亞紀畫廊年度攝影展《TOKYO》將於2025年7月22日至8月23日登場，集結陳澄波、William Klein、森山大道、中平卓馬、川內倫子等14位跨世代藝術家作品，以昭和百年視野重構都市文化記憶。東京的「永遠進行式」所指為何？這場群展將以3大章節引你將目光依序投向過往年代裡的繁華與蒼白、希望與幻滅，以及——永遠應當是現在進行式的精神存續。

亞紀畫廊2018年成立至今製作過許多關於華人、亞洲戰後與當代藝術的展覽，此次年度攝影企劃展《TOKYO》首度依循歷史脈絡，以14位藝術家、時間跨度從1926到2025年的作品，呈現東京自昭和元年以來百年間歷經社會文化變遷的藝術史圖景。「在昭和百年之際重新理解東京，也就是重新思考這座城市如何成為東亞現代化的交會點，並在全球化過程中不斷折返自身文化的根源。」策展人黃亞紀以昭和百年時光為軸、數起重大事件為切點，構思3段別具意義的敘事章節，更從昭和51年生的自己延伸而論所謂「中間」一代，此刻站在這一百年的「中間」，如何回望和開創。

「我們這一代長年處於社會、文化、甚至經濟結構的『中間位置』——是成長於戰後秩序尾聲的一代，也是傳統與新自由主義交錯之際的目擊者。我們未曾親歷戰爭，卻被戰後價值系統與其裂縫所形塑；我們不是接班者，也不是破壞者，卻往往必須成為調和者與重構者。」——策展人黃亞紀

3大章節綜觀日本藝術百年流變

首章：1920–1940年代

1926年，昭和元年，台灣藝術家陳澄波首次入選「帝展」（日本美術展覽會前身），並於同年完成以東京國立博物館為主體的畫作〈秋之博物館〉，建構出跨文化視角下的都市藝術語言。1932至1935年間，攝影先驅鄧南光則拍下昭和大恐慌後逐漸復甦的東京，揭露了繁華背後潛藏的矛盾。兩件通過不同媒介時代帶出象徵意義的作品形成對話，共同見證東京作為台灣現代化樞紐的複雜性。

接著，展覽將視線轉向藝術家井上有一（Inoue Yuichi）重生的轉折點，其家園在1945年3月9日的東京大空襲下全毀，珍藏書帖、舊作與記憶亦在烈焰中化為烏有。此後，他放棄傳統筆法，轉而創造扭曲潑灑的新書寫；字體的爆裂與潑墨猶如殘垣斷瓦，體現當時日本社會的貧乏與焦灼。其中，「花」字更成為他的代表之作，據說靈感來自空襲當夜，他誤以為紛飛的灰燼是落花或飄雪——在毀滅中殘留的美，是日本戰後精神裂縫中的一縷光亮。

續章：1960-1980年代

美軍占領期間大量帶進西方思想，年輕世代亦開始投身更民主的文化實踐。1950年起，許多歐美藝術家到日訪問或短暫駐留，更將抽象、偶發、行為、機能主義等觀念引入日本當代藝術語彙。1961年，William Klein拍攝〈Tokyo〉，捕捉戰後左翼運動、街頭生活與青年文化的躁動；細江英公（Hosoe Eikoh）作品〈薔薇刑〉中的三島由紀夫，以身體與攝影共同構築出一種美學政治；森山大道（Moriyama Daido）與中平卓馬（Nakahira Takuma）則將鏡頭探入東京邊緣與裂縫，映見這20年間的城市變遷。

1970年，東京雙年展《人與物之間（Between Man and Matter）》使用中平卓馬倒置工業用地的攝影作為封面，如對當代東京的冷峻反諷。隨高度現代化發展，青年運動挫敗、社會分裂、政治幻滅，物派的興起正是此背景下對生產力過剩與圖像超載的深刻反省。藝術家們提出對物質、空間與感知的最小介入，菅木志雄（Suga Kishio）並將這種極簡的東方物性之美延伸至今，貫穿半個世紀。

