有「時尚鬼才」之稱的英國設計師Alexander McQueen，自2010年過世已經過數年，人們對他的才華仍無法忘懷。曾與他密切合作超過10年的造型師Katy England，提起這位昔日好友驚人的創造力，言語間依然流露出對他才華的欽佩，卻也不經意地點出天才在面對市場時所面臨的盲點。

「他很容易就變得非常在意歷史與美，非常細緻、細節豐富、富工藝性，有時候我覺得我得把他拉回來，回到服裝該怎麼穿、給誰穿。我有點偏向現實面吧。」2015年Katy England接受時尚網站《SHOWStudio》訪問時表示。

調和創意與現實，對Katy England而言，是造型師工作中最重要的部份。回顧與Alexander McQueen合作的歲月，她從不認為自己是他的謬斯，反而更常自稱是McQueen的「第二意見」（second opinion）；最忙碌的時期曾一年內與他協力製作6場秀，2場Alexander McQueen，2場Givenchy成衣系列，以及2場Givenchy高級訂製服。提起加入Alexander McQueen團隊的經過，已經在時尚界工作超過20年的Katy England表示，那其實是相當奇特的經驗，因為在McQueen開口請她為時裝秀做造型時，她完全不認識這個人。

材料店的邀約

Katy England與Alexander McQueen的合作始於1994年，當時她才剛從曼徹斯特工藝學校（Manchester Polytechnic）畢業，在《倫敦標準晚報》（The Evening Standard）及《Dazed & Confused》雜誌擔任造型師。有一天她在倫敦蘇活區（Soho）的某間縫紉材料行裡選購工作用品，一位名叫Lee Alexander McQueen的年輕設計師走上前來，問她願不願意一起喝杯茶。

「他走過來對我說，『你是Katy England嗎？請問你想不想一起喝杯茶？』然後我就答應為他的下一場秀作造型，沒多久之後，我們就成天黏在一起了。他在Philip Treacy店面的地下室有一間小小的工作室，是Isabella Blow給他使用的。早期他真的很有趣，是個開心果。我們很親近，他幾乎像是個男朋友，當然這不是真的。」2013年Katy England對《衛報》（The Guardian）表示。

Katy England與Alexander McQueen合作的第一個系列，是1995年春夏的《鳥》（The Birds），當時她只有為平面媒體做過造型，完全沒有製作時裝秀的經驗，因此覺得有些不知所措，但Alexander McQueen告訴她：「不要緊，我們會想出辦法。」於是她就一頭栽下去了。兩人的美學品味很類似，合作得相當順利。初期時裝秀的資金很吃緊，連買布料都必須精打細算，但他們總是有辦法在最後一刻完成作品，送模特兒們上伸展台。

「他自己縫紉服裝。」2015年在維多利亞與亞伯特博物館（Victoria & Albert Museum，簡稱V&A）的Alexander McQueen回顧展開幕前，Katy England向英國《每日電訊報》（The Telegraph）分享她第一次參與McQueen時裝秀製作的過程。「秀的時間訂在週末，星期五晚上我必須發傳真向模特兒經紀公司確認，但我們沒有傳真機，所以我得跑到圖書館，身上的錢幾乎不夠，那真是另一個世界。」Katy England表示。

在向模特兒經紀公司確認之後，她獨自開車把服裝送到時裝秀會場，那是一間位於倫敦國王十字區（King’s Cross）的舊倉庫。「那實在是太好玩了，非常令人振奮。」Katy England回憶道。

沒有產品的品牌

Katy England回顧那段克難的日子裡，模特兒喝的不是香檳，而是瓶裝啤酒，Eugene Souleiman負責髮型、Val Garland掌管彩妝，走秀模特兒是Alexander McQueen與Isabella Blow的朋友，當年這些初出茅廬的年輕人，如今都在各自領域擁有一片天。

