能不能用藝術行動打破人權議題的思想厚壁?白色城中人權藝術展:這層壁不能被打破?

白色人權展

由鬧工作室策劃的「白色城中人權藝術展_這層壁不能被打破?」現正於「鬧空間」展出至11月15日。座落於台北市城中區的「鬧空間」是一棟1960年代由政治犯重回社會後所建的老屋,此次展覽從原本三樓展區首次延伸至四樓空間,集結七位創作者,共展出六組藝術作品,包括錄像、音樂創作、版畫、互動裝置。作品多以臺灣白色恐怖時期的歷史文獻作為創作藍本,透過大量的研究與實地訪查,邀請大眾一同思考身處在這個社會結構下,自身所面對的「壁」是甚麼?又可以用甚麼行動去「打破」?

白色城中人權藝術展_主視覺海報

展覽以「這層壁不能被打破?」為名,嘗試透過探討人權議題的藝術作品與民眾對話,意圖向現今社會拋出一些提問。標題取自1940年代在台北中山堂上演的寫實主義戲劇《壁》之中最後一句台詞:『壁啊!壁!為什麼這層壁不能被打破?』。劇中聳立於舞台正中央的一道牆壁,暗示著當時因貧富差距而產生巨大的隔閡,進而演變成一齣齣時代的悲劇。本展覽試圖以一連串的藝術行動,闡述人權議題中多重面向的「壁」:




《K的房間-關於世界的創造與毀滅(讀者篇)》透過扎實地研究訪查與細膩的影片拍攝手法,再現柯旗化先生被囚禁於牢房內的思想與生活樣貌。雖柯旗化的身體被禁錮於牢獄中長達十七年,卻以其思想突破了物理上的厚牆,使他在獄中編寫的《新英文法》成為六O、七O年代青年的共同回憶。《K的房間》曾在2020綠島人權藝術季展出,本次參展以讀者的視角出發,與觀眾分享當年曾經讀過《新英文法》並深受啟發的讀者們,在那苦悶的五感蒙蔽年代,藉由新語言的學習所建造的新世界。

     



《模型》與《打獵》則針對國家之手運作的痕跡提出一些觀點。《模型》以華山貨運站做為開端,比擬當時的政治犯在此地被當作貨物一樣被轉運,失去自由、失去了做為人的價值。又以「模型」命名欲表達某段國家歷史再現與展示的矛盾點,雖說模型製作背景多半是參考一些政治犯在獄中的生活經歷,但經過層層審查與選擇,最終還是以國家視角去呈現歷史的片段。創作者李佳泓認為:『如果回到一個以政治犯為主體時,那些確實存在過、活過的「人」,他們的主動性是不是也值得去探討?』

白色城中人權展_打獵_創作者王耀億_現場展出照_攝影張藝霖_20201102_2

走進錄像作品《打獵》首先映入眼簾的是一座直徑四米的環形布幕,以及不斷旋轉的投影機投射出像是搜捕的聚光燈。進入空間的觀者或許會被強烈的燈光照射產生不適感、或許會蹲坐觀看以躲避光束、也可能跟在燈光後方一同繞圈。無論是畫面中的追捕及被追捕者、抑或是觀看者,皆同時成為看與被看、運作權力與被權力運作之一體兩面。而廣播放送的聲音從過去的國府官方宣導,到近代中美雙方互相指控對方造假或監控的發言,暗示體制於監視與審查的進化,使裝置本身成為「環形監獄」的隱喻,而這種國家作為規訓機器的狀態,從歷史延伸到現代其實一直都存在。

   

《並置中凝視》透過空間氛圍、裝置物件、錄像與即時影像的安排,試圖打破現今社會中存在的二元思維框架。從踏上大紅地毯階梯開始,坐在象徵權威富貴的紅皮革沙發上,耳裡聽著氣勢磅礡的交響樂,眼前的電視中卻是一位驚恐不安的女子看著自己,觀者在與女子對望凝視的過程中,亦可從後方相框看到自己的投影正在監視這一切。創作者蔡佩珊希望營造出層層堆疊的知覺體驗,將觀者帶向一種極權體制下政治迫害者與受害者兩個身份的想像,同時在切換觀看角度時,可以感受到權力之間移轉的動態,進而開啟對話的可能性。

