2022年6月，Apple在台灣開辦「Today at Apple Creative Studios」創想營，與同志連線合作，於7月9日至8月7日，召集18-25歲LGBTQ+視覺創作者，量身定做攝影、藝術、設計工坊等，由4位藝術家與創意導師，與20位同志朋友，展開為期5周的免費訓練課程。這裡將與，第二位登場、曾設計「2021 年金穗獎主視覺」的3D藝術家 Dorairolg黃海恩對話，看她如何在創作過程中與自己對話、找到藝術的能量。

>> Today at Apple創想營！為年輕人提供藝術創意的培訓課程

為什麼開始從事3D藝術？

出生於澳門，2015年才來台灣就讀實踐大學，大一開始做木工「光是雕刻一個箱子就花了很大的力氣，後來接觸到3D，發現很多實體雕刻，可以在數位環境中置換材質，還有更多呈現方式而逐漸被吸引，」後來才開始往3D藝術創作發展。

Dorairolg用什麼工具創作？

Dorairolg自嘲在工具使用上很老派「我到現在還是習慣使用桌上型電腦裡的ZBrush工具。」她沒辦法很時髦坐在咖啡店裡輕鬆創作，還是得受制於電腦。

在Today at Apple課程中，她首次嘗試在iPad上的Nomad，她很誠實的說「Nomad現階段不適合我，如果搭配iPad，我會想試試看Procreate上色的效果。」她在課堂使用Nomad的經驗是「很直覺，也很容易上手，課程結束後，很多學員做出超厲害的創作。」

作品中盤根錯節的概念

「我很喜歡在創作裡，很隱晦的埋入一些概念，細膩到觀者可能都看不出來？」我們當然好奇，為什麼要把創作概念埋得這麼深，不解釋大家會看不出來？「我覺得自己缺乏安全感，某種程度是在保護自己，把秘密埋得深，也提供觀者一個『解謎』的樂趣。」她也說，「這就是我自己矛盾的地方，希望大家參與又怕透露太多，渴望被理解、又不想完全揭露。」最有意思的是，她喜歡在創作裡，把自己的想法概念，一層一層的往深處埋，「有時候創作完，連自己都忘記到底做了什麼。」

Dorairolg說：「創作不能無中生有，如果希望作品能放入更多具有文化意義的概念，就必須做足功課。」例如她在某些作品中，把宗教、道教、玄學的意涵放進去，她舉例在創作前，得先摸透佛像手勢代表的意義、宗教代表的顏色、建築建構的邏輯等，「我一定會把這些事情都理解清楚才放進創作裡。」對她來說，3D藝術創作不難，難得是前期做足功課「最近一直在看書，因為要做很多資料搜集，一件作品至少要花1至2個月才能完成。」

創作是很好的宣洩管道

創作對Dorairolg也是一種情緒宣洩的出口，「我的情緒困頓狀態裡，想逃出的心情，會刺激新的創作靈感，我覺得要讓自己保持飢餓（直視自己鬱悶的情緒），不要故意避開很痛苦、不想講的事，才有辦法從痛苦中重生，」她發現自己在特別開心的狀態裡，反而會沒有想法、失去創作的動力，她進一步解釋「創作必須非常的真實，才會有穿透力，不欺騙、不模仿任何人，才能建立個人風格。」

藝術家的風格養成

也有很多人問她「從事藝術創作，該怎麼經營？」她覺得先不要想經營，而是確保自己真的喜歡這件事、保持創作的動力和慾望「一定要確定自己，現在做的這件事，幾年後還是喜歡，還願意不斷創作下去，不要跟著別人、也不要跟著社群平台的節奏起伏，這樣反而會讓自己失去風格、缺乏創作的力道再做更多自我風格的變形，太在意別人是無法做自己的。」

2022年Apple首次在台灣開辦「Today at Apple Creative Studios」創想營，期待能讓不一樣的群體、從藝術創作中發掘自己不一樣的可能性，除了課程之外，也能從授課講師的個人創作經歷，摸索、開創自己的創作方向。

圖片提供｜Apple

「對我而言，創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口，陳姝里如此輕描淡寫，卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年，她穿梭在插畫與平面設計之間，也因此在插畫界中闖出一番成績。只是，日復一日，面對形形色色的客戶需求，她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶，就像是一種自然轉換的過程，因為當時的我，很需要自己的空間，不僅是實體的空間，心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內，落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西，偶然被陳姝里收了起來，並衍生出她的創作系列：《拾獲物》（found object）。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料，本來應該要被丟進垃圾桶的，但我覺得這些造型不一的圖形，其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材，拼貼出《組合》這系列作品。」

