以爆破藝術展開對無盡世界的探索!當代藝術家蔡國強個展《宇宙遊》登陸東京

以爆破藝術展開對無盡世界的探索!中國當代藝術家蔡國強個展《宇宙遊》登陸東京

我們所在的宇宙如何形成?有一說是源自大爆炸。爆炸意象既是毀滅,也象徵新生與起源。中國藝術家蔡國強深受宇宙及「看不見的世界」吸引,在1980年代開始以爆破藝術為手法,展開對無盡世界以及當代社會敏感議題的探索。2023年夏天,蔡國強大型個展《宇宙遊》於東京國立新美術館展出,由館方及時尚品牌SAINT LAURENT聯合主辦,論述以蔡國強30年前的展覽《原初火球》為起點,回望其藝術宇宙的大爆炸。

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藝術家蔡國強與其2023東京個展《宇宙遊》主視覺。

從實驗到世界矚目的藝術爆破

出身中國泉州的藝術家蔡國強,在上海戲劇學院學習舞臺美術後,於1980年代轉赴日本一面進修、一面創作,陸續在東京、茨城、福島留下居住與創作軌跡。到日本發展不久,蔡國強就憑藉火藥爆破創作的想法與草圖獲得矚目,並在1989年於多摩川實現了生涯首個爆破計畫;後續的數十年間,他更將爆破計畫帶往世界各地實踐。

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蔡國強於《胎動二:為外星人作的計畫第九號》創作現場,1991年。(圖片提供:蔡工作室)

為什麼是火藥?

在當時,火藥是創新的藝術創作媒介。為什麼選擇火藥?蔡國強曾說,一個人可以「安排」火藥,卻無法「控制」炸藥本身。爆炸強烈,又帶有一股突破界線與藩籬的能量,彷彿能讓原處於不同維度、持不同理念的人事物彼此相會。透過火藥,蔡國強創作火藥畫、裝置藝術,也實現爆破計畫,其創作理念透露著對宇宙以及風水、占星術背後所蘊含的東方古代哲學思想之著迷,而他也藉作品對無盡世界、當代社會議題提出自身見解,當中傳遞了一種兼具神話性和人類學性的宏大世界觀。

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蔡國強個展《原初火球——為計畫作的計畫》展覽現場,日本東京, 1991 年。(圖片提供:蔡工作室/攝影:萩原義弘)

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蔡國強《陰影:祈佑》, 1985–86年,火藥、墨、蠟、油彩、畫布,裝裱於木板上。(圖片提供:蔡工作室)

《宇宙遊》梳理蔡國強30年藝術創作思考

「《原初火球》是關於我的視野和思考的一次出發,伴我走到今天。」蔡國強曾為自己30年前的展覽《原初火球》下了這樣的註解。因此東京國立新美術館及SAINT LAURENT在策辦《宇宙遊》展覽時,選擇以《原初火球》為起點,追溯是什麼催生了這次爆炸?此後至今又發生了什麼?全展以蔡國強對話宇宙和看不見的世界為主軸,爬梳他從早期中國時代、到作為他藝術生涯重要形成階段的日本,再到美國和世界舞臺的創作與思考,呈現他宇宙膨脹般蓬勃發展的藝術壯遊。

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蔡國強《銀河嬉冰》, 2020年,火藥、玻璃、鏡面。(圖片提供:蔡工作室/攝影:蔡文悠)

《宇宙遊》所在的東京展覽現場,將如公共廣場般寬闊無分隔,一側再現屏風裝置《原初火球》,其中3件新作將以在玻璃鏡子上爆破的火藥畫呈現;另一邊則為蔡國強以LED建構的大型動態燈光裝置《與未知的相遇》,邀請觀者在兩件作品之中自由穿梭。

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蔡國強《胎動二:為外星人作的計畫第九號》,1991年,火藥、墨、紙,裝裱於木制八扇屏風 ,東京都現代美術館收藏。

此外,現場也展出約50件日本公立美術館及藝術家本人的收藏,搭配鮮為人知的珍貴檔案和記錄影像,輔以蔡國強以第一人稱自述的展覽文本,讓整個展廳彷彿自成一件巨型裝置,傳遞藝術家深邃的思考和創作實踐歷程。

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蔡國強《CAITM的受胎告知》,2023年,火藥、玻璃、鏡面,裝裱於木制七扇屏風。(圖片提供:蔡工作室/攝影:趙夢佳)

三十年前後的福島海岸

值得一提的是,《宇宙遊》開幕前夕,蔡國強將回到30年前實現爆破計畫《地平線:為外星人作的計畫第十 四號》的福島磐城海岸,創作一場白日煙火《櫻花滿天的日子》,以新作與彼時的實驗之作遙相呼應,通過火光映照出延續數十年的爆破藝術旅程。

