夏季叱吒的艷陽，讓人又愛又恨，在這個該把肌膚曬成麥色的時節裡，最適合走出家門體驗戶外活動，然而，走在烈日之下，高溫讓人汗流浹背、食不下嚥；駛於公路上，遠方甚至會產生水灘的錯視，就連空氣彷彿都要蒸騰。偶遇烏雲罩頂，午後雷震雨發威，掩蓋了太陽的鋒芒，是解救夏季炙熱的良方，而這突如其來的滂沱大雨，將悶熱徹底釋放，就算忘了帶傘讓全身淋得溼答答，就瀟灑地看作是種解脫吧！

 
由於對於逃離熱浪的嚮往更加濃厚，追求涼爽舒適的心情需要有個出口，因此海灘、泳池成了夏季每個人必報到的地方，正值炎炎8月天，La Vie TOP 10就以「泳池奇想」為題，帶著詩意的眼光從創意角度出發，探索世界級建築大師著手操刀的水池場域、舉世知名的攝影師所拍攝的泳池主題系列作品、廣受歡迎的國際級藝術家泳池裝置藝術與畫作，更免不了旅遊度假勝地的奇觀游泳池，全方位蒐羅泳池存在的足跡，帶來另類的沁涼與浪漫。

身處都市也能藉著泳池神遊度假

在精品旗艦店林立、象徵著商業繁忙的洛克斐勒大廈（Rockefeller Center）步行廣場與紐約第五大道交叉口，曼哈頓這處熙來攘往的精華地段，曾經有一座裝置藝術品快閃現身2個月的時間，驚豔了當時的紐約客，在2016年春夏交界，與百花盛放的粉嫩，為大蘋果增添一絲繽紛的色彩，而這件藝術作品後來也由K11 Kollection收藏，並於2018年3月再度與世人見面，只不過這次，它將永久留在中國南方的歷史大城——廣州。

有著醒目色彩、巨大體積，想要路過這件藝術裝置而不注意還真是一件難事。出自斯堪地納維亞藝術家雙人組Elmgreen&Dragset之手的《Van Gogh’s Ear》（譯：梵谷之耳）正是這令人眼睛為之一亮的創作：大面積淺藍底色的量體向內凹，一旁有著不鏽鋼爬梯及跳板，原來這是一座直立、造型相當特殊的游泳池，矗立於繁忙的街道上，瞬間創造出美國西岸的情懷，彷彿瞬間可以感受到陽光、沙灘，也呈現出兩位藝術家十分擅長的「對比錯置」手法，將忙碌的城市生活與度假風情融合為一。

至於為何將這座泳池以垂直的方式呈現？Elmgreen和Dragset說道，紐約的摩天大樓是全球指標，地狹人綢的城市生活皆是向上延伸的，在紐約，一切垂直發展，水平不是這座城市的產物，因而《Van Gogh’s Ear》也帶有著超現實主義的精神。除此之外，將泳池這種能夠在日常大量生產的物件化為藝術，某種程度上也是呼應了現代藝術家杜象的作品《噴泉》，表現出達達主義精神。

 

 

 

 

在 Instagram 查看這則貼文

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Rockefeller Center（@rockcenternyc）分享的貼文 於 PDT 2016 年 4月 月 26 日 下午 1:34 張貼

這兩位分別來自丹麥及挪威的藝術家表示，之所以將這座游泳池以梵谷的耳朵來命名，除了泳池裝置的形狀相似於人類的耳朵之外，同時也想藉著藝術家梵谷神秘且傳奇的割耳事件引起觀眾的好奇心，反轉視覺與藝術品內涵兩者之間關係的一致性，創造感官的多重撞擊，也促發觀眾思考「為什麼」，進而有著自己對於藝術品的詮釋。

受到英國藝術大師David Hockney泳池系列畫作，與美國普普風藝術家Ed Ruscha的《OOO》作品影響，Elmgreen和Dragset也創作了許多與泳池相關的作品，其中許多人認為，2016年《Van Gogh’s Ear》與其2009年泳池中漂浮著一俱面朝下的浮屍的知名作品《Death of a Collector》（譯：藝術收藏家之死）有著關聯性，不過尚未獲得證實。

▶ 美國普普風藝術家Ed Ruscha作品《OOO》

▶《Death of a Collector》（譯：藝術收藏家之死）

而目前《Van Gogh’s Ear》已從紐約移師，位於距離台灣僅需數小時飛行時間的廣州，在廣州第一高塔「CBD東塔」、同時也是全球第四家將藝術結合百貨商場的K11廣場前，持續展現作品的趣味，錯過在曼哈頓與之相遇的朋友，不妨至廣州感受這座裝置藝術的魔力！

 

 

 

 

在 Instagram 查看這則貼文

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

SherryWong（@wonghiuyeer）分享的貼文 於 PDT 2018 年 4月 月 23 日 上午 3:15 張貼

Text / Diane Tang

via / designboom、Elmgreen&Dragset

Photo / guillaume ziccarelli , courtesy Elmgreen&Dragset、K11 art foundation、galerie perrotin,  galleria massimo de carlo、victoria miro gallery