「我們這樣拼拼湊湊也總算完成了。我覺得非常驕傲，看見女孩們在後台排隊等待出場時，我心想，她們看起來真的好美。」Katy England表示。

在當時，舉辦時裝秀是Alexander McQueen品牌唯一能做的事，因為他們沒有能力量產服裝，秀場上的作品就是僅有的產品，走秀結束後就當作薪資分送給模特兒和工作人員。

「他製作出一場秀，然後就沒有下文了，完全沒有可以出售的系列，」Katy England解釋，「服裝系列就是分送出去，然後我們立刻開始準備下一場秀。」

早期Alexander McQueen用服裝來支付模特兒及團隊成員的薪資，因此最初幾年的服裝系列相當難以取得，許多作品即使在品牌自己的收藏中也找不到。在協助V&A策畫《Alexander McQueen：野蠻之美》（Alexander McQueen: Savage Beauty）回顧展時，Katy England花了數個月的時間聯絡當時的合作夥伴，尋找當初分送出去的服裝，也讓她能有許多時間思索與Alexander McQueen合作的歲月。

「回憶一直湧上來，當你看著這些了不起的作品，因為知道它們背後的故事、情境，所以它們都非常有意義。你知道這些作品的生命，誰穿過它，穿去哪裡。」Katy England表示。她進一步分享道，「我對低腰褲（bumsters）和長外套（frock coat）非常有感情，這些輪廓對我來說就是一切。它們總結了McQueen這個品牌，後來也不斷重新出現。」

「他會說，『你一定要穿這個！』看見你穿，他會非常開心。現在回顧我們留下了哪些服裝，實在很好玩。它們都有生命。服裝一定要有生命，我愛的就是這個部份，」Katy England解釋，「他的腦袋運轉速度太快了，就像是他總是在搜尋、以高速移動一樣，要跟上很不容易。」

雖然Alexander McQueen對他的服裝總是有非常明確的看法，但Katy England認為，自己身為造型師，不斷地從旁與McQueen對話，有時挑戰他，對於服裝系列成形應該有相當的助益。

「這是造型師工作的一部份，我們把事物組合在一起的方式，設計師應該多少會被啟發吧，」她表示，「那時我們會碰面，然後一起去逛街，當然身上都沒有錢。我們會去書店，一起打發時間，在一起做各種事。當時我們都很年輕，一切都很新奇；我們沒有任何期待，當時很單純，太單純了。」

談起Alexander McQueen那些極具爭議性的作品，Katy England坦言，許多當時的作品與秀，即使在事後回顧，看起來仍然相當驚人。但驚嚇觀眾從來就不是他們的目的，而是因為Alexander McQueen的思考方式與願景，與當時的時尚界實在差距頗大，也因為這樣，品牌在創立初期發展得相當辛苦，只是現在大家都忘記這些事了。

「你們要記得，那時候大家其實不太喜歡他，」Katy England表示。「他們被嚇到了，我想人們花了很長一段時間才想通，了解他的才華。現在的人已經忘了這些，他們把這浪漫化了。但如果你回頭看當初那些日子，那時人們不知道要期待些什麼，不知道他會這麼有攻擊性，讓你覺得這麼不自在。」

反叛的藝術精神 

今天，英國文化界普遍將Alexander McQueen的作品視為90年代英國青年藝術家（Young British Artists，簡稱YBAs），或英國藝術運動（Brit Art Movement）的一部份；這兩個名稱是藝術史學家用來形容1990年代發生在英國的青年藝術風潮，當時以倫敦為中心，有相當多年輕藝術家選擇在老舊的倉庫或工廠內舉辦展覽，展示與一般藝廊風格完全不同、具有顛覆性的作品；Katy England認為，這些藝術家展現的反叛精神，與Alexander McQueen的秀想要展現的事物相當契合，他們都願意為了創作付出一切，而她也相當高興能參與其中。

「他們志趣相投。他很喜歡Jake與Dinos Chapman。」Katy England表示，「現在我會把Lee想成是那些人。他做的事超越了只是做一條長褲或商業化的襯衫，或是其他事物。讓他感到興奮的是秀要呈現的夢境，那幾乎就是藝術活動。然後就是成長再成長，到後來他有錢能夠把秀做得更壯觀。」