     


《壁》與《忘魂路》皆以1946年的戲劇《壁》及劇作家簡國賢生平作為參考文本。《壁》由九幅連環版畫及一首閩南語饒舌歌所組成。創作者李佳泓認為說唱是最適合乘載大量資訊的樂風,由佳泓寫詞、百合花樂團主唱林奕碩編曲演唱,以當代Trap曲風融合傳統戲曲南管,唱出當年困於貧富差距而無法翻身的窮苦人家之悲哀。《忘魂路》則以簡潔有力的物件重現當年舞台劇的概念,古老破舊的木碗與筷架上堆放著祭改用的草人,暗示餓死的窮人。搭配一台象徵當年追捕犯人的腳踏車,前燈聚焦於白色布幕上那句焦躁重複的台詞:『壁啊壁為什麼這層壁不能被打破』。腳踏車身則纏滿創作者以工整小楷抄寫政治犯的自白或日記,密密麻麻的字句,給人一種面對歷史傷痕有著難以言喻的沉重感。

      

透過思考政治犯的生命歷程,重新定位我們當代行動者面對世界的方式
1940至1950年代的城中區,與現今的氛圍大不同。在今日的行政劃分上,「城中區」的名稱雖然已經消失,卻在城市史上有著相當獨特的意義。1895年在日本統治下成為臺北政治中心。戰後,這裡除了原本生活於此地的本省籍人士,也由外省籍人士帶來了新的元素,並一度成為戰後工會、左翼藝文活動匯聚的地點。有別於大稻埕或艋舺等歷史區域的商業區氛圍,這個曾有書店、沙龍、咖啡廳及政府機關林立的空間,曾有一群懷有自由思想的記者、編輯及藝術創作者穿梭其中,他們期望能夠以各種運動改變社會,卻在1950年代紛紛落入白色恐怖的震盪而殞落。

雖然時過境遷,城中區不再是臺北城市發展的重心,卻仍保留了舊時的風景。作為落腳於城中區的展覽空間經營者,鬧工作室致力於將歷史與藝文活動結合,與一些在經營空間期間結識的研究者、藝術創作者、影像工作者們合作,透過舉辦多種類型的藝文活動,將「歷史」與「藝術文化」串連在一起,使大眾不只是利用書面資料理解史事,更可以透過藝術與創作,瞭解過去在城中區發生的人、事、物。


展覽資訊

日期|即日起至11月15日

時間|週一至週六12:00-21:00、週日12:00-19:00 

地點|鬧空間 NOW space/台北市中正區延平南路58號3樓、4樓

策展單位|鬧工作室 NOW studio

指導贊助單位|國家人權博物館National Human Rights Museum

和雨水共創,任繪畫有機生成!在TAO ART雙人藝術展《餘光》看見「材料和物質」充滿生機的表達力
TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力

四川與墨西哥城,兩座相隔萬里的城市,因藝術而有了交集,因兩位藝術家對「光」的共同追求,而產生跨越地域限制的共振。

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手推出《餘光》展覽,帶來中國藝術家謝帆、墨西哥藝術家Dennis Miranda Zamorano新作。儘管在尺幅、創作過程與文化語境上有所不同,兩人的作品皆訴說著某種「衝動」,也都試圖捕捉「光」所觸及的事物,並共享「信任材料得以表達自身」的創作哲學,讓圖像在「有機狀態」中生成。

TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力
(圖片提供:TAO ART)

