iPhone 13 拍照的色彩技巧!林科呈談12色相環與iPhone原生編輯調色

iPhone 13拍照的色彩技巧

如何讓平淡無奇的照片,出現吸引人的亮點?攝影師林科呈這次要談基本攝影技巧,利用攝影基礎的12色相環,創造亮點,並帶大家深入瞭解iPhone「照片編輯」裡,最容易被混淆的「增艷」「飽和」「自然飽和」等工具,不用第三方App就能調校出吸睛的iPhone照片。

12色相環怎麼用?

無論是拍攝風景或街景,拍照時,注意顏色搭配,無論照片上傳到哪個平台,都會變得很搶眼,最簡單的方法就是善用「12色相環」。

色相環的對面就是對比、互補色,例如黃色對面是紫色、藍色對面是橘紅色等,拍照時,只要讓畫面裡同時出現對比色,就能讓照片出現亮點,更讓人忍不住停下來多看兩眼。

12色相環 (1)
12色相環,對比色就能創造視覺吸引力  

懂得12色相環的原理後,不需要準確的對準顏色,只要粗略地使用「二分法」,區分暖色和冷色,例如在綠色和紅色的基礎上,拆分顏色調性,就算是掌握到對比色準則了。

iPhone色彩002
(左)海邊就是基隆海邊黃昏,藍色色溫,橘紅色太陽的魔幻時刻,就會是鮮明對比 

自然時間的對比色

黃昏:對比色在自然中也可以找得到。拍攝風景時,大家會把黃昏太陽下山後的夕陽稱作「魔幻時刻」,此時自然景致裡會出現強烈的對比,天空的橘紅對比海水的藍。

清晨,是另一個標準的魔幻時刻,比較嚴謹的時間,是指太陽升起前半小時,或太陽西下後半小時,天空顏色變化最大,如果能掌握每天這個短暫的魔幻時刻,往往都能拍到很有趣的畫面。

iPhone色彩03
用相機拍清晨,標準的魔幻時刻 

plus小技巧:魔幻時刻拍攝時,相機如何對焦?

相機對焦和曝光位置,都要在最亮的部位才是最準確的,也才能讓對比色完整顯現。

iPhone色彩05
這在酒吧拍的室內景,外面天空陰陰的,夕陽落下天空色溫變藍,這時候拍會有電影感。

iPhone照片「編輯」調色技巧

iPhone原生的「照片編輯」功能已經很好用,根本不需要再透過第三方軟體。最大的問題是,這些功能係數,很容易「搞混」,反而變得很難用。這裡要一個個解說,每一個調整係數的使用技巧,只要抓到要點就能調出好照片。

「增艷」

這是很特別的選項,中文字面意思看起來跟色彩有關,其實根本關係不大。既然它被排在曝光、亮部、陰影,這些跟「光線」有關的功能裡,用起來確實會讓畫面鮮明,可以提高細節、提高暗部的分辨度,改變中性顏色對比。

想要用「增艷」增加顏色強度效果有限,調色時,對暗部區域的細微對比,可以有很細緻的調整,整張照片會變明亮,色彩更鮮明,不會過度飽和,照片會看起來更生動。

如果不想透過「飽和度」、「自然飽和度」調整,只調整「增艷」是很好的方法,畫質會變好,照片裡的邊緣銳利度,會因為光影調整,看起來細節比較多,整張照片也會看起來更活潑。

操作方法:iPhone的鏡頭已經可以把細節掌握得很好,「增艷」調到100%會過度銳利、調整到60-70%就已經跟原圖已經差很多。也不建議往左調整,調整到-50%之後,暗部細節就會不見,它會抓那張照片最暗的部分調整,調到-100%整張照片都會黑掉。

iPhone增艷
「增艷」+100%與-100%對比 

「飽和度」和「自然飽和度」

「飽和度」這個功能會針對每個顏色的像素做調整,黑就是沒有吃到任何顏色訊息,所以照片裡原有的黑、白、灰不太會被破壞,其他顏色在調整時,顏色的強度會被一直往上疊加。

「飽和度」操作方法:調整太多,照片會看起來假假的,跟真實不太一樣,如果想玩顏色,做趣味抽象照片,就可以往50%以上加。如果想要自然,風景照+30%以下,效果都不錯,增加30%以上,顏色就會有點不真實。

iPhone飽和度
「飽和度」+100%與-100%對比  

「自然飽和度」增加顏色,是針對原本色彩區域偏弱,或比較暗的部分,主動找到沒有吃到很多的顏色的像素去補充增加顏色,但不會每個顏色都增加,只是補充顏色較弱的地方,
即使用到100%也可以接受,-100%有些顏色也會被留著。

