亞紀畫廊年度攝影展《TOKYO》將於2025年7月22日至8月23日登場，集結陳澄波、William Klein、森山大道、中平卓馬、川內倫子等14位跨世代藝術家作品，以昭和百年視野重構都市文化記憶。東京的「永遠進行式」所指為何？這場群展將以3大章節引你將目光依序投向過往年代裡的繁華與蒼白、希望與幻滅，以及——永遠應當是現在進行式的精神存續。

亞紀畫廊2018年成立至今製作過許多關於華人、亞洲戰後與當代藝術的展覽，此次年度攝影企劃展《TOKYO》首度依循歷史脈絡，以14位藝術家、時間跨度從1926到2025年的作品，呈現東京自昭和元年以來百年間歷經社會文化變遷的藝術史圖景。「在昭和百年之際重新理解東京，也就是重新思考這座城市如何成為東亞現代化的交會點，並在全球化過程中不斷折返自身文化的根源。」策展人黃亞紀以昭和百年時光為軸、數起重大事件為切點，構思3段別具意義的敘事章節，更從昭和51年生的自己延伸而論所謂「中間」一代，此刻站在這一百年的「中間」，如何回望和開創。

「我們這一代長年處於社會、文化、甚至經濟結構的『中間位置』——是成長於戰後秩序尾聲的一代，也是傳統與新自由主義交錯之際的目擊者。我們未曾親歷戰爭，卻被戰後價值系統與其裂縫所形塑；我們不是接班者，也不是破壞者，卻往往必須成為調和者與重構者。」——策展人黃亞紀

3大章節綜觀日本藝術百年流變

首章：1920–1940年代

1926年，昭和元年，台灣藝術家陳澄波首次入選「帝展」（日本美術展覽會前身），並於同年完成以東京國立博物館為主體的畫作〈秋之博物館〉，建構出跨文化視角下的都市藝術語言。1932至1935年間，攝影先驅鄧南光則拍下昭和大恐慌後逐漸復甦的東京，揭露了繁華背後潛藏的矛盾。兩件通過不同媒介時代帶出象徵意義的作品形成對話，共同見證東京作為台灣現代化樞紐的複雜性。

接著，展覽將視線轉向藝術家井上有一（Inoue Yuichi）重生的轉折點，其家園在1945年3月9日的東京大空襲下全毀，珍藏書帖、舊作與記憶亦在烈焰中化為烏有。此後，他放棄傳統筆法，轉而創造扭曲潑灑的新書寫；字體的爆裂與潑墨猶如殘垣斷瓦，體現當時日本社會的貧乏與焦灼。其中，「花」字更成為他的代表之作，據說靈感來自空襲當夜，他誤以為紛飛的灰燼是落花或飄雪——在毀滅中殘留的美，是日本戰後精神裂縫中的一縷光亮。

續章：1960-1980年代

美軍占領期間大量帶進西方思想，年輕世代亦開始投身更民主的文化實踐。1950年起，許多歐美藝術家到日訪問或短暫駐留，更將抽象、偶發、行為、機能主義等觀念引入日本當代藝術語彙。1961年，William Klein拍攝〈Tokyo〉，捕捉戰後左翼運動、街頭生活與青年文化的躁動；細江英公（Hosoe Eikoh）作品〈薔薇刑〉中的三島由紀夫，以身體與攝影共同構築出一種美學政治；森山大道（Moriyama Daido）與中平卓馬（Nakahira Takuma）則將鏡頭探入東京邊緣與裂縫，映見這20年間的城市變遷。

1970年，東京雙年展《人與物之間（Between Man and Matter）》使用中平卓馬倒置工業用地的攝影作為封面，如對當代東京的冷峻反諷。隨高度現代化發展，青年運動挫敗、社會分裂、政治幻滅，物派的興起正是此背景下對生產力過剩與圖像超載的深刻反省。藝術家們提出對物質、空間與感知的最小介入，菅木志雄（Suga Kishio）並將這種極簡的東方物性之美延伸至今，貫穿半個世紀。

1980年代後半，日本面臨泡沫經濟幻影與世紀末憂鬱，村上隆、奈良美智等藝術家嶄露頭角，創造出可輸出的「超扁平」與「御宅系」語彙；但也有藝術家如杉戶洋（Sugito Hiroshi）選擇直視東京內部的壓抑與失落，以筆下蒼白的日常揭示都市人普遍卻無法言說的焦慮與失語，呈現精神與物理上的雙重惆悵。

終章：2000年代以來

直到邁進21世紀，川內倫子（Kawauchi Rinko）以詩性影像為新世紀定調，關注日常、光影與感性經驗，走向內在世界。她所呈現的城市，不再是速度與現代性的象徵，而是一種情緒地景。

