近年來，台灣文創產業日益蓬勃發展，有愈來愈多人願意投身於藝術、設計創作工作。而絕大部分的創作者除紛紛開設自己的臉書粉絲專頁、參與國內外藝術展會外，也傾向以小型個展與藝文工坊活動等實體活動，透過面對面互動的方式，讓消費大眾更加深入了解自己的創作靈感與理念。藝文空間媒合平台The Bridge Art，自2018年成立起，為多位藝術工作者媒合了多間氛圍獨特，富有設計感且自帶人潮的人氣餐飲空間舉辦展覽，並引導來店家消費的民眾，與台灣新銳藝術創作來個不經意的美好邂逅。不同於以往以短期單店展出的方式，自今年八月底開始，The Bridge Art將為包括CH Li、沈鈺華、詹睛棻及曾秉芳等藝術家，以一月一點的方式，策畫為期四個月的同步交叉巡展活動，以期擴大市場接觸範圍。

The Bridge Art結合藝文、餐飲、空間、氛圍　創造「美麗的事物」與「美味的食物」的《一期一會》

The Bridge Art創辦人張家華表示，在景氣低迷的環境中，人們追求的已不再是遙不可及的大富大貴，而是精神上的富足與充實；比起以往希望以較低的金額享受優惠服務，消費者更希望在有限的花費之中，獲得更多令人有所體悟及啟發的內容。有鑒於「美麗的事物」和「美味的食物」是最能及時給人鼓舞的正能量元素，The Bridge Art秉持著「一期一會」的概念，期待藉由幫新銳藝術創作者尋找適合展出，調性相符的店點空間，透過深浸式體驗，為所有到店消費並參與活動的來客帶來更多新的正向刺激。而本次所推出的同步交叉巡展，讓同一批展示作品在空間轉換過程間碰撞出不同的火花，不僅能增加更多人看到的機會，店家也能經由每月展出內容的交替，提供來客具有新鮮感的臨店附加體驗。

為此，The Bridge Art特別邀請了四位風格各異的台灣藝術新銳，分別以人、物、景、象為主題進行創作，隨著時間的推進，分別疊加入其他素材及互動活動企劃，使展覽內容豐富度提高，也更具吸引力。巡展並將由水彩肖象插畫家CH Li打頭陣，於8/25在台北信義區的夢幻甜點店「Ludique Crème調皮奶油」率先起跑，揭開序幕。

當妝容精緻的中世紀歐洲仕女 遇上21世紀網美打卡甜點　CH Li攜手「Ludique Crème調皮奶油」邀你在洛可可風格細節之中感受生活中那充滿驚喜的浪漫與美好

來自高雄的水彩插畫家CH Li擅長以輕淡粉嫩的馬卡龍色系，描繪出既寫實又寫意的唯美女性肖象。在CH Li 的YouTube頻道《CH Li’s Art》中，可以看到其在水彩創作過程，不疾不徐以清淡甜美用色、重複以「C」和「S」型線條勾勒出畫作細節，充份展現她對古典歐洲洛可可文化的憧憬，以及對帶有玫瑰色濾鏡般美好生活的嚮往。而同樣的視覺畫風，愈來愈常能在許多讓少女心噴發的「網美風」 甜點咖啡館中見到。

本次CH Li所展出之《Seasonal Art 2019》古典仕女結合四季花卉系列作品的第一站，就特別選在以藝術品方式雕琢出如璀璨珠寶般美味烘焙小點的「Ludique Crème調皮奶油」，並於9/15（日）下午15:00-17:00舉辦開展茶會，邀請喜歡美麗事物的朋友，在充滿設計感的優美環境中，一邊品嚐甜點，一邊與CH Li聊聊其歐風古典水彩肖象創作的初衷及洛可可風生活藝術哲學。

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旅法水彩畫家沈鈺華 透過流動的色彩 定格花朵綻放的瞬間　終將逝去的挺拔之姿 藉《時間集》化作不凋永恆

「花對我而言是綻放的印象，在那短暫的盛開將姿態與色彩華麗的展現，但瞬息的生命本質使花的姿態終將消逝，記憶卻永遠烙印在我的心中，成為自身經歷的一部份。」旅法水彩畫家沈鈺華如是說。花朵的盛開與綻放只是一種狀態，也是生命流逝的本質。人們生活在一個線性流逝的時間軸上，無⼀刻不邁向終點，透過花的肖像畫，沈鈺華希望觀者能感受到「時間」在生命上的作用力，並呈現生命的瞬息和脆弱。因此，沈鈺華今年選擇以「節氣」為題，水為媒介，融合了水墨花鳥渲染工法及水彩上色，在一張張畫紙落下清麗纖細而姿態高雅的時令花卉，為靜物肖象創作賦予季節更迭，時光流轉的動態意象。