不過，這種把所有的一切都奉獻給藝術的合作關係，是不太可能永遠維繫下去的。2002年，Katy England與伴侶，原始吶喊樂團（Primal Scream）主唱Bobby Gillespie的長子出世，兩年後次子接著誕生，她的生活重心隨之改變，無法再像從前那樣不間斷地投入工作。

2006年，Katy England與Bobby Gillespie結婚時，Alexander McQueen特別為她設計了以糖果棒為靈感的俏皮婚紗，但沒過多久兩人就分道揚鑣，因為Katy England希望能多分點時間給家人。

Wait, how have I never seen Bobby Gillespie's wedding outfit before? This is amazing pic.twitter.com/LWmKUirjqH

— Katie Notopoulos (@katienotopoulos) September 18, 2014

「高端時尚中有一種文化，無法理解你最終還是必須回歸家庭。我的孩子當時還很小，而Lee希望我總是跟他待在一起。在那個階段，設計師還要求這種忠誠度，而且如果你要求與他們之間保留一些空間，他們也不喜歡。」Katy England表示。

但即使如此，Katy England那時仍然相信未來自己還是會有機會繼續與Alexander McQueen合作，卻沒想到McQueen在幾年後就自殺離世，這讓她非常傷心。

「要離開品牌的時候，我不太能回頭看。在離開之後，我也沒有特別研究過這些秀，因為當你跟某個人在一起這麼久，要研究它是很奇怪的過程。」2015年Katy England對《SHOWStudio》表示，「現在是因為有V&A的回顧展，才讓我回頭仔細看他在倫敦的時光、所有在倫敦舉辦的秀，重新回顧這些。人們並不總是有機會回頭分析他們做過的事。」

「我從他身上學到了太多，非常榮幸能作為團隊的一份子，和他在一起，第一手看見這些了不起的工藝！直到現在我還不太相信我有多幸運。」Katy England表示，「直到現在他還與我同在。」

Text / Jane Tsao

資料來源 / The Telegraph、BoF、The Guardian

※本文由 BeautiMode 創意生活風格網提供，未經授權，請勿轉載！

過去一年，時尚圈所謂的震撼彈已經快不震撼了。原來只是行內人之間打趣奢牌創意總監換位之快速的「大風吹」說法，也越演越像市場脈動導致產業「急進」現況的縮影——或許恰能套用Balenciaga方才任命的新總監Pierpaolo Piccioli入主宣言：「每一個新故事，都與帶領我們走到這裡的路、我們如今是什麼樣的人，以及我們曾經歷過的事息息相關。」PP與Balenciaga將共同譜寫的章節現正開啟，一起回顧這位義大利設計師20餘年的豐厚履歷，及其預備面臨的大環境挑戰。

王者挾光歸來！

前情提要：奢侈品銷售乏力，換帥、換血是積極創新還是過度躁進？

「時尚圈大風吹」作為描述產業現況的新興關鍵詞，指的不外乎是各大奢侈品牌集中於這一兩年的大換血，真就如大風吹遊戲般上演「人才搶奪戰」（畢竟在大師和新進之間必定存在落差，而品牌一季掐一季的緊湊日程也難以費時等待、扶持新設計師）。列舉短期內幾個受矚案例，包括冉冉新星Matthieu Blazy自Bottega Veneta「跳級」登上Chanel大位、Jonathan Anderson搬出長居10年之久的Loewe時裝屋至Dior任男裝總監、原Balenciaga創意總監Demna入主Gucci重振旗鼓，皆屬在原職戰績太好、即被近年表現相對疲軟的精品老牌挖角一類。

然另一頭，倒也有數起不能直接導因於殘酷業績壓力的無預警卸任案例，從手握漂亮數字的Hedi Slimane突宣布離開Celine、時尚鬼才John Galliano剛祭出驚世之作就將Maison Margiela交棒年輕一輩，到英國設計師Kim Jones執掌的Fendi女裝工坊返還Fendi家族，都和時尚設計本身的快速更替更有關係。不難推斷，「換新、煥新」勢必帶來更多意想不到；而正是這種意想不到，最為產業所需要。

