提到臺中令人印象深刻的指標性建築，東海大學路思義教堂、國家歌劇院浮現腦海，而今城市又將迎來一座普立茲克等級建築「臺中綠美圖」，也是全臺首座美術館、圖書館共構的藝文場域。

綠美圖在地標導向的特色建築、本地獨立藝文品牌的包夾之下，如何形塑無可取代的識別？館方拋出的「建構大臺中美學論述」目標，在策展與活動規劃上如何實踐？又將為臺中乃至全臺灣，牽引出何種探索文化的新角度？本篇從建築設計、前導活動、未來願景3大面向切入，建構起鮮明的綠美圖想像。

建築設計｜森林中的美術館、公園中的圖書館

歷經將近3年工期，綠美圖於2022年5月11日正式上梁，再度將人們沈睡的期盼喚醒。這處由SANAA妹島和世、西澤立衛，攜手臺灣劉培森建築師事務所打造的藝文場域，將涵蓋8棟高低錯落、造型或圓或方的白色量體，而美術館、圖書館間將以綠意庭院串連，呈現「森林中的美術館、公園中的圖書館」概念，整體透發SANAA標誌性的清透、明淨風格，而妹島也以詩意語句為綠美圖寫下歡迎詞：「當市民走入，各色服裝就是建築最美的點綴。」

前導活動｜強調市民參與，建構臺中人的綠美圖

▧ 上梁典禮集結民眾共創《遇見未來》願景展覽

正式開館前，綠美圖透過一系列強調「市民參與」的前導活動，展現現代美術館打破白盒子，所展現出的包容、開放精神。其中，上梁典禮以「悅來閱美」為題，結合傳統儀式與《遇見未來》願景展覽，邀請市民投稿寫下對綠美圖的想像，有人期待「雙館共構」形式，想像在書香中賞畫、沈浸在藝術氣息裡閱讀；有人鍾意圖書館「分齡分棟」的規劃，對孩童、年輕世代、銀髮族能輕易在專屬的書區中找到理想書籍懷抱期待。

不僅如此，東海國小的學生們也自「探索」、「連結」、「參與／創作」與「平權」四大概念出發，描繪對綠美圖的想像，圖畫紙上有隻象徵智慧與感性的大象，小朋友們可從象鼻延伸，逐漸填滿紙張。有人想像大象用鼻子拿著書本，在草地上愜意閱讀，一旁就是堆滿各式書籍的書架；有人將象鼻延伸為茂盛大樹，畫出孩子們在溜滑梯、綠地上遊玩的美好意象。

▧「凡徒藝術」以舞蹈呈現綠美圖意象

典禮現場還有臺中在地舞蹈團體「凡徒藝術」帶來的精彩演出，8位舞者象徵組成綠美圖的8個量體，搭配柔軟布料呼應現代美術館的彈性，也透過舞蹈編排呈現建築錯位意象，更在舞碼中帶入類似建築外觀擴張網的網布道具，意喻綠美圖建築結合綠能永續的設計理念。

未來願景｜從文化發展談美術館、圖書館規劃方向

▧ 美術館以「建構大臺中美學論述」為目標

以SANAA作品為切入點認識綠美圖，或許是最直觀的作法，但再往下深究，要思考的是綠美圖作為公共建築，在「功能性」上究竟能帶來什麼實質影響？其中，綠美圖美術館以「建構大臺中美學論述」為目標，這聽來抽象的概念，由臺中市文化局局長陳佳君替我們解答。

陳佳君提到，資深美術史學者蕭瓊瑞教授曾說過：「大臺中美術史相當於半部臺灣美術史。」她進一步解釋：「從歷史緣由來談，臺灣前輩藝術家多源自中部傳統美術教育體系統，像臺中教育大學、東海大學，這些人才學成後到北部、南部開枝散葉，形成藝術生態的多元面貌，這正是為何『建構大臺中美術史』是很重要的一件事。」另外，臺中在地藝術能量豐沛，「中部大約有120餘個畫會，也許會員不見得個個是專職藝術家，但這表示在地的藝術參與人口密度極高、喜愛藝術的族群網絡密集。」每個世代藝術家的美學積累都極其重要，但綠美圖如果要發揮其公共性，大眾參與就會成為關鍵的要素，大臺中蘊藏豐厚的美學素養，在地美術館的責任就是要爬梳歷史、建構更清晰的藝術觀點與脈絡。

因此，綠美圖將優先收藏臺中地區藝術家的作品，而自2019年場館動工之際，館方也透過典藏委員會開始尋覓合適藏品，目前購藏移撥數量已達532件，不過這對「市級」美術館來說仍然不夠，文化局將持續爬梳在地藝術沿革與流派，以建立美術館核心精神，並進一步豐富館藏。「未來期待可以充實多元媒材的藝術創作典藏，以綠美圖為舞台，創造藝術與美學的碰撞、競演！」陳佳君針對館藏補充，也期待綠美圖能實現「越在地，越國際」的想像，讓「臺中特色」能串接國際，創造亮點。

策展呈現上，美術館特別規劃挑高4米、6米、9米、13米、19米等不同高度的展覽空間，因應不同媒材及創作型式的需求，也讓觀眾享有更多元的觀賞視角。當館藏與動線貼合，觀眾會給予什麼樣的反饋？不只我們好奇，陳佳君也懷抱期待：「館藏充滿『在地溫度』是重要的，市民或許可從作品中看見熟悉的臺中地景，像是湖心亭、望高寮、高美濕地⋯⋯，從而回憶或創造更多屬於臺中特有的美學記憶。」

▧ 圖書館採「分齡分棟」打造自在閱讀空間

圖書館規劃最大特色就是「分齡分棟」，有趣的是，這套模式為何沒應用在美術館？「閱讀或識字能力是有『年齡』差別的，每個年齡層對書籍的需求也不同，兒童需要繪本、長者需要大字書或圖解書。但美術館不一樣，不同年齡、溫層的人看同一幅畫作，都可以根據畫面或自身的生活經驗，發展出屬於自己的作品詮釋。」陳佳君試著從「使用者與館藏的互動性」為切入點解釋規劃上的考量，這段話也點出圖書館以使用者為導向的特質，綠美圖將打破既有圖書館空間、規範上的規劃，提供一個更自由、愜意的閱讀空間。

綠美圖與臺中城的相互投射

談及新公共建築，人們時常思考它能為城市帶來什麼？我們試著反向思考，好奇臺中的城市風格，能為綠美圖注入哪些內涵？陳佳君整理定居臺中十餘年的感想，這麼說道：「臺中大都會有種溫度與從容，讓在地市民、創作者很願意關懷這片土地。」接著她也梳理各地理區域的人文特質，「海線質樸、屯區熱情，新社、東勢等山域散發與海區不同的樸實感。」而市區作為交通樞紐，同時可將城區的繁華、郊區與鄉鎮的質樸交融，又讓各地保持歷史人文紋理，各自發光、創造精彩生活。

臺中包容、多元的特質，似乎都濃縮在綠美圖當中——園區周圍有中央公園綠帶、抹茶湖藍帶妝點，場館本身地面層抬高與公園相接，整體純白、開放式的建築設計，彷彿隨時以包容之姿歡迎市民走入，恣意穿梭其中。這裡寧謐卻開放，如同臺中，按著自己的步調、帶著順應各區紋理的包容態度，讓踏在這片土地上的人，不疾不徐地捏塑出城市樣貌。

（臺中市政府文化局廣告）

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}