延續八月在「木白甜點」咖啡店展出的《時間集－立秋》，由朱槿、野薑花及扶桑等花朵畫作引領人們提早於盛夏之中感受充滿秋意的詩情氛圍，9/2至12/22間，並將依序輪流於「某咖啡」、「貝克宅」、「Instil Coffee Dimension」和「好人好室x七二聚場」四間人文咖啡館，相繼推出《時間集－白露》、《時間集－霜降》、《時間集－冬至》、《時間集－大雪》不同節氣之花卉肖象創作。

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創作不設限 詹晴棻大玩媒材重組 尋求新鮮視覺表現手法　以手繪水彩結合花磚幾何圖騰設計 詮釋如萬花筒般的異想世界

畢業於台北藝術大學的視覺藝術工作者詹晴棻，從事藝術創作多年，作品類型涵蓋了水彩插畫、壓克力、色鉛筆、攝影及剪紙等不同媒材，近期也開始進行飾品設計。但凡運用什麼樣的創作工具，都可以看見充滿想像和故事張力的視覺風格；每每欣賞詹晴棻的作品，便像是走進了繽紛絢麗的萬花筒，細看後則會發現畫面構圖全是由她所熱愛的多項元素所組成，並透過作品熱切地向大眾做最直觀的意識溝通，表達了其保有富有童趣及懷舊情感的世界觀。

詹晴棻認為，藝術是一種把事物揭曉的軌跡，而興趣則是通往未來的鑰匙。經由藝術創作，人們可以將喜歡的事物自由融合成自己滿意的模樣，為當下內在的狀態做具像化之紀錄。因此，每一幅畫作都像是一篇心情故事，囊括了日常中的體悟，最後所集結成現在的「自我」，並透過創作展覽，向觀者分享自己內心的感動和對生活的熱情。9/4起，詹晴棻結合了花磚圖騰元素的水彩插畫系列創作，將於文青精品咖啡館「貝克宅」展出，同時在9/14、9/15的兩個周末假日，舉辦預約制《花磚好宅》似顏繪活動，接受人物及寵物的現場肖像訂製。

活動名額有限，如欲前往參加，即日起可至Accupass活動頁面了解詳情，並儘早完成報名，以免向隅。（連結網址：https://www.accupass.com/go/thebridgeart）

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原住民藝術家曾秉芳以抽象手法結合濃烈色彩　透過《沒有文字的語言》在衝突中找尋找視覺和諧與共存的方式

自小隨父母離開部落至都市生活的抽象派藝術家曾秉芳，其成長過程與一般都市漢族孩子並無相異，但她所擁有的阿美族名：Lahok Oding，卻時時提醒她體內所流淌，又似沈睡的原住民血液。在年屆三十之際，曾秉芳為了在母體文化與身份認同的混淆中尋找自我，拋棄了上班族的身份，投入繪畫創作之中；憑藉著自己對多元文化好奇，和兒時與祖母邊哼唱著原民童謠邊縫製阿美族傳統服裝的回憶，曾秉芳將腦子裡混雜的意象透過抽象畫面直覺表現出來，跳脫刻意追求平衡及融合的世俗規範，以濃烈而充滿對比的配色搭載不協調的形體輪廓，反而造就了他鮮明大膽的作畫風格，其《沒有文字的語言》系列創作多次入選以原民當代藝術為評審主體的「PULIMA藝術獎」，並在2018年獲得評審團獎，逐漸受到藝術界的矚目。

本次與The Bridge Art合作之巡展，曾秉芳特別挑選了出自《沒有文字的語言》系列中《拉扯》、《跳舞》、《擊掌》三幅複製版畫作品於8/28在「Instil Coffee Dimension」展出。近100%精細還原的藝術微噴印刷技術，不僅忠實呈現原作高飽和度的色彩，並保留其極細緻的色彩變化，顯示濃淡、融合和各種筆觸細節，充分展現出原作的精髓。而10至12月，作品也將接連移至「好人好室x七二聚場」、「貝克宅」和「某咖啡」與喜歡曾秉芳創作的粉絲見面。

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Via／The Bridge Art藝術媒合平台

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）