專訪／《我們與惡的距離》編劇呂蒔媛、製作人林昱伶 親揭以無差別殺人事件切入的心碎故事

對於台劇迷而言，公視3 月底開播的《我們與惡的距離》，絕對是2019年最令人期待的台劇之一。除了金鐘編劇呂蒔媛、實力派演員吳慷仁、賈靜雯等華麗陣容；從無差別殺人事件切入，探討加害者、被害者家屬心理，並延伸至各種媒體亂象、人權律法和精神病識議題，深入社會現況的寫實劇情設定，更是備受矚目的重要原因。在正式開播之前，La Vie邀請編劇呂蒔媛與製作人林昱伶，分享一齣年度寫實台劇的誕生，從劇情設定、田野調查到選角、大數據應用，讓我們探進幕後，一窺《我們與惡的距離》創作歷程。

「這是貼近大家生活的題材，期許走過悲傷之後，帶給人們療癒的溫暖。」公視去年底公布《我們與惡的距離》30秒前導預告時，製作人林昱伶這麼說道。從沉重的無差別殺人事件切入，《我們與惡的距離》乍聽之下與「療癒」二字沾不上邊；然而，對於編劇呂蒔媛而言，重點其實在於事件爆發後，加害者、被害者家庭的情感延伸，希望藉由劇作穿透事件表面、撕下新聞標籤，認識隱身事件背後的人們。

「通常我們遇到重大事件時，會選擇不看或是咒罵，或認為『只要這個人消失，我的世界就會變好。』但我想的是，它很難停止，那我們要不要學著去面對？怎麼樣能夠接住這些苦難的人？」呂蒔媛先前在官方粉絲團露出的受訪片段提到。的確，這些新聞事件乍看之下離我們很遠，但也可能就發生在身邊。當事件發生時，我們又會如何面對？《我們與惡的距離》目的不在於找到「正義」的標準答案，或者是建立化解事件的SOP，而是希望透過戲劇，思考每個人與「自己心中的惡」的距離。

請問編劇當初為何以「無差別殺人」為劇情切入點？製作人拍攝《我們與惡的距離》前，對於事件有哪些想法呢？

呂：我一開始跟公視提的主題是八仙塵爆事件，但是經過討論、思考後，覺得無差別殺人事件牽涉層面更廣，才決定改成這個主題。

林：我看過《端傳媒》胡慕情的報導〈血是怎麼冷卻的：一個隨機殺人犯的世界〉。她訪問了加害者的家人，提供從加害者角度出發的新觀點。其實蒔媛姐的劇本跟這篇報導一樣，都是從一個新聞事件，感受不同面向的人如何生活、分別經歷過哪些心路歷程。希望藉由多元的切入角度，讓大家多關心身邊的人，這樣的話，或許世界上悲傷的事情也會少一些。雖然這部戲從沉重的事件出發，最後還是希望帶給大家療癒的感覺。

《我們與惡的距離》從無差別殺人事件切入。在創作過程中，會擔心引起抱持相反觀點的人批評嗎？對於較為敏感的題材，在創作時有做哪些調整嗎？

呂：我在寫劇本的時候沒有特別擔心，播出來才會擔心（笑）。其實我已經做好被砲轟的準備了，但是預告露出後大家的反應都比較正向。我比較在意的是，不能造成當事人的二度傷害，所以也請精神科醫生、八里療養院院長作顧問。像是原本有一段劇情是，精神疾病患者從包包中拿出刀來，但是顧問認為，這容易落到大眾對於精神疾病患者的刻板印象，後來也把它改掉了。另外，我也把不同立場的衝突，建構在家庭之內，像是劇中法扶律師跟太太、岳父的衝突；新聞台主管跟先生的衝突；精神科醫生和社工太太的衝突等。有點像是把網路新聞下面各種留言，變成不同家人的立場。

劇評馬欣曾說，「野心太大，前兩集就塞進太多人物線」是許多寫實劇要注意的部分。請問蒔媛在劇本創作上，如何呈現多元立場，並兼顧角色的立體性、收攏故事線？

呂：《我們與惡的距離》分成兩條故事線，一條是已經發生的殺人事件，另一條是精神病患的家庭。一條描寫事件發生後，如何走過療傷的過程；另一條則探討我們的社會有沒有辦法接住精神病患和他的家人。其他角色則是這兩條線周遭的人物。

