DIOR 2019 秋冬高級訂製服系列

「除了將布料裁剪成片，我們沒有更好的使用方式。裁縫的過程中，裁縫師形如卡巴拉*（Cabalistic）藝術般在接受與傳承永生造物與有限宇宙間，建構我們時稱的服飾。」

「現代女性毋須畫布，她自身的姿態足矣。」

節錄自展覽「服裝是否仍然時宜？」（Are Clothes Modern?）

Bernard Rudofsky* 於 1944 年策劃並在 MoMA 現代藝術博物館展出

建築師 Bernard Rudofsky 對於服裝功能性的提問，指引Maria Grazia Chiuri 建構高級訂製服的概念性新願景：服裝是和人體如命運交纏般密不可分的藝術品，獨一無二且富有個性。追隨 Bernard Rudofsky 的思路，他爬梳並確立服裝與建築適應身形與拿捏比例的共享教條，完整了 Maria Grazia Chiuri 的 Dior 2019 秋冬高級訂製服系列。

大秀選址品牌發源地－蒙田大道 30 號這棟別緻宅邸，展現創意總監與高訂工坊的緊密合作，呼應服裝裡細膩堆砌的建築魅影。

女性主義藝術家 Penny Slinger 一系列視覺風格強烈的黑白影像成為本系列靈感來源，她更設計本季攝心奪目的發表會場：風、火、水、土等煉金元素幻化為女精靈，棲身於滿溢侵略與神秘感的自然核心。她們承載世界的重量，如同撐起遠古神殿或某些巴黎建築中，身著一襲純淨線條袍裝的女性雕像廊柱（Caryatid*），遙應 Maria Grazia Chiuri 在這個探索黑色能帶來的多重感染力的系列裡，開場乍現的白色禮服。

「我可以整整寫一本書來描繪關於黑色的一切．．．」迪奧先生在他的著作《時尚小辭典》裡表達對黑色的註解宣言。飄逸而筆直垂墜，經常瞥見於古希臘女性身穿的 Peplos 禮服，它沒有鮮明輪廓或結構性剪裁，而是藉由女性的身形姿態賦予禮服輪廓。迪奧先生在他最後一季高級訂製服作品裡，重新訪遊垂墜鋪陳出的線路，在高訂剪裁與建築輪廓間徘徊游移，因縝密的裁縫而漸漸清晰。回應至今對於“服裝是否仍然時宜？”的詰問依舊響亮，以此重申高級訂製服對當代性質疑的承觴。

一系列純粹黑色的高訂作品，因妝點些許色彩浮現力道，也暗示重返源起的初衷，讓高級訂製服在萬紫千紅的時代潮流裡，仍保有孑然矗立之姿。黑色是對於臻美的冀求，姿態多變的披肩大衣體現這份圓滿。每件禮服如華廈般披露建築的態勢，如地基般穩固地撐起一身榮景。

Bernard Rudofsky 疾呼：「我們不需要新的建築方法，我們需要的是新的生活方式。」同樣地，本系列刻劃一幅前所未見的景致，高級訂製服工坊儼然成為創意實驗室，探索衣著與對應時代與空間的思維換置，從而定位人體、衣著與歸屬感在浩瀚時空中的獨特座標。

*Cabalistic 卡巴拉，希伯來語字面意思是“接受／傳承”，是與猶太哲學觀點有關的思想，用來解釋永恆的造物主與有限宇宙間的關係，被許多教派所引用。卡巴拉的生命之樹有諸多追隨者如瑪丹娜。Maria Grazia Chiuri 曾於 Dior 2018 的 Sauvage 早春度假系列塔羅牌圖騰中引用關於卡巴拉教義的思想作為創作靈感。

*Bernard Rudofsky（1905-1988），奧地利美籍建築師與評論家。他不斷提出傳統企業對於因地制宜的建築提出前瞻性的觀察論點。1944 年他於美國紐約當代藝術博物館策畫了「Are Clothes Modern?」展覽，他在完成展覽後隨之於 1947 年發表論文，並以此思考人對於衣著相對於時間、空間與時代當下生活方式間的依存關係做出提問與反思。Rudofsky 遊走於人類學與心理學的前沿，探討人類對於因希望能跟上時代而對生活型態與衣著時尚的非理性行為。

