不插電的動態光影！藝術家克里斯蒂安．格琳把玩古董玻璃、波紋壓克力「以光作畫」

光影的精妙之處在於，能讓複合媒材在巧妙拼貼、安排後，在視覺上由靜轉為動態，表現出無光狀態下難以達到的躍動姿態。出自德國藝術家克里斯蒂安．格琳（Christiane Grimm）的作品，被稱為「不插電的動態光影」，透過實驗色彩、光線、空間的互動關係，將特殊玻璃、波紋壓克力、色紙等媒材結合，讓作品隨光線變化、觀看位置不同，展現出極具趣味性的視覺變化，細細觀察，就像是光在為她作畫。若感好奇，即日起藝術家個展《漸層 Gradient》於Bluerider Art台北·敦仁展開，親臨現場才能感受「以光作畫」的奇妙。

克里斯蒂安．格琳作品3大特色｜建築感、擅長玩材質、融入繪畫元素

01. 帶建築思維的藝術創作

克里斯蒂安．格琳的創作特色，從她的求學、工作經歷便有跡可循。藝術家擁有建築學背景，因此作品空間感相當強烈，時常可見個性鮮明的建築感線條，有稜有角、輪廓分明。舉凡《Architecture of Light》與《Selenorage》兩件玻璃雕塑，以層層玻璃搭配不透光異材質，堆疊出宛若「迷你建築體」的微縮空間，讓光線自由尋找路徑穿梭，形成彩色光譜序列，也表現出帶韻律感的視覺節奏。

《Selenorage》

《Architecture of Light》

層疊之間媒材該以水平或垂直放置，都考量到成品與光互動後所會呈現的效果，正如同建築師在構思量體藍圖、做建築模型時的思維模式。

02. 對材質著迷，古董玻璃、波紋壓克力創造夢幻光影

擁有建築經驗，也讓格琳對材質特別入迷。起初，裝置是格林的主要創作項目，當時就可見她擅長運用「波紋壓克力」的特點，正因為著迷於媒材本身透光性與紋理交互作用下呈現的效果，格琳特地尋覓「古董玻璃」媒材創作雕塑，之所以不用工業玻璃，正是因為古董玻璃帶雜質、質地不均勻這種帶有「瑕疵」的特質，才能符合藝術家本身熱愛做光與材質互動實驗的渴求。

03. 複合式媒材營造繪畫既視感

在從事建築工作期間，格琳也未停止創作，常以油畫、粉彩等繪畫形式表達所想，雖後來轉而轉注於大型裝置、壓克力與玻璃雕塑創作，她也時常將「繪畫」元素融入其中，一個個壓克力透光盒子裡，裝載的可能是色紙、霓虹、各種材質塑成的幾何形狀，還有格琳自己親手繪製的畫作。而當這些媒材透過壓克力呈現，加上光的加持，便會形成類似「粉彩畫被仔細暈染過」的視覺效果，不過比起純手繪來得更有動態感，饒富趣味。

4個要點讓《漸層 Gradient》觀展體驗更有趣

1. 走進藝術家創作的「盒子」裡

看完一系列以壓克力創作的作品，是不是很想走進盒子裡看一看？格琳特別為《漸層 Gradient》，現地創作全新裝置作品《Solar Winds》，將「不同材質混合」的創作特色尺度拉大，運用直條、橫紋拼接的波紋壓克力，搭配上鏡面塑出半圓型態，邀請觀者走入其中，從不同角度、距離去感受成像變化。簡單來說，走入《Solar Winds》就好像走入格琳所創作一個又一個的壓克力盒裡，走入者可以被類比為盒內媒材，在外欣賞的人可隨「媒材」走動看見視覺轉變。

2. 正面看完，記得從側面看

場中所見所有以波紋壓克力呈現的作品，盒子深度皆為10公分，這是格琳經過多次計算實驗後，所得到最理想的數字，成果最貼近想像。欣賞作品時，別只從正面看，可以從側面觀察，試著看看這10公分的空間裡放了哪些東西、物件之間又是如何堆疊，才能形成最終成像。

3. 看平面媒材創造「層層疊疊」的視覺效果

定點欣賞過正與側面，別忘了「漸進、流轉」地看作品，試著從正面中心開始，將腳步與視線往一側移動，再慢慢移轉至另一側，媒材透過壓克力、隨著觀者視角與光影流變，所呈現的視覺層次是非常豐富的。多看幾次、每次從不同角度開始視覺旅程，都會獲得不同體驗。

4. 觀察作品互相「交流」的效果

欣賞靠近落地窗的作品時，也有許多細節值得留意，這些都是Bluerider ART在策展時所埋下的小巧思。舉例來說，《Schrein für Selenrot》被特意擺在最靠近窗的展示台上，若陽光明媚、天氣晴朗，日光打在作品上，會在純白檯面上形成很漂亮的淡橘色光影。

