DIOR 2019 秋冬高級訂製服系列

「除了將布料裁剪成片，我們沒有更好的使用方式。裁縫的過程中，裁縫師形如卡巴拉*（Cabalistic）藝術般在接受與傳承永生造物與有限宇宙間，建構我們時稱的服飾。」

「現代女性毋須畫布，她自身的姿態足矣。」

節錄自展覽「服裝是否仍然時宜？」（Are Clothes Modern?）

Bernard Rudofsky* 於 1944 年策劃並在 MoMA 現代藝術博物館展出

建築師 Bernard Rudofsky 對於服裝功能性的提問，指引Maria Grazia Chiuri 建構高級訂製服的概念性新願景：服裝是和人體如命運交纏般密不可分的藝術品，獨一無二且富有個性。追隨 Bernard Rudofsky 的思路，他爬梳並確立服裝與建築適應身形與拿捏比例的共享教條，完整了 Maria Grazia Chiuri 的 Dior 2019 秋冬高級訂製服系列。

大秀選址品牌發源地－蒙田大道 30 號這棟別緻宅邸，展現創意總監與高訂工坊的緊密合作，呼應服裝裡細膩堆砌的建築魅影。

女性主義藝術家 Penny Slinger 一系列視覺風格強烈的黑白影像成為本系列靈感來源，她更設計本季攝心奪目的發表會場：風、火、水、土等煉金元素幻化為女精靈，棲身於滿溢侵略與神秘感的自然核心。她們承載世界的重量，如同撐起遠古神殿或某些巴黎建築中，身著一襲純淨線條袍裝的女性雕像廊柱（Caryatid*），遙應 Maria Grazia Chiuri 在這個探索黑色能帶來的多重感染力的系列裡，開場乍現的白色禮服。

「我可以整整寫一本書來描繪關於黑色的一切．．．」迪奧先生在他的著作《時尚小辭典》裡表達對黑色的註解宣言。飄逸而筆直垂墜，經常瞥見於古希臘女性身穿的 Peplos 禮服，它沒有鮮明輪廓或結構性剪裁，而是藉由女性的身形姿態賦予禮服輪廓。迪奧先生在他最後一季高級訂製服作品裡，重新訪遊垂墜鋪陳出的線路，在高訂剪裁與建築輪廓間徘徊游移，因縝密的裁縫而漸漸清晰。回應至今對於“服裝是否仍然時宜？”的詰問依舊響亮，以此重申高級訂製服對當代性質疑的承觴。

一系列純粹黑色的高訂作品，因妝點些許色彩浮現力道，也暗示重返源起的初衷，讓高級訂製服在萬紫千紅的時代潮流裡，仍保有孑然矗立之姿。黑色是對於臻美的冀求，姿態多變的披肩大衣體現這份圓滿。每件禮服如華廈般披露建築的態勢，如地基般穩固地撐起一身榮景。

Bernard Rudofsky 疾呼：「我們不需要新的建築方法，我們需要的是新的生活方式。」同樣地，本系列刻劃一幅前所未見的景致，高級訂製服工坊儼然成為創意實驗室，探索衣著與對應時代與空間的思維換置，從而定位人體、衣著與歸屬感在浩瀚時空中的獨特座標。

*Cabalistic 卡巴拉，希伯來語字面意思是“接受／傳承”，是與猶太哲學觀點有關的思想，用來解釋永恆的造物主與有限宇宙間的關係，被許多教派所引用。卡巴拉的生命之樹有諸多追隨者如瑪丹娜。Maria Grazia Chiuri 曾於 Dior 2018 的 Sauvage 早春度假系列塔羅牌圖騰中引用關於卡巴拉教義的思想作為創作靈感。

*Bernard Rudofsky（1905-1988），奧地利美籍建築師與評論家。他不斷提出傳統企業對於因地制宜的建築提出前瞻性的觀察論點。1944 年他於美國紐約當代藝術博物館策畫了「Are Clothes Modern?」展覽，他在完成展覽後隨之於 1947 年發表論文，並以此思考人對於衣著相對於時間、空間與時代當下生活方式間的依存關係做出提問與反思。Rudofsky 遊走於人類學與心理學的前沿，探討人類對於因希望能跟上時代而對生活型態與衣著時尚的非理性行為。

*女性雕像廊柱：出自 Agnès Varda 1984 年充滿詩意的紀錄片《Les Dites Cariatide》，啟發 Maria Grazia Chiuri 本季的高級訂製服創作。Agnès Varda（1928/5/30–2019/3/29) 比利時裔的法國導演、攝影師與藝術家。她的作品嶄露的前瞻性對於1950-60年代法國新浪潮運動有深切的影響，專注於成就現實主義與點出女性主義的議題，同時她也發表其它帶有濃厚獨特的實驗性質的社會評論作品。

via Dior

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。