iPhone 13 拍照的色彩技巧!林科呈談12色相環與iPhone原生編輯調色

iPhone 13拍照的色彩技巧

如何讓平淡無奇的照片,出現吸引人的亮點?攝影師林科呈這次要談基本攝影技巧,利用攝影基礎的12色相環,創造亮點,並帶大家深入瞭解iPhone「照片編輯」裡,最容易被混淆的「增艷」「飽和」「自然飽和」等工具,不用第三方App就能調校出吸睛的iPhone照片。

12色相環怎麼用?

無論是拍攝風景或街景,拍照時,注意顏色搭配,無論照片上傳到哪個平台,都會變得很搶眼,最簡單的方法就是善用「12色相環」。

色相環的對面就是對比、互補色,例如黃色對面是紫色、藍色對面是橘紅色等,拍照時,只要讓畫面裡同時出現對比色,就能讓照片出現亮點,更讓人忍不住停下來多看兩眼。

12色相環 (1)
12色相環,對比色就能創造視覺吸引力  

懂得12色相環的原理後,不需要準確的對準顏色,只要粗略地使用「二分法」,區分暖色和冷色,例如在綠色和紅色的基礎上,拆分顏色調性,就算是掌握到對比色準則了。

iPhone色彩002
(左)海邊就是基隆海邊黃昏,藍色色溫,橘紅色太陽的魔幻時刻,就會是鮮明對比 

自然時間的對比色

黃昏:對比色在自然中也可以找得到。拍攝風景時,大家會把黃昏太陽下山後的夕陽稱作「魔幻時刻」,此時自然景致裡會出現強烈的對比,天空的橘紅對比海水的藍。

清晨,是另一個標準的魔幻時刻,比較嚴謹的時間,是指太陽升起前半小時,或太陽西下後半小時,天空顏色變化最大,如果能掌握每天這個短暫的魔幻時刻,往往都能拍到很有趣的畫面。

iPhone色彩03
用相機拍清晨,標準的魔幻時刻 

plus小技巧:魔幻時刻拍攝時,相機如何對焦?

相機對焦和曝光位置,都要在最亮的部位才是最準確的,也才能讓對比色完整顯現。

iPhone色彩05
這在酒吧拍的室內景,外面天空陰陰的,夕陽落下天空色溫變藍,這時候拍會有電影感。

iPhone照片「編輯」調色技巧

iPhone原生的「照片編輯」功能已經很好用,根本不需要再透過第三方軟體。最大的問題是,這些功能係數,很容易「搞混」,反而變得很難用。這裡要一個個解說,每一個調整係數的使用技巧,只要抓到要點就能調出好照片。

「增艷」

這是很特別的選項,中文字面意思看起來跟色彩有關,其實根本關係不大。既然它被排在曝光、亮部、陰影,這些跟「光線」有關的功能裡,用起來確實會讓畫面鮮明,可以提高細節、提高暗部的分辨度,改變中性顏色對比。

想要用「增艷」增加顏色強度效果有限,調色時,對暗部區域的細微對比,可以有很細緻的調整,整張照片會變明亮,色彩更鮮明,不會過度飽和,照片會看起來更生動。

如果不想透過「飽和度」、「自然飽和度」調整,只調整「增艷」是很好的方法,畫質會變好,照片裡的邊緣銳利度,會因為光影調整,看起來細節比較多,整張照片也會看起來更活潑。

操作方法:iPhone的鏡頭已經可以把細節掌握得很好,「增艷」調到100%會過度銳利、調整到60-70%就已經跟原圖已經差很多。也不建議往左調整,調整到-50%之後,暗部細節就會不見,它會抓那張照片最暗的部分調整,調到-100%整張照片都會黑掉。

iPhone增艷
「增艷」+100%與-100%對比 

「飽和度」和「自然飽和度」

「飽和度」這個功能會針對每個顏色的像素做調整,黑就是沒有吃到任何顏色訊息,所以照片裡原有的黑、白、灰不太會被破壞,其他顏色在調整時,顏色的強度會被一直往上疊加。

「飽和度」操作方法:調整太多,照片會看起來假假的,跟真實不太一樣,如果想玩顏色,做趣味抽象照片,就可以往50%以上加。如果想要自然,風景照+30%以下,效果都不錯,增加30%以上,顏色就會有點不真實。

iPhone飽和度
「飽和度」+100%與-100%對比  

「自然飽和度」增加顏色,是針對原本色彩區域偏弱,或比較暗的部分,主動找到沒有吃到很多的顏色的像素去補充增加顏色,但不會每個顏色都增加,只是補充顏色較弱的地方,
即使用到100%也可以接受,-100%有些顏色也會被留著。

