台北值得你留心的5座建築！Q-LAB建築師曾柏庭帶路！

 走遍海外、練就一身美感觀察力之後，我們將視線從國外轉回台灣，如果揪一團建築旅行團在台灣，行程中想去哪？由台灣新生代建築師曾柏庭推薦帶路，精選五座台灣當代建築，加上私房觀點分享，一起感受屬於台灣的建築新風景！

華南銀行總部 

大樓在姚仁喜│大元建築工場的設計下，讓外露的結構系統和內層的玻璃帷幕分離，因此創造出陽台空間，也能阻隔日照。在建築的中央凹處，更設計了一系列雙層高的空中花園，不僅能減緩日曬，還為這座商業大樓增闢了更多的公共空間。

必看原因

住宅和商業建築佔去都市中90% 以上的面積，我認為民間的力量夠大、夠優秀時，能讓整個城市跟著提升。華南銀行總部從都市的角度來看，前方廣場的尺度和建築之間有著非常適當的安排。再來就是整個建築的格局非常獨樹一格，例如大樓中間每兩個樓層，就會有一個挑空的梯廳，相較於周圍大樓較封閉的外觀設計，從這個部分就可以看得出企業主對公共空間的重視。而建築外觀的線條，在結構設計上也有目的，是建築人常強調形隨機能而生的最佳例子。

臺北表演藝術中心 

由獲得普立茲克建築獎的荷蘭建築師Rem Koolhaas 操刀設計，主體建築結合方圓造型，以及三面外牆如積木般向外延伸組合。空間內以3 ＋ 1 的劇場設計為主軸，大劇場和多形式劇場可各自獨立運作，也可互相連通，合併為一座2300 席的超級大劇場。另一座鏡框式劇場，則配置球形觀眾席。

必看原因

Rem Koolhaas 是我最熱愛的一位建築大師，我覺得臺北表演藝術中心應該是他這輩子最重要的一座建築，而且很幸運的是座落在台灣。Rem Koolhaas 所關注的事情不只是建築美學或基本機能而已，而是不斷的重新定義建築的可能性。我認為這個建築很值得一看的原因是，過往類似的建築類型，大多建築師都選擇用龐大的建築外殼來包覆大、中、小三個劇場空間，建築物本身的外型與內部空間沒有直接的因果關係，大多時候也沒有打造建築與都市的連結性，這樣的設計結果經常侷限了表演藝術發展的可能性。在Rem Koolhaas 的設計中，他打破了傳統以大中小表演廳組成的形式，將三種空間相互連結，創造出一個無敵超大的表演空間。這樣的構想也許在未來會產生一個新的莎士比亞，因為擁有無限想像的創作將能在這個空間裡面呈現。

▶建築身世小檔案：

臺北表演藝術中心是政府的公共工程標案，北市府共開了設計監造標、地下連續壁與基樁試樁工程標、舞台燈光及音響工程、以及主體工程等平行標案。前期由文化局編列預算，政府通過市議會訂價，接著由建築師設計完成後，公開邀請營造廠競標後執行。目前建築工程因承包商倒閉，北市府將後續工程再拆成兩個標，外部工程由捷運局負責，而改由工務局主導的內裝工程，因工程難度高又經費不足，目前為流標，將由文化局再編列預算，籌足經費後再發包剩餘工項。（更新：北藝中心已於2022年8月開幕）

烏來立體停車場 

Q-LAB 建築事務所以烏來山景的峰陵線為靈感，打造了一座隱於山間停車場建築。在環狀的建築外觀上，建築團隊利用線型格柵圍塑出如雕塑般的立面，除了以抽象化的方式展現部落的編織工藝，也創造出通風、阻擋西曬的機能。

必看原因

Q-LAB 認為烏來最美的風景就在於那翠綠自然的山陵峰線，因此立體停車場的設計概念源自於這片美麗的山林，希望用最優雅的三維曲線，進而形塑低調動人的姿態。因此在材料及用色上都以不突顯建築為最大考量，同時邀請當地泰雅族的藝術家為室內空間呈現有如美術館一般的氛圍。

