2019新光三越國際攝影聯展登場！橫浪修、晏人物等37位台日攝影師作品齊亮相

「2019 SKM PHOTO新光三越國際攝影聯展」將於4月3日起，於新光三越台北信義新天地A9 9F盛大開展，本次共集結37位影像藝術家、300幅影像故事，展區共分為A區以及B區！

A區展覽包含「2019新光三越國際攝影大賽得獎作品展」、「SKM PHOTO影像敘事特展室」、台灣攝影名家─吳東興「時序．影像」攝影展。

B區則以人像攝影為主題，邀請到日本空氣感療癒影像大師－橫浪修Osamu Yokonami以及三位台灣新生代攝影師－吳建衡、徐聖淵、張晏廷(晏人物)同台展出，帶來一系列撼動人心的影像盛宴！

A區｜免費參觀

2019新光三越國際攝影大賽得獎作品展

攝影是現代生活不或缺的一環，也將是你夢想成真的起點

攝影可以是瞬間唯美的片刻、可以是時光寫實的紀錄、可以是內心情緒的傳達，更可以是藝術美感的表現，在拍攝器材唾手可得的時代，人人都會攝影，但是能清楚的傳達自我風格的攝影視覺藝術，方能稱為是「攝影人」。

而「新光三越國際攝影大賽」正是一個為專業「攝影人」所創立的攝影視覺藝術平台，是個能讓您夢想成真的起點，活動藉由攝影者自訂主題，五張照片一個故事的系列創作競賽，讓攝影者在創作時重新「解構」攝影視覺藝術的角度，思考作品的起承轉合，分解觀景窗中物件元素所構成的獨有視覺畫面，傳達具個人且完整的創作概念及視覺藝術風格，挑戰自我，讓參與成為您夢想成真的起點！

SKM PHOTO 特展室－林誌聰．張雅雯．朱立葦攝影展

三個人三段故事，一窺攝影師鏡頭背後的攝影日記

「新光三越國際攝影大賽」秉持推廣台灣攝影藝術的理念，除每年舉辦攝影比賽、獎掖攝影人外，更期望能為攝影愛好者打造一良善展演平台；因此，為鼓勵當年度最受青睞攝影大賽得獎者持續創作，於隔年在「新光三越攝影聯展系列活動」中，公開再發表其個人創作，繼續彰顯攝影人自我獨特創作風格。

攝影藝術裡有著不同的影像記憶，記憶的構成或許是時光表現、是追尋夢想的初衷、是旅遊時隨感覺而擷取的畫面或是自己精心安排的架構所組成，但在攝影師的影像記憶中會是個什麼樣的世界，歡迎大家來到「SKM PHOTO 特展室」，欣賞這三位攝影師的影像續事。

時序．影像－吳東興攝影展

掌握不同「時序」的美感

台灣攝影名家，同時也是新光三越國際攝影聯展活動創辦人－吳東興先生，此次將以「時序．影像」為主題，紀錄生活中自然美景的百變姿態、感受「時序」緩慢流逝所帶來的絕妙美感。

「風景」是攝影最受歡迎的題材之一，也是熱愛攝影的攝影人初學時入門創作的最初素材，明 王文昌 在套曲中曾言「良辰美景天付與，正四海太平時序」，生活美景由老天賞賜予我們，而「時序」這件事，卻是攝影人需切身掌握的。不同「時序」的美感，甚至巧遇最美的幻變「時序」，正是攝影帶給我最大的樂趣，而「時序」本身也是個規律者，所以當「時序」在考驗你的攝影耐心時，你大可不必亂了方寸，靜下心來等候或是享受當下，用心感受「時序」所將要交付予我們的攝影課題。