1980年代後半，日本面臨泡沫經濟幻影與世紀末憂鬱，村上隆、奈良美智等藝術家嶄露頭角，創造出可輸出的「超扁平」與「御宅系」語彙；但也有藝術家如杉戶洋（Sugito Hiroshi）選擇直視東京內部的壓抑與失落，以筆下蒼白的日常揭示都市人普遍卻無法言說的焦慮與失語，呈現精神與物理上的雙重惆悵。

終章：2000年代以來

直到邁進21世紀，川內倫子（Kawauchi Rinko）以詩性影像為新世紀定調，關注日常、光影與感性經驗，走向內在世界。她所呈現的城市，不再是速度與現代性的象徵，而是一種情緒地景。

新生代藝術家如高野綾（Takano Aya）、西村有（Nishimura Yu）、南谷理加（Minamitani Rika），則以繪畫、裝置或纖維藝術重新描繪一個碎片化、無所屬的東京；他們的創作亦不再追求宏大敘事，而是回應情緒、記憶與個體生命中的質感斷層，以極高的敏感度捕捉城市與自身的關係。

2024年，西野壯平（Nishino Sohei）攝影作品〈Diorama Map Tokyo〉將疫情後、奧運後的東京重新編織為一張精神地圖——不僅是視覺上的再現，更是對東京作為「永遠進行式」都市文本的當代解讀。

《TOKYO》年度攝影企劃展

• 時間：2025年7月22日至8月23日
• 地點：亞紀畫廊（台北市大安區敦化南路二段97號3樓）

《TOKYO》系列講座

1. 在西方市場規則下，我們如何看懂並收藏日本當代藝術？

• 時間：2025年8月2日15:00-16:30
• 與談人：璞湘創辦人Sophie Wang、双木林號藝術顧問Caitlin Lin、黃亞紀

2. 戰爭畫中沒畫出來的故事：藤田嗣治、彭瑞麟、藤井光的視覺證言

• 時間：2025年8月9日15:00-16:30
• 與談人：北藝大美術系碩士班藝術史與視覺文化組副教授郭昭蘭

3. 在中國資本與日本文化之間，亞洲藝術市場將往哪裡去？

• 時間：2025年8月21日17:00-18:30
• 與談人：佳士得亞太區副主席張丁元、黃亞紀

臺南市美術館自開館以來，持續策劃當代工藝展覽與論壇，自2021年起舉辦「工藝協奏曲：臺灣X金澤工藝交流展」、2022年「逍．遙．遊當代工藝合創展」，及2024年「臺南X金澤雙城論壇：工藝與藝術的碰撞」，不僅呼應臺南作為工藝創作者聚居地，也建構出產、官、學的交流網絡，在各界引發廣大迴響。

南美館延續工藝推展的歷史脈絡，在今年秋季，邀請到日本GO FOR KOGEI 2025 總監、當代藝術領域的前金澤21世紀美術館館長、直島藝術計畫推手秋元雄史擔任策展人，策劃「皮膚と內臓-自己、世界、時間」展覽，藉由其專業視野拓展並深化台日雙方於工藝、設計與當代藝術之間的交流與對話。

集結10位日本當代女性藝術家

展覽從皮膚與內臟的感知為起點，試圖將自我、世界與時間組織起來。展覽從身體接觸和感官經驗中，所產生的既神秘又具象徵性的表現，以探求自我在現代的存在方式，及如何面對世界的方法。展覽由10位日本當代女性藝術家共同參與，作品涵蓋玻璃、漆藝、陶藝、織品、纖維等多元媒材，藝術家透過創作展現對生命、感官與存在的探問，每件作品都是對自我、世界與時間的深度思考。觀眾不僅能欣賞工藝的精緻，也能獲得個人感官啟發。

草間彌生在自傳《無限之網》中曾寫道：「不應該受到舊道德的束縛，要做自己喜歡的事」，這種在自由中求生存的精神也深深影響了這群藝術家的創作。

動漫《葬送的芙莉蓮》啟發的感官隱喻

展覽以動漫《葬送的芙莉蓮》中主角打敗魔王後的旅程故事為隱喻，觀者可透過作品審視自我，重新建構與他者及「來世」的關係。展覽也藉此引導觀眾從過去與幻想中追憶與懷舊、體會靜謐與內在情感，並啟發想像力。觀者透過感官體驗，感受自我與世界的連結，探索存在的意義。