中和國民運動中心 

Q-LAB 建築事務所從「城市客廳」為概念出發，打造此運動中心。一樓挑高的大廳設計，提供市民休閒活動的公共場域。而主入口上方的玻璃帷幕就像運動櫥窗，讓人們可以清楚看到室內的運動場景，從建築外觀上就能感受到建築所賦予的流動性、多變性及地標性。

必看原因

中和國民運動中心是一座展現力量及能量的立體運動空間。透過Q-LAB 建築師團隊的設計巧思，建築物的外型完整的呈現了場館內部的平面機能，同時透過三角幾何的設計語彙，統整了整體的視覺效果及空間體驗，進而成就了「形隨機能而生」的設計目的。為了吸引周遭居民前來使用，建築師設計出長達60 公尺的挑高大廳，空間寬敞舒適，在此居民可以愜意的閱讀報紙、下棋聊天，是建築師心中完美的「城市大廳」。另外，原先巨大的曲棍球場也被巧妙地安排在地下二樓，球場的屋頂結構也以流動的三角幾何結合綠色草皮，優雅的露出於城市的地面，展現建築與自然的融合。

▶建築身世小檔案： 

烏來立體停車場為「烏來鄉立體停車場增建工程」標案，執行內容為在原本只有一層樓的停車場上方，增建二到四層樓部分。中和國民運動中心是「新北市土城及中和國民運動中心興建統包工程」標案，內容是設計建造中和國民運動中心與土城國民運動中心。兩個建築案皆以統包的方式進行，即建築師和營造場廠組成團隊共同完成建築。

農禪寺（水月道場） 

負責設計農禪寺的姚仁喜│大元建築工場，以佇立在荷花池中的混凝土建築，塑造寧靜簡樸的禪佛況味。特別的是大廳一側木牆上，以鏤空設計呈現的心經經文，在陽光灑進室內後，呈現豐富的光影變化。整體建築透過材質、光影的設計，與周圍自然環境形成清雅幽靜的宗教場域。

必看原因

東方的宗教建築大多展現固定形式、帶有符號性的特色，比較少看到純粹從精神層面、用空間創造感動的角度進行設計。而農禪寺不會看到太多符號，只要走進裡面，看到一湖池水，心就能沉澱下來。另外，建築師也運用光影變化在建築上做出虛實美感，整體以低調的設計，形塑能連結自然、人心的建築，是我覺得建築最特別的地方。最重要的是藉由建築空間的塑造，達到連結人心的部分，這是我覺得建築設計很重要的地方。

Info│曾柏庭 

畢業於卡內基美侖大學、哥倫比亞大學建築研究所。旅美期間曾任職於紐約貝聿銘建築師事務所等。回台後於潘冀聯合建築師事務所擔任設計師，之後創立Q-LAB 並擔任主持人及設計總監。設計作品曾獲紐約Architizer A+ 首獎、遠東建築獎人氣獎、更連續數年入圍世界建築節大獎最後決選。

Text／陳岱華

圖片提供／各單位

 【更多精彩內容請見 2018《La Vie》雜誌 2 月號】

日系眼鏡品牌JINS與英國海澤維克工作室（Heatherwick Studio）跨界聯名，透過「以人為本」的設計理念，將常以直線輪廓示人的眼鏡，轉化成有如水波流動般的曲線，並從大自然各種液態景緻中汲取6大色彩，打造出獨具特色的設計眼鏡！

向來被稱作設計鬼才的海澤維克（Thomas Heatherwick），作品橫跨多個領域，從建築、都市規劃、產品與家具設計、時尚精品等，都能看見他充滿玩心又具實驗性的設計風格。如今，他首度進軍眼鏡市場，攜手日系品牌JINS，推出「JINS × Heatherwick Studio」 聯名眼鏡系列（JINS流動美學系列）。

