無論你喜不喜歡看漫畫，當你站在台灣一代漫畫大師鄭問的畫稿前時，他那融合西方寫實和東方寫意的漫畫作品，大膽的筆觸搭配上氣勢磅礡的故事，無不讓人震懾！時光倒轉至2017年3月，這位崛起於1980年代的漫畫家，因心肌梗塞而離世，他的逝去旋即引發各界悼念，其筆下的漫畫世界從此絕響。然而為感念鄭問對台灣漫畫的啟發，其弟子與文化部自去年6月起即展開鄭問紀念展籌備工作，如今一年過去了，《千年一問 鄭問紀念展》終於正式在故宮展出，無論是《阿鼻劍》主人翁何勿生、《東周英雄傳》裡生存在動盪時代的英雄，還是《深邃美麗的亞細亞》中的潰爛王，每個人物角色在他筆下皆栩栩如生，盡展輝煌風采。

作為鄭問首次個人專展，團隊彙整鄭問散落台灣、日本等地的漫畫、插畫、素描手稿、劇本、雕塑等超過250件原件真跡，再加上個人物件、歷年出版代表作等共300件展品，完整呈現他多樣形式的創作軌跡與經典之作。展覽不單單是台灣第一個國家級漫畫展，更是全球漫畫首次進入故宮展出，除了表達對這位台灣國寶漫畫大師追思紀念外，也盼望藉此向拜訪故宮，來自世界各地的遊客展現台灣漫畫實力！

原先為室內設計師的鄭問，秉持著自身對漫畫的熱愛，於1983年在台灣《時報周刊》上發表第一篇漫畫作品《戰士黑豹》，自此開啟漫畫創作生涯。隨後率續出版的《鬥神》、《刺客列傳》、《東周英雄傳》等經典作品，讓他從台灣邁向國際，為日本、香港、北京漫畫界投下震撼彈，他的畫風就如同他筆下的瀟灑俠客，既充滿柔情又洋溢著豪邁俠意，中國水墨技法與西方繪畫技巧的結合，那他人模仿不來的美學，強烈的視覺衝擊，也為漫畫史創造出全新篇章。

《千年一問 鄭問故宮大展》分為六大主題展區，「漫畫鄭問」、「藝術鄭問」、「遊戲鄭問」、「千年一問」、「哲學鄭問」及「從鄭進文到鄭問」，除展出鄭問的知名代表作如《阿鼻劍》、《東周英雄傳》、《深邃美麗的亞細亞》精緻原稿外，更首度呈現鄭問多件從未曝光的遊戲設定手稿與各樣劇本、草稿、雕塑，以及生前使用的作畫用品。而在正式踏入展覽前，高兩公尺的《阿鼻劍》何勿生白色雕像，搭配著光雕投影呈現鄭問經典作品角色，彷彿向參訪者預示著即將踏入一一段令人驚艷並帶點超現實的觀展旅程。

｜六大展區簡介｜

第一區—漫畫鄭問

本區展出鄭問80年代至新世紀初的數部經典漫畫之作，包括1985年《最後的決鬥》、1986年《刺客列傳》、1989年《阿鼻劍》、以及2000年《大霹靂》等系列，創作主題橫跨歷史傳說、虛擬故事。

鄭問筆下的漫畫人物總透露一個氣質，比一般人物來的漂亮、端莊，可用「麗」來形容，例如展出作品《阿鼻劍》彩稿(1989)，畫中主角「何勿生」的臉部造型、《大霹靂》之〈花爵百鍊生〉，就較以往畫過的男子更英氣勃勃。「麗」到極致變成「利」而帶有殺傷力的美。如以武器來說，就像一把劍，一把當世無匹的劍。

第二區—藝術鄭問

要探究鄭問的圖像美學，得先瞭解他如何在時代推展下，不間斷的思考、運用各種媒材及各式工具，嘗試創新各種畫法，以求更適切地表現圖像的情感與意境，來啟動觀者的感官與想像力。他因此而開發許多繪製漫畫的新手法、開創出漫畫創作新局。

本區展出多件由日本講談社率先發表的經典創作，《東周英雄傳》、《深邃美麗的亞細亞》、《萬歲》與《始皇》。鄭問此時的作品，已經拋開了世人眼中漫畫的常規，結合了西洋寫實繪畫與中國寫意水墨，走進了前所未有的藝術領域。讓當時候的日本媒體讚譽為「亞洲至寶」、「鬼才、異才」。也是這段時期 ，鄭問影響了各國漫畫大師，掀起一波使用毛筆作畫的風潮。