橫跨四座城市的策展計畫

《餘光》作為TAO ART首次製作的雙人展,籌備過程涉及複雜的跨國合作——2位藝術家各來自四川、墨西哥城,主辦藝廊則分別位在台北、巴黎。對此TAO ART創辦人Vicky Chen表示,不同文化與創作形式之間的交流和火化,一直是TAO ART所關注的核心,而此次《餘光》在2位風格看似迥異、文化養成背景極其不同的藝術家之間,捕捉到了有趣的共鳴,傳遞了藝術和思想跨越國界的內在力量。

TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力
中國藝術家謝帆/墨西哥藝術家Dennis Miranda Zamorano。(圖片提供:TAO ART)

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo則補充,《餘光》的起點源自一個簡單的觀察:儘管謝帆與Dennis Miranda Zamorano之間存在許多差異,卻都試圖透過藝術作品,將某種「光亮」凝止於當下,「或許這因2人皆來自嗜辛之地——四川與墨西哥城,共享著貫穿文化、地景與感官經驗的強烈能量。一位將這種能量轉化為耐心與大地的質感,另一位則化為迫切的表達與偶然的力量。」

TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力
(圖片提供:TAO ART)

謝帆|交織感官、視覺、材料、生態的藝術創作

謝帆的藝術創作,體現了他對「物質」及其所蘊含的力量的深度探索。製作陶板繪畫是他日常生活的一部分,他親自準備泥土、燒製陶板,以細膩筆觸在陶板上作畫,這些作品未經矯飾,以貼近土地的質樸氣息和面貌,映現創作者的生活經驗,及對世界萬物的觀察。此次展覽亮點之作——「天象」系列陶板繪畫,描繪日月運行的軌跡,表達人類與宇宙之間的感知關係,捕捉了人類對光的深刻渴望。

TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力
(圖片提供:TAO ART)
TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力

除了陶板繪畫之外,謝帆也在絹上悉心作畫,並使用中片幅相機攝影。他在成都的工作室不僅是繪畫創作的空間,也像一座實驗室,他在那採集野外食材嘗試料理,培養微生物的小型生態系,長時間觀察其變化與行為。他對世界常保敏銳感受與好奇心,由此開展出交織感官、視覺、材料、生態的藝術宇宙。

TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力
(圖片提供:TAO ART)

謝帆的作品流動著靜謐能量,讓觀者得以進一步意識並感受身體周遭、從大地延展至天空的廣闊空間。Dennis Miranda Zamorano的藝術創作,則透露了創作者和媒材之間原始、強烈的能量交流,彷彿將某種世界神秘的初始力量引入畫布之上。

TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力
(圖片提供:TAO ART)

Dennis Miranda Zamorano|探索「超越人類存在」的藝術能量

Dennis運用噴漆、刀具、砂紙、化學材料等媒材創作,並將成長經驗轉譯於畫布,他自小的生活節奏隨著墨西哥露天市集(El Tianguis)流動,這份經歷讓他對各種「偶遇」擁有相當敏銳的感受,這也影響他適時放手、任作品「有機生成」的創作手法。舉例來說,Dennis部分作品與「雨水」共創,任自然元素參與作品的成形,在畫布上激盪出豐富層次與意想不到的效果,呈現一種「超越人類存在」的獨特感染力。

TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力
(圖片提供:TAO ART)

《餘光》展覽中尺幅最大的作品〈獻給美洲的花園〉,是一片瀰漫憂鬱氣息的遼闊藍色場域,其上覆蓋著複雜、細膩的各種形狀,如植物的枝葉根莖,夾雜著宛若斑駁光影灑落牆面的幽微印痕。

TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力
(圖片提供:TAO ART)

另一件作品〈黑暗中的光之樹〉則如神話場景,描繪著在黑暗森林中閃爍的微光,色彩波紋在水面與倒影之間蕩漾,透過豐富的筆觸、滴落的顏料、大膽的色彩與空間構成,營造出引人遐想的夢幻畫面。

TAO ART《餘光》謝帆與Dennis Miranda Zamorano雙人展!看見材料和物質充滿生機的表達力
(圖片提供:TAO ART)