「自然飽和度」操作方法:飽和度和自然飽和度兩個功能很難分辨,但「自然飽和度」更適合用在風景照,直接加滿100%的效果,和「飽和度」加到10-20%的效果差不多。

林科呈以自己的操作經驗來說,風景類在「自然飽和度」會加一點,讓對比濃度更多,如果有辦法掌握對比色技巧,即使不調色就已經是很好看的照片。

iPhone自然飽和度
「自然飽和度」+100%與-100%對比  

photo by James Lin

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(圖片提供:徠卡)
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在生活與夢想之間,有紐約

Mavis在台北徠卡之家的攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》,展出24幅以紐約為背景的街頭攝影作品,展名靈感來自一句話:「Somewhere between living and dreaming, there’s New York(在生活與夢想之間,有紐約)。」

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(圖片提供:徠卡)
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紐約是Mavis除了長住的倫敦之外,最常拍攝的城市,在她眼中,「紐約是一座充滿對比的城市——現實與夢想交錯,喧囂與孤寂並存,每個街角都蘊藏著無數故事。」這座大都會多元文化交融、歷史與現代交織,且視覺豐富、生活節奏明快,像是一座流動的舞台,是無數創作者的靈感泉源,Mavis也不例外。

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Mavis心中難忘的紐約街頭一幕

談及在紐約拍下最難忘的作品,Mavis選了《電話亭2019》,影像中一位在電話亭內掙扎的男子,與亭外好萊塢明星廣告看板交疊,形成現實與非現實的矛盾對比,也像庸碌生活與夢想成真的對照;然而自2022年起,電話亭正式退出紐約街頭,此景已成為歷史。

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(圖片提供:徠卡)

Mavis也分享了一段因徠卡相機而發生的美好邂逅。幾年前,她拿著徠卡M6在紐約街頭拍照,途中偶遇一位當地傳奇的街頭攝影師,兩人因彼此手中的相機而開啟對話,還為對方拍了張肖像;五年後,他們再度於紐約街角重逢,以初見面拍攝的肖像照為開場,再次為彼此留下了新的影像。這段奇遇,也讓《Somewhere Between Living and Dreaming》攝影展更添故事性。

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不藏私分享!Mavis街拍的徠卡相機 X 鏡頭組合

Mavis與徠卡相機的緣分始於童年,她的母親擁有一台經典徠卡,紀錄了無數珍貴的家庭回憶。當她決定專注於攝影創作,母親送給她人生中的第一台徠卡相機——徠卡M6。現在,Mavis最常用的相機仍是徠卡M6M7,搭配Summicron-M 35mm f/2 ASPHSummilux-M 35mm f/1.4 ASPH鏡頭,這些設備讓她能在不干擾被拍攝者的情況下進行拍攝,捕捉最真實、自然的瞬間。

台北徠卡之家Mavis CW攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》,黑白影像暗藏紐約街頭脈動
(圖片提供:徠卡)
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(圖片提供:徠卡)

Mavis CW攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming

地點|徠卡臺北畫廊(徠卡之家)

地址|臺北市青田街63

展期|即日起至202577

開放時間|週一至週日 11:0019:00

杉本博司攝影展在文心藝所!集《過去的存在》、《海景》等4系列代表作,叩問時間、記憶與存在的意義

「杉本博司個展」文心藝所展出中!集結《過去的存在》、《海景》等4大系列代表作

日本攝影家杉本博司(Hiroshi Sugimoto)的創作圍繞時間、記憶與存在的本質,並以大畫幅相機的攝影技法來探索多元主題。現正於文心藝所展出的「杉本博司個展」,由文心藝術基金會與杉本博司工作室攜手策劃,展出《過去的存在》、《劇院與歌劇院》、《海景》、《偏光色》等4大系列影像,其中杉本博司不僅挑戰攝影作為記錄的功能,更讓影像成為探索感知與現象的途徑。

「杉本博司攝影展」文心藝所展出中!集結《過去的存在》、《海景》等4大系列代表作
(圖片提供:文心藝所)

攝影是一種「儲存記憶」的系統

攝影留住了轉瞬即逝的時刻,將我們當下的視覺經驗轉化為具體的影像,杉本博司曾說:「攝影是一種儲存記憶的系統,就像是一部時光機,保存記憶,留住時間。」在他創作中,攝影不僅定格畫面,更是記錄與保存時間流動的方式,甚至成為超越時間的媒介。時間彷彿在他的影像中延續,模糊真實與虛構的界線,引發對記憶與感知的哲學思考。

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(圖片提供:文心藝所)

模糊藝術名作輪廓,《過去的存在》思索經典之於當代的意義

2013年,杉本博司受紐約現代藝術博物館(MoMA)之邀參加一項攝影委託計畫,為中庭花園的週年紀念進行創作,在此他受賈科梅蒂《站立的女人》系列其中一尊雕塑啟發,創作出《過去的存在》系列作品。這組影像捕捉了西方藝術史中的經典雕塑與繪畫,刻意將圖像呈現模糊、失焦的狀態,原作的細節在朦朧之中,只留下輪廓與姿態。

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(圖片提供:文心藝所)

過去熟悉的大師作品變得模糊,挑戰了觀者的視覺記憶,迫使人們去辨識、確認每一個物體,同時思索這些物體在當代的意義。藉此杉本博司拋出了關於影像記憶的提問:當作品脫離既定的聯想,我們還能憶起其最初的創作構想與本質嗎?

