《未來之花見:TAIWAN HOUSE》京都開展!巡迴展於The Terminal KYOTO

未來花見京都

由台灣設計師組隊前往日本東京與京都兩地展覽的《未來之花見:TAIWAN HOUSE》,自2021年10月2日在東京丸之內GOOD DESIGN Marunouchi 展開後,2021年10月23日至2021年11月7日,再移師京都 The Terminal KYOTO進行第二波宣傳,並讓台灣設計與京都傳統町屋開展出新氣象。

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展覽DM photo by 草字頭

移師京都 The Terminal KYOTO 巡迴展,來到富有日本傳統情調的「町屋」建築為載體的場域,與八位頂尖創作者、十個經典設計案例重新詮釋這場名為《未來之花見:TAIWAN HOUSE》的繁花盛事,展現一如台灣文化,柔軟並充滿彈性,因地制宜、靈活應變的台灣文化特質、綻放精彩設計盛宴。

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揉合日本風情,探遊「台灣設計」的全新風貌

不同於東京丸之內GOOD DESIGN Marunouchi的現代化空間,京都The Terminal KYOTO是累積近百年歷史的日本傳統「町屋」建築,充滿傳統文化精神也乘載著在地生活印記。而如何在這樣經典雋永的空間裡重新展現「台灣未來花園 ─ Fictional Garden野花園」,對於策展人來說是一大挑戰。除了必須延續「以花為喻」的象徵,展覽核心價值也需原味呈現,包含幾經收斂、探究而出的台灣三大設計精神「整合資源」、「社會應用」、「回應時代」,以及和P.Seven台灣茶香水品牌合作的氣味設計作品:

台灣桃園國際機場的專屬氣味「國門香」。 最終,策展單位Plan b與草字頭選擇透過空間作為語彙,以佈局的調動與動線的建構,在同樣的內涵架構下,賦予「Fictional野花園」全新的樣貌。

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張家翎作品 photo by Plan. b

8位頂尖設計師的重新創作 10個精選設計案例  挖掘「台灣設計」獨有魅力下的文化內涵

《未來之花見:TAIWAN HOUSE》集結八位來自不同領域的台灣頂尖創作者參與創作,包含設計團隊「究方社」、「無氏製作PiliWu-Design」,工藝設計新秀「張家翎」、花藝設計師「廖浩哲」、藝術家「劉文瑄」、平面設計師「顏宏安AN YEN」與時尚設計品牌「ANGUS CHIANG」、「Melted patato」,運用永續循環媒材創作,透過展品與空間、與環境交互的點綴、互動,表現台灣設計生態系多元協作的風采,透過展覽向日本觀眾建立「屬於台灣獨一無二的印象」。期望透過展覽與設計作為媒介,打開彼此的心房,進一步感受不同面向的台灣。

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京都巡迴展空間照

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究方社作品 photo by Plan. b

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ANGUS CHIANG作品 photo by Plan. b

展覽日期 | 2021.10.23 (六)-11.07 (日)

展覽時間 | 10:00-18:00

展覽地點 | The Terminal KYOTO(京都市下京区新町通仏光寺下ル岩戸山町424番地)

資料提供|台灣設計研究院

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日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像

亞紀畫廊群展《纏 繞 - 日本女性抽象》將於2025年2月28日揭幕,展出自20世紀初至今6位日本藝術家的創作,聚焦跨時代女性在抽象藝術中的不同嘗試,窺見女性在社會中的角色與經驗轉變。

從百年藝術窺見日本女性群像

在日本的社會氛圍下,藝術流派長期由男性主導,而現實主義更是其中的主流,導致女性抽象藝術家直至近年才逐漸獲得重視。儘管面臨多重挑戰與偏見,這些女性藝術家們或引領藝術革命、或自絕於流派之外,致力創造超越時代的視覺語言,推動抽象藝術形式與概念的轉變。

《纏    繞 - 日本女性抽象》展覽圍繞6位不同時代的日本女性藝術家展開,引用俳句中的「纏繞」意象命名,並著重於女性藝術家的二元性,凸顯他們如何表達藝術與自我獨立的理念。從20世紀早期藝術家至當代備受歡迎的年輕藝術家,觀眾能看見女性逐步擺脫男性視角的審視與規範,為觀眾、也為自己的身體留下空白的思考空間,並藉由藝術表達探索女性經驗。