至於本次Pierpaolo Piccioli的異動可說與前後者都沾上邊，離開Valentino自然歸換新因素較多，加入Balenciaga則主要還是因為Demna被挖去Gucci救火了。

時尚頭條：Pierpaolo Piccioli接手Demna，7月10日正式就任創意總監

從Valentino到Balenciaga，活在永恆的當下

2024年3月22日，Pierpaolo Piccioli（以下簡稱PP）告別共奉獻25年歲月、總監任期亦長達16年的前東家Valentino。一句真情流露的離職信開場白仍歷歷在目：「不是所有故事都有開始與結束，有些活在永恆的當下，閃耀著強烈的光芒，強大到不留一絲陰影。（Non tutte le storie hanno un inizio ed una fine, alcune vivono una specie di eterno presente che brilla di una luce intensa, così forte da non lasciare ombre.）」2025年5月20日，逾一年後來到Balenciaga再續新篇，似讓此話得到無形的見證。

25年設計生涯，「PP粉」、「PP黑」全寫進時尚教科書

入行之初，PP曾與Maria Grazia Chiuri（現任Dior女裝總監）在Fendi共事，1999年一起被Valentino創辦人Valentino Garavani相中加入品牌配件部門，2007年Garavani退休（由Alessandra Facchinetti接任），兩人同晉升為配件總監，並於2008年接替Facchinetti成為聯合創意總監。2016年，隨Chiuri前去他牌就職，PP開啟了獨當一面的Valentino時代；除秀場上的精彩演繹外，亦為蕾哈娜（Rihanna）、千黛亞（Zendaya）等多位指標性人物打造過Met Gala和奧斯卡造型。冠以其姓名縮寫的「PP粉」（超高飽和的螢光桃紅）、「PP黑」（各種質地與光感的黑）更無疑創作出時尚教科書上的全新色彩語彙。

▼ 蕾哈娜2023年的Met Gala造型由PP帶領的Valentino所打造，禮服裙總長14.5公尺，共含31朵山茶花裝飾（帽上30朵，裙上1朵）。

首秀2026春夏時裝週登場，今年秋季就能在巴黎看到

Demna在Balenciaga的最後一舞將為接下來的高訂大秀，品牌官方並宣布PP於2025年7月10日正式領銜設計團隊，其首秀則訂於10月份巴黎時裝週登場（順帶補充，Demna的Gucci首作同在該季米蘭時裝週發表，還有前面提到的Matthieu Blazy首場香奈兒大秀也是巴黎見）。在Demna「沒要讓你看懂」的怪誕暗黑美學瘋狂了10年之後，基於「黑色」這個共通點，PP又將如何用浪漫柔化怪誕、用怪誕坐實浪漫，滿足全球買手、秀評乃至所有時尚迷們等他出招的雙眼？

東家會換，真性情不變——還是那個浪漫極了的義大利男人

Pierpaolo Piccioli加入Balenciaga聲明全文：

每一個新故事，都與帶領我們走到這裡的路、我們如今是什麼樣的人，以及我們曾經歷過的事息息相關。

我並不是宿命論的忠實信徒，但當我在瀏覽自己的IG主頁時，我突然發現，我上傳的第一張照片，是Cristóbal Balenciaga所設計的1967年婚禮造型。我不知道是否該把這視作一種徵兆，但我知道，現在我能看見更宏觀的藍圖。

今天能站在這裡，為一個一直以創造為文化、創新為科學的品牌編織新的故事，讓我感到光榮與自豪，也讓我得以延續那些在我之前，早以尊重而果敢的觀點說出這個故事的人所開始的傳承。Balenciaga之所以能成為今天的樣子，是因為那些鋪路的人，Cristóbal、Nicolas、Alex、Demna。在各個階段中，即使不斷演進和改變，它從未偏離品牌的美學價值。Cristóbal Balenciaga的遺產與典藏，可以說是史上最具影響力的時尚宣言之一。他在所有人之前做到了所有事，他幾乎發明了創意這項文化，他將高級訂製的理念注入職涯的每個面向，也透過他的作品展現了進化與創新的力量。

