義大利傳奇時尚設計師遇上建築巨擘！一窺安藤忠雄、OMA Rem Koolhaas兩大普立茲克獎大師打造時尚建築

時尚究竟是什麼？你腦中聯想到的第一個關鍵字，是珠光寶氣、奢華糜爛還是浪漫超脫，想要找出一個毫無瑕疵、不具爭議的定義來形塑時尚，答案恐怕會永遠無解。然而，時尚如此包羅萬象，正是它有趣的地方，「時尚惡魔」安娜溫圖（Anna Wintour）曾說過，那些對時尚嗤之以鼻多加嘲諷的人，大多並非摸透了時尚底細，而是他們有被排除在外的感受，如此不安全感反讓他們對時尚心生畏懼，避而遠之。

不過時尚是否真的這般可怖，某種程度來說，它多元百變的特性，確實讓人感到震懾，但更多的是，當深入之後便可發現它難能可貴的巧思特性。舉例來說，時尚與建築這看似搭上不線的兩個領域，卻能夠在雙方大師交手之下，成就出絢爛美好如藝術品的建築大作，不僅再繹時尚經典，更玩出建築新意。而經常與時尚綁在一塊的服裝，各種款式、設計甚至精緻的花紋，通通能成為表彰權力之作用。

適逢時尚重要的9月天，為此La Vie TOP 10本月即以「時尚視角」為題，從各方視角切入，窺探時尚花花世界裡別具代表性的設計師、攝影師和時尚指標人物傳奇風采，以及時尚與建築大師交手之下的不凡品味傑作，和宛若不朽藝術般，擁有雋永色彩的服裝、伸展台大秀等，看見時尚如萬花筒般的瑰麗之趣！

建築大師眼中的時尚

時尚從來不單只有服裝而已，該如何讓華麗外衣擁有富含內容的底蘊，或許打造出一個實體空間，讓消費者能與之近距離面對面對話，大概是最直覺的作法。但什麼人才能不失分毫，又能完美表現出品牌所想傳遞的時尚概念精神呢？大師品味終究要大師才懂，從安藤忠雄、法蘭克蓋瑞(Frank Gehry)、雷姆庫哈斯（Rem Koolhaas）、伊東豊雄、SANNA等建築大師與團隊傾力打造下，寫下一頁頁時尚與建築交織下，令人讚嘆的華麗篇章！

Giorgio Armani X 安藤忠雄

一位是義大利傳奇時尚設計師，一位則是日本最富盛名的建築巨擘，Giorgio Armani和安藤忠雄這兩位稱霸時尚與建築的大師，各自將東西方美學演繹至極。從2001年雙方首度合作的Armani/Teatro（亞曼尼劇場），到2015年登場的Armani/Silos，安藤忠雄標幟的清水模擁有了時尚印象，更完美乘載了Armani低調奢華精神。

鑑別度極高，被作為品牌專屬秀場的Armani/Teatro，過去曾是雀巢的巧克力工廠，在安藤加持下，蛻變為以黑白兩色貫穿、如劇場般的空間，強調人與建築、時尚間的關係，留白之處更帶給觀賞者無窮想像。而位於對街，靜靜佇立卻甚是顯眼的Armani/Silos，Silo意指過往儲存穀類的高塔，這座由50年代老穀倉改建的品牌博物館，之所以取名Silos，一方面回應其過去歷史，另一方面則是Armani認為服裝如同糧食，皆為生活所必須。

四層樓高的建物外觀沒有過多矯情的裝飾，唯一裝飾大概要屬建築外如緞帶般的窗戶及牆面，以最低限的方式創造建築立面的動態，也是對於眾聲喧嘩的當代建築的反制；走入空間內部，一貫的極簡設計黑色天花與水泥牆面相映，新樓層的鐵結構及管線外露，呈現空間的靜謐與純粹，Armani的服裝設計成為空間中最美的畫布。在時尚縱橫超過四十餘載的Armani，從引領女性自主的Power Suit服裝，到眾影星們亮相紅毯的訂製禮服，完整記錄這位時尚大師不凡的設計歷程。

地址： Via Bergognone, 40, 20144 Milano MI, 意大利

電話： +39 02 9163 0010

PRADA X Rem Koolhaas
 
從2001年Koolhaas為PRADA在紐約蘇活區設計門市開始、2009年全球話題發燒的首爾PRADA Transformer，到每一季PRADA秀上有如科幻電影風格的秀場空間設計，曾獲普立茲克獎的荷蘭建築大師Rem Koolhaa，其所引領的OMA建築團隊（Office for Metropolitan Architecture，大都會建築事務所），早成了PRADA現今不可或缺的重要設計元素與靈感來源。

