Daniel Arsham創作可行走的水上藝術裝置！帶觀者在羅馬夫人宮穿梭古今

藝術家Daniel Arsham擅長運用做舊手法，讓新物顯得斑駁，透過作品讓現世有種回到過去、穿梭未來的虛實交錯之感，表現方式極具特色，可說是藝術性、商業價值都備受肯定的當代藝術家之一。2022米蘭設計週（Salone del Mobile）上，Daniel Arsham與美國衛浴品牌Kohler攜手合作，在羅馬歷史建築夫人宮（Palazzo del Senato）戶外區域，打造一座以「水槽」為靈感的可步行藝術裝置《Divided Layers》。

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猶如通往另一世界的隧道

《Divided Layers》由7個尺度不一的白色面板前後堆疊而成，下方是一方水池，白天時陽光照射，水面會隱約浮現裝置輪廓，夜晚時則由面板上裝設的燈具協助照明。有趣的是，面板由外而內、從大至小依序排列，形成猶如隧道的視覺效果，當觀眾自兩側水景平台走進，通往另一個世界的旅程旋即展開。

《Divided Layers》帶觀者穿梭古今

事實上，「通往另一個世界」的概念並不虛幻。《Divided Layers》裝置本身沿襲了Daniel Arsham在用色上簡潔乾淨的風格，雖外型上並無明顯仿舊痕跡，但從面板上的細部質地，仍可見藝術家執著於紋理的表現方式；這件輪廓、配色都極具現代感的作品，恰與興建於16世紀初期的夫人宮形成鮮明對比，當觀者步入《Divided Layers》後再折返走出，面板洞口框出的古老建築立面映入眼簾，彷彿有種走出隧道便會回到過去的錯覺。

創作靈感源自衛浴水槽

既然《Divided Layers》是Daniel Arsham與Kohler的合作作品，必定要有與品牌相關的元素存在，究竟藏在哪？2021年，雙方曾共同設計並推出一款3D列印水槽「Rock.01」，其槽體由玻璃陶瓷與黃銅製成，面板材質則為木頭，表面覆上帶有粗獷紋理的手工黏土。

而《Divided Layers》正是藝術家透過層疊白色面板所打造的「可行走水槽」，呼應Rock.01製程中材質互相堆疊、結合的設計特色，為此Daniel Arsham還翻出自己在十幾年前繪製的草圖參考。

設計展會上值得借鏡的合作範本

當觀者走入隧道底部，便會看見Rock.01模型放置於此，一旁還有產品詳細說明、設計過程、選材特色，可見《Divided Layers》不僅展現了Daniel Arsham的藝術創作，也對展場夫人宮的歷史致敬，更巧妙傳達了Kohler的品牌與產品訊息，一舉三得。

米蘭設計週為家飾、家具品牌必爭之地，是各大品牌展示新設計的重要展場，而Kohler認為若要跳脫傳統上單純的「產品展示」，又要創造觀者了解自家產品的機會，《Divided Layers》是一個很好的示範，將藝術體驗與商業展示巧妙結合。

資料、圖片｜Kohler

終將攝影、設計等廣泛藝術手法視為創作基因中不可或缺的一環，而不只是時尚的附屬元素——瑞典品牌Acne Studios於2005年持此精神自創刊物《Acne Paper》，近來並發表第21期特輯，邀眾讀者、品牌迷一同飛越Acne Studios成立30週年來步步構建的創意宇宙。本文揭開全集亮點，更帶你同場一覽上期《Acne Paper》創辦20週年紀念刊靈感發想和封面設計，再接續回訪2025年在巴黎歷史建築中正式開張的品牌首個常設藝廊。

作為業內相對年輕、卻尤在實驗性錯視面料研發上領跑的前衛時裝屋，由瑞典設計師Jonny Johansson與3位好友於斯德哥爾摩共同創辦的Acne Studios，今年方迎來成立30週年。為樹立別具意義的發展里程碑，Acne Studios將其旗下始發行於2005年的藝術專刊《Acne Paper》第21期〈自畫像（Autoportrait）〉打造為特輯形式，藉「自畫像」概念逐幀描繪這些年間圍繞品牌設計核心孕育而出的獨特創意世界。全集包攬Acne Studios自1996年來在時尚、藝術、建築、出版及創意聯名的種種軌跡，同時深入探索從最早年代起漸形塑品牌樣貌的文化觀點：獨立、跨領域，且由好奇心而非傳統常規所驅動。