B區｜購票入場

療癒影像－橫浪修Osamu Yokonami攝影展

擅長補捉自然光線與純粹的心靈的日本空氣感療癒影像大師－橫浪修，擅長將少女人像拍得出神入化，作品總是讓人有和平、恬靜的感覺；其最具代表作品為《1000 Children》系列，以穿著校服的小女孩肩膊夾著水果為創作素材，當時為泰國兒童雜誌拍攝時，突發奇想讓小朋友結合當地盛產的新鮮水果拍照，雖然每位小朋友都穿上同樣的服裝，有著同樣的姿勢，但他們的神情、性格卻是截然不同的。《1000 Children》的概念又延伸到他另一個拍攝專題《Assembly》，以身穿制服的中學生為概念，在街頭猛然一看，會覺得是一個整體，細看後會發現每個人都是獨立的個體，個性相當鮮明。回歸到整體之後，每個人的個性又消聲匿跡，只看見集體的共性。

橫浪修Osamu Yokonami  

1967年出生於日本京都，1987年進入大阪視覺藝術學院就讀，1989年進入日本文化出版局寫真部，擅長捕捉純真、空氣感，曾拍攝蒼井優、新垣結衣、小松菜奈等日本女星，是少數商業與藝術兼具的攝影師；作品常見於日本各大時尚雜誌如《裝苑》、《Figaro》。

他們的世界－吳建衡攝影展

吳建衡Ed Wu，以一支電音三太子走訪各國的影片廣為人知，在旅行途中有感於世界上有如此多值得、應該、需要被知道的故事，而以「期望走別人沒走過的路」開始拿起相機，在2016-2018年間走訪多國，將故事帶回台灣與人們分享。

首次展覽將帶來駐地印度一年間記錄下的大小節慶，包括最廣為人知的Holi彩色節、印度教暴力女神Kali慶典、「東方威尼斯」烏代浦爾特殊的梅瓦王朝新年節慶；同時也帶來阿富汗帕米爾高原上冷冽氣候、與世隔絕的環境中，只屬於當地民族生活方式。也將以一張點閱率破百萬的人物肖像，來述說一路走來這一連串無與倫比的冒險故事。

台灣人文紀實攝影師─吳建衡 Ed Wu

2012年帶著一尊台灣特有的電音三太子神偶，遠赴印度拍攝台灣推廣影片，於網路上引發廣大迴響，後續獲得各界幫助，花費三年時間完成台灣三太子巡迴72國影片。現為專職紀實人文攝影師，目標是走別人沒走過的路；曾獲得 MIFA、MPA、IPA、TIFA等國際攝影獎項。

愛LOVE-徐聖淵攝影展

曾以《哭泣女孩》一書記錄下女孩們最私密眼淚的徐聖淵；用六年的時間，跨出台灣走訪北京、上海、京都、香港、沙巴等地方，與超過五百位素昧平生的女孩相遇，用相機凝結了她們生命中最悲傷的時刻。本次展覽除展出他的成名作《哭泣女孩》外，更帶來未曾曝光全新系列創作《無條件的愛》，以人類與寵物坦誠相見的平等概念，請模特兒想像「牠有一天會離開你」的情緒並記錄下來。

徐聖淵認為人類選擇另外一種生物當作寵物其實是一種安全的關係，可以毫無保留、放心地付出感情而不必擔心「受到傷害」，相較之下人與人之間相處的變化因子實在太多。他曾經失去過也受傷過，於是開始想要見證這種「無條件的愛」。

台灣首位獲法國PX3攝影獎攝影師─徐聖淵 Shengyuan Hsu

英國創意藝術大學攝影碩士，曾任中華民國總統府攝影官、台北市長專屬攝影師。2006年以自費出版攝影集《STRANGERS》成為首位獲得法國巴黎PX3攝影獎的台灣攝影師。2010年開始創作《哭泣女孩》，以相機蒐集超過500位女孩的故事與淚水，並以此項作品成為首位於北京今日美術館舉辦攝影展的台灣攝影師。