透過工藝之作感受生命流動

展覽分為4大子題，探討人類生命的經驗累積、身分認同、對話與交流，以及心靈與身體的連結。透過工藝作品，引導觀眾逐步延伸至設計與當代藝術領域，探索文化意涵與創作魅力，也促進台日文化在美學觀點與創作思維上的深層對話。

展覽首先從「記憶與情感：過去與幻想」展開，介紹牟田陽日、小林萬里子與綿結3位藝術家。牟田將陶瓷傳統圖像結合個人想像，投射自然觀；小林以「生命的循環」跨越人類與動植物的界線；綿結透過原始技法，追尋超越時代與地域的根源之美。

第二子題「旅程：探索超越界限」關注旅程與他者的相遇，成為藝術家靈感泉源。佐佐木類透過植物採集展開《植物的記憶》系列，直面土地與旅行的感受，重新發現自我。

而在「邂逅：與他人的共鳴」中，藝術家三嶋律恵則與義大利穆拉諾島的工匠合作，在玻璃工藝中引入新表現，使作品隨光線展現不同姿態。中田真裕以時間沉澱記憶，透過色層堆疊留下製作過程的軌跡；佐合道子則在觀察與造形之間探問生命本質。留守玲則從日常素材挖掘並顯現其新質地與特性。

最後「生與死：生命的律動與心理」回到「生命本質的追尋」，山下茜里剝除皮膚的表象，以鮮烈色彩描繪人類的身體，探問「人」的本質；宮田彩佳將MRI影像轉化為藝術，將原本帶有死亡預兆的影像，化為面對身體不確定性的心理回應。

皮膚と內臓-自己、世界、時間
展出時間：2025年10月3日至2026年1月18日
展覽地點：臺南市美術館2館 展覽室 A-D
更多資訊可至展覽官網查詢

_{資料提供｜臺南市美術館、文字整理｜Adela Cheng}

台北當代藝術館（以下簡稱當代館）將於10月4日至2026年1月11日推出年度壓軸大展，邀請成軍15週年的豪華朗機工帶來個展「宇宙寫生」，集結14件重新詮釋的舊作與1件全新創作，以「萬物皆連結 It's all connected」為核心，透過沉浸空間、跨媒體裝置和運算式技術建構深刻的感官體驗，希望喚起觀眾對於環境的珍視，並觸發對未來的幻想。

豪華朗機工由藝術家張耿豪、張耿華、陳乂及林昆穎組成，以跨界協作為標誌性手法，將音樂、科技、文本、影像與裝置融合為獨特的創作語彙，他們在自然與生活經驗中汲取靈感，並持續透過創作回應公共與社會議題，15年來，以連結和共創為核心，不斷在實驗與實踐之間推進，形成其獨特的群體創作方式。

豪華朗機工表示，「15年的創作旅程裡，每一次合作、挑戰與轉變都成為養分，讓我們在創作中，加入更多真實的體悟。這次的個展不只是回望，也是前行，舊作重生、新作誕生，就像生命持續朝向陽光的流動。我們希望觀眾也能在『宇宙寫生』中，找到屬於自己的記憶與共鳴。」

「宇宙寫生—豪華朗機工個展」從三個層次相互連結呈現，橫跨裝置、繪畫、雕塑與錄像等多樣媒材，在「連結的生命」中，看見人與環境如何互為依存；「記憶的物件」呈現時間與物質所留下的痕跡；而「凝視的宇宙」則以新作裝置開啟對未來的探索。

光影與自然的交響，展現生命共生的律動

位於入口形象區的裝置作品《四合》，以緩慢律動的光影迎接觀者進入，彼此獨立的燈管在明暗之間相互牽引，如同豪華朗機工四位成員，各自擁有不同的節奏與聲音，最終能在同一個框架中找到平衡，展現合作中微妙而和諧的能量。《游泳》透過白光燈管的波浪起伏，喚起人們對生命循環的感知。《風場II》將風的數據，轉化為機械與光影模擬自然律動，細長的發光體化為一片人工風林，在展場裡靜靜呼吸。