新生代藝術家如高野綾（Takano Aya）、西村有（Nishimura Yu）、南谷理加（Minamitani Rika），則以繪畫、裝置或纖維藝術重新描繪一個碎片化、無所屬的東京；他們的創作亦不再追求宏大敘事，而是回應情緒、記憶與個體生命中的質感斷層，以極高的敏感度捕捉城市與自身的關係。

2024年，西野壯平（Nishino Sohei）攝影作品〈Diorama Map Tokyo〉將疫情後、奧運後的東京重新編織為一張精神地圖——不僅是視覺上的再現，更是對東京作為「永遠進行式」都市文本的當代解讀。

《TOKYO》年度攝影企劃展

• 時間：2025年7月22日至8月23日
• 地點：亞紀畫廊（台北市大安區敦化南路二段97號3樓）

《TOKYO》系列講座

1. 在西方市場規則下，我們如何看懂並收藏日本當代藝術？

• 時間：2025年8月2日15:00-16:30
• 與談人：璞湘創辦人Sophie Wang、双木林號藝術顧問Caitlin Lin、黃亞紀

2. 戰爭畫中沒畫出來的故事：藤田嗣治、彭瑞麟、藤井光的視覺證言

• 時間：2025年8月9日15:00-16:30
• 與談人：北藝大美術系碩士班藝術史與視覺文化組副教授郭昭蘭

3. 在中國資本與日本文化之間，亞洲藝術市場將往哪裡去？

• 時間：2025年8月21日17:00-18:30
• 與談人：佳士得亞太區副主席張丁元、黃亞紀

位於米蘭的 Prada 基金會（Fondazione Prada）向來是全球藝術愛好者的朝聖之地，即日起至11月9日，由當代最具影響力的藝術家之一 Mona Hatoum，在園區內由舊酒精蒸餾廠改造的儲槽空間，帶來了全新展覽計畫，從懸浮半空的玻璃網、鋪滿地面的紅色世界地圖，到會傾斜顫動的巨型金屬格架，亦是一場關於身體、疆界、秩序與不安的沉浸式展覽。

將工業遺址化為感知劇場

當世界局勢持續震盪，藝術是否還能提供一種重新理解現實的方法？

在米蘭Prada基金會的Mona Hatoum個展《Over, Under and In Between》中，答案似乎是一場必須以身體經過、以感官承受的空間提問。這項為Cisterna空間量身構思的場域特定計畫，透過裝置作品，圍繞「網」、「地圖」與「格網」三個核心意象展開，回應的是我們這個時代的動盪，以及人類存在本身的脆弱。

Cisterna空間前身是蒸餾廠儲槽所在的工業建築，帶有鮮明的垂直尺度與粗獷結構。Hatoum並未把它視為中性的展示場地，而是將三個展間轉化為感知逐步推進的場域，觀者在穿越作品的過程中，被一步步帶進不穩、壓迫、懸置與失衡的心理狀態。這也是Hatoum近年創作中始終鮮明的特質，她擅長把極簡而克制的形式，轉化為帶有危險感與身體壓力的存在。

1952年生於貝魯特、出身巴勒斯坦家庭的Mona Hatoum，長期以身體、位移、邊界、監控與權力結構等主題聞名。她的作品總帶著一種少見的張力，看似極簡，實際上卻從不只是形式問題，而是關於人如何被世界規訓、包覆、切分與觀看。

庇護與束縛，從「網」開始

展覽的第一個空間，由新作《Web》揭開序幕。這件作品以手工吹製的透明玻璃球與金屬線組成一張高懸半空的巨大網狀結構，像蜘蛛網，也像某種脆弱卻難以逃離的宇宙圖景。對Hatoum而言，「網」從來不只是單一象徵，它既可能是壓迫、困陷與束縛的羅網，也可能暗示庇護、親密與彼此相連的關係。正因如此，這件作品最迷人的地方，不在於材料的精巧，而在於它讓人同時感受到兩種相反的情緒，一方面被其透明、輕盈與微光吸引，另一方面又不自覺地意識到，自己正站在一種可能逐步收緊的結構之下。

由三萬顆紅色玻璃球構成、隨時可能失衡的世界地圖

中央展間中的《Map (red)》則把視角拉向全球尺度。作品由超過三萬顆半透明紅色玻璃球鋪陳於地面，形成一幅僅保留陸塊輪廓的世界地圖。沒有清楚的國界，也沒有固定的基底，每一顆玻璃球都處在可被擾動的位置上，使整件作品呈現出一種鬆動、危險、隨時可能失衡的狀態。

Hatoum選擇以Gall-Peters投影製作這幅地圖，透露其觀看立場。這幅作品不只是對世界的描繪，也是一個關於權力如何塑造世界認知的提醒。當地圖不再是穩固的知識圖像，而是由無數脆弱的玻璃球組成時，觀者面對的便不只是地理概念，而是整個世界秩序本身的可變與不安。