晏人物-張晏廷攝影展

張晏廷Timothy Chang，將以其經營粉絲專頁「晏人物」為名，舉辦生涯首次展覽，帶來這些年鏡頭下各類氣質男子的寫真記錄。本次將展出他兩大系列作品，以「愛人的凝視」為題，創作首部個人攝影集《EVERYTHING》，讓閱讀者想像一趟簡單、卻因為是和喜歡的人單獨同行而顯得奢侈的旅行，讓所有閱聽人把自己曾經愛過、暗戀過、著迷過的男孩投影在書中，彷彿一場無傷大雅的療癒之夢；《NIGHT AIR》企圖要擴張眾人對日常的野性想像，男子性感不總是來自尺度，同時也在於男子的神態捕捉以及光色變化，一反拍攝男性常見的室內攝影棚或是自然風景，晏人物在街頭各自拍攝六位風格迥異的男子。透過鏡頭創作，開啟人們對於日常平板所覆蓋之下的性感想像。

博客來百大藝術類攝影作家─張晏廷 Timothy Chang

1993年生，國立台灣大學工商管理學系畢業。於20歲課餘時間接觸到攝影，著迷在男子攝影一途。2014年夏天，拍攝台大盃男排全明星賽宣傳，透過社群及各家媒體的熱烈轉發，於台灣發跡，其作品遍及台灣、日本、泰國等華人地區；2018年以個人第一本攝影集《EVERYTHING》空降各大書店該類排行冠軍，成為當年度博客來百大作者藝術類作家。

2019 SKM PHOTO新光三越國際攝影聯展資訊

4/03(三)－4/22(一) 新光三越 台北信義新天地A9 9F

5/16(四)－6/03(一) 新光三越 台中中港店10F

6/06(四)－6/24(一) 新光三越 高雄左營店10F

※ 上述各場展覽日最後一天僅開放至晚間6:00止

更多資訊可洽官網

via 新光三越

一間不賣鮮花的花店，竟能巡迴紐約、墨爾本、香港、新加坡等大城市，所到之地皆掀起排隊熱潮，這到底是怎麼一回事？原來這是澳洲當代藝術家Cj Hendry策動的「Flower Shop」藝術計畫，她以絨毛為材質，重新演繹各形各色的花卉，從莖葉到花瓣都細膩還原！

在開花店之前，「色鉛筆」超寫實畫作就引發社群討論

早在「Flower Shop」爆紅之前，Cj Hendry就以高超到得以「掩人耳目」的畫技為藝術迷熟知——閃閃發亮的迪斯可球、揉皺的塑膠袋、黏稠未乾的顏料、輕盈閃著幻彩的泡泡、盤中渾圓美味的魚子醬……，她不靠多樣媒材堆疊創作，就憑「色鉛筆」調色繪出！每道如顏料質地反射的光、彷彿立體物件自帶的影，都靠她巧手創造。看著這些巨幅超寫實畫作，不說還以為是攝影作品。

「Flower Shop」專賣永不凋零的花

近年，Cj Hendry將創作領域從超寫實畫作，拓展至大型藝術裝置和體驗，讓藝術以更可親的方式靠近大眾。2024年，她在紐約首度推出「Flower Market」，販售一系列以織品和泡棉製作而成、永不凋零的絨毛花朵，沒想到活動大受歡迎，最後快閃甚至演變為一間位於紐約SoHo區的永久性花店。其後，Hendry將計畫更名為「Flower Shop」並帶著作品去往世界各地。

為何以花為創作載體？Hendry認為，花是一種「人人都懂的語言」，無論是慶祝、道歉或單純想為日常製造浪漫，人們都會買花；不過可惜的是，鮮花總敵不過枯萎的命運。她想將這件事反轉，藉由永不凋零的花朵，讓心意得以永遠綿延。此外，Hendry希望透過Flower Shop讓人們知道，藝術不一定高冷艱澀，也能是觸手可及、可以輕鬆和親朋好友分享的。

「Flower Shop」8/28登台北微風廣場

巡迴紐約、新加坡、香港和澳洲多座城市後，Flower Shop今年夏天來到台北，8/28起於微風廣場快閃登場。這座露天花店將佈置如溫室，讓人們有造訪花市的實感，現場集結100種絨毛花卉，其中包含7款以台灣花卉為靈感的作品。想為自己或所愛之人挑一束永生花束，別忘了把這行程加上行事曆！

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）