過去Koolhaas曾評論，相較於美式品牌保守趨近統一的品牌意識形態，他認為歐洲的品牌是活的，「可以擁有許多特性，促成進一步的發展。」而PRADA每次向Koolhaas提出的設計關鍵字就是「無法預測」與「多變」，而非千遍一律的旗艦店或展場設計，因此才會出現將地面捲起為波浪般的紐約蘇活門市，突破旗艦店總是中規中矩的空間格局設計。而PRADA Transformer每個月隨著主要用途不同翻轉建築面向，創新了建築的可變動性。

在2015年完工的PRADA基金會米蘭館（Fondazione Prada），則讓時尚跨界藝術再度邁入下一個里程碑，「我們試圖創造一個模糊新與舊的空間，讓觀者置身其中無法分辨，這是我們的設計野心。」Koolhaas說。位於米蘭南部拉哥伊薩爾科（Largo Isarco）的米蘭館，前身為近100年歷史的釀酒廠，Koolhaas檢視現有的七座建築後開始發想其設計，加入三座全新量體，包括已完成的平台（Podium）、影院（Cinema）以及塔樓（Torre）。每次合作，不僅讓Koolhaas實驗各種創意狂想，同時也奠定了PRADA的前衛品牌態度。

而在一片水泥色調量體中，隱隱閃現燙金光輝的Haunted House，Koolhaas以貨真價實的24K金片片覆於牆面，與一旁的新建築劇院相對，不同過往宮殿透過金碧輝煌呈現財富與地位。「這其實是最後一秒才有的靈感，而且沒想到相較於過往常用的大理石、塗裝等，黃金其實還更便宜。」，最令他驚訝的是黃金壁面產生的視覺魅惑，隨著日光變化煥發出不同金黃色澤的牆面，閃閃之光更輕跳於周圍的建築量體中，為建築的永恆創造了動態感。

當然，除了表現用建築表達時尚外，OMA旗下的創意設計中心AMO也替PRADA打造全方位品牌形象，像是甫落幕的2019春夏米蘭時裝週上，AMO便將基金會建築群中最引人注目的空間「Deposito」倉庫，轉化為多功能表演空間。當觀秀者走進空間中，即可望見雕刻風格的白色光束穿過綠色露臺，與新近落成的Torre塔樓相互呼應。觀眾席呈平面網格狀有序分佈，界定與伸展台的空間，充滿戲劇性的空間，完美襯托全新一季服飾作品！

文：Ian Liu、彭永翔

圖片：Giorgio Armani、PRADA

真正的建築搬不進美術館，建築展只能以模型、圖紙、材料與影像替代，《藤本壯介建築展：原初．未來．森》卻反過來讓設計尚未成形前的試探與靈光浮上擡面。先後任職於海澤維克工作室（Heatherwick Studio）的洪浩鈞與曾令理，如今各自發展展設計實踐。兩人從藤本壯介如何以森林、曖昧與重複單元重新理解空間，一路談回：設計或許不只是精確控制，更是在精確後，仍願為未知留下餘地。

➣本文選自La Vie 2026／9月號《藤本壯介建築特輯》，更多精彩內容請點此

「我猜浩鈞來看展，應該會停在那些process很密集、探索感很強的地方。」曾令理說過去在海澤維克工作室，桌上常擺著粗糙、甚至「有點醜、莫名其妙」的模型，「為什麼這個留下來？為什麼另一個被放棄？中間究竟發生了什麼？」她相信模型本身就是思考，手先動起來，下一步才從眼前的意外浮現。洪浩鈞同樣熟悉這套節奏，他記得海澤維克工作室幾乎被模型與打樣塞滿；至今他仍相信，實際做出來後，材料的重量、距離與觸感才會回到身體。

當一般建築展從概念、競圖、設計發展一路走向模型與落成，清楚而線性；《藤本壯介建築展：原初．未來．森》卻把不同年代、尺度與狀態的模型錯落、懸吊在展場中，讓原本分屬不同時間的念頭同時出現。「就像走進森林，你無從得知哪棵樹是第一棵樹。」曾令理建議參觀時不妨先迷路，突然被某塊材料、洋芋片、火柴盒這些日常物件吸走，也沒關係。