每到夏天，臺北市立美術館（北美館）戶外廣場便化作「X-site」實驗藝術計畫的舞台，引領訪客探索各式空間提案，也親身走入藝術。2026年夏天將展出做白工作室《鏡・亭・山：相看兩不厭》，作品延伸廣場的蛇紋岩地坪，用一組懸浮鏡面結構創造「拉起地表」的視覺效果，重塑了北美館戶外廣場的地貌輪廓。

X-site計畫：美術館廣場的空間再想像

2014年，北美館發起「X-site」公開徵件計畫，以戶外廣場為基地，由獲選團隊帶來為期一季的慢閃式展出。入選作品涵蓋當代藝術、建築、環境研究等領域，並強調觀眾參與和互動體驗，透過臨時結構裝置，打開訪客對北美館廣場的多元想像，也讓廣場的「公共性」更加體現。開辦十多年來，X-site已成為培育台灣新銳建築、藝術創作者的重要平台。

以懸浮鏡面造「鏡・亭・山」重塑廣場地景

2026年第13屆X-site計畫評選結果出爐，由做白工作室以《鏡・亭・山：相看兩不厭》獲得首獎。這件地景裝置以「鏡、亭、山」為主要概念，利用大量懸浮鏡面構築朝天空延伸的曲面，下方用細柱支撐，實現「拉起廣場地表」的創作構想，重塑廣場地貌；亦透過鏡面反射與地面紋理相映，為訪客營造出如走入萬花筒般、被蛇紋環繞的感知體驗。

談及《鏡・亭・山：相看兩不厭》獲獎關鍵，評審團認為此作以簡潔有力的手法，重新詮釋了北美館的入口意象，並巧妙透過一片面地的懸浮鏡面，暗示廣場下方有地下展演空間；同時利用鏡面的反射功能，讓作品與廣場環境產生互動，共織既真實又夢幻的風景，也為訪客打開一條與北美館場域互動的新路徑。

近年的影視作品中，復古未來主義（Retro-futurism）以懷舊而前衛的姿態反覆現身，它既描繪飛天汽車與銀白城市的烏托邦，也映照冷戰陰影下的焦慮與諷刺。而對漫威美術指導Kasra Farahani來說，這樣的世界構築不只關乎風格與美學，更是一場關於想像力的實驗——在矛盾的時間縫隙裡，為觀眾開啟一個帶有溫度與真實的科幻宇宙。

駕駛著飛天汽車、身穿太空服的人們在飄浮城市的高塔間穿梭；老舊的機器人端著銀色托盤，為顧客送上今日的膠囊餐點⋯⋯。在許多電影裡，我們似乎都曾見過這樣的「未來」。那是一個由金屬與夢想構築的世界，一切閃爍著科技的光澤，卻隱隱流露出懷舊的氣息，甚至帶有幾分荒謬的滑稽。這種看似矛盾的視覺語彙，其實正是復古未來主義最令人著迷的地方——它帶領人們回到那個相信「一切皆有可能」的時代，再次凝視那從未真正被實現的未來。

太空夢、霓虹雨與超級英雄

復古未來主義的美學最早可追溯至20世紀初期的科幻小說與視覺藝術。當時人們見證了飛機、收音機與電視的誕生，對於未來的想像前所未有地樂觀而宏大；進入冷戰時期後，太空競賽更將這股科技信仰推向巔峰，從包浩斯建築到家電廣告，設計語言開始被「太空時代」的形象徹底占據，金屬、流線、圓頂與閃亮的銀白色，成為象徵進步與希望的符號。

然而，隨著80年代個人電腦的普及、冷戰的陰影與能源危機的延續，人們不再仰望太空，而是轉向螢幕與數位世界，也讓過去那些關於科技烏托邦的願景顯得天真而遙遠。在這樣的時代背景下，復古未來主義的概念逐漸興起，成為人們重新理解「過去如何想像未來」的一種文化視角，也成為日後許多電影與設計取材的靈感來源。

雖然復古未來主義起源於對未來的樂觀想像，但當這份願景顯得過於理想化，許多創作者也開始以它構築出一種帶著憂鬱與諷刺的「未來幻象」。在電影《銀翼殺手》（1982）中，日式霓虹、工業廢墟與陰雨都市，交織出一個被科技與記憶腐蝕的世界，人工智慧與複製人的出現，引領觀眾反思人性與存在的界線；而在《巴西》（1985）裡，被管線纏繞的大樓與無處不在的監控看似是荒誕的寓言，實際上卻是對早期科技信仰的深刻反諷。這些作品共同揭示了復古未來主義的另一面——它並非單純的懷舊，而是一面映照人類焦慮與理想的鏡子。