此外，入門後左側兩件作品《Ellipse》與《Purple Diamond》，正好和對面帶鮮豔螢光橘色彩的《Glück》遙遙相映。當觀看上述前兩幅作品時，若仔細端詳壓克力板表面，會發現上頭映著幽微的橘色光暈，那並不是作品本身創造的效果，而是經《Glück》映射而來的細緻色彩，再悉心觀察展間其他作品，或許也會得到像這樣的驚喜，非常有意思。

《漸層 Gradient》克里斯蒂安．格琳 Christiane Grimm 在台首個展

展期｜2022年5月7日～6月26日 

地點｜Bluerider ART 台北·敦仁（台北市大安區大安路一段101巷10號1F）

開放時間｜週二至週日10:00～19:00

資料、圖片｜Bluerider ART

人們追求鮮活和不朽，背後是對「被遺忘」的恐懼。暫且不談如何被深刻記著，先思考，我們能如何「不被遺忘」？

在安卓藝術推出的新展覽《陰性空間》中，8位女性藝術家試圖透過「修復」和「慢工」之勞動，讓自己與創作時相伴的材料，有重新被觀看和記得的機會。她們以舊木窗、舊衣服、香蕉皮、織線……各種零碎材料為起點，透過織、縫、刺與編等慢工，重新整理記憶、身體和生活經驗，逐步建構一處安頓身心的精神棲居。

「這不是一場單純談論女性身份的展覽。」

《陰性空間》集結來自台灣、菲律賓、羅馬尼亞的8位女性藝術家，包含陳家翊、陳妍伶、羅懿君、謝鴻均、瑪莉娜．克魯斯（Marina Cruz）、派翠西亞．伊斯塔柯（Patricia Eustaquio）、安德利亞．梅達爾（Andreea Medar）與安娜・瑪瑞亞・米庫（Ana Maria Micu）。

「這並不是一場單純談論『女性身份』的展覽。我們更關心藝術家如何從材料、記憶與生活經驗出發，回應這個充滿不安與衝突的時代。」安卓藝術總監李政勇說道，他更進一步解釋：「這裡的『陰性』不是柔弱，也不是與生俱來的女性特質，而是一種面對世界的行動方式——透過照護、保存、修補與持續勞動，藝術家重新思考力量的樣貌。修復不是退讓，而是在斷裂之後，仍選擇重新建立關係。」

面對全球衝突、社會撕裂與氣候變遷，《陰性空間》不將女性簡化為和平或溫柔的象徵，而是透過材料的切削、縫補、編織與重組，將內在經驗轉化為可被看見、觸碰與感知的物質實踐。展覽所談的「修復」，實際發生在藝術家與材料長時間的相處中，比如舊木窗保存建築與生活的痕跡，舊衣承載家族記憶，植物與廢棄物則將觀看延伸至身體、環境與消逝。作品因此成為「記憶的容器」，也成為重新理解日常的入口。

從舊木窗到香蕉皮，讓材料成為「時間的證物」

陳家翊長期關注人、環境與物質的共生關係，她的《存在》系列作品將日治時期的建築遺構——舊木牛眼窗，重新製作為燈箱，藉此將城市發展中破損的建築與生活記憶，轉化為流動的發光窗景。

陳妍伶的《紅線》將紅線轉化為象徵臍帶與血液流動的牽繫，呈現母親面對未知的焦慮與超越視覺的生物性連結。

菲律賓藝術家瑪莉娜．克魯斯（Marina Cruz）從家族祖屋淹水的記憶出發，以微觀的寫實筆觸描摹舊衣、拉鍊、布料褶皺、陶盆與植物，使洪水留下的生活痕跡，凝結為一幅關於家族記憶與日常照護的私密情感風景。

羅懿君使用風乾香蕉皮、香蕉絲與生漆，將易腐敗的植物材料，轉化為近似皮膚的形體。作品回應馬奎斯小說《沒有人寫信給上校》中長年等待卻始終未獲回覆的張力，以及人物在困頓中維持尊嚴與信念的狀態，使脆弱的材料承載等待、失落與持續存在的重量。

藉「慢工」拒絕快速消耗和遺忘

以手工刺繡貫穿創作核心，安德利亞．梅達爾（Andreea Medar）追溯家族記憶與歷史起源。在她的作品中，線跡穿越紙張、畫布與透明塑料，成為連結日常光影、家鄉風景與時間記憶的路徑。

跨足繪畫、雕塑與織品創作的派翠西亞．伊斯塔柯（Patricia Perez Eustaquio），重新詮釋了菲律賓藝術家卡洛斯．「波東」．法蘭西斯科（Carlos “Botong” Francisco）描繪醫學史的壁畫，呈現傳統薩滿巫者「巴貝蘭」（babaylan）借助自然力量療癒的景象。她透過數位技術重新拆解、編排壁畫圖像，再將其轉化為織毯，邀請觀者從不同角度觀看歷史，並思考其與自我的關係。