「自然飽和度」操作方法:飽和度和自然飽和度兩個功能很難分辨,但「自然飽和度」更適合用在風景照,直接加滿100%的效果,和「飽和度」加到10-20%的效果差不多。

林科呈以自己的操作經驗來說,風景類在「自然飽和度」會加一點,讓對比濃度更多,如果有辦法掌握對比色技巧,即使不調色就已經是很好看的照片。

iPhone自然飽和度
「自然飽和度」+100%與-100%對比  

photo by James Lin

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瀧本幹也首檔美術館大型個展《LUNATION朔望》9月登場!集結新作與生涯代表作,展現商業攝影外的創作關注
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日本攝影家瀧本幹也全新個展《LUNATION朔望——從海洋閱讀天體》,將於9月2日~11月8日在茅崎市美術館展出。這是他首檔美術館大型個展,除了集結生涯至今的代表作,也同步推出以月相為主題的全新創作,讓大眾一探他在商業攝影之外,在個人創作上對自然的關注與探求。

從寶礦力水得、SAPPOROUNIQLO等商業廣告,到與吉澤亮、Mr.Children、坂本龍一等人多次合作,甚至擔任是枝裕和《我的意外爸爸》、《海街日記》、《第三次殺人》、《宛如阿修羅》攝影指導,瀧本幹也是少數能橫跨靜態與動態、商業與藝術的攝影師,在競爭激烈的日本創意產業,坐擁「只有他才能拍」的獨特魅力。

《LUNAR TIDE #8》(2016)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《LUNAR TIDE #8》(2016)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《LUNAR TIDE #15》(2022)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《LUNAR TIDE #15》(2022)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

《宛如阿修羅》攝影指導瀧本幹也專訪:四度合作是枝裕和,以底片探索男女情慾和人類內心!

寶礦力水得廣告到掌鏡《海街日記》是枝裕和三部電影!專訪日本攝影師瀧本幹也,跨平面到動態捕捉空氣感

除了大眾相對熟悉的商業攝影與影視作品,瀧本幹也其實從創作初期,就一直保有個人純創作。1997年便發表以蒙古遊牧民族為主題的《MONGOLIAN TRIBE》,2007年的《SIGHTSEEING》則捕捉16國觀光名勝前的遊客,以鏡頭嘲諷了當下的消費社會。

《MONOGOLIAN TRIBE #58》(1997)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《MONOGOLIAN TRIBE #58》(1997)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

透過觀景窗的自然關注

其實瀧本幹也之所以會喜歡上攝影,來自小時候透過望遠鏡觀測天文的經驗,更在小學畢業紀念冊就寫下「想成為一個有名的攝影師」。之後,他將對遙遠星辰的好奇,轉向作為行星的地球,包括自然與宇宙、人類與城市、微觀與宏觀等尺度差異,以及可見與不可見等難以捉摸的事物,都逐漸構成了他的攝影觀。

《GRAIN OF LIGHT #12》(2014)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《GRAIN OF LIGHT #12》(2014)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《GRAIN OF LIGHT #02》(2014)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《GRAIN OF LIGHT #02》(2014)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

2014年他出版攝影集《GRAIN OF LIGHT》,捕捉了海面的多樣表情。2011年的《LAND SPACE》更親自遠赴NASA拍攝太空梭,並與他在冰島等拍攝的原初地景相互對照,如此宏觀對比宇宙與陸地、文明與自然的視角,也成了他的代表作。在疫情後,瀧本幹也則將過往的宏觀視角,轉向身邊的花草與寺廟,在《LUMIÈRE》、《PRIÈRE》(2020~2024)展現了更多內心情感的投射。

《SPACE #06》(2011)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
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《SPACE #28》(2011)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
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攝影家瀧本幹也小說家吳明益:恆久觀察世界的創作複眼,對談自然與人像拍攝信念!