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蔡國強《再燃烽火臺:為外星人作的計畫第八號》,1991年,火藥、紙、墨,裝裱於木制八扇屏風,東京都現代美術館收藏。            

《蔡國強:宇宙游》

展覽期間|2023年6月29日-8月21日,每週二閉館

開放時間|週日至四 10:00-18:00/週五、週六 10:00-20:00,最後入場時間為閉館前30分鐘

展館地址|東京國立新美術館 特別展覽1E展廳

入場門票| 成人票1500日元/大學在校生1000日元/大學以下年級學生免費入場

資料、圖片|SAINT LAURENT

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印度街頭攝影師Bharat Gupta個展在台北徠卡之家!帶你走進古城舊德里的生活風景
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說到印度,你會想到什麼?也許是雄偉的古文明遺跡、色彩濃豔的衣裳,或危機四伏的街道。想探這座神秘國度,不妨走進台北徠卡之家,欣賞印度街頭攝影師Bharat Gupta特展《Hues, Tones & Textures》,隨其鏡頭潛入德里舊城區,看構築當地市井日常的視覺符號,感受藏於巷弄之間的生活痕跡。

印度街頭攝影師Bharat Gupta個展在台北徠卡之家,帶你走進舊德里的生活風景
(圖片提供:徠卡)

因疫情而開始的攝影生涯

Bharat的攝影生涯並不長,他最初接觸攝影是在2021年,只為在陰霾籠罩的疫情時期尋找心靈慰藉。他跟著印度享譽國際的街頭攝影師Vineet Vohra學習,透過密集、沈浸式的街頭觀察與拍攝練習,深化對日常細節的感知力,以及對視覺構圖的敏銳度。成為攝影師不過幾年,便斬獲「國際攝影獎(IPA Awards)」,也於紀實攝影盛事「徠卡奧斯卡·巴納克攝影獎(Leica Oskar Barnack Award, LOBA)」獲得提名肯定,寫下創作生涯的重要篇章。

印度街頭攝影師Bharat Gupta個展在台北徠卡之家,帶你走進舊德里的生活風景
(圖片提供:徠卡)
印度街頭攝影師Bharat Gupta個展在台北徠卡之家,帶你走進舊德里的生活風景
(圖片提供:徠卡)

要真正看見,必先深刻感受

對Bharat來說,「感受」是「看見」的前提,唯有真正看見,才能深刻感受,這是他內心堅定不疑的創作哲學。他總帶著徠卡相機走訪各地,用Leica M11 Monochrom捕捉細膩的光影層次,以經典底片機Leica MP試驗自己觀察環境的直覺,拍下舊德里日常的微妙韻律,凝結孟買城的活力脈動。這些輕巧且敏銳的定焦鏡頭,精準呼應了他貼近街頭日常、追求親密感與空間縱深的攝影直覺。

印度街頭攝影師Bharat Gupta個展在台北徠卡之家,帶你走進舊德里的生活風景
(圖片提供:徠卡)
印度街頭攝影師Bharat Gupta個展在台北徠卡之家,帶你走進舊德里的生活風景
(圖片提供:徠卡)

走進舊德里生活風景

此次在台北徠卡之家舉辦的《Hues, Tones & Textures》攝影特展,尤為聚焦Bharat拍攝的舊德里系列。展覽動線就如一場城市漫行,從市井日常中的斑斕色彩,到靜謐與虔敬的沉思片刻,再到歷經歲月雕琢的建築與材質紋理,每一個畫面都引導觀者放慢腳步,欣賞構築舊德里景觀的視覺符號,並細細體會那深植於平凡日常之中的幽靜詩意。而這一切就如Bharat所述,「到頭來,這裡並沒有發生什麼驚天動地的大事,然而,一切都已被深情看見。」

印度街頭攝影師Bharat Gupta個展在台北徠卡之家,帶你走進舊德里的生活風景
(圖片提供:徠卡)
印度街頭攝影師Bharat Gupta個展在台北徠卡之家,帶你走進舊德里的生活風景
(圖片提供:徠卡)
印度街頭攝影師Bharat Gupta個展在台北徠卡之家,帶你走進舊德里的生活風景
(圖片提供:徠卡)

《Hues, Tones & Textures》Bharat Gupta 攝影特展

展覽日期|即日起至2026.12.28

展覽地點|徠卡臺北畫廊(臺北市青田街6巷3號)

開放時間|週一至週日11:00 - 19:00

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即日起至12月20日於北美館展出的「臺北美術獎症候群」,為2023年臺北美術獎首獎得主陳肇驊個展,其透過重現藝術家的勞動現場,穿插焚燒自作的紀錄影像、暗喻創作者內心焦灼的搖椅裝置,帶領觀眾走進藝術家鮮為人知的內在世界,看見和感受其中交織的明與暗、嚮往與徬徨。