*女性雕像廊柱：出自 Agnès Varda 1984 年充滿詩意的紀錄片《Les Dites Cariatide》，啟發 Maria Grazia Chiuri 本季的高級訂製服創作。Agnès Varda（1928/5/30–2019/3/29) 比利時裔的法國導演、攝影師與藝術家。她的作品嶄露的前瞻性對於1950-60年代法國新浪潮運動有深切的影響，專注於成就現實主義與點出女性主義的議題，同時她也發表其它帶有濃厚獨特的實驗性質的社會評論作品。

via Dior

彷彿一塊正慢慢融化的薄荷冰磚，MVRDV為珠寶品牌Tiffany & Co.設計的北京旗艦店，為三里屯街區添了份浪漫而靈動的氣息。建築立面如流水般延展的玻璃帷幕，不僅在色彩上直觀呼應Tiffany & Co.標誌性的「蒂芬妮藍（Tiffany Blue）」，也透過線條與造型，向傳奇珠寶設計師Elsa Peretti設計的「Bone Cuff」手鐲致敬。

回顧MVRDV X Tiffany & Co.特色店鋪

2025年底開幕的北京三里屯旗艦店，是Tiffany & Co.五度與荷蘭建築事務所MVRDV共創之作，過去雙方曾攜手打造品牌位於中國、新加坡、德國等地的店鋪建築。在上海前灘太古里，門店立面由6,988顆手工打造的「玻璃鑽石」構築，璀璨奪目，呼應Tiffany & Co.引以為傲的鑽石珠寶；在新加坡樟宜機場，店鋪被珊瑚造型的3D列印外牆包覆，靈感源自品牌珠寶作品中常見的植物元素。

將經典「骨頭手鐲」化為建築線條

視線轉至北京，MVRDV從Tiffany & Co.經典手鐲「Bone Cuff」汲取靈感，為品牌構思旗艦店建築。Bone Cuff誕生於1970年，出自義大利珠寶設計師Elsa Peretti之手。她受童年參觀羅馬古老地下墓穴的旅程啟發，融合對建築鬼才高第（Antoni Gaudí）作品的觀察，賦予手鐲不規則的流動線條，更特別的是，她也根據人體骨骼調整手鐲結構，使其得以完美貼合配戴者手腕線條。從創作思考到實品，此作都可謂珠寶界最具顛覆性的傳奇作品之一。

如夢似幻的「蒂芬妮藍」玻璃帷幕

MVRDV如何將手鐲線條轉化為建築元素？團隊利用一系列弧形玻璃肋狀結構，為建築搭起高達20公尺、如波浪般起伏的半透明帷幕，並善用門店位在十字路口的位置優勢，讓帷幕面向街邊處尤向外凸出，讓立面與街區在視覺上形成更活潑、有趣的互動關係。色彩則以介於藍、綠之間的「蒂芬妮藍（Tiffany Blue）」優雅色調呈現，為門店增添一抹空靈之感。

玻璃帷幕隨日光流動、觀者移動而產生的變幻視覺效果，也是MVRDV欲強調的設計巧思，對此合夥創辦人Jacob van Rijs表示：「從側面看，密集排列的層疊玻璃片會放大光影的變化，從而凸顯立面的曲線形態。當觀者靠近建築，還能從玻璃片之間隱約看見店內展示的珠寶。」透過這樣的設計，MVRDV盼能讓門店像是「如夢似幻的存在」，彷彿遊走於幻境和現實之間，在喧鬧的城市鬧區顯得格外脫俗。

精品如何將奢華化為一種能夠被細看、觸摸和停留的細節？香奈兒台北 SOGO 復興精品店以全新面貌重新開幕，這座橫跨 3 層樓、占地約 280 坪的全台最大門店，透過精心策劃的生活美學空間，演繹一場關於香奈兒風格如何被建構、被行走、被感受的展演。

➣本文選自La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》，更多精彩內容請點此

走進香奈兒台北 SOGO 復興精品店，會發現 1～3 樓氛圍由開放漸轉為私密，從大氣的迎賓客廳，到 2 樓如主人與親密好友共享的溫馨餐廳，3 樓則是主人享受 me time 的靜謐臥室，就如同置身香奈兒大宅。

空間的整體設計靈感，依舊回到嘉柏麗．香奈兒位於巴黎康朋街 31 號的傳奇寓所，那是香奈兒美學的起點，也是品牌精神最重要的空間原型。品牌長期合作的建築師 Peter Marino 的設計思維，是將藝術融入建築，以黑、白、米、金等品牌經典色調為基礎，透過純粹線條、層層遞進的材質關係，以及當代藝術與設計收藏，重新建立一種專屬香奈兒的感官秩序。