以Liquid為靈感，打造流動曲線、揉合大自然色彩的設計眼鏡

若你對海澤維克的作品不陌生，那一定能想得到這款聯名眼鏡顯然不會走傳統路線，而是符合他一直以來秉持嶄新、原創，以及符合人本的特色。本次「JINS × Heatherwick Studio」以「Liquid」為核心概念，靈感源自水面波紋與大自然起伏蕩漾流動姿態 。

相較於傳統眼鏡多以工業製品的精準與對稱為設計基礎，海澤維克工作室將液體流動的柔軟瞬間轉化為鏡框線條，透過不對稱的輪廓、如水波般起伏的鏡腳細節，讓眼鏡不再只是修飾臉型的配件，而是一件能自然貼合臉部，襯托配戴者個性的日常物件。

海澤維克工作室執行合夥人Stuart Wood表示：「眼鏡訴說著配戴者的自我，是極為私人又親近的存在。然而現今的鏡框設計往往過於單一，難以貼近個人的獨特個性。比起冰冷的工業製品，我們更追求宛如受自然之力洗禮、自然形塑而成的『有機形態』。」 而每當戴上它時，配戴者都能遇見更有質感、更特別的自己。

在款式設計上，「JINS × Heatherwick Studio」共推出樹脂膠框與鈦金屬鏡框兩大類型。樹脂膠框款以具份量感的框型呈現液體般的流動曲線，包含Grey Mist水面晨霧、Amber Stone琥珀、Stream Fern水生植物與Obsidian Black黑曜石等色彩，分別呼應薄霧浮於水面、琥珀樹脂的溫潤深度、清澈溪流下的水生植物，以及火山岩與深邃溪谷的沉靜光澤。

鈦金屬款則以更輕盈俐落的線條展現另一種液態質感，包括Polished Titanium亮面拋光鈦金屬與 Brushed Titanium霧面髮絲鈦金屬，前者如波光粼粼的水面或熔融金屬般映照光影，後者則透過細緻拉絲處理，呈現如微波蕩漾的水面。 

「JINS × Heatherwick Studio」已於5月14日正式上市，若想體驗戴上設計大師操刀的眼鏡是什麼感受，也不妨親自走進門市試戴。

資料來源｜JINS

黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh，近年躍升為全球最受矚目的建築師之一，《時代》雜誌不僅將她選入2025年「次世代百大影響力人物」（TIME100 Next），更是該榜單當年唯一入選的建築師；全球最大規模文化翻新案之一的大英博物館西側展廳群（Western Range），也由她拿下國際競圖。她親身分享，如何透過「未來考古學」（Archaeology of the Future），從研究、材料探索與田野調查出發，與建築的過去和未來展開對話。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

曾經，Lina Ghotmeh立志成為考古學家。成長於黎巴嫩內戰末尾的貝魯特，戰後市中心四處進行著大規模考古挖掘，腓尼基、羅馬、鄂圖曼等不同文明的斷層，就這樣赤裸攤開在她眼前。「那是一座被破壊與重建一層層刻印的『開放考古現場』，激起了我對考古學的興趣，也讓我開始把每一塊基地都視為被環境塑造、由故事層疊堆積而成的『古羊皮重寫書卷』（palimpsest）。」然而，她不只想發掘過去，更著迷於以建築定義未來的力量。貝魯特美國大學（American University of Beirut，AUB）跨學科的環境讓她自由探索；她日後所謂「未來考古學」的概念，也在此緩慢成形——一讓建築既錨定於當地環境與歷史痕跡之上，又能清晰指向未來願景。

「我把建築理解為一種傾聽：傾聽土地、傾聽歷史，傾聽那些看不見的敘事。」

畢業後，她前往法國巴黎深造。其後，她受邀任職於Ateliers Jean Nouvel，被派駐倫敦與Nouvel / Foster + Partners合作Walbrook Square大型開發案，共事的皆是世界頂尖團隊。「那是充滿啟發的時期，讓我更加確信『作夢』的重要性，以及不斷拓展建築邊界的必要。」然而，她也意識到這並非自己想走的路。