偶然出現的碎紙片，意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作，容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前，心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作，我叫它們『小雕塑』。某一天，我突然有個想法，如果把這些平面的紙片，變成立體的作品，可以怎麼呈現？」

可以說是記憶使然，陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法：陶作。原來，陳姝里的舅舅是陶藝家，小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課，所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

捏陶，也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適，但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來，大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩，時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時，但自從女兒出生，人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來，不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地，她感覺快被外界的人事物塞滿，內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作，但成為媽媽之後，時間變得很破碎，加上疫情嚴重的那年，我24小時育兒，一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作，我需要創作。我內心知道，若再不撥一點時間給自己，我會失控。」

在這個掙扎的時刻，陳姝里接觸到陶藝，摸到陶土的那一刻，她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了，但觸覺帶我回到小時候，在家門口玩泥巴，把泥土捏成球。手中握著泥球，我好滿足。而捏陶的時候，我又感受到那種純粹的快樂。」

放下執念，享受不可控

對陳姝里而言，不論是紙片創作、插畫，或是後來的雕塑、捏陶，本質都相通。她喜歡組合與拼貼，就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型；陶土也是如此，需要一塊一塊地塑造、連結，再進窯燒製。

然而，創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化，或是不如預期。但她並不懊惱，反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說，一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來，但隨即就倒下去：「這是一個立不起來的作品，我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果，本來想把陶土實心的部分挖除，讓作品平衡站起，沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念，接受它最後的狀態。」

她笑笑地繼續說：「所以這是一個失敗的作品嗎？我不這麼認為。或許對有些人來說，這是失敗品。但我卻因此看到，它有其他呈現方式。不只《水平》，我也有其他作品燒完後乍看不喜歡，但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時，會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道：「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢！」

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情，承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀，避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡，Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀：深度專訪藝術家奧拉弗．埃利亞松Olafur Eliasson：世界沒有理所當然，唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1：承接你的心緒

❶ 《In Waves》

Jamie xx｜2024

睽違9年，相較前張個人專輯的繽紛，這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜，卻眼望舞池的純真快樂。

❷ 《Lahai》

Sampha｜2023

生於西非獅子山裔移民家庭，英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名，揉合電子與靈魂樂，探索自己成為父親後的內省與溫暖。

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris｜2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手，回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

❹《Go》

Jónsi｜2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險，夢幻假音飄盪， 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

同場加映：《I Hear You》

Peggie Gou｜2024

因藝術收藏而相識，Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面，她穿戴的作品便是〈Psychoacoustic empathy amp〉（2023）；Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV，並將場景設定在他的柏林工作室，親自獻上一舞。

Olafur書單×6：餵養你的靈感

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane｜2025

土地是否能擁有人格權？Olafur觀察到台灣也正處理這議題，賦予河流或山脈人格權，自然界便也有了自我保護的法理基礎。

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman｜2016

資深酷兒運動者直面當代痛點：我們太快將不適貼上受害標籤？這部挑釁之作解構二元對立思維，呼籲重新思考責任與修復。

❸《山之生》

Nan Shepherd｜1977（中譯版－新經典文化｜2019）

手稿沉睡30年後，這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原，成為自然書寫的經典。

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny｜1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道，天生行事緩慢卻屢建奇功，挑戰效率至上的現代迷思。

❺ 《心靈的傷，身體會記住》

Bessel van der Kolk｜2014（中譯版－大家出版｜2017 ）

這本書顛覆創傷研究的既有認知， 認為痛苦不只存在腦海，更銘刻在 身體之上，重新思考療癒的定義。

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben｜1989

在氣候變遷尚未被關注之時，McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在，我們需要重新審視與環境的關係。

奧拉弗．埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島－丹麥藝術家，1967生於丹麥哥本哈根，工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起，他的個展陸續於世界各大美術館展出，創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影，以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置，在國際藝壇享有盛譽。2003年，他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》，以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年，他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布，呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題，例如2014年，他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心，隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫，讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片，見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年，創立社會企業「小太陽」（Little Sun），並持續參與其發展至2024年。2014年，他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces，這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

_{更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》}