第三區—遊戲鄭問

鄭問於2003年起擔任中國線上遊戲《鐵血三國誌》製作人時期，帶領「三國遊戲工作室」繪製出人物、場景設定手稿二百餘張。本區摘選人物及場景手稿計26張，搭配完成或半完成的數位彩稿、及遊戲畫面，重組建構出沈浸式《鐵血三國志》現場。而多張從未公開的遊戲設定原稿、與鄭問親手繪製設定手稿終於回到台灣。

鄭問此系列之作，開啟了中國及東方元素的開創性運用，畫風充滿華麗創意性。而在人物設定上，鄭問發揮深厚的藝術功底和獨特的畫風，勾勒出角色的形象與造型，包括服裝、盔甲、翅膀等畫風誇張卻華麗的視覺衝擊。

在「魔王」身上，獨特的頭盔是由京劇的花冠轉換而來、裙擺則是由旗幟與官服融合而成的；主角「豪杰」身上，肩膀裝飾取自宮殿屋頂的神獸，全身則以神獸的魚鱗、翅鬚來結構統一。其他諸如，門板上的『門鈸』、中式的『窗格』花樣、『青花瓷』圖樣等，在人物造型設計上，處處可見東方元素與符號的引用，遊戲中甚至還有一『青銅四方鼎變形金剛』！

第四區—千年一問

本區展出《鄭問之三國誌》全套原稿116件。1994年鄭問應日本電玩遊戲公司GameArts邀請， 為三國故事主題的遊戲，設定及繪製人物肖像與著名事件場景。角色繁多卻可見每一人物臉型、骨骼輪廓皆不相同，性格與獨特氣質清楚顯露；重要歷史場景如官渡之戰、赤壁之戰等，鄭問以蒼茫的天地、奔馳的千軍萬馬、及飛揚的旗幟來佈局，重新表達、詮釋眾人所熟知的三國歷史。

《鄭問之三國誌》 在日本創下以台灣畫家姓名作為遊戲名稱的先例。鄭問將他先前建立的數種繪畫風格，完全展現於此，有厚彩西畫也有筆墨淡彩國畫，中西畫法或融合或碰撞的無法分辨是水墨還是西畫。鄭問只取各種畫派強項而用，讓融合的不只是產在一張畫上，更是將一百多張作品視為一張圖來融合。 

鄭問一直在作品中、訴說著自己的人生哲學觀。藉漫畫由文字與畫面組成的特質，發揮他在繪畫方面的天分，輔用文字、故事來隱喻或直敘他對千年歷史故事的觀點、對傳奇人物心境的比擬。本區展示多件鄭問的手寫劇本、漫畫對白等文稿，加上挑選自《東周英雄傳》、《深邃美麗的亞細亞》兩部漫畫的片段，試圖呈現出鄭問對歷史的思考、並在人生面對困頓之時，內心所需的抉擇等嚴肅議題，是如何透過畫面與文字，或戲謔、或深沈的顯示他以人為本的創作理念。鄭問漫畫中的對白，不時出現的哲學意味也是他創作的一大特色。

第六區—從鄭進文到鄭問

本區意在揭露鄭問創作背後，那不為人知的學習經歷與創作累積、探尋「鄭問」到底是如何誕生的？而展件包括青年時期從事室內設計工作繪製的景觀圖、早年為報紙繪製的插圖、在創作漫畫前親手捏製參考用的雕塑、供毫芒繪畫使用的放大鏡等，希冀讓大眾回顧鄭問，作為一個熱愛創作與說故事的藝術家，曾如此踏實地走在自己選擇的創作之路上。

其實鄭問便如同達文西、米開朗基羅，有著畫家，建築師，雕塑家，等多重的身分。還有融合了近四十年來產生的漫畫知識，雖然漫畫現在普遍還視為離純藝術較遠的名詞，就像當初印象派，野獸派，這些名稱的來由，其實都是當初傳統畫派羞辱他們的名詞，後來反而變成畫派的名稱，但到今天我們聽起來，已經感覺不到那個惡意了。反而變成一個崇高的藝術名詞。

如同文學家吳明益所說：「在藝術評論上，漫畫至今仍被認為不是一種『高尚藝術』（當然，漫畫也不一定要受到那些菁英評論的肯定才能自我立足），因此當我知道故宮將舉辦鄭問作品展時，不禁感到激動。因為或許數十年、百年之後，這將會被視為是洞見的、具有推動台灣漫畫藝術的一次決定。」。

Info│《千年一問 鄭問紀念展》

地點：國立故宮博物院 圖書館文獻大樓一樓特展區

日期：2018-06-16(六)～2018-09-17(一)

時間：09:00-17:00(16:30停止售票及入場)

照片：Ian Liu

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」