在近10年的影視作品中，復古未來主義也再度崛起。無論是《明日世界》（2015）的懷舊太空城設計、《銀翼殺手2049》（2017）對原作的視覺復刻與延伸，還是《小行星城》與影集《明天會更好！》（2023）中幽默荒誕的科幻敘事，都展現了復古與未來並行的奇異錯置。而隨著漫威電影宇宙的擴張，這樣的風格也被重新詮釋於超級英雄的世界之中。從《星際異攻隊》（2014）的70年代太空歌劇氛圍，到《洛基》（2021）中結合粗獷主義與中世紀現代風格的「時間變異管理局」（TVA），再到今年７月上映的《驚奇４超人：第一步》，皆帶領觀眾投入復古未來主義的無限想像。

《洛基》：一個凍結於過去與未來之間的時空

「我認為復古未來主義的迷人之處，在於那種單純而真誠的驚奇與敬畏感。」Kasra Farahani接受La Vie專訪時說道。作為《洛基》與《驚奇4超人：第一步》的美術指導，Kasra過去也曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》與《阿凡達》等多部作品的製作；他擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象的世界觀化為具體的空間。

在《洛基》的核心場景「時間變異管理局」中，他以混凝土牆面、暗橘色燈光與泛著金屬光澤的控制面板，打造出同時屬於過去與未來的矛盾空間。這些元素融合了粗獷主義與中世紀現代主義，靈感來自建築師Marcel Breuer、Pier Luigi Nervi與Paul Rudolph的結構語彙，以及經典科幻電影《2001：太空漫遊》中對未來秩序的想像，構築出一種彷彿停滯於太空時代的氛圍。

「就像大學或政府機關，在興建或整修時常獲得大量經費，但完成後的數十年間卻幾乎不再改變，整個環境彷彿被凍結在那個時代的瞬間。」Kasra如此形容他對TVA世界觀的思考。從色彩、家具到牆面的材質，機構裡的一切都停留在一個過去的未來之中，就連影集經典角色「Miss Minutes」，也延續了這份時代錯置的幽默：她以50年代美國汽車產業公共宣傳片（PSA）的擬人動畫風格登場，溫柔卻略帶詭異的語調、鮮明的色彩與手繪質感，讓「人工智慧」的形象多了一層懷舊。「在我看來，構築世界觀最重要的原則就是一致性。要思考的是，在那個時空中的人，會如何想像『未來』？」他補充道。

《驚奇4超人：第一步》：一座科幻摩天樓裡的小木屋

如果說《洛基》探索的是時間與秩序的荒謬，那麼《驚奇4超人：第一步》則將復古未來主義推向另一個高峰。這一次，Kasra為一個靈感來自60年代的平行宇宙「地球－828」建構世界：紐約上空飛著汽車，街道閃烁著銀藍光芒，整座城市既現代又帶著古典的浪漫氣息。電影的核心場景「巴克斯特大樓」更是這種氣質的縮影。

「我認為『未來感』最明顯地體現在誇張的室內尺度，以及戲劇性、曲線感強烈的表面與輪廓；但在材質上，我選擇保留那些在當時的普通住宅裡也隨處可見的熟悉元素。」他將這座超級英雄總部重新想像為「頂樓裡的小木屋」，以木質牆面、中央壁爐與下沉式談話區構築出家的溫度，讓觀眾在科幻的未來裡仍能感受到生活的真實。

「我們希望這裡更像『家』，而不只是炫目的豪宅。」Kasra進一步說明，為了營造這份親切感，他選用了中世紀現代主義常見的自然元素，如天然石板、暖色木料與植栽，並搭配金色與黃銅細節，與外部銀白的城市形成鮮明對比。其中最具象徵性的空間之一，莫過於4超人每週共享家庭晚餐的廚房：半球形烤肉架、自動蛋糕轉盤，以及在燈光下閃爍的金屬桌面，都彷彿重現了1964年紐約世博會的未來願景，讓觀眾回到那個充滿希望的年代。

「這是一個關於樂觀與烏托邦的故事，讓我們得以從那些常見的反烏托邦題材中暫時抽離。」

對Kasra而言，美術設計的首要任務是服務於敘事，並支撐每一場戲的情感意圖。「無論借鑑何種美學靈感，只要『故事』是核心考量，最終的設計就會自然成為該故事獨有的風格。」

從《洛基》到《驚奇4超人：第一步》，復古未來主義不再只是懷舊的表象，而是一種以「想像」為核心的創作語言。「我不確定它是不是一種潮流，但它確實捕捉了一個充滿創新的黃金時期。」他認為60年代後大眾文化逐漸轉向悲觀，未來常被描繪為冷酷、荒蕪，甚至被機器統治的世界；而復古未來主義之所以迷人，或許正在於那份帶著浪漫與希望的無限想像。

「我很想創造一個設定在1920年代的『未來』，或一個發生在西元3000年的世界——這兩種想像都充滿挑戰，卻也令人極度興奮，不是嗎？」

Kasra Farahani

伊朗裔美術指導與設計師，現居於洛杉磯。早年學習工業設計，曾於多個設計領域工作，後轉入電影產業。曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》、《阿凡達》等多部作品，並擔任《洛基》與《驚奇4超人：第一步》美術指導，擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象世界觀化為具體場景。