建築無法抹平創痕，但給予力量

2005年，愛沙尼亞國家博物館（2006～2016）的競圖公告令Lina Ghotmeh眼睛一亮，內心湧起一股強烈想要參與的衝動。她回憶道：「那時愛沙尼亞剛加入歐盟，帶著動盪的歷史記憶，這在很多層面上都跟我自己的成長經驗產生了共鳴，而基地本身也留有那段歷史的痕跡。」她深受吸引，邀請當時的兩位同事田根剛與Dan Dorell一起投件。3人暢想將建物延伸至Tartu的前蘇聯軍用跑道上，使一段複雜的民族歷史轉化為向未來升起的斜坡，大膽的設計贏下了博物館競圖。那一年是2006年，她才26歲，便決心與夥伴創立合夥事務所「DGT.」（Dorell Ghotmeh Tane / Architects）。

歷經漫長的10年，愛沙尼亞國家博物館在2016年正式完工。3人也決定各自獨立，Lina Ghotmeh隨即在巴黎成立了同名事務所Lina Ghotmeh－Architecture（LG－A）。她的下一個計畫集合住宅「Stone Garden」（2011～2020）帶她回到了貝魯特。施工末尾，2020年貝魯特港口發生驚世大爆炸，建物倖存下來，也在當年順利完工。無論戰爭或意外，都是巨大的破壞力量，她坦言：

「建築無法抹除創傷，但它能給予尊嚴與延續感，給人一個得以共同喘息的空間。它也能成為一種媒介，讓情感透過實體的形式被訴說出來。」

Lina Ghotmeh擁抱起貝魯特的廢墟記憶與集體創痛。「這個計畫不是要掩蓋傷痕，而是去吸收它們，將記憶轉化為實體。」粗糙的大地色混凝土外牆由工匠手工刻畫出波紋，如同農人在一片垂直的土地上耕作，也引人聯想起這國家多舛的命運；其上雕鑿出巨大的窗口，回應著曾烙印 在城市肌膚上的彈孔，使建築通透迎向外界，也成了居民種植植物的窗台與生活所在。「公共性，本身就出自於大方的姿態。立面、門檻、花園、陰影，每一處細節都可以成為與人連結的方式。在脆弱的處境裡，建築必須謹慎，甚至近乎靜默，卻又不能置身事外。」她認為，住宅不該是私密、孤立的存在，空間有責任與周遭公共環境對話，訴說自身的歷史與存在，並成為城市的一份子。

慢下來，由手工材質重探萬物的聯繫

在這個追求速成的時代，Lina Ghotmeh反而注重勞力密集的手工藝。她不諱言自己對材質的迷戀，「我深受那些承載著場所、時間與自然的材質吸引，那些會老化、會呼吸、會記錄下人手觸摸過的痕跡的材質。」如同她的事務所參考諾曼第地區的製磚傳統，培訓當地匠人以50萬塊手工磚親手砌起愛馬仕皮革工坊「Precise Acts」（2019～2023）。「當我們花時間去建造，同時也在培養對環境的自覺、關懷與情感。這些，在今日都是我們迫切需要的。」這不僅讓作品深深紮根於地方文史之上，整個建造過程也訴說著建築最根本的精神：協力製造，一起把東西蓋起來。

在永續建築的浪潮下，低碳的木構已成為當代顯學。愛馬仕皮革工坊便採用磚木混合結構，Lina Ghotmeh也在蛇形藝廊（Serpentine Gallery）《À table》（2022～2023）及2025大阪世界博覽會巴林館，嘗試了輕量化的混合結構，提出可重複組裝的模組化設計。尤其是巴林館，結合了柳杉原木框架與輕量化外層，所有構件如今正被重新利用於在日本推行的另一個計畫。原木榫接的應用本是日本的強項，LG－A 特別回應當地傳統並發起挑戰，與在地承包商攜手突破工法。一如在Stone Garden中，他們與工匠並肩從抹灰工藝中共同研發出新工法，為立面妝點紋飾，讓匠人真正進入建築的設計過程。