從海洋閱讀天體的全新創作&展出

過去曾在Laforet Museum原宿、代官山Hillside Forum等空間舉辦個展,此次瀧本幹也將於92日~118日在茅崎市美術館展出《LUNATION朔望——從海洋閱讀天體》,而這也是他首檔公立美術館大型個展。「朔」意指月球與太陽為同一側、月亮隱沒不見時,「望」指稱月球位於太陽相對側、明亮顯現時,因此展名「朔望」則是月亮盈虧變化的運行週期。而月球與太陽引力相互作用形成的潮汐,也呼應了茅崎市美術館位在海濱城鎮的場域特色。

《LUNATION朔望—從海洋閱讀天體》展覽主視覺。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
《LUNATION朔望—從海洋閱讀天體》展覽主視覺。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
《SURFACE PULSE: CHIGASAKI #01》(2026)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《SURFACE PULSE: CHIGASAKI #01》(2026)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

LUNATION朔望》亦是瀧本幹也為茅崎拍攝的全新作品,透過滿月映照於水面的景象,喚起人們對生命的聯想。畫面中,灑落於水面的微弱月光、不斷變化型態的海洋,以及彼此連動的天體運行⋯⋯,透露著偌大的宇宙法則,其實就潛藏在我們的日常生活。而除了新作,展覽也將集結了瀧本幹也至今持續創作的代表作品,帶領觀眾探索他的創作軌跡。

《LUNATION: CHIGASAKI #01》(2026)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《LUNATION: CHIGASAKI #01》(2026)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

《瀧本幹也 LUNATION朔望——從海洋閱讀天體》
時間:2026.09.0211.08
地點:茅崎市美術館(神奈川縣茅崎市東海岸北1-4-45

開館時間:10:0017:00(最後入館時間16:30
休館日:週一休館(09.2110.12照常開館)、09.2410.13

瀧本幹也
平面、影像攝影家。1974年出生於日本愛知縣,1998年成立瀧本幹也攝影事務所。創作橫跨商業攝影、電視廣告和電影拍攝等。擔任導演是枝裕和《我的意外爸爸》、《海街日記》、《第三次殺人》、《宛如阿修羅》攝影指導。個人創作集包括《BAUHAUS DESSAU》、《SIGHTSEEING》、《LAND SPACE》、《LUMIÈRE》、《PRIÈRE》、《MONACO Azur / Gracieux》等。曾獲東京ADC賞、紐約ADC金獎、坎城國際創意節金獎等。

文、資料整理|張以潔
資料、圖片提供|瀧本幹也攝影事務所

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讓她的鏡頭帶你重返童年現場!陳詠華攝影展《Childhood, Sculpted》登徠卡畫廊:拓印時間痕跡,在夢與現實間漂浮
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我們當如何感知時間,又或者說勾勒時間?興許只能透過其所留下的痕跡與印記,而知其曾經存在過,亦始終悄然存在著。聞名於使用底片捕捉強烈復古感人像的台灣時尚攝影師陳詠華,現正於台北徠卡之家舉辦個展《Childhood, Sculpted》;彩色和黑白系列共計24幅展品從擷取並重現自身童年記憶出發,試圖以影像描繪時間流逝之感。本篇藉多件作品穿插詳述藝術家創作脈絡、擅長風格,同場再帶看攝者本人親解的3大亮點之作。

時間是一位無形雕塑家

她這麼詮釋「雕塑」二字:「『雕』代表去除與遺留,『塑』則代表創造與形塑。時間像是一位無形的雕塑家,不斷改變人的容貌、個性與情感,也改變著空間、建築,以及身邊所珍視的物件。」樸實底蘊中自帶綿延詩意的展名《Childhood, Sculpted》遂由此誕生。

徠卡台北畫廊現正舉辦陳詠華攝影特展《Childhood, Sculpted》。(圖片提供:徠卡)
徠卡台北畫廊現正舉辦陳詠華攝影特展《Childhood, Sculpted》。(圖片提供:徠卡)