總覽2026年第21期企劃：Acne Studios成立30週年特輯

► 4個自畫像故事共構刊物主軸，多篇深度專訪、評論專文豐富整體內容

鋪墊Acne Studios標誌性珊瑚粉底色的封面影像邀來荷蘭攝影師Carlijn Jacobs掌鏡、《Dazed》雜誌現任時尚總監Imruh Asha操刀人物造型，並交予曾入列「世界模特網（Models.com）」所頒布「Top 50 Models」全球榜單的美國模特兒Lulu Tenney以身詮釋特輯宗旨：在藝術與時尚的匯流處上，嶄露藝術的自由度、親密性與喜悅感。其中讓模特兒褪去衣裝的刻意安排，甚突顯《Acne Paper》與Acne Studios品牌長期秉承的，一種由文化、情感與創意表達促發的影像創作及出版方式。

重點內容由英國藝術家Katerina Jebb、美國攝影師Jordan Hemingway、美國攝影師暨模特兒Guinevere Van Seenus、塞內加爾攝影師暨模特兒Malick Bodian呈現的4個自畫像故事組成，兼收錄丹麥攝影師Casper Sejersen鏡頭下、巴西造型師George Krakowiak巧手中定格的品牌典藏檔案。

精彩內容搶先知

【深度專訪】

• 英國藝廊經營者Sadie Coles
• 英國家具設計師Max Lamb
• 美國音樂製作人Honey Dijon
• 美國藝術家Robbie Barrat
• 荷蘭攝影師Viviane Sassen
• 瑞典演員Lena Endre

【評論專文】

• 英國作家Frances Armstrong Jones
• 英國作家Natasha Fraser
• 英國時尚編輯Mark Holgate
• 英國創意顧問Xerxes Cook
• 英國設計評論家Ben Evans
• 美國攝影評論家Vince Aletti
• 瑞典策展人暨評論家Johanna Agerman Ross

► 既作為慶典，亦構成反思之舉

身處「創意獨立」愈顯可貴的現代社會，〈自畫像〉的出版正巧反思Acne Studios在當下時尚圈占據的地位：從斯德哥爾摩一個小型創意團隊不斷拓展版圖至今，品牌始終獨立經營；除保留獨樹一幟的文化發言權，更維持由藝術、建築與出版融會而成的運作模式。歸根結柢，此特輯堪稱一幅群像畫，記錄過去曾攜手演繹Acne Studios世界觀的眾多藝術家、合作夥伴及文化要角。而引領一切的關鍵人物無疑是品牌創辦人暨當家創意總監Jonny Johansson——他的跨領域宏觀視野，恰定義了Acne Studios的品牌靈魂。

回顧2025年第20期企劃：《Acne Paper》創辦20週年紀念刊

2025年公開的《Acne Paper》20週年紀念刊〈Golden〉，一來是對該企劃自2005年至2025年編輯旅程的承舊啟新，二則象徵性地突顯出所謂「價值連城」的創意計畫。封面由匈牙利攝影師Szilveszter Makó捕捉法國演員Raya Martigny身影，為整體設計定調。內容則收錄隨筆、訪談、時尚故事與藝術專題，邀讀者齊身探索「黃金」這千百年來深深映照人類文明的意象。

在不確定性籠罩的時代，《Acne Paper》希望帶領人們以溫暖希望擁抱自己。從神祕面紗下的古代文明，到當今最具想像力的藝術創作，各篇章中承載的光芒必會跨越歷史長河，照耀世界各地。而黃金，無論指涉顏色或質材，自然也將作為貫穿文字與視覺編輯的線索，指引無論幽默或詩意、個人或學術、神性或人性的創作脈絡——包括初嶄頭角的新秀、備受尊崇的大師等內容貢獻者，皆憑自身視角直視共同主題，織構靈感薈萃的馬賽克畫作，並陳關於「轉化之力」的深刻敘事。

>> 延伸閱讀：Acne Studios藝廊進駐巴黎皇家宮殿！將自製藝文刊物《Acne Paper》紙上策展拓展至實體空間

不只發行刊物，還在巴黎歷史建築開設藝廊

構想源自《Acne Paper》，Acne Studios決意於2025年6月搭建一座全新創意交流平台，遂選址巴黎歷史悠久的皇家宮殿（Palais Royal）新古典主義拱廊之下、皇家花園之前，揭幕首個常設藝廊空間Acne Paper Palais Royal。時至今日、放眼未來，透過各類文化活動、藝術家講座、雜誌發表、簽書會等充滿活力的跨域計畫，該館仍持續邀請知名藝術家與新銳創作者共襄盛舉，不懈拓展品牌向來與工藝領域之間的密切對話。

