潮。針對臺中國家歌劇院的場地，黃若提出新構想，「我希望把現場樂隊安排在大劇院內不同的角落，讓聽眾自由走動。你可以跑到長號後面去聽，你的聲音透視感（Perspective）會完全不一樣。」

黃若表示，這能解決傳統音樂廳座位與舞台固定的問題，讓觀眾在已經預設好的場地中，依然能獲得沉浸式與互動式的體驗，最終目標就是打破聽眾與演奏者、場地與非場地之間的無形之牆。

黃若認為，藝術應當是推動社會往前的功能。他希望《浮聲之城》能在不同的城市帶來共鳴，讓身處繁忙都市中的人們，有機會Slow down（慢下來），聽見那些平時忽略的聲音。

2026 NTT Arts NOVA 曼徹斯特國際工房╳黃若《浮聲之城》

場次資訊：2026/3/28 (六) 10:00、15:00，2026/3/29 (日) 10:00、15:00，共4場

展演地址：臺中國家歌劇院大劇院（臺中市西屯區惠來路二段101號）

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_{文｜李欣恬　圖片提供｜臺中國家歌劇院}