我今天所接手的，是一個充滿可能性的品牌，令人無比著迷。首先，我必須感謝Demna，我一直很敬佩他的才華與遠見，我難再求得比這更好的交棒。他用自己的方式向Cristóbal致敬，分享了他的觀點，同時也維持著品牌的核心識別。這讓我有機會形塑一個全新版本，為這個故事添加另一章。我所寫下的，Balenciaga的一章。

我很感謝François-Henri、Francesca和Gianfranco對我的信任。我們從一開始就毫不費力地相契合，那正是開始新事物最好的方式。工作是由人完成的，而人於工作中所感，是唯一重要的事。我很好，很幸運、感激和榮幸此刻能在這裡。

文中提及的第1/1025則貼文，發布於2018年5月8日：

面對大環境持續性的低迷氣氛，各品牌無不指望新總監一來就能炸舞台。可與此同時，質與量、叫好和叫座，始終是創意產業的掙扎，人們也都了然於心。Pierpaolo Piccioli至今近30年職業生涯中以強勁設計凝塑的「黑勢力」，或許將從Balenciaga 2026春夏大秀再次向時尚界攻城掠地？

一場時裝秀集多元藝術之大成，從空間設計、展演方式乃至視覺符碼的運用，皆考驗設計師在「製衣」以外的深厚功底。不瘋魔不成活，洗手台都能變伸展台——本篇故事自Alessandro Michele說起，鬼才John Galliano、金童Jonathan Anderson、已故品牌創辦人Lee Alexander McQueen⋯⋯5位時尚圈的「大藝術家」要認識。

你認為衣裝是必需品還是奢侈品？在這個凡事過眼成煙的時代，今年滿街都在穿的流行服飾，明年就被一車車運進垃圾場也不值得意外。流行較生產線跑得快，而市場的喜怒又遠比流行更善變、更不講道理——如果快銷品牌可以在極短時間內做出千萬種設計來亂槍打鳥，時尚神壇上的設計師們還怎麼玩？是的，現如今精品品牌確實在成衣系列（Ready-to-wear）中面對著嚴苛的「快時尚化」趨勢。

大環境低迷，但有人努力搞藝術

值此之際依然堅持「搞藝術」的這一撥人，於是成了時尚創意產業繼續向上構築的頂梁柱。有人將頭埋進高級訂製服（Haute Couture，以下簡稱高訂）中做不計成本的夢，也有人透過工藝昇華、跨界聯乘等方式賦予成衣更高的藝術價值，即「成衣當高訂做，高訂當藝術品做」的概念。因此，本篇將介紹5位被譽為「鬼才」的服裝設計師，他們不僅曾經或至今仍為當代時尚帶來積極影響，更一再拿出讓人目瞪口呆的作品向業外證明：服裝的價值，從不只在它的標籤上。

▼ 從每每造成搶購熱潮的H&M精品聯名系列，即可見得高奢、快銷的光譜兩端皆有向中間靠攏的需求。

認識鬼才設計師 #01：Alessandro Michele，極繁美學行遍天下

• Valentino現任總監／Gucci前任總監

AM的信眾毋需召集，業內實績毋庸置疑。但「個人風格是否超譯了品牌底蘊」卻也使他一路上備受檢視——Gucci前前總監Alessandro Michele人稱「極繁主義大師」，2002年加入當時由Tom Ford當家的Gucci，並在2015年受命展開長達8年的總監任期。

然而，曾力挽頹勢、造就伸展台上無數精彩時刻的他，最終戰不過受眾美學疲乏、業績成長衰退困局；於是設計棒交入「極簡」的Sabato De Sarno（如今也已是前總監）之手，品牌徹底改頭換面，宣告著AM古馳時代的正式結束。不過，與Gucci分道揚鑣而後於2024年上任Valentino，又該如何造就一番光景？