策展方向涵蓋廣義創意範疇，揭示Acne Studios視文化為一個有機、流動領域的信念——Acne Paper Palais Royal所推展的每項計畫，皆體現品牌一貫對各種藝術形式的深耕；且進一步確立於傳統與創新交會點上的定位。Acne Studios在此鞏固作為時尚產業一員的地位之餘，更再次彰顯肩負文化推動者角色，投入並支持當代創意發展的長遠承諾。

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就像是走進夢境中，在一片縹緲朦朧的白霧中重新打開感知，聽起來有點神祕虛幻，但如此場景正在巴黎證券交易所－皮諾私人美術館（Bourse de Commerce – Pinault Collection）上演。作為全新展覽《Clair-obscur》的一部分，由日本藝術家中谷芙二子（Fujiko Nakaya）所打造的霧雕塑作品《Cloud #07156》，將美術館空間轉化為一處輪廓不定、持續變化的蒸氣景觀。

自2021年開幕以來，皮諾私人美術館儼然成為藝術迷造訪花都時必訪的新地標。其中，由建築大師安藤忠雄操刀改造的清水模圓柱大廳，更以新舊建築交疊的張力，成為館內最令人印象深刻的空間，並持續透過當代藝術介入，讓空間本身成為不斷被重新觀看與感受的場域。

在近日登場的《Clair-obscur》展覽中，日本藝術家中谷芙二子則以霧雕塑作品《Cloud #07156》重新賦予這座圓廳新感受，任濃密白霧在空間流動聚散，當人們走入其中，身影在厚重白霧裡時而出現、時而消失，在建築和空間之間創造出一種曖昧卻又讓人著迷的氛圍。

以「霧」為雕塑的藝術家 中谷芙二子

出生於1933年，現年93歲的中谷芙二子，是日本當代最重要的藝術家之一。1960年代以紐約藝術團體「藝術與科技實驗」（Experiments in Art and Technology，E.A.T.）成員身分受到矚目。早期原以繪畫作為創作起點，卻很快受到運動狀態與自然現象啟發，進而發展出獨特的「霧雕塑」。

長年以「霧」作為創作核心，但中谷芙二子並非再現自然景觀，而是透過科技讓自然現象重新發生。1969年時，她與工程師Thomas Mee合作，發明了一套以水蒸氣製造雲霧雕塑的裝置系統，並首次於1970年大阪萬博會的百事館（Pepsi Pavilion）上亮相。自此之後，她便持續運用高壓造霧技術，在世界各地創作出多件極具代表性的裝置作品，像是臺南市美術館的戶外常設作品《雲朵 #46741》亦是其中之一。

中谷芙二子的研究與創作手法不僅展現出高度的生態意識，也源自強烈的藝術信念，她希望觀眾能夠穿越作品，不只是觀看，更能親身經驗作品。就像是作品的霧即使是由精密設備生成，但風、濕度、溫度、空氣流動，以及觀眾身體在空間中的移動，都會改變霧的形狀與密度，也讓每天觀看感受皆不同。對她而言，霧最迷人的地方正在於它能讓空無變得可見，使人意識到自己與環境之間那些看似無形，卻一直存在的關係。

全新霧雕塑《Cloud #07156》亮相

本次在皮諾私人美術館所展出的《Cloud #07156》，則是中谷芙二子最新的霧雕塑作品。作品完全由微小水滴構成，並使用高壓幫浦與特殊設計的噴嘴，將水霧化為直徑僅20至30微米的細小水滴，使其與自然霧氣中的水滴組成相同。而作品名稱中的「#07156」則是代表著距離皮諾美術館最近的氣象站編號。 

當《Cloud #07156》進入圓柱大廳，人造雲霧與清水模建築形成鮮明對比。當置身穹頂下的空間時，原本視角是360度極其開闊的場域，因為霧的加入而讓空間秩序變得模糊，其局部而稍縱即逝的透明感，讓環形空間呈現出「反全景敞視」的狀態，一下清晰可見，一下卻又模糊不清，進而創造出一種新的感知體驗。

作品也可以從不同角度欣賞觀看，從上向下俯瞰時，整個圓廳如同一片漂浮的雲海；當人走入地面層，身體則被濃霧吞沒，視線只剩下局部而短暫的透明，反而能讓身體自行去感受，與不知從何飄散而來的雲霧共存，在可見與不可見之間移動。

《Cloud #07156》
地點：2 rue de Viarmes, 75001, Paris
展期：2026/6/4～9/14
更多資訊可至官網查詢

資料來源｜皮諾私人美術館官網