個人攝影特展即日起至2026年9月21日於徠卡台北畫廊進行中的當代影像藝術創作者陳詠華,汲取靈感於自身對時間與記憶的多重思考,尤傾情回望童年在宜蘭外公外婆家度過的歲月,舉凡和姊姊在穀物堆旁尋找昆蟲、偷偷打開外婆的化妝盒,抑或躺在院子裡仰望無邊天空數雲朵的片刻——所有看似平凡的日常,都深深塑造了她日後觀看世界的方式。外公外婆離世多年後,她重返那棟無人居住的老屋,目睹龜裂的牆面、斷裂的家具和布滿蜘蛛網的房間一隅,「許多曾經熟悉的角落都留下了時間的痕跡。」但也正是這些變化,讓她切實感受到時間的存在,從而創作出本次展出的24幅作品。

展覽現場。(圖片提供:徠卡)
展覽現場。(圖片提供:徠卡)
(圖片提供:徠卡)
(圖片提供:徠卡)

紛呈彩色、黑白系列作,鋪排散落於記憶中平凡而不凡的碎片

展覽同時呈現各懷不同情感層次的彩色與黑白兩系列作品。前者飽含她對童年記憶的真誠凝視,包括埋藏於器物的細節、敷布於牆面的光線,和一抹抹鮮豔卻兼富歲月褪舊感的色調,無不淌著充滿生命氣息的溫度;後者則聚焦時間雕刻日常後留下的情緒輪廓,其間唯餘沉甸甸的思念。

陳詠華攝影作品《河床餘色(Residual Color in Riverbed)》、《綠色月暈(Green Lunar Halo)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《河床餘色(Residual Color in Riverbed)》、《綠色月暈(Green Lunar Halo)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《如耳語般經過(Passing Like a Whisper)》、《沉澱之夢(Sedimented Dreams)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《如耳語般經過(Passing Like a Whisper)》、《沉澱之夢(Sedimented Dreams)》。(圖片提供:徠卡)

陳詠華向來鍾愛底片攝影,並長年使用徠卡M系列底片相機創作。然她仍坦言一直在尋找能接近底片質地與色調的數位相機,直到接觸徠卡SL系列,才發現它在影像質地與色調表現上與自己偏好的底片感非常接近,便因此將之攜為日常工作的重要夥伴,亦用作拍攝本次彩色系列的主要器材。在此之外令她驚豔的,還有主打黑白影像的徠卡M11  Monochrom;該機型使她得以更直接地專注在輪廓、光影與情緒本身,且其便攜機身不僅完全契合她習慣隨手記錄影像與靈感的創作方式,甚可搭配她現有底片相機所使用的徠卡老鏡頭,「這種新舊的結合,像是一種延續與互補。」

陳詠華攝影作品《記憶與當下相遇之處(Where Memory Meets the Present)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《記憶與當下相遇之處(Where Memory Meets the Present)》。(圖片提供:徠卡)

拍攝主角由人轉向物,讓器物和空間自己說話

有別於過往多以捕捉人物、記錄人像為主的作品類型,此次《Childhood, Sculpted》全數選擇靜物為載體;如此轉變絕非偶然,而是源自陳詠華對本展主題的深層探問。

陳詠華攝影作品《咸豐草(Bidens Pilosa)》、《裂光幾何(Fractured Light Geometry)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《咸豐草(Bidens Pilosa)》、《裂光幾何(Fractured Light Geometry)》。(圖片提供:徠卡)

「這次展覽所探討的核心,是記憶、情緒、空間、環境、器物之間的關係。因此,我選擇靜物作為主要表現形式,讓這些承載著時間痕跡的物件,成為敘說故事的主角。」——陳詠華

陳詠華攝影作品《野性之光(Wild Illumination)》、《寂靜綻放時(Silence in Bloom)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《野性之光(Wild Illumination)》、《寂靜綻放時(Silence in Bloom)》。(圖片提供:徠卡)

就她的創作觀點而言,拍攝靜物與人物是兩種截然不同的狀態:人物是流動且具生命力的,拍攝時需與被攝者建立信任與交流,在不可預測的瞬間中快速反應;拍攝靜物與空間倒如一場安靜漫長的對話,它們不會移動、不會突然離開,得供拍攝者隨光線變化反覆凝視,從不同角度慢慢發掘所有易被忽略的細節,進而找到屬於自己的觀看方式與情感投射。這般從容節奏,使看似沉默的器物與空間在鏡頭下開口說話,訴說時間、記憶和曾經存在過的人