你猜對了，AM把他那套移植到了新東家。從2025春夏時裝秀、高訂秀，到剛落幕的2025/26秋冬時裝秀，我們看到他繼續怪誕、繼續沒有要太入世、繼續用設計進行哲學思辨、繼續搬演充滿戲劇張力的服裝系列……甚至專門造了一間公共廁所來走秀。姑且不論對風格的好惡，光是在一季季連軸轉的時間壓力下，還能像他這般「繁縟」地做衣服，已經足證其創造力之高；且這份創造力不僅限於對服裝的雕琢，更充分展現將服裝與文學、劇場等不同藝術形式連結的能力。兼具多面性與完整性的高水準作品，以藝術品來推崇毫不言過。

認識鬼才設計師 #02：John Galliano，不計代價癲狂造夢

• Maison Margiela前任總監／Dior前任總監

如果時尚總的來說是個幻夢，那麼英國設計師John Galliano造的這場夢，可謂用黑暗、破爛所拼湊。若你還留有印象，Galliano正是那位10多年前因酒後失言被Dior開除的創意總監（這裡暫時不聊這個）。

他本人為此沉寂，但他的創作細胞卻只有不斷增生，並且也等到了再一次宇宙大爆炸的機會——Maison Margiela Artisanal 2024春夏高訂秀給業內帶來的震懾還遲遲不能退去，突如其來的卸任消息，已經讓所有時尚迷翹首以盼他的下一步。

▼ John Galliano接受外媒採訪憶及自己10年前的「回歸」，以及在與年輕團隊溝通合作的過程中向新的世界開拓眼界。

挾中央聖馬丁藝術與設計學院的黃金學歷，Galliano於Dior任職15年間留下許多經典作品，包括馬鞍包、J’adore Dior T恤皆他所設計。如果沒有那樁事，現在的他可能早已穩坐高位；但或許也因暴戾與柔情並存的性格，使他得以細緻入微地刻畫浮生百態。舉2024春夏高訂系列為例，Galliano描繪了底層階級的巴黎夜生活，將其風雅與癲狂並呈——用「奢侈時尚」的張狂衣裝去詮釋破掉的、壞掉的、有缺陷的美，這種「政治不正確」尤為他作品扣人心弦之處。

▼ Maison Margiela Artisanal 2024春夏高訂系列服裝展去年底於東京舉辦。

認識鬼才設計師 #03：Daniel Roseberry，見怪不怪靈感皆在

• Schiaparelli現任總監

Schiaparelli在華語地區有「仙牌」的暱稱，一方面因為原名不易發音，另一方面亦揭示其超現實定位。若再說到「龍蝦時尚」鼻祖，更非這個義大利高訂品牌莫屬了。Schiaparelli創辦人Elsa Schiaparelli最早在1937年將西班牙藝術家達利（Salvador Dalí）的龍蝦創作融入洋裝圖案，海中之王就此竄進時尚圈，被許多設計師作為超現實主義象徵再現於服裝造型上。

只是誰能想到一隻「真的」龍蝦會這麼時髦？現任總監Daniel Roseberry執掌的2024春夏時裝系列以立體龍蝦裙、金龍蝦飾物驚豔四座，甚至催使這個在亞洲相對冷門的品牌憑「那個龍蝦裝！」為大眾熟知。

而後，Roseberry繼續在高訂秀出奇招，一只布滿晶片和主機板的機器娃娃被模特兒抱著登場，集結科幻元素致敬品牌一直以來對太空星系的熱愛——該系列服飾確實讓人如離地球表面，乘著想像力穿梭在浩瀚的藝術宇宙中。

2019年35歲的Roseberry接任創意總監之職，成為第一位領導高訂品牌的美國設計師。從獅頭、龍蝦到機器娃娃，你說仙牌秀場上那些話題不斷的驚喜作品是譁眾取寵？正好相反，它們承載非凡工藝之最：看似鬆弛，實則究極。