如呼吸的建築，也像顫動的身體

第三個空間中的《all of a quiver》，則可說是整場展覽最具身體感的一刻。這件大型動態裝置由九層開放式立方結構堆疊而成，像建築鷹架，也像一副被抽空外殼的骨架。它在機械裝置驅動下緩慢傾斜、下沉、顫動，再重新站回直立狀態。整個過程並不劇烈，卻讓人清楚感受到所謂的穩定，其實只是一種暫時維持的平衡。

這件作品也凸顯Hatoum一貫的方法，她擷取立方、格網、模組與重複等極簡語彙，卻不讓它停留在理性而抽象的層次，而是讓結構本身帶上近乎疲憊、搖晃、脆弱的人體感。觀看它時，彷彿不是在看一件雕塑，而是在看一種時代狀態的縮影。

世界不曾穩固，我們都活在某種不安中？

為了讓觀者能更深入了解作品背後的脈絡，Prada 基金會同步出版了《Quaderni》系列專書，邀請地理學者、建築師與心理學家共同撰文，從多元視角剖析 Hatoum 的創作世界 。

在 Mona Hatoum 的視角下，世界不再是堅實、可控的，而是一個充滿動態變數的感官空間。《Over, Under and In Between》所提示的，也許不是如何找到穩定，而是如何承認，人始終活在上方、下方，以及所有尚未被命名的中間地帶。

Mona Hatoum《Over, Under and In Between》
地點：Fondazione Prada, Milan, Cisterna
展期：即日起至11月9日

「圓滾滾藝術家」費爾南多．波特羅（Fernando Botero）特展，即將於6月首度在台展出！《圓潤的魔法 波特羅特展》將帶人們一覽其油畫、素描、水彩與立體雕塑，完整呈現波特羅的人生藝術歷程。

圓滾滾是他的金字招牌

你或許不記得他的全名，但一定對他畫筆下的圓滾滾人事物留下深刻印象。來自哥倫比亞的藝術大師費爾南多．波特羅（Fernando Botero），以獨特的「膨脹美學」聞名世界、顛覆人們對「美」的既定印象，也讓他成為當代最具特色與影響力的藝術家之一。

出生於哥倫比亞麥德林的波特羅，年輕時遠赴歐洲，在西班牙大師的作品與義大利文藝復興的洗禮下，奠定其藝術基礎；故鄉拉丁美洲那鮮豔飽滿的街頭色彩與豐富的文化底蘊，也是他創作中不可或缺的靈感養分。

獨樹一格的「圓滾滾」美學

然而，真正改變他風格的是，年輕時畫的一把曼陀林琴，當時他靈機一動刻意將琴身中央的圓孔縮小，使樂器看來像是向外膨脹，也促使他重新思考比例與體積之間的關係。透過對靜物的反覆練習與試驗，他打破了傳統認知的界限，創造出獨特的藝術表現，而波特羅式的「圓滾滾」美學也就此誕生。

集結118件的圓滾滾作品

圓潤飽滿的創作風格，貫穿波特羅的作品，從人物、靜物、動物到宗教題材等，都可見其獨特的幽默感。而在這次的《圓潤的魔法 波特羅特展》中，集結高達118件的圓滾滾作品，展品包含涵蓋油畫、素描、水彩與立體雕塑，呈現出波特羅不同時期的創作脈絡與風格作品。

感受畫筆下的視覺驚喜

這次也透過「拉丁美洲風情」、「靜物系列」、「鬥牛與馬戲團」、「經典致敬與宗教題材」、「多樣媒材與立體雕塑」等展區，帶領人們深入這些作品的魅力。比如在宗教主題中的修女與神父，藉由誇張造型與幽默筆觸，把對神職人員的諷刺藏在圓潤龐大的身軀裡；向藝術大師致敬的系列作品，將西洋經典畫作結合他獨特的風格，創造出視覺驚喜。

運用「體積」形塑作品的個性

波特羅作品中豐盈飽滿的輪廓、濃郁鮮明的色彩或是戲劇性的構圖，展現出他如何運用「體積」來塑造出個性、幽默與情感。他曾說過，「我畫的不是胖，而是對體積的讚美！」若仔細觀察，也不難發現這些圓潤療癒的作品背後的每個線條、手勢與表情，都是經過深思熟慮。

另外，目前波特羅特展於新加坡「IMBA」展出中，之後將登陸台灣，展場呈現方式也會有所不同，若你已經先於新加坡觀賞過，不妨也好好期待台北場帶來的全新觀展體驗。

預售票將於4月22日開賣，預售單人票400元、預售雙人票780元、謝哲青講座套票999元。完整票價資訊請見下圖，或至udn售票網查詢。

《圓潤的魔法 波特羅特展》
展覽日期：2026.6.19-10.11
展覽地點：國立中正紀念堂1展廳