「一千萬一次、一千萬兩次、一千萬三次，成交！」這是大多數人對拍賣最為熟悉的聲響，每回看到哪位藝術大師又成為史上拍賣最高價值的消息時，在感嘆我們無法用天價買下極品外，不免也思考究竟要多高的價值才能算是絕世好作品？就像是對藝術拍賣市場的嘲諷抗議，行蹤神祕的英國藝術家Banksy，則在今年倫敦蘇富比秋拍（Sotheby’s）中上演一場令藝術界咋舌的「壯舉」，將其經典代表作《氣球女孩》(Girl With a Balloon，2006)在落槌那一刻啟動碎紙機裝置自毀！

身為炙手可熱的當代藝術家，Banksy的創作早讓收藏家蠢蠢欲動，原先被看好將以20至30萬英鎊間（約811萬至1216萬元台幣）成交的《氣球女孩》，最終以翻倍高達104萬英鎊（約4200萬元台幣）成交，然而當拍賣鎚敲定後畫框卻突然響起警鈴，接著畫作開始向下自動滑落，並被早藏於畫框中的碎紙機碎成紙條，這突如其來的驚嚇一幕讓現場所有人瞠目結舌，思索究竟是安排好的餘興節目，還是真的被大膽惡搞了。最終蘇富比歐洲當代藝術部主管Alex Branczik對外表示：「我們確實被Banksy戲弄了！」。

為此Banksy其後也於Instagram上宣布，在倫敦蘇富比拍賣現場的畫作自毀行動，確實是他一手主導，他表示在幾年前完成畫作候便偷偷於畫框下方加入碎紙機，此舉為的是防止作品被拿來轉讓拍賣，他以畢卡索名言「破壞的慾望即創造的慾望」（The urge to destroy is also a creative urge.）來形容此次行為，藉此表達對藝術拍賣市場的抗議與不滿。

 

 

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儘管畫作有一半被碎成碎紙，然而名氣響亮的Banksy本次反抗行動卻可能適得其反，反倒讓這幅於2006年複製於畫版上的作品更加水漲船高。Branczik表示：「過去拍賣市場上未曾經歷過這種情況，在創下藝術家最高價值作品紀錄時，卻也同時是藝術史上第一幅在拍賣完就被碎紙的畫作，過程可被視為整個作品的一部分，因此這件作品毫無疑問將更具價值也更為珍貴。」。而根據拍賣規則，拍賣品若在交收前損毀，交易可取消，不過目前蘇富比仍與買家商討處理方法，畢竟作品確實為藝術家本人親自下令毀壞，反倒能讓破損作品「轉化」成另一藝術品。

《氣球女孩》描繪一位小女孩神情哀戚地望著飛遠的紅色心型氣球，是Banksy於2002年完成的塗鴉作品，之後也有多款版畫複製，2012年時該系列版畫也以73,250英鎊（約296萬元台幣）價格售出，如今自毀的2006年版本則創下Banksy藝術生涯最高價值作品紀錄。

(2018/10/12更新) 自毀作品成功售出 《氣球女孩》變為《愛在垃圾桶中》

Banksy自毀作品行動震驚藝術界，儘管他的作為引發正反面評論，不過最終這幅一半成碎紙的畫作還是成功售出，以104萬英鎊標下畫作的歐洲收藏家通過聲明表示：「當拍賣落槌、畫作便啟動自動裝置碎裂之時，起初我感到很震驚。但我漸漸地意識到，終將成為藝術史上的一頁。」。

也許在開始大家心想這幅作品完了，然而僅碎一半的《氣球女孩》反而成了另一件全新創作，蘇富比也宣稱，Banksy並沒有毀掉作品，「它是藝術歷史首件在拍賣現場創作完成的作品」。而由於《氣球女孩》已不再是先前的樣貌，為此代理Banksy作品的藝術機構Pest Control也宣布，作品將更名為《Love is in the Bin》（愛在垃圾桶中）。

而這幅「全新創作」在蘇富比安排下，也會於將本周末10月13日、14日，在倫敦蘇富比New Bound Street藝廊空間展出。儘管這場拍賣驚嚇戲碼看似落幕，然而過程中仍有許多未解謎團，例如作品何以作為壓軸？自動碎紙器又是如何通過事前安檢？蘇富比和Banksy是否自導自演等，終將有待水落石出的那天。

via ABC News、NYT

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展