重新定義優雅的移動體驗

店內設有兩座電梯，其中一座為香奈兒亞洲店鋪首座透明電梯，由於 SOGO 復興館本身具有特殊挑高結構，讓顧客在移動中依然保有視野的延展感，感知整個精品店的開闊尺度與垂直層次。另一座金色電梯則近乎一件移動中的藝術品，每層的電梯門片圖騰皆不同，皆由 Peter Marino 邀請設計師於美國量身打造後專程運抵台灣。內部由全金色特殊凹凸紋理金屬面板包覆，金屬表面的光影、手感與色澤在近距離中格外迷人，短短數 10 秒的移動，也像一段被精緻設計過的沉浸式體驗。

步入傳奇寓所般的 3 層風景

1 樓主要展示包款、配飾與腕錶高級珠寶空間，是整座精品店最直接與品牌經典符碼對話的起點，透過材質對比、比例安排與光感控制，建立一種既洗鍊又從容的迎賓氛圍。店內專屬腕錶與高級珠寶區，則讓 COCO CRUSH、N°5、J12、Première 等作品，在更靜謐的空間節奏裡發光。

Peter Marino 也特別挑選立體織紋地毯，這種地毯因為養護難度高，在一般商空中極少見，卻讓人在步行其上時感受到近乎「回到家」般的柔軟與包覆感。更耐人尋味的是，地毯的立體流蘇細節，也被視為向現任時尚總監 Matthieu Blazy 致意，令人聯想到他在設計中對斜紋軟呢織紋與材質肌理的創造性發揮，牆面與地毯之間彼此呼應，形成近似雕塑表面的立體紋理。

豐富多元的沙龍表情，工藝細節隱藏於牆面及試衣間

2 樓以藝術家 Nancy Lorenz 的金箔鏡面作品作為視覺焦點，其不規則圓形鏡面以金箔、石膏與鏡面材質構成，散發出帶有手工感的細緻光澤。Nancy Lorenz 擅長將東方工藝與當代藝術結合，抬頭可見由 Goossens 金銀工坊製作的水晶吊燈，以鍍金鏈條與水晶組成華麗但節制的光源裝置，再次提醒人們，香奈兒對工藝的重視從服裝延伸到了整體空間的每一處細節。

步上 3 樓，高級時裝空間的氛圍更顯私密，可見 Julian Lethbridge 的抽象石版畫、Frank Thiel 的建築攝影、Agnes Martin 的極簡幾何作品與 Minjung Kim 的韓紙創作，共同構成最深刻的藝術背景。它們分別從層疊、秩序、結構與材質出發，呼應香奈兒在服裝世界中對版型、比例、表面與工藝的持續探索。

家具配置也同樣講究，Aaron Poritz 的拋光青銅雕塑座椅、Thierry Leproust 的幾何造型桌、Christophe Côme 以石材、金屬與玻璃打造的訂製咖啡桌，都不只是被放進空間裡的物件，而像是將香奈兒經典語彙轉化為立體形式的媒介。尤其 Côme 的作品中可見近似珍珠裝飾的細節，更巧妙呼應品牌歷史中極具代表性的珠寶語彙。

全亞洲唯一的 CHANEL & Moi Salon

這次空間更新中極具象徵性的，還有全亞洲唯一的 CHANEL & Moi Salon，以溫暖的金色布面牆、柔和的小圓桌與沙發構成，營造出安定、放鬆且帶有親密感的氛圍，像是香奈兒將「照顧」納入空間設計的一種方式。它不再只是販售精品的場域，更是一個讓關係得以被維繫與深化的地方。

若再繼續細看，會發現牆面與更衣室的細節，掛衣桿後方牆面的立體壁紙，帶有近似雕塑般的表面起伏。部分更衣室牆面上的繃布，遠看猶如石牆或建築材質，實際上卻是布料本身；某些區域甚至直接以斜紋軟呢布料包覆牆面，將時裝材質真正帶入建築之中。更衣室門板則同樣為特別訂製後自美國直運來台，每一扇都是全台唯一、不可複製的作品，勃根地酒紅色與立體織紋般的造型，傳遞品牌一貫的色彩記憶與工藝氣質。更值得一提的是，更衣室牆面上的立體山形紋圖騰，甚至由工匠現場手繪完成，使試衣空間本身也成為一種可被閱讀的表面藝術。

香奈兒台北 SOGO 復興精品店不僅蒐羅了多件藝術與設計作品，更清晰呈現一個品牌如何透過空間，將自身的歷史、工藝與美學價值轉化為可被感知的經驗。從動線安排、材質紋理到藝術收藏與細部裝飾，這裡所建構的，是一座在城市中心被重新打開的香奈兒美學居所，讓人在行走、停留與凝視之間，讀出品牌優雅而細膩的精神世界。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》

_{文｜張瑋涵　圖片提供｜CHANEL}