觀看到共處，建築發生在人與人之間

曾令理注意到有些展品被懸起，有些接近平視，有些得蹲低觀看，建築模型慣常的「上帝視角」因此被打破。當人無法一眼掌握全貌，便開始想像自己若置身其中，會站在哪裡、如何移動。洪浩鈞則發現，一般展覽容易形成「觀眾vs作品」的單向對話，但在「思想之森」裡，人穿梭其間，轉身時可能與其他觀眾相遇。「這時候不只是我跟作品，而是我、作品，還有他者，這其實很像藤本壯介的建築。」

藤本壯介的早期住宅裡，家庭成員各自找到位置，不必始終待在同處，卻能隱約感覺到彼此；到了「2025年日本大阪．關西萬博環形大屋頂」（大屋根），這層關係被放大成陌生人的交會。人在巨大木構下行走，感受到的不只有建築，也包括身旁的人如何停留、穿越，最後共同望向天空。建築由被觀看的物件，轉化成讓關係發生的媒介。

自由，需要被精確設計

談及「自然」，曾令理就聯想到藤本壯介曾經提過的「巢與穴」。「巢」接近熟悉的功能性空間，坐、睡、行走的位置都被仔細預想；「穴」不同，洞穴原本不是為人設計，人進入後才慢慢發現哪裡適合坐、哪處能倚靠。森林也是如此，沒有「客廳」或「走廊」的標示，卻提供足夠差異，讓身體自行找到位置。因此，藤本壯介的自由並非來自少做設計。當建築師不直接規定這裡是椅子、那裡只能通行，就必須預想更多姿勢與使用方式，尺度、結構、材料與視線反而需要更精準。曾令理將其概括為：「精確是自由成立的條件。」

洪浩鈞則笑說：「有些事情也不能講太明白，像談戀愛，曖昧的時候很多事情說破就失去美感。」他曾實際走訪台南的「南埕衖事」，沿立面樓梯前進，小平台不斷提供停頓、看風景或改變方向的可能。比起形式，洪浩鈞更在意最後形成的「氛圍」，光線、氣味、顏色，甚至有人從身旁經過的瞬間，都可能讓空間產生情感。這些難以畫進圖面的東西，往往才決定人如何記住一個地方。

當人開始使用，建築才真正離開設計者

共序工事曾將新北三重頂崁工業區的電梯零件工廠改造成「QUAN泉場」，完工後卻陸續出現團隊未曾預想的使用：樂團演出、品牌活動、藝術與設計展覽。原本功能明確的工廠，在不同時間長出不同身分。洪浩鈞發現，設計者認為不正確的使用，對真正生活其中的人未必不合理；若空間只能按照使用說明書存在，反而失去繼續生長的可能。

曾令理從藤本壯介的作品裡看到類似命題，她認為藤本壯介改變最多的是尺度，以及面對的「人數」；始終沒變的，則是如何讓不同個體透過簡單秩序彼此連結，同時保有自由。對做過大型專案的兩人來說，「真正困難的，是如何讓非常複雜的技術，最後不要被看見。」曾令理看到藤本壯介以大量纖細單元形成如光、如海市蜃樓般的巨大空間，概念一眼便懂，設計者卻不免思考：構件到了真實尺度有多粗？如何接合、抗風、施工？又如何在所有重量加入後，仍維持近乎消失的輕盈？

洪浩鈞隨即想到自己在海澤維克工作室參與上海「1000Trees」的經驗，模型裡只需把小樹插到柱頂，真正落地時，柱體卻必須同時處理結構、土壤、植栽重量、排水、灌溉與維護，團隊甚至製作1:1柱體進行測試。「模型看起來很輕鬆，真的做完全是另一回事。」

要當刺蝟，還是狐狸？

表面上，藤本壯介與海澤維克皆挑戰了建築理所當然的樣貌，但曾令理認為藤本使用的多半仍是建築領域熟悉的材料與構造，他反覆追問的是，內外為何非得明確分開？家具能不能成為建築？屋頂只能是屋頂嗎？海澤維克則更常從物件、材料與製造發問，橋為什麼一定要像橋？既有工法還能不能換種方式？

洪浩鈞的老師曾以「刺蝟與狐狸」比喻建築師：刺蝟沿著核心信念持續深挖，形成連貫而可辨識的語言；狐狸則隨基地、環境與條件改變策略，作品未必具有固定面貌，「我覺得藤本老師比較像刺蝟。」他和曾令理不約而同指出2023年建於福岡的「太宰府天滿宮臨時殿宇」，與大家熟悉的藤本壯介有些不同，讓植物覆上屋頂，凸顯藤本面對人與神明交流、傳說與信仰交織的場所，未用強烈語彙介入，而以較柔軟、浪漫的方式，替精神性留下更多想像。