林：《我們與惡的距離》主角、配角群超過20人，定裝更超過百人。但是劇情最後收得非常好，到了最後一集都是好看的。

《我們與惡的距離》原先預計以10 集呈現10 種視角，為什麼最後卻決定限縮範圍、加重「媒體」視角的比重呢？

呂：我當初在田野調查時，訪問了律師、法官、教育界、犯罪醫療、精神鑑定、精神科、康復之家等不同職業的人，他們都覺得深受媒體影響。像是社會重大事件爆發時，精神科真的會瞬間爆滿，因為媒體下的標題、造成的聯想，會讓身在其中的人感到痛苦。聽到這些，我才想加重媒體在劇中的份量。但是我也不想描繪刻板印象中的媒體，希望可以看到媒體的困難、他們面對的壓力。像是依據媒體自律的規範，確保人質安全前，不能播放相關畫面。但如果你是電視台主管，其他台都在播這條新聞，自己家的記者也已經到了封鎖線外，這時候你要不要做連線報導呢？

在確定加重媒體角色後，我去了《報導者》參訪，也訪問報社編輯、社群媒體小編、娛樂記者、政治線記者等等，最後覺得新聞台在畫面呈現上比較豐富，也可以強調「即時」性質。畢竟即時新聞決定了觀眾對社會事件的第一印象。而第一印象成立後，就很難改變大眾的想法。

在剛公布的2019第54屆金鐘獎入圍名單中，《我們與惡的距離》不負眾望入圍豐碩，一共入圍戲劇類最佳男女主角、男女配角、戲劇節目、編劇、戲劇節目導演等共14個獎項，成為本屆金鐘入圍最大贏家。

text / 郭慧 

photo / 龍彥坤 

圖片提供 /  公視 

場地協力 / 真書軒

（完整內容請見《LaVie》2019年3月號）

每年11月舉辦的「金馬電影大師課」，今日（9/21）揭曉首波夢幻講師名單！本次邀來奧斯卡最佳影片《寄生上流》韓國大導奉俊昊、日本國民喜劇大師三谷幸喜、威尼斯金獅獎名導戴倫艾洛諾夫斯基、全球賣座動畫《小小兵》導演凱爾巴爾達，為電影人傾囊相授獨門心法與寶貴經驗。

即將首度來台的韓國大導奉俊昊擅長翻轉類型元素，以幽默包裹銳利的社會批判和人性洞察。他以《殺人回憶》打響名號，《駭人怪物》刷新票房，《末日列車》進軍國際，《寄生上流》更勇奪坎城影展金棕櫚獎，並橫掃奧斯卡最佳影片等四大獎，堪稱韓國影壇第一人。奉俊昊也期待地表示：「我無比期待漫步台北街頭，走過侯孝賢、楊德昌、蔡明亮等電影大師曾留下足跡的地方，在我年輕求學時，他們的作品曾帶給我極為深遠的啟發。作為亞洲電影旅程的同行者，我期待在這場盛會中遇見令人欣喜的發現，並建立深刻的連結。」

日本國民喜劇大師三谷幸喜劇本功力深厚，首度執導電影《心情直播不NG》即勇奪日本電影金像獎最佳劇本，《有頂天大飯店》、《魔幻時刻》、《鬼壓床了沒》等片皆創下票房佳績。獲邀開講的三谷幸喜說：「至今我已推出九部電影，但對於『電影究竟是什麼？』我依然給不出一個明確的答案。我之所以持續拍電影，是因為電影創作的現場總是充滿樂趣。而這樣的我，收到了來自台灣大家的呼喚。只要有人召喚，無論何處我都會飛奔前往。讓我們一起度過一段愉快的時光吧！」

作者風格鮮明的美國名導戴倫艾洛諾夫斯基，首部長片《死亡密碼》便榮獲日舞影展最佳導演，並以驚世駭俗的《噩夢輓歌》震撼影壇，爾後憑《力挽狂瀾》奪得威尼斯影展金獅獎，先後將《黑天鵝》娜塔莉波曼、《我的鯨魚老爸》布蘭登費雪推上奧斯卡影帝影后寶座。

動畫師出身的凱爾巴爾達曾參與《玩具總動員2》、《怪獸電力公司》等經典動畫，憑藉深厚的角色塑造和鏡頭構圖功力轉戰導演筒，執導《小小兵》不僅打造出現象級流行文化符號，其作品總計累積全球票房近一千億台幣，並以跨足真人電影的《綿羊偵探團》持續開拓影像敘事疆界。

4位名導將出席映後講堂！

四位名導除了應邀於「金馬電影大師課」與電影人分享，影展也特別選映各自代表作，包括奉俊昊的《駭人怪物》、《非常母親》，三谷幸喜編劇名作《笑之大學》，戴倫艾洛諾夫斯基的《死亡密碼》、《黑天鵝》，以及凱爾巴爾達的《綿羊偵探團》。他們也將會出席映後講堂和觀眾交流。