修復自我與世界共生關係

修復也發生在個人記憶、生活空間與自然環境之間。比如謝鴻均為新作《在虛空中塗寫》重返臺北老家畫室，重新探訪「壁花」意象——油彩、羽毛碎片與帶翅膀的童年洋裝彼此交織，使畫面成為一處關於成長、記憶與自我重構的內在居所。

安娜・瑪瑞亞・米庫（Ana Maria Micu）則觀察居住與工作空間中的植物。在她此次呈現的新作品中，植物不再只是靜止的風景，而是與藝術家共同經歷發芽、伸展、枯萎與再生，成為理解時間、生活與共生關係的對象。

8位參展藝術家在《陰性空間》中，以身體、物件、光影與材質回應當代個體的生存處境與精神困境，共同構築出一處具有「再生能量」的修復場域。她們在物質的餘溫與時間留下的痕跡中，呈現「陰性」力量如何跨越內在經驗與外在世界的界線，並將「修復」延伸至材料、記憶與感知之間的關係。展覽由此為觀者提供一處安頓心靈的觀看空間，讓現實與內在經驗中的裂縫被看見，並保留持續縫補的可能。

安卓藝術《陰性空間》特展

展期｜2026.10.17－11.21

地址｜台北市內湖區瑞光路548巷15號5樓

「光」存在於我們的生活之中，無時無刻——白日有耀眼的陽光，夜幕低垂後則有月光，那是太陽光經過反射後、再次抵達你我眼前的光亮。它無所不在地令人覺得平凡無奇，但對藝術家謝鎮璘DAMONXART來說，卻是他藝術創作的靈感泉源。

在台北敦南林蔭大道的藝術光廊Taipei Lumitree，謝鎮璘帶來全新個展《夜的日光》，透過錯視、光柵材質及風力驅動裝置，將人們熟悉的日月意象轉化為持續變動的視覺經驗。親臨展場，你將能在夜色中看見日光，閱讀太陽與月亮之間的對話，深刻感受光是如何改變雙眼所見的景象。

從日月交替，察覺光與時間的關係

對謝鎮璘而言，太陽與月亮既是人們共同仰望的天體，也承載著日常生活中對時間的感受。晨曦、正午與黃昏，各自擁有不同的光線與色彩；月亮則在夜晚承接太陽的光，讓白晝的痕跡延續至另一段時間。這些看似理所當然的自然現象，構成了人們對世界最熟悉、卻也容易忽略的觀看經驗。

多年來，謝鎮璘持續從旅行與日常觀察中提取色彩，將天空、海洋與地平線的印象轉化為創作語言。在《夜的日光》中，他將這份觀察聚焦於日與月的關係——光如何從一個地方抵達另一個地方，又如何在反射、材質與觀看位置的變化之中，被感知為不同的形態。

展覽名稱「夜的日光」也由此而來，日光透過月亮延續至夜晚，謝鎮璘則透過作品，讓屬於白晝的視覺記憶在夜色裡重新顯現，觀者也得以透過作品看見日月的視覺符號，以及光在兩者之間流轉的關係。

將日月從遠方帶到得以親近的空間

兩件戶外大型錯視動態作品〈陽顏〉與〈月顏〉，以太陽與月亮為題，將色彩、紋理與形態組織成持續變化的觀看經驗。透過錯視效果，圖像產生動態與深度的感受，使觀者在辨認形體的同時，也能察覺視覺體驗如何受到線條、色彩與排列方式的影響。

日月的形象從遙遠的天空被帶入人們可以靠近的空間，觀看的尺度也隨之改變。觀者可以停留於作品前，留意光線與紋理之間的關係；或退後觀看整體形態如何在夜色中展開。

藉由光線看見風的流動軌跡

中型風力動力裝置〈日月〉，則將風的流動轉化為作品的動力。光柵材質隨風旋轉，使如同時針般排列的太陽紋理持續產生變化，讓光線與時間的流動有了可見的軌跡。圖像在轉動之中展開、交疊與轉換，每一刻所呈現的樣貌，都與裝置當下的運動狀態相連。

裝置另一側的透鏡象徵月亮，接收並反射來自太陽的光，呼應月亮本身不發光，而是將日光延續至夜晚的自然關係。太陽與月亮在同一件作品中彼此連結，隨著旋轉交替進入視線，將光的傳遞轉化為具體的觀看經驗。風的介入，也使作品與所在環境產生直接的聯繫，空氣的流動透過材質的運轉被看見。

將小太陽帶回到日常

為了這次展覽，謝鎮璘也將太陽裝置縮小，製作成限量700份的「太陽光柵吊飾」。隨著角度轉動，太陽的色彩與紋理持續變化，將大型作品中的觀看經驗，轉化為可以握在手中、隨身攜帶的形式，成為《夜的日光》展覽的專屬記憶。

謝鎮璘DAMONXART《夜的日光》個展

日期｜2026.10.01－11.07，每週四、五、六、日

時間｜每週四至週日 18:00－20:00

地點｜Taipei Lumitree 敦南之森

地址｜台北市敦化南路二段19號，寶紘敦南商業大樓1樓