「在一個痴迷於速度的時代，工藝成了一種人文的行動，是對生命的讚歌。慢下來，才能讓關懷、精準與意義真正滲入其中。」

當今，愈來愈多建築師從根植在地歷史與傳統的風土智慧中尋找突破口。對此，Lina Ghotmeh表示：「風土的智慧往往是低科技的，懂得因應氣候、善用有限的資源，卻為我們的未來提供了珍貴的啟示，但這並不代表要拒絕科技。」她補充，有意識地運用AI等科技工具，能使設計思考更為敏銳、能力更加精進。實際上，近年她也投入全新低碳、生質材料（bio- sourced materials）的開發之中。「這同時來自道德關懷與對詩意的追求。永續不是一種限制，而是發明的泉源。生質材料帶來了新的美學、新的構築方式，以及建築與自然之間重新建立的關係。」

從歷史的斷層之中，想像建築的未來

2025年，LG—A贏得備受矚目的大英博物館西側展廳群（2025～）翻新計畫，幅度涵蓋全館展廳空間1/3。這是自1820年代以來規模最大的改建，引入自然光、創造「呼吸空間」，並強化節能手段。此外，她長年研究石材，發現30～40%的石材因不夠完美而淪為廢料；貝魯特大爆炸後滿目的瓦礫與破壞痕跡，更促使她思索如何將碎石重新織入城市景觀。她結合木模組結構，將施工產生的廢石重新加工為博物館展廳新牆面，既減輕歷史建築的承重負擔、貫徹她對材料循環的一貫堅持，更隱喻博物館歷史疊層的拆解與重組。「這個空間揭示了世界的緊密相連，讓館藏彼此對話，讓故事跨越時間與地理緩緩展開。我們希望創造能夠鼓勵對話的環境，讓展覽空間激發交流，讓材質喚醒感官。」

近年，她與阿拉伯世界的合作日益深厚。她正為卡達操刀威尼斯雙年展卡達館的永久建築（2025～），延續她對石材的關注，並結合手工玻璃的運用，構築在綠園城堡展區（Giardini）的基地上如石造瀑布般從地面升起，與威尼斯從水面浮現的姿態相互映照，也象徵數千年前自海中誕生的卡達。她分享：「在整段觀展旅程中，建築將不斷轉換人的視角、開啟新的視野，最終在一座開闊的屋頂露台達到高潮。站在那裡，人們俯瞰周遭環境，與地景建立起全新的關係。」

透過「未來考古學」，Lina Ghotmeh逐層溯源歷史斷層，以此構想未來。問道她最渴望創造的建築是什麼模樣，她說：「一種開放而多元的建築，能夠包容所有的生命，帶來喜悅、促進對話，在形式與材料上富有表現力，既能引人沉思，也能讓人相互靠近。空間應當是友善的、慷慨的，讓人自由穿流其中。」她相信，那會是一座充滿生命力的建築。

Lina Ghotmeh

黎巴嫩建築師，現居巴黎。畢業於貝魯特美國大學與巴黎École Spéciale d'Architecture（ESA）。2016年創立同名事務所Lina Ghotmeh — Architecture，提倡「未來考古學 」，主張建築應是土地記憶與未來永續的深度縫合。重要作品包括愛沙尼亞國家博物館（2016）、貝魯特Stone Garden（2020）、諾曼第Hermès Workshops（2023）、倫敦蛇形藝廊《À table》（2023）、2025大阪世界博覽會巴林館（2025）等；進行中包括大英博物館（Western Range galleries）翻新計畫、威尼斯雙年展卡達館等。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》

_{文｜吳哲夫
攝影｜David Levene、Iwan Baan、Takuji Shimmura　圖片提供｜Lina Ghotmeh — Architecture}