Dennis曾說,他與謝帆的共鳴來自兩人都理解「信任材料會表達自身」的重要性。當兩人的作品置於同一空間,不僅是作為圖像而彼此對話,也開展了繪畫作為一種語言的可能性。身為觀眾的我們,也得以透過兩位藝術家的創意激盪,窺見繪畫顯現內在感知世界的能量。

《餘光》

展期|2026.05.2307.18

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)

開放時間|週二至週六 11:0019:00

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「百合」不只關於女女戀愛和慾望——新竹市美術館《百合》特展藉藝術、文學和電影,梳理當代女性的情感經驗
新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗

在當代社會中,「百合」被用來指稱女性之間的情感慾望,乘載愛戀與迷離。新竹市美術館《百合》以此為名,從歷史、文學、藝術、臺灣原住民文化、電影中找尋線索,擴延並探索「百合」一詞的意義——在這場展覽裡,「百合」不再只是談論女女戀愛或慾望,而是透過9組當代藝術家的演繹,開展出一種開放且未被完全定義、屬於女性主體的文化經驗與情感空間。這些經驗和空間的終點和界線在哪?或許正如展覽副標所題——「直到觸及我們的情感象限」。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
(圖片提供:新竹市美術館)

「百合」意義如何隨時代演變?

「百合(Yuri)」一詞源於1970年代的日本次文化語境,最初用來指涉以女性之間情感為主題的漫畫創作。隨著文化的發展,關於「百合」的敘事逐漸滲入更廣泛的大眾文化媒介,包括文學、影視與網路創作等。那些游移於友情與愛戀之間的親密情誼,也透過大眾文化觸及女性對性別與自我認同的情感經驗。

臺灣作家楊双子就曾於《少女之愛》一書中,擴延「百合」的意義。他認為,「百合」並非單一方向的愛戀或分類標籤,而更像是一種自由流動的情感座標,一種觀察、想像與投射關係的方式。

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林安琪Ciwas Tahos《Pswagi Temahahoi》。(圖片提供:新竹市美術館)

另一方面,若我們就時間軸往回追溯,「女性慾望另一個女性」的情感其實也不是在「百合」一詞出現後,才被觀察到。綜觀東亞歷史,會發現從臺灣泰雅族的「Temahahoi 女人社」傳說、台灣全女班歌仔戲,到風靡女性觀眾的寶塚歌劇團、韓國女性國劇等以「純女」為核心的表演傳統,都曾以不同形式描繪女性彼此之間的情感、凝視與慾望投射。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
鄭恩瑛《由閃光、殘影、速度與噪音所構築的表演》。(圖片提供:新竹市美術館)

因此在《百合》展覽中,策展人王咏琳、林映穎並不限定「百合」只是一種明確的關係,而認為這更接近一種對情感與性別的延伸想像。「百合」不再只是談論女女戀愛或慾望,而是一種得以鬆動分類、重新想像親密關係的觀看方式。在這個意義之下,展覽試圖探問:「百合」如何在當代開展出一種開放且未被完全定義、屬於女性主體的文化經驗與情感空間。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
(圖片提供:新竹市美術館)

集結9組藝術家,梳理當代女性的生命與情感經驗

《百合》匯集9組國內藝術家共同演繹,包含2019威尼斯雙年展韓國館代表藝術家鄭恩瑛(siren eun young jung)、艾美獎得主加拿大藝術家佩特拉・托頓(Petra Totten)、剛於倫敦海沃德美術館舉辦個展的李奧森、曾參展瀨戶內國際藝術祭的日本藝術家西山美奈子(Minako Nishiyama)、入圍2026金曲獎的女子雙人樂團凹與山、擅長詼諧觀點切入的藝術家黃海欣,曾於多處國內外重要機構展覽的林安琪 (Ciwas Tahos)、王亮尹與劉文瑄,以及新竹女中沂風漫研社等,一同梳理戰後與當代的女性生命與情感經驗。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
(圖片提供:新竹市美術館)

從藝術作品、楊双子座談到派對,《百合》展覽亮點一次看!