山沢栄子

展覽從日本第一位女性攝影家山沢栄子(Yamazawa Eiko, 1899-1995)的作品開始,其融合幾何抽象和日常風景,將物件、布料、紙材、植物等組成如繪畫般的表面,開拓出與彼時日本男性攝影家相距極大的獨特領域。

1920至30年代巴黎和紐約等地的藝術家,以「非具象」為創作特色,透過線條、形狀與顏色作為共同語言,發展出趨近於形而上的美學風格。而山沢栄子在攝影中所追求的多材質共存、繪畫性與深度兼具,正是反映出了他所經歷的時代背景。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
山沢栄子《What I am doing No.78》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

時代終於跟上我了。即使跟不上也無所謂。——山沢栄子《朝日新聞》夕刊1992年9月12日

田中敦子

作為具體派早期成員的田中敦子(Tanaka Atsuko, 1932-2005),是日本少數與男性共同成立流派組織的女性藝術家,其作品為有機型態、抽象線條藝術開闢了新的道路。田中敦子的藝術受到戰後物質富裕與科技衝擊帶來的城市生活,僅僅透過圓形的排列變化、膨脹與脈動,其作品就能傳遞出奔騰、狂暴的活力。正如他於具體派展覽上推出的《電器服Electric Dress》(1956),田中敦子將表達的渴望以嶄新的實驗形式呈現,透過直接的身體性反應當時的物質文化,如同一座概念化的城市網絡。

木下佳通代

時間來到1980年代,木下佳通代(Kinoshita Kazuyo, 1939-1994)在德國舉辦完備受矚目的觀念攝影個展後,摒棄了攝影這個媒介,轉而開始創作粉彩繪畫。他探索線條與顏色的微妙關係,在不斷的創作與重組中找到新的表達方式;在後期的繪畫中,木下佳通代的作品趨向自由與神秘,強調空間感在平面上的重要性與身體的垂直運動,引領觀眾進入更深遠的意識境界。

木下佳通代橫跨攝影和繪畫的實踐,否定空間的主觀與客觀界限,持續探究自我、存在與虛無間的關係。1990年代,木下佳通代被診斷出乳癌,他拒絕手術並持續創作、辦展,最終於1994年離世。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
木下佳通代《’86-CA350》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

水上愛美

在年輕一代的藝術家中,水上愛美(Mizukami Emi, b. 1992)以塗抹與抹去的創作方式,塑造鮮明的個人風格。他的畫作雖然被層層顏料覆蓋,但仍能辨別最底層的繪畫主題,讓每幅作品都擁有多重解讀的可能性。在水上愛美的作品中,被抹去的筆畫與畫面裡的時空都是創作的一部分,也是無限的存在。

水上愛美曾入選2022年上野之森美術館的「VOCA」,其後參加多次國際展覽,包括亞紀畫廊群展「盜夢者Paprika」、Nowhere NYC群展「Letters, Lights, Travels on the Street」、維也納PINA群展「4649 at Pina」、倫敦Herald St群展「Condo」、Ehrlich Steinberg個展「Million Bubbles」、King’s Leap個展「Pale Phantom」等。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
水上愛美《good human》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

土取郁香

土取郁香(Tsuchitori Fumika, b. 1995)則將作品分為「我與你」和「場景」兩大系列,前者探討親密關係,後者從風景中提取元素。其畫作的主體與對象互相交織,彷彿溶解於顫動的線條與斑駁的顏色中,兩者既融合又孤獨、濃烈卻又短暫,暗示著界線模糊的關係。創作媒材上,土取郁香使用噴霧和油畫顏料進行實驗性堆疊,塑造出具有感官性的畫面,比喻人類互動中的雙重性。

土取郁香至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Frames and Breath」、東京WAITINGROOM「Sleeping with me holding in my arms, Silence」,也參與過福岡美術館「Collectors III -Turning the World-」、東京國立現代美術館「日本現代美術私観:高橋龍太郎收藏」、京都美術館「Kyoto Art for Tomorrow」等聯展。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
土取郁香《I and You, 2025》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

大久保紗也

同樣從具象的人出發,大久保紗也(Okubo Saya, b. 1992)的作品經常描繪來自神話、音樂、戲劇中的定格人體與部位,或是日常生活中的各種人體姿勢畫作。多年前一場嚴重車禍,讓大久保紗也在恢復過程中重新思考理解與被理解的困難,並圍繞自我故事展開創作。大久保紗也將自己的創作描述為「探索事物的存在和現實的行為」,透過層層堆疊、磨研、剝離,使畫面同時具有鮮明強烈的線條與流動豐富的塊面,以及前後快慢的視覺對比。