曾令理近年的創作，逐漸從植物的分岔、捲曲、聚集與生長尋找形式，也不再刻意追求一眼可辨識的「個人風格」。當許多人造形式過了數十年顯得過時，我們卻很少看著樹、花或山感到厭倦，自然總存在差異、變化與無法一次掌握的複雜關係。甚至，「工作愈久，建築師愈熟悉法規、預算、結構與現實限制，卻也可能讓人過早知道什麼『做不到』，問題還沒真正開始，就先被自己否決。」

曾令理提醒自己不要太快知道答案，洪浩鈞則練習不再控制所有答案，並肩走過藤本壯介的建築森林，他們在其中，為偶然、變化與人的自由留下位置。

紙上導覽｜2種視角，6個觀看線索

House NA｜2011，東京

這是藤本早期我非常喜歡的作品之一，這棟位於日本東京的私人住宅，以其前衛且極具實驗性的透明結構聞名。透過不斷錯開的樓層所創造的縫隙，引入外部的自然光線、同時模糊了室內空間彼此的界線，徹底打破了傳統住宅的封閉感，重新定義了人與空間、以及人與城市環境的互動關係。

表參道Branches｜2014，東京

之前曾到過現場，也讓我想起自己曾參與的上海「1000 Trees」，兩者都試圖重新思考高密度都市與自然的關係，前者把大型開發想像成人造山丘，結構柱頂真正承載植物；藤本壯介則讓建築、植栽與邊界彼此交纏得更加有機。觀看時可以先拋下「綠建築」這類標籤，試著找出建築究竟在哪裡結束、自然從何開始。當兩者已經難以清楚切開，或許正是作品最有意思之處。

海市蜃樓市集／光的粒子｜2013，中東，設計提案

先是在媒體上看到這件未實現的提案，現場見到模型後，首先想像的是「人在裡面會是什麼感覺」？藤本壯介從如光粒子般的最小結構單元出發，不斷重複、堆疊成巨大空間；若真正置於中東強烈日照下，光源隨時間移動，構件投下的影子也將持續改變。看模型時不妨繞著它走，想像當固定的展場燈光換成一天流動的太陽，眼前這座建築會如何從結構變成時間與光共同生成的空間。

武藏野美術大學美術館．圖書館｜2010，東京

我最近正在進行兒少圖書館改造，如今再看這件作品格外有感。圖書館擁有繁複的館藏、設備、動線與管理需求，藤本壯介卻先把問題退回最簡單的地方：圖書館究竟是什麼？他以「書架」貫穿建築，讓書架同時成為牆與空間，又在原本清楚的螺旋秩序中打開洞口，讓人能穿越、抄近路、選擇自己的路。推薦觀眾不要只看最後的漂亮模型，而要比較不同研究模型；所謂自由，往往是經過大量精密研究後才出現的結果。

終極木造宅邸｜2008，熊本

學生時就十分喜歡這件作品，單一尺度的木構件不斷堆疊，同塊木頭可以是牆、地板、樓梯，也能成為桌椅與供身體停留的位置。旁邊大量不同階段的study model，揭露一句話就能說明的概念，背後其實經過反覆推敲。這件作品也提醒年輕設計者，尺度小並不代表思考可以縮水，小型構築、裝置與藝術計畫，同樣足以測試材料、身體與空間，慢慢磨出自己的建築語言。

仙台市（暫稱）國際中心車站北區複合設施｜預計2031完工

一片片大小不同、彷彿漂浮的屋頂，讓我想起過去在海澤維克工作室參與Google Mountain View總部的經驗。兩件作品都將巨大建築拆解成較輕盈、起伏的屋頂單元，但藤本壯介進一步讓部分屋頂向地面延伸，最後變成能走上去、坐下來的斜坡與地景，「形式本身不是答案」，真正有趣的是形式最後如何進入生活。

洪浩鈞

Üroborus_studioLab共序工事創辦人暨設計主持人，任教於實踐大學建築設計學系。畢業於英國University of Brighton，後取得UCL The Bartlett School of Architecture建築碩士。曾任海澤維克工作室資深設計師及上海駐地建築師，參與多項大型國際計畫。2017年成立共序工事，實踐橫跨建築、空間、地景、展覽與裝置，關注材料試驗、在地環境，以及使用者如何賦予空間新的可能。