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(圖片提供:文心藝所)

將電影壓縮的《劇院與歌劇院》

1976年,杉本博司在紐約一家電影院的後方架起相機,根據即將放映的電影設定曝光時間,最後將整部電影壓縮為一張靜態影像,銀幕化為一片耀眼的白光。

杉本博司曾說:「觀看一部兩小時長的電影,無非是觀看172,800幀攝影殘像。我想用相機拍攝一部電影,捕捉影像中的活力與動態,目的是為了將電影再次停格。」作品中央亮光奪目的白色銀幕成了唯一的光源,空蕩蕩的劇院散發出詭譎的氣氛,銀幕宛如刺眼的虛空,又像是閃耀的光輝,彷彿隱射電影觀賞這一集體儀式所代表的某種精神層面。

「杉本博司攝影展」文心藝所展出中!集結《過去的存在》、《海景》等4大系列代表作
(圖片提供:文心藝所)

杉本博司隨後也在其他不同的電影放映與劇場場域,持續探索這樣的創作手法:在長時間曝光下,《汽車電影院》(1993) 捕捉到露天銀幕背後飛機與星辰的光跡;《歌劇院》(2014) 記錄了歐洲歷史悠久的劇院,給美國靈感仿造出電影宮殿的正是這些劇院;《廢棄劇院》(2015)則揭示美國經典電影院緩緩步入凋零的命運。

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(圖片提供:文心藝所)

《海景》將內心海景投射於世界畫布

1980年代至今,杉本博司持續在世界各地拍攝不同的海域,創造出海與天各半、看起來像是抽象畫的純粹畫面,《海景》系列消弭了地理環境與文化的差異,這些作品不僅描繪自然風景,更呈現一種超越時空的詩意圖像。為了拍出永恆的海景,杉本博司將大片幅相機架設於懸崖或高地,調整視角讓海與天各佔畫面的一半;構圖中不見飛鳥、船隻或遠方的海岸線等干擾元素,只聚焦於水、空氣及日月光影的交織。

「杉本博司攝影展」文心藝所展出中!集結《過去的存在》、《海景》等4大系列代表作
(圖片提供:文心藝所)

《海景》如今已是杉本博司窮其一生的創作計畫,為什麼對大海如此著迷?杉本博司說:「海洋的變遷比起陸地可說是微乎其微。所以,當人類從獸類進化到智人,開始擁有自我意識時,海洋的景象或許已深深刻在人類的心靈之中。我能感知那樣的視覺經驗,也能對照自己的記憶與人類初次見到世界的美麗景象。」於是他設想:「有沒有可能,現代人能以原始人的目光觀看一處風景?」一幕幕詩意的天光海景,因此被凝鍊於雋永的黑白影像中。透過此系列,杉本博司不單用攝影描繪世界,也將內心的海景投射到世界這塊畫布之上。

「杉本博司攝影展」文心藝所展出中!集結《過去的存在》、《海景》等4大系列代表作
(圖片提供:文心藝所)

藉《偏光色》提問:世界的色彩真的只有7種嗎?

受牛頓的劃時代著作《光學》(Opticks)啟發,杉本博司於2009年起展開對光的紀錄。《偏光色》是他首次探索彩色攝影的作品,延續他對時間與存在的關注,揭示色彩之間仍潛藏著人眼難以察覺的微觀層次,並引發對可見世界真實性的思考。

「杉本博司攝影展」文心藝所展出中!集結《過去的存在》、《海景》等4大系列代表作
(圖片來源:Hiroshi Sugimoto official website)

從牛頓棱鏡實驗中獲得靈感,杉本博司在東京的工作室裡設計了一套設備,組件包括一台老寶麗來相機、一個配有玻璃棱鏡與鏡子的裝置。用寶麗來拍攝的影像,色彩濃郁、鮮明而純粹,細究其中能發現變化無窮的微妙色調。杉本博司以此提出質疑:「我們的世界俯拾皆是繽紛的色彩,為何自然科學堅持只有7種?」提問的對象正是牛頓在《光學》中提出的論據,其推翻了當時普遍認為自然光為純白的看法,證明光實則由紅、橙、黃、綠、藍、靛、紫等7種獨立的色彩所組成;而在杉本博司眼中,「那些被忽略的細微色階,反倒讓我更真實地感受世界。」

「杉本博司攝影展」文心藝所展出中!集結《過去的存在》、《海景》等4大系列代表作
(圖片來源:Hiroshi Sugimoto official website)

《杉本博司 Hiroshi Sugimoto》

日期|2025.04.12-08.31

時間|10:30-18:30,每週二休館

地點|文心藝所(台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號)