認識鬼才設計師 #04：Jonathan Anderson，時尚金童到哪都紅

• Loewe前任總監／JW Anderson創辦人暨現任總監

Loewe工藝展《Crafted World》去年自上海開跑，今年上半年移師東京，陸續迎接時尚金童的大票「迷妹」朝聖。上海首展適逢Jonathan Anderson入主品牌10年，自然被解讀為一場歡慶盛典。時至東京版本卻多了幾分黯然神傷，這位超好評總監的無預警卸任，是否可能讓這些年來深入Loewe時裝屋各面向的「藝術魂」斷然而止？無疑是眾多因Anderson而來的羅威迷所關注。

四月下旬，現年亦僅40歲的Anderson將接手Dior男裝的重磅消息便在股東會上由LVMH集團董事長Bernard Arnault宣布證實，未來是否繼承Maria Grazia Chiuri，執掌整個Dior服裝系列的說法也頗有人傳。

回觀Anderson的時尚履歷，2013年為最大轉捩：自創品牌JW Anderson的部分股權由LVMH集團收購，他個人則直接晉升Loewe創意總監，當時他不到30歲。後面的事自不必多說，「時尚金童的黃金十年」如教科書般被大家津津樂道，引領著這個西班牙老牌成功轉型，用文藝而帶點中二趣味的姿態，走進了將歷史留名的時尚博物館。正如他的2024秋冬大秀選址。

▼ Jonathan Anderson入選2024年度「時代百大人物」。

相較前面3位造夢者，Anderson就屬在成衣設計領域下足功夫的類型——極致但可行（沒那麼鬼），更像個踏實築夢的青年藝術家。他可以花費1,000小時雕刻一片胡桃木衣領、為手袋綴上細膩無比的「魚子醬」珠繡；他會和工藝家們夢幻聯動做一些沒什麼用的小可愛（如動物毛氈吊飾），也與Uniqlo連年打造合作系列……他的美學不是高不可攀，他的極致都自小處湧動。魔鬼藏在細節裡，Jonathan Anderson的設計全然驗證。

認識鬼才設計師 #05：Lee McQueen，苦難造就無與倫比

• Alexander McQueen已故創辦人

最後怎能不提McQueen。這位40歲男孩可曾說過，「我死後，人們會記得，21世紀是由McQueen開始的」這樣的話呢。在他辭世15年的2025年2月11日這天——何止記得，人們依舊深深緬懷他的跌宕人生，依舊在他揮灑生命的創作中一再覺察時尚的無限可能。

Lee Alexander McQueen是時尚圈永遠的傳奇，人們心中美麗的缺憾。

痛苦為一切靈感的泉源，多麼不近人情的註解。但Lee Alexander McQueen總著眼性、暴力和死亡的設計語彙，確實來自他黑暗的童年；甚至被認為深陷抑鬱和毒癮的生涯後期，他仍每一季端出嚇掉大家眼睛的造極之作。

資歷上，McQueen於1992年創立同名品牌Alexander McQueen，1996年至2003年間4次榮獲「年度最佳英國設計師」、亦是最年輕的「英國時尚獎」得主，憑一己之才改寫命運；秀場上，Bumster股溝褲、以雀鳥為靈感的羽毛元素，和那些刻意以令人不適的逆反手段賦予女性權力的用料剪裁，至今都被後輩分析考究。雖有2018年的紀錄片電影《時尚鬼才：McQueen》描繪出他的一生，卻道不盡其中苦難——生於（肉體的）苦難，死於（精神的）苦難。嘎然而止的美，將恆久地保存在他的品牌裡，刺眼地綻放在抱著c的Q裡。

看完大師們的生涯二三事，對文章開頭的提問有答案了嗎？如果你本身就對時尚很感興趣，那麼在資訊傳遞愈發快速的當代和未來世代，關注這些設計師的機會肯定只多不少。反之，或許你會從他們5位開始對時尚感興趣。