曾令理

偶然設計共同創辦人、國立陽明交通大學建築研究所副教授。畢業於東海大學建築系，後取得The Cooper Union建築碩士與Harvard GSD Design Studies碩士。會任職海澤維克工作室，參與Google Mountain View等計畫；實踐橫跨建築、裝置、公共藝術與材料研究，持續從身體尺度與模型原型探索空間生成的可能。

_{文｜張瑋涵　攝影｜羅柏麟}

更多精彩內容，請見La Vie 2026／9月號《藤本壯介建築特輯》

位於安藤忠雄設計的複合式設施「TIME'S」內的「京都建築中心（京都建築センター）」，於今（2026）年8月展開試營運、9月2日正式開幕。其以建築為切入點，除向更多人傳遞京都這座城市的魅力，也將持續帶領人們認識建築文化。

為什麼要在京都設立建築中心？

近年來，建築已不再是專業人士或建築愛好者的專屬領域，大眾對於建築的關注日益增加，也逐漸成為人人都能欣賞、討論的文化。而在京都，擁有從世界文化遺產、近代建築到當代建築等極具價值的豐富建築資產，不過，相較於在芝加哥、維也納、哥本哈根、阿姆斯特丹等重視建築文化的城市，早已設有兼具建築導覽、展覽、圖書空間與商店功能的「建築中心（Architecture Center）」，日本至今仍缺乏能讓一般民眾與旅客深入認識、體驗並交流建築文化的場域。

傳遞建築與地方城市魅力

從這個目的出發的京都建築中心，便以京都為舞台，期盼打造一處宛如「建築文化博物館」的新據點。值得一提的是，營運京都建築中心的正是長期致力於推廣建築文化的「合同会社まいまい」，其除長年經營城市散步導覽品牌「まいまい京都」、每年舉辦超過2,000場導覽活動，同時也策劃了「京都現代建築祭」、「神戶建築祭」及「東京建築祭」，持續以建築與地方文化為主題，向大眾介紹城市的魅力。

進駐安藤忠雄建築名作「TIME'S」

而坐落於京都三條通、高瀨川畔，由安藤忠雄設計的建築名作「TIME'S」，以經典的清水模混凝土與親水的設計，交織出獨特的空間氛圍。然而，隨著時間推移與店家接連撤出，這座知名建築有很長一段時間處於封閉、極待活化利用的狀態。這次將進駐TIME'S一樓的京都建築中心，空間設計找來曾設計2025大阪世博休憩所4的MIDW architects（服部大祐＋服部さおり）與studio arche（甲斐貴大）負責，一同打造全新的建築文化據點。

打造串聯人、城市與建築的據點

以「串聯人、城市與建築的據點」為核心的京都建築中心，主要有5大功能：推動讓建築成為旅行理由的「建築觀光」，期盼讓「到京都，就參加建築導覽」成為新的旅遊方式，並將導覽收入回饋到珍貴建築的保存與維護，建立起良性循環。建築中心兼具「展覽空間與選物商店」的特色，除將定期舉辦建築主題展覽，也設有販售建築書籍與設計選物的商店。設有以「建築師的書櫃——享受城市與建築」為概念的「建築圖書空間」，將收藏從建築大師到新生代建築師，以及與京都相關的建築師、建築史學者的選書，希望人們能透過閱讀，進一步深化建築體驗。

建築中心也將提供兼具專業知識與導覽技巧的「建築學習」課程，協助學員學習如何以通俗易懂且具吸引力的方式介紹建築，且完成培訓後，也能在建築祭及建築導覽等活動中擔任導覽員，實際運用所學內容。這裡也將成為今年邁入第5年的京都現代建築祭的實體據點，除將配合建築祭舉辦為期數個月的特展，同時也販售建築祭周邊商品與通行護照。

另外，開幕特展預計將以京都建築中心所在、由安藤忠雄設計的 TIME'S 為主題，舉辦 《時間形塑的建築——TIME'S 與安藤忠雄》（Time-Shaped Architecture: Tadao Ando and TIME’S），帶領觀眾重新審視人、自然與建築之間的關係。

京都建築センター（KYOTO ARCHITECTURE CENTER）
地址：京都市中京区三条通河原町東入中島町92　TIME'S　
開館時間：10:00～18:00，週二休

京都建築中心募資中，有興趣者可點此支持

資料來源｜京都建築センター