陳詠華攝影作品《梳妝台的中間抽屜(The Middle Drawer of a Dressing Table)》、《14:50的光斑(Sun Fragment at 14:50)》。(圖片提供:徠卡)
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陳詠華攝影作品《光的回聲(Dust Remembers Light)》、《鐵鏽的好奇心(Rusty Curiosity)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《光的回聲(Dust Remembers Light)》、《鐵鏽的好奇心(Rusty Curiosity)》。(圖片提供:徠卡)

3件亮點作品帶看

#01《白晝之夢(Dreams of Daylight)》

午睡醒來的一瞬間,夢境尚未完全散去,現實也尚未清晰成形,意識懸浮在兩者之間,時間彷彿暫時失去重量。有時睡醒發現家中空無一人,那種既被夢境包覆、又獨自存在現實中的感受,成為「時間感」之於陳詠華最深刻的記憶來源之一。「一直認為『水』與『夢』之間存在著某種難以言語卻又直覺清晰的連結。」諸如流動的河面、驕陽照射河面形成的恍惚光暈,乃至與天光交錯的水中草木倒影,「這些景象所呈現出的曖昧狀態,與那種介於清醒和夢境之間的時間感,有著高度的呼應。」陳詠華親解作品意蘊。

陳詠華攝影作品《白晝之夢(Dreams of Daylight)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《白晝之夢(Dreams of Daylight)》。(圖片提供:徠卡)

#02《凝視的餘色(Color Left by Beholding)》

對許多人來說,化妝台上的粉盒與鏡盒不過是日常梳妝用品。但對童年的陳詠華而言,各樣形狀不同、色彩相異的化妝盒,就像一座漫溢想像的微型世界——彷彿擁有它們,就能化作另一身分。多年後,時間已在其上留下清晰刻痕;盒內殘留的眼影、腮紅與粉餅,顏色因反覆使用而磨損、褪去,邊緣的紋路記錄著無數次開合的痕跡,甚或那面曾映照過外婆無數次臉龐的小鏡子,如今亦只剩靜默的反光,承載過往回憶與時間流逝交疊而成的無聲重量。

陳詠華攝影作品《凝視的餘色(Color Left by Beholding)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《凝視的餘色(Color Left by Beholding)》。(圖片提供:徠卡)

#03《流動的愛(Liquid Love)》

「雲對我來說很像情感,它沒有固定的形狀,總是在流動、改變,也從未停留在原地。」——陳詠華

作品起點僅為陳詠華和姊姊臥於躺椅上觀察天空中的雲,這樣一段簡單溫柔的童年記憶。雲片恰巧構成心形,一條橫越畫面的電線從其心切割而過。陳詠華於是視電線為現實中無法迴避的外部因素、距離等阻隔情感的力量。可事實上雲片並未因此消失,它只是在電線的另一端繼續飄移,或許改變了形狀,卻仍在流動,仍在延續著它的情緒。若仔細凝視畫面,還能發現一隻振翅經過的蜻蜓(雲片中心黑色小點);牠象徵成長與蛻變,是時間與情感流動過程中一個短暫卻真實的註腳,悄悄停留在那一瞬間。

陳詠華攝影作品《流動的愛(Liquid Love)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《流動的愛(Liquid Love)》。(圖片提供:徠卡)

陳詠華

1992年出生於台北,曾就讀實踐大學服裝設計系,經時尚領域的學習歷程培養出獨特的風格視角,如今並以此引領觀者深入感受她框中詮釋的世界樣貌和風情,從而探索其蘊含的美感與深度。創作多透過鏡頭別緻呈現具曖昧感的繽紛色彩、巧妙捕捉富詩意的柔和影像;整體美學語言嶄露她對藝術的深刻理解,以及對視覺表達的高度敏銳。其作品既是時尚與攝影的完美融合,更是對生活、情感與瞬間流動的細膩凝視。

陳詠華攝影特展《Childhood, Sculpted》

  • 時間:即日起至2026年9月21日11:00-19:00
  • 地點:徠卡台北畫廊(徠卡之家台北市青田街6巷3號)

*所有作品皆有販售,意者詳洽現場工作人員。

>> 更多資訊可至徠卡官方網站台灣官方臉書台灣官方IG了解。

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