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「臺北美術獎症候群—陳肇驊個展」展覽主視覺。

回顧陳肇驊臺北美術獎首獎作品《在 下圭柔山》

由臺北市立美術館(北美館)主辦的「臺北美術獎」,是台灣極具前瞻性和指標性的視覺藝術獎項之一,其自1983年舉辦至今,不僅挖掘許多新銳創作者,亦見證了台灣40年來當代藝術發展的脈動。2023年,陳肇驊憑《在 下圭柔山》一作獲得獲得該屆首獎,獲得如今在北美館舉辦個展「臺北美術獎症候群」的機會。

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陳肇驊《在 下圭柔山》。(圖片提供:臺北市立美術館)

陳肇驊長年從事藝術裝置代工,他的創作從自身的工作和生命經驗出發,反思勞動與創作之間的關係。他常將工作中時常接觸的壓縮機、冷凝技術,轉化為創作實踐,藉此把藝術生產背後經常被忽略的生存條件與情緒狀態帶入展場。

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陳肇驊。(圖片提供:臺北市立美術館)

比如在2023臺北美術獎得獎作品《在 下圭柔山》中,陳肇驊將工作室轉化為美術館內的空間裝置,展場一隅擺上一台壓縮機、一件姑婆芋外型的動力雕塑,空間亦散落著使用過的木作材料、油漆桶和飲料罐,牆面可見各式發票、收貨單,白板上則是滿滿的工作記錄和注意事項。種種物件和使用痕跡,不僅反映了創作者在追尋自身藝術道路的過程中,生活與創作之間的拉鋸;同時讓藝術勞動、實作的場域,成為眾人觀看與思考的所在。

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陳肇驊《在 下圭柔山》。(圖片提供:臺北市立美術館)

「臺北美術獎症候群」映照藝術家內心世界的掙扎

此次在北美館舉辦「臺北美術獎症候群」個展,陳肇驊透過展出5件錄像與現地空間裝置作品,與音樂人蔡吉樂製作的樂音交織,形塑創作者鮮為人知的內在世界。其中,錄像作品《取暖》以藝術家工作室為拍攝場景,記錄了陳肇驊在寒冬時節將《在 下圭柔山》所用木材堆入火中焚燒的場景——寒冬的濕冷氣息與熊熊火焰,各暗喻了外在環境的挑戰,以及創作者內心的焦灼,而藝術家只是在火堆旁靜望,看著自己的作品逐漸化為灰燼。

北美館陳肇驊個展「臺北美術獎症候群」!帶你走進藝術家複雜的內心世界
陳肇驊,《取暖》,2026,單頻道錄像,彩色有聲,9分4秒。(圖片提供:臺北市立美術館)

在空間裝置《一夜好眠》中,陳肇驊再次將工作室場景重現於展場,讓平時創作的勞動場域,在展覽中轉化為觀眾得以走入觀看的空間。透過個人勞動場域的重製與轉換,揭示藝術家在日常中反覆面對的技術實作,也呈現工作室作為創作方法醞釀生成的重要場域。蔡吉樂的音樂迴盪於空間之中,重複播放的歌曲回應著藝術家勞動日常的境遇與心情——創作者在築夢的過程裡,生存壓力亦如影隨形、難以掙脫。

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陳肇驊,《一夜好眠》,2026,空間裝置,尺寸依現場而定。(圖片提供:臺北市立美術館)

另2件裝置則傳遞了藝術家面對未來時,徬徨與期盼交織的心境。其中《特別的愛給特別的你》遠看是樹木恆生出的枝枒,近看則是一張擺動的搖椅,映照創作過程中的忐忑不安。

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陳肇驊,《特別的愛給特別的你》,2026,空間裝置,尺寸依空間而定。(圖片提供:臺北市立美術館)

《跟鹹魚有什麼區別》則透過一艘精緻小船在微弱光線中朝未知方向航行的畫面,描繪藝術家看向未來時,心中的嚮往與躊躇、期待和畏懼;周邊如廢墟般的漏水環境,暗示著小船航行時難以預測的變數。

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陳肇驊,《跟鹹魚有什麼區別》,2026,空間裝置,尺寸依空間而定。(圖片提供:臺北市立美術館)

最後在《伸縮自如的愛》一作中,陳肇驊運用壓縮機製冷系統所產生的交互作用,藉時間催化,產生別具特色的視覺效果。作品透露藝術家最真實的自我心聲,並在展覽的末段回到核心提問:在現實與理想彼此拉扯,究竟是什麼支撐藝術家繼續創作?

北美館陳肇驊個展「臺北美術獎症候群」!帶你走進藝術家複雜的內心世界
陳肇驊,《伸縮自如的愛》,2026,空間裝置,尺寸依空間而定。(圖片提供:臺北市立美術館)

「臺北美術獎症候群──陳肇驊個展」

展期|2026.09.25-12.20

地點|臺北市立美術館 地下樓E, F展覽室

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