2026「金馬電影大師課」與「金馬電影工作坊」系列課程將於11月14日至21日期間在臺北文創大樓文創會所舉行，歡迎電影工作者、影視從業人員、影視科系學生報名參加，10月14日下午一點起將於官網活動頁面開放報名。更多消息請密切關注金馬官網、臉書粉絲頁及Instagram，敬請期待。

近年來，另一種「異界」逐漸出現在K-Pop MV中。閾限空間（liminal Space）、夢核（dreamcore）與怪核（weirdcore）等視覺美學，以熟悉而陌生的空間、失真的日常物件，構築出屬於數位世代的超現實景觀。ILLIT、aespa、ITZY MV中的異世界究竟如何被創造？專訪幕後推手Bee Park與ahryandchung，一探這股新視覺語言背後的創作思維！

➣本文選自La Vie 2026／8月號《通往異界》，更多精彩內容請點此

✯ Bee Park ✯ 設計一個超現實世界

「我並不認為現實與想像之間真的存在一條明確的界線。一直以來，我都不斷思考一件事：現實本身或許就是一場夢，而夢，也可能揭示了現實的另一個層次。」身為韓國創意工作室「KALABIKA」的創意總監，Bee Park曾參與BLACKPINK、aespa、ITZY、Hearts2Hearts等多組K-Pop團體的MV創意指導，並曾主導XG專輯《NEW DNA》的創意方向，負責其視覺世界觀，MV與線上宣傳。對她而言，現實與想像並非彼此對立，而是同一段連續經驗中的不同面向；音樂亦是如此，每一首歌都承載著人們生命中的情感、疑問與真實。

也因此，每當開始一個新計畫，Bee總會先花大量時間與唱片公司或藝人訪談，理解音樂真正想傳達的核心，再逐步建立一套屬於作品的創作邏輯。這個世界遵循著什麼樣的法則？角色為什麼會有這樣的行為？空間為什麼會呈現現在的樣貌？甚至每一件道具，又承載著什麼樣的意義？唯有當這些問題都有了答案，才會進一步發展場景、服裝、道具等視覺元素。她常把自己的創作方式比喻為電影製作，每一個空間、角色與物件，都應該訴說著同一個故事。「歸根究柢，我並不認為自己只是設計一個世界的人。我更像是在設計一套能夠讓那個世界誕生的條件。」

在aespa〈Armageddon〉MV企劃初期，唱片公司提供了「反烏托邦」（dystopia）、「宇宙恐怖」（cosmic horror）與「超人」（Übermensch）3個關鍵字。Bee說，當時自己正經歷人生中一段充滿恐懼的時期，因此，她從自身經驗出發，重新思考這些概念背後真正想探討的命題，並逐漸發展出整支MV的哲學核心：「超人，就是我自己。」她意識到，人終究必須面對的並非外在的怪物，而是自己。也因此，她與導演反覆討論，究竟什麼樣的空間與視覺方向，最能承載這套哲學。地下通道、室内游泳池等熟悉的日常場所，也在這樣的思考下，被重新詮釋為帶有反烏托邦氛圍的空間，成為角色内心世界的延伸。

而在ITZY的〈Motto〉（座右銘）MV中，飄浮的梯子、巨大的水母、堆疊的露營車、童話般的城堡等超現物件，其實共同指向同一個命題：人們如何在一次次選擇與反覆驗證中，逐漸找到屬於自己的信念。例如飄浮在空中的梯子，便象徵著人們在人生的旅程中不斷尋找平衡，而那座巨大的城堡，則是人們替自己築起的恐懼與限制。「小時候，我們總覺得世界像一座巨大的堡壘，可是當我們長大回頭再看，才發現它更像是童年時親手搭起的小帳篷。」當角色一步步跨越那些看似龐大的障礙，真正超越的，其實始終是自己。「我並不想刻意區分現實與幻想，而是希望創造一个世界，以最清晰、也最美的方式傳達出同一個訊息。」

有趣的是，當外界開始用閾限空間、夢核或怪核等詞彙來形容這些作品時，Bee卻認為，那些名稱只是作品完成後，人們用來理解它的語言，而非創作真正的起點。「我的創作永遠都從同一個問題開始：這個世界，為什麼有存在的必要？」找到答案之後，她才逐步建構出屬於作品的世界觀。至於最後人們將它稱作任何風格，對她而言其實沒有那麼重要；她更希望自己的作品，能讓人們以一種略帶陌生的視角，重新觀看自己所認為的「現實」。

Bee觀察，近年愈來愈多人被這些超現實的視覺語言吸引，背後反映的其實是人們感知現實的方式正在改變。「這些夢境與現實之間的界線、既熟悉又陌生的空間、不安與懷舊的情緒，我並不認為它們是網路文化的產物。我相信，這一直都是人之所以為人的一部分。」當生活不斷穿梭於實體與數位、記憶與演算法之間，現實本身已經比過去更加多層次，也更加複雜。因此，人們逐漸從追尋「再現現實」的影像，轉向能夠表達「現實感受」的視覺語言。在Bee看來，超現實並不是為了逃離現實，而是透過另一種觀看方式，重新理解現實，也成為這個世代表達自身經驗的一種新語言。