展覽特別委託日本藝術家西山美奈子現地製作其備受好評的《灰姑娘俗麗誌S+》,本作援引少女文化,混合了「莉卡娃娃屋」和日本純女劇團寶塚舞台的背板,去年於國立新美術館《時代的稜鏡——1989-2010在日本誕生的藝術》展出時吸引不少觀眾注意,這次藝術家也為台灣觀眾帶來特別裝置版本。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
西山美奈子《灰姑娘俗麗誌S+》。(圖片提供:新竹市美術館)

以藝術實踐持續重新檢視「女性主義酷兒(feminist-queer)」方法論的韓國藝術家鄭恩瑛,從2008年開始展開對「女性國劇」之研究、調查與分析,以藝術書寫這個一度風行卻又消失的全女性韓國傳統劇場民族誌。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
鄭恩瑛《由閃光、殘影、速度與噪音所構築的表演》。(圖片提供:新竹市美術館)

曾獲得艾美獎的加拿大藝術家Petra Totten,邀請觀眾跟隨作品中的跨性別女性Carrie踏上旅程,感受遮蔽其身分複雜性和「跨性別空間」的地方經驗。

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Petra Totten《我的身體是一處所在,就像其他任何所在一樣》。(圖片提供:新竹市美術館)

甫完成倫敦海沃德美術館個展的李奧森,其新作《因為會是一下子全消失的滅亡》,受委託者託付,將陌生死者的遺物,帶到遙遠的湖邊與雪地埋葬,透過此一裝置作品,重現社會對於女同志的限制與死後的荒涼。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
李奧森《因為會是一下子全消失的滅亡》。(圖片提供:新竹市美術館)

擅長以詼諧觀點切入創作的藝術家黃海欣,一系列作品圖像《鋼管do re mi》、《網美登山》、《In the Gym》和《台北女子三溫暖》等繪稿,展出藝術家十年裡對於女性當代生活的觀察。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
黃海欣《台北女子三溫暖》。(圖片提供:新竹市美術館)

電氣民謠雙人組「凹與山」從自身專輯《Hidden Album》出發,該專輯取用「現代人手機中的隱藏相簿/專輯隱藏曲目」之雙關意涵,談論社會邊緣的情感記憶,並與新竹女中沂風漫研社聯手合作,創作13部百合短篇漫畫。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
凹與山 x 沂風漫研社《Hidden Album》。(圖片提供:新竹市美術館)

除以新竹市美術館為主展場,《百合》也同布串聯新竹絕版影像館、新竹市影像博物館,舉辦多場放映會,片單包含對於本展概念形塑至關重要的李美彌《女子學校》。該片在1982年上映時, 以女校之中曖昧難明的同窗情誼作為核心敘事,這樣具有顛覆性的題材在當時引發社會關注;片尾主角們的無奈妥協,也間接映照出當時社會對同性戀仍普遍抱持負面觀感的時代壓力。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
《女子學校》電影劇照。(圖片來源:國家電影及視聽文化中心)

展覽另有多元的講座、派對活動,如2026國際布克獎得主楊双子將現身座談,浪漫銀河大舞廳則將共同呈獻「女子學校」展覽聯名派對等。

《百合》從電影、漫畫、音樂、表演與當代藝術創作出發,觀看「百合」如何在不同文化脈絡中被書寫、理解與再創造。展覽結合跨地域與世代的歷史文化切片、大眾文化與情感經驗,描繪女性如何成長、共存與相互回應,鋪展出帶有百合敘事性的感性經驗,並將「百合」的討論延伸至當代社會與政治現實之中,思考女性如何在既有結構之內,持續創造屬於自己的空間、關係與情感語言。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
(圖片提供:新竹市美術館)

百合——直到觸及我們的情感象限》

展期|2026.05.2608.02

展場| 新竹市美術館(主展場)、 新竹絕版影像館 (講座+作品放映)、新竹市影像博物館 (講座+作品放映)

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