璀璨的夕照讓河面閃爍光芒，光線的變化為山景染上色彩萬千的樣貌，這是淡水的風光，每一眨眼都是美麗的風華。世紀以來畫家們總想將眼前的淡水景色留下，隨著科技的發展和文明的建設，人們更為這座城鎮的夜晚創造了點點亮光。 

光是人類文明進步的基礎，它展現文明的進程，更能點亮文化。良好的照明設計能讓場所的精神被彰顯出來，良善的光環境不僅對環境友善，更能透過照明的設計規劃，凸顯空間的歷史及文化面貌，光不只有照明的功能，更能讓人與土地和環境對話。

基金會長期推動「點亮計畫」光環境示範，秉持「以人為本，呼應環境」的理念，在點亮了台灣的廟宇文化、古城風華和藝文場館，走遍這座島嶼的中南部和東邊，「2019點亮計畫」來到了北台灣的淡水小鎮，將人與環境的關係做為光環境營造的核心精神。

1872年3月9日，馬偕博士乘船從淡水上岸，就此展開了29年在台灣的工作，創設教會、設立高等教育、開創女學堂、引進西方醫療，在此之前，西方現代的思想與科技幾乎未曾在北台灣耕耘過。馬偕的開墾讓淡水在宗教、醫療、教育、文化交流都亮起了光，也對北台灣的歷史文化帶來深遠的影響。在一百多年後的今天，藉著「點亮計畫」，基金會邀請了「2018台灣光環境獎」的得獎照明設計師陳宇晃為馬偕開墾的據點「淡水禮拜堂」進行照明改善計畫，將教堂及周圍的偕醫館（馬偕醫院發源地）、路樹和植栽景觀、街燈、廣場的整體照明營造成對人和對環境更為友善的光。 

淡水禮拜堂今日仍為台灣基督長老教會淡水教會聚會的場所，設計師宇晃除了考量人在教會環境的使用需求，也以不影響具百年歷史的教堂建物為前提，在原有燈具、電源處更改光源，或由他處投光來進行照明改善，而身為第三代基督徒的宇晃，更希望呈現從上帝而來的亮光，亮起對人與環境的愛和關懷。延續馬偕精神，基金會也藉淡水點亮計畫進行教育扎根，將光環境美學推廣至校園，邀請藝術家陳敬寶、王德瑜與淡水鄧公國小合作，透過光影遊戲與藝術史的結合，帶領學生實地走訪前輩藝術家作畫的場景，觀察環境中的光，紀錄光線的變化，進而製作針孔相機，理解光和成像的原理，引導學生從藝術家和科學家的角度認識光，暸解光如何改變人們看世界的方式。除了美感經驗的養成，更加深孩子對成長環境的認同，創造未來世代對美好景觀、生態、文化的視野與責任。

基金會也與淡水文史工作者「旅學堂」合作，邀請照明設計師陳怡彰共同主持導覽課程「光偵探：淡水的光軌跡之旅」，以淡水畫作中的美景為活動場域，藉由實地走訪，帶領淡水居民及遊客感知在地文化地景，探索並觀察環境中的光，從實際的感受與經驗，建立光環境融入生活和文化的應用。現今大眾經常容易忽視生活中的光污與光害，甚至有著愈亮就是愈好的文明迷思，除了社會普遍對光環境陌生與無感，照明設計專業在台灣也相對未被大量受到重視，基金會希望透過多元的推廣模式，鼓勵全民參與並凝聚共識、公私協力，以城市發展的永續共好精神，才能讓台灣的美麗真正亮起來。

淡水的燦亮夕陽落下後，夜晚來臨，城市中規劃的軸線便會隨著光影浮現出來。淡水河流沿岸的夜光是怎樣的光華？在點亮一座教堂後，希望當我們閉上眼睛，心中看見的是這座城鎮美好的亮光，這裡的光是真實、有情感的，是人和環境可以相互點亮的光。如同世紀以來畫家因為鍾情環境而將美景畫下，如今的我們也因著對眼前景物的嚮往，當天光暗去，人們會點起燈，讓夜色因著亮光也能延續它的美，期許人為創造的光不會影響我們的星空，而是能重新拾起人與環境美好的關係。

文字：李依樺

圖片提供：中強光電文化藝術基金會

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}