Bee Park
韓國創意指導、設計師，現為創意工作室 KALABIKA 創辦人暨創意總監。長期投入品牌識別、 視覺設計與創意統籌，曾參與 BLACKPINK〈GO〉、aespa、 ITZY、Hearts2Hearts、XG、 MEOVV 等團體的 MV 製作。@paak.bee

✯ ahryandchung ✯ 用物件重新發明現實

近年來，從新生代韓國女團ILLIT的〈Magnetis〉，到HYUKOH與落日飛車合作的〈YoungMan〉、Silica Gel等獨立樂團的音樂錄影帶，都能看見一種介於現實與夢境之間的視覺語言：熟悉卻陌生的空間、失真的日常物件，以及淡淡的懷舊感。身兼物件創作雙人組與美術指導，ahryandchung長期投入裝置藝術與展覽計畫，也活躍於音樂錄影帶創作，擅長透過重新組裝日常物件、改變空間秩序，讓現實世界悄悄裂開一道縫。

不過，當愈來愈多人開始用閾限空間、夢核或怪核來形容這股風潮，ahryandchung卻認為，與其說它是一股短暫的流行趨勢，倒不如說是一整個世代共同的網路記憶，正逐漸浮現為新的視覺語言。「我們正好是站在類比與數位交界的一代。」兩人回憶，小時候正值撥接網路開始普及，他們在論壇裡用ASCII Art和特殊符號表達自己，也透過早期的Flash動畫、3D圖像與虛擬遊戲世界建立自己的美感，在低解析度的畫面中，憑著直覺學會自己與畫面中央那個粗糙準星之間的關係。「當時的數位影像因為媒介本身的技術限制，自然形成了一種現實與非現實並存的獨特氛圍。那樣的感受一直留存在我們心中，也持續影響著我們今天觀看世界的方式。」

也因此，比起創造一個全新的幻想世界，ahryandchung更感興趣的，是透過輕輕扭轉日常物件與空間，讓現實與夢境、實體與數位、記憶與當下的界線慢慢變得模糊。這樣的想法，也延伸到ILLIT出道曲〈Magnetic〉的美術設計：未完成的獨角獸拼圖、逐漸變窄的走廊、改變方向的重力，以及沿著牆面奔跑的女孩們，彷彿夢境正悄悄滲入日常生活。兩人透露，整支MV的核心，其實是關於「女孩們留下的痕跡」。看似隨意散落的茶壺、方糖、火柴、玩偶、骰子、厚底鞋等物件，實際上都是她們穿梭於旅館時遺留下的線索。然而，隨著痕跡一次次被覆蓋、抹去，最終連女孩們自己也分不清哪些原本就存在、哪些是自己留下的，現實原有的秩序也隨之瓦解。

對ahryandchung而言，物件本身就承載著敘事的力量。如HYUKOH與落日飛車的合作曲〈Young Man〉中，那座貫穿整支MV的虛構樂器裝置「Synthesizer 🅉」，便是兩人創作方法最好的縮影。「我們研究了許多早期的合成器、電子樂器，以及各種揚聲器的造型。同時，我們也希望它看起來具有當代感，卻又讓人無法判斷它究竟屬於哪個年代。」為了打造這件作品，兩人經常往返二手市場、古物市集，尋找各種用途不明卻充滿魅力的零件，再重新拼組起來。原本毫無關聯的物件，最後竟像樂高積木般自然契合，成為一件既像雕塑、又像樂器的存在。

「如今，智慧型手機早已成為日常不可分割的一部分，我們似乎也自然而然地開始回想，在它們尚未進入生活之前，那個世界究竟是什麼模樣。」在ahryandchung眼裡，當所有資訊都彼此連結、隨手可搜尋、立即被驗證，那些充滿不確定性的瞬間與留白的空間反而變得更加珍貴。「直到今天，每當我們創作時，仍試著透過物件與空間，重新找回當年在網路世界裡感受到的那種心情——那份對未知的好奇與陌生感，以及現實和虛擬能夠自然交融的狀態。」

ahryandchung

由Ahry與Chung組成的韓國藝術雙人組，以拆解、組裝現成物件與各種材料為創作方法，探索物件之間偶然生成的關係。近年活躍於K-Pop MV美術指導、場景設計，並持續跨足裝置藝術與空間創作。@ahryblue、 @antcfk

文｜葉欣昀　圖片提供｜ahryandchung、KALABIKA　圖片協力｜KALABIKA