全球深受新冠病毒COVID-19疫情影響，不少國家更宣布進入緊急狀態，呼籲民眾待在家做好居家隔離，而如此結果也導致不少產業停擺，從觀光旅遊、餐飲、時尚到藝術畫廊等，似乎都在防疫期間成了受災戶，不過宅在家是否就意味著無法做些什麼呢？對英國神秘塗鴉藝術家Banksy班克斯來說，無論是在家還是街頭，只要能夠施展自我藝術才華的地方，通通都是好所在。

作品總是出其不意亮相各地街頭的Banksy，家鄉英國疫情依舊嚴峻，作品總緊扣社會議題的他，居家防疫期間創作也不停歇，與其冒著會被感染風險走上街頭作畫，不如選在自家廁所大畫特畫更為安全。

隨著英國封城邁入第四週，這位私生活始終成謎的藝術家，竟破天荒在Instagram上貼出自家廁所照片，並將鏡子、衛生紙、馬桶、毛巾掛勾等當作創作媒介，搭配活蹦亂跳的9隻老鼠塗鴉，為平凡無奇的廁所增添另人啼笑皆非的趣味。只見老鼠塗鴉在衛生紙上跳來跳去，用全身力氣擠牙膏，把鏡子推歪，在掛勾蕩鞦韆，甚至在馬桶蓋上撒尿等，玩得不亦樂乎。

 

 

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Banksy（@banksy）分享的貼文 於 PDT 2020 年 4月 月 15 日 上午 10:45 張貼

若你是十分熟悉Banksy創作的藝術迷，對於他畫中常出現老鼠想必不陌生，像是去年他在英國希斯洛機場（Heathrow Airport）海關口鐵捲門上的塗鴉作品《Keep Ou》，便以老鼠作為主角，藉著奮力拿著T的小老鼠身軀，表達他對英國決定脫歐的蔑視。不過，此次他則將老鼠作為居家創作好夥伴，只不過顯然有另一個人不太滿意，Banksy在貼文中寫道：「我老婆討厭我在家裡工作。」

 

 

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Banksy（@banksy）分享的貼文 於 PDT 2019 年 6月 月 11 日 上午 8:30 張貼

文藝復興時間的瘟疫隔離

當然，在家持續創作的藝術家不只有Banksyㄧ人，事實上，對於藝術家而言，居家隔離與世隔絕似乎是發揮創作靈感的好時機。像是在文藝復興時期，不少藝術家就因疾病而被隔離，像是曾飽受黑死病瘟疫困擾的義大利，15世紀威尼斯畫家喬爾喬內（Giorgione），在1510年逝世前夕皆被困在隔離小島Lazaretto Nuovo上，然而他在這個備受社會排斥的垂死之島上，他創作出了著名傑作《沉睡的維納斯》（Sleeping Venus），根據當時著名傳記作家Giorgio Vasari寫道，儘管畫作看似描繪神話裡的愛神維納斯，然而實際上他是以同樣遭到隔離的愛人為謬斯，在感到孤獨絕望時，為愛人所繪製，亦是他自身創作生涯中最後一幅畫作，畫面中愛神躺著，也巧妙寓意現實中的愛人正陷入垂死狀態。

隔離下淬煉而出的梵谷《星夜》

同樣在隔離期間藝術靈感大爆發的，自然不能不提及梵谷（Vincent van Gogh），在19世紀末從巴黎來到南法普羅旺斯小鎮亞爾（Arles）的他，立刻被艷麗陽光色彩深深吸引，激發他靈感如泉湧般，這段期間畫出多幅代表作，然而「割耳事件」後，飽受思覺失調症之苦的梵谷被送進了精神病院，自此精神狀態便反覆無常，1889年5月，在亞爾居民連署抗議下，梵谷離開了讓他心之嚮往的亞爾，被隔離的不只他整個人，還包含他的心。

隨後住進聖雷米聖保羅療養院（Maison de Santé St-Paul de Mausole），飽受疾病發作之苦的他，創作始終不間斷，由於住院初期只得從病房鐵窗窺看戶外風景，因此他便將療養院中的美麗花園繪製成《聖雷米療養院的花園》（The Garden of the Asylumat Saint-Remy），生機盎然的畫面彷彿自我療癒孤寂靈魂。舉世聞名的《星夜》（The Starry Night）同樣在此期間完成，從療養院望出去的漆黑城鎮，搭配上蜿蜒柏樹，讓人不安，然而星芒閃耀，有如深陷心理之苦的他依舊在深淵中努力奮鬥，持續發光發熱。

春天依舊存在 David Hockney畫出美好春日

回到現代，創下拍賣界在世藝術家最高作品價值紀錄的英國畫家David Hockney，在隔離期間則獻上10張用iPad創作的新作，其中包含ㄧ個長約1分鐘的動畫短片。近期旅居法國諾曼第的David Hockney，在春季來臨之際畫下法式田園風光，也許疫情影響了今年人們在春天的好興致，但大自然的生機綠意仍舊按照自己的步調往前，而他正是希望透過藝術，在疫境中為大家帶來溫暖能量。「生活裡最真實的就是食物和愛，就像我的小狗Ruby一樣，而我也確信藝術的ㄧ切源泉正是出自愛。」 點此看全新創作

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via BBC、WIKI、The Guardian

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？