2017年,大久保紗也獲得第四屆CAF大獎白石正美獎。至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Leimotiv」、京都蔦屋書店畫廊「Replicas that tell a story」、東京WAITINGROOM「月光之盒」 ,以及東京WALL_alternative「RE:FACTORY_2」、東京WHAT MUSEUM「TAKEUCHI COLLECTION」等聯展。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
大久保紗也《Woman with a Plate》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

纏    繞 - 日本女性抽象

展覽日期|2025/2/28–2025/4/2
展覽地點|Each Modern亞紀畫廊(台北市大安區敦化南路二段97號3樓)

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袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行

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繼2024年代表台灣參加威尼斯雙年展後,袁廣鳴帶著當時展出的《日常戰爭》、《扁平世界》以及全新創作《呼吸的黑洞》,於2025年2月15日至5月17日舉辦個展「向黑潛行」。

黑暗象徵恐懼與未知,同時也孕育著希望

本次展覽延續袁廣鳴對影像與感知的探索,以「黑」作為光的反思,重新審視觀看的本質。藝術家於2018年的作品《向光》與《向黑》分別呈現光的極端狀態:前者描繪核爆強光如何摧毀觀看能力,後者則透過黑暗引導觀者開啟新的感知方式。而在「向黑潛行」中,「黑」不僅貫串整個旅程,更是一種觀看的重構——它象徵恐懼、脆弱與未知,然而即使被黑暗包裹,個體仍能向著希望堅毅潛行。

延伸閱讀 >>> 2024威尼斯雙年展台灣館藝術家袁廣鳴專訪:如何在日常戰爭中尋找幸福居所?

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
「向黑潛行」展覽主視覺(圖片提供:TKG+)

展覽中的三件作品圍繞黑暗的不同面向展開:《日常戰爭》揭示日常空間中的危機與裂縫;《呼吸的黑洞》將黑暗描繪為孕育希望與生命的原初場域;《扁平世界》裡的黑暗,則隱匿於全球化技術體系的深處,呈現疏離與漂浮的矛盾狀態。這是一場關於當代生存狀態的深刻對話,觀者將在影像與裝置間,感受黑暗的多重隱喻。

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
《扁平世界》於2024威尼斯雙年展台灣館的展覽現場(圖片提供:臺北市立美術館)

《日常戰爭》

展覽從《日常戰爭》的影像敘事展開。這件單頻道錄像作品描繪了一個中產階級男性的單身套房,在表面秩序井然的日常場景中,無形的力量悄然降臨,光線閃爍、牆壁破裂、家具傾覆,房間轉瞬間化為廢墟。片刻之後,一切重回初始狀態,彷彿災難從未發生。循環的敘事結構巧妙模糊了日常與災難、真實與虛構的界限,營造出一種荒謬卻真實的緊張感,揭示出戰爭並非遠離的真實,而是日常生活中無聲的裂縫,逐步侵蝕我們的感知與存在。

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
《日常戰爭Everyday War》,2024(圖片提供:TKG+)

《扁平世界》

錄像作品《扁平世界》以Google街景資料庫為基礎,透過固定的線性透視與穩定運動,將100個國家305街景串聯,如流動的地圖般快速切換,消解了地理的深度與身體的在場感。地圖從地方記憶與傳說的載體,變為技術與權力的象徵;觀看則退化為點對點的跳躍,空間的厚度與情感隨之消失。影片的循環結構隱喻全球化秩序的幻象,連續的街景成為現代技術體系的象徵,揭示現代觀看方式的壓縮與疏離。

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
《扁平世界Flat World》,2024(圖片提供:TKG+)

《呼吸的黑洞》

《呼吸的黑洞》延續並深化了袁廣鳴1995年作品《呼吸的黑光》的概念,將物理上不可能存在的「黑光」具象化為一個律動場域。隨著機械驅動,作品中的鋁板緩慢移動,牆面上的光暈隨之擴張、收縮,宛如黑洞呼吸一般。這片律動的黑暗,呈現了它吞噬一切,卻又作為生命力場域的雙重屬性,而觀者的視覺邊界被模糊、身體感知重新啟動,重新想像對於黑暗的固有認知。

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
《呼吸的黑洞Breathing Black Hole》,1995-2024(圖片提供:TKG+)

向黑潛行 — 袁廣鳴個展

展覽日期|2025.02.15 – 05.17
展覽地點|TKG+(台北市內湖區瑞光路548巷15號B1)

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