《在屾》使用鋼筋廢料重新構築出山的形象，反思自然災害的影響，也回應人為過度開發的問題。《雨霾II》以藝術家親手撿拾的海廢構築出海面景象，隨裝置律動上下起伏，物件相互撞擊，化為如午後陣雨般的聲響，喚起屬於臺灣人共同的感官記憶。《冷凝》將冷氣銅管與羽毛並置，展現氣候變遷下冰冷與柔軟的對話。

在記憶的光影裡，勾勒情感與時間的軌跡

《15年工作室》以繪畫與投影構築3個曾經的工作場域，這些熟悉的場景被轉化為略帶疏離的幻想，隨著畫作中光球的遊動，邀請觀者在凝視中穿越，沉澱於豪華朗機工15年的創作記憶。

展示於展場3個樓梯間的「照顧計畫」系列，靈感源自2006年張耿豪、張耿華在當代館展出的《啄木鳥》，延續鳥與樹木互惠共生的意象，作品以影像與訪談呈現，由3個段落組成，是展覽中唯一「現身說法」的篇章。

2010年誕生的《日光域》，隨豪華朗機工走訪各地，藉由回收燈具重新聚合光源，化為物質與環境的詩意對話，作品一路迭代至今，於當代館推出全新版本《日光域XI—台北當代藝術館》。新版作品以回收平板電腦作為光的載體，映照當代人們被網路、社群與演算法環繞的處境，數位藍光宛如日光，再次引導觀眾在凝視中思索。

2019年跨界力作《很難很難》攜手音樂人魏如萱、鳳小岳與音樂總監陳建騏共同創作，於當代館再度原地重現。作品以光與音樂交織，回應生命中誕生與離別的對比經驗，讓光點在日常場景間緩緩游移，成為觸發記憶的媒介。它不追求外在震撼，而像是一場私密的對話，引領觀眾在重溫回憶的同時，感受從失落到新生的力量。

《天氣好不好我們都要飛》始於15年前，豪華朗機工與台新銀行文化藝術基金會共同企劃，以空白鳥圖紙邀請全臺37,200位孩童描繪心中飛翔的夢想，2025年，藝術家再次打開圖紙，重組天氣鳥，穿越教室飛進眾人的天空，這件大型集合創作再次展翅，象徵自由與勇氣不因時代而停歇，無論天氣如何，都要勇往直前飛，現場也邀請觀眾加入「天氣團」，一起為小鳥繪製彩色翅膀。

第15件作品—「宇宙寫生」的終章

展覽尾聲在二樓最大的展間以《宇宙201》作為能量聚合點，結合《生光》、《物林》、《手識》3件相互連動的核心作品，構築出一個會呼吸的宇宙場域，每一部分獨立閃耀，卻在同一片宇宙中運行。《生光》將聲音與光編織成一個可以被包覆的宇宙，邀請觀眾開啟全身的感知，跟聲音的頻率與光的震動一起呼吸；《物林》由漂流木打造而成，圍繞而彼此聯結的森林，而在林間深處，《手識》運作著聯想生命的手勢，仿若熟悉的身影，與《生光》的多重光場互相牽引，象徵人類的意識，將人與自然、宇宙連結。這3件作品所組成的《宇宙201》，是豪華朗機工對「宇宙寫生」的深層思考，在思念耿豪的手感當中繪製完成。作品以詩意的現實幻境，使觀者意識到科技之中的溫度與靈性，生命與記憶在此延伸，化為展覽中最為深沉的心跳。

另外，展覽期間也將舉辦豐富多元的教育活動，包括涵蓋科技藝術、詩性美學、團隊共創與文化共生等主題的系列講座；以身體和感官為主的工作坊、親子手作活動，以及邀請不同領域的專家學者進行導覽，讓觀眾在展覽之外延伸更多想像。活動詳情與報名請參見當代館官方網站公告。

宇宙寫生—豪華朗機工個展
地點｜台北當代藝術館
展期｜2025 / 10 / 4 Sat. – 2026 / 1 / 11 Sun.

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}