當現實成為超現實，這是日本藝術總監吉田ユニ以全實物拍攝、打造奇幻視覺的創作風格，也是La Vie於2023年末邀請到她來台的寫照。在這場由設計師聶永真主持的講座台前幕後，我們捕捉了兩位創意人的交流與好奇——為什麼要花時間做純創作？怎麼判斷客戶是否合適？提案會被修改嗎？做過也看過太多好設計的兩人，現在還會被什麼視覺吸引？

一襲深黑色衣裝，吉田ユニ的靜謐氣質由內而外顯露，笑著亮出此次在台灣購入的槍枝造型手機殼，有股慧黠奇思在瞬間閃過。從渡邊直美、星野源、Perfume、TWICE成員MOMO等明星，到迪士尼、UNIQLO、Laforet百貨等流行產業，吉田ユニ的全實拍縝密布局，在鏡框下演繹為超寫實，融合又違和的視覺，是讓人難以轉睛的致命吸引。而她也從大學時期開始，就保持這樣獨特的自我風格，原因說來直覺，「只是剛剛好，我想要表達的視覺，適合用這樣子的手法來呈現。」

愈到交稿期限，靈感愈旺盛

在講座上，聶永真也以設計師身分提問，更能從細節理解吉田ユニ的創作脈絡。像是創作者最常被問及的靈感來源，以吉田ユニ操刀的飾品品牌「e.m.」25週年視覺為例，模特兒雙手托在胸前的姿勢和飾品垂掛的角度，恰巧構成品牌經典的戒指形狀。不過發想過程並不順遂，「有很長一段時間，我都想不到什麼好點子。當時日本疫情還沒完全結束，很多咖啡廳都設有透明壓克力板，我就在座位前擺了跟模特兒一樣的姿勢，從壓克力板反射看到自己的樣子，才有了這個靈感。」她接著說，「大家可能會很意外，我是很遵守交稿期限的人，愈到交稿期限，我的靈感會愈旺盛。」

比起reference，更傾向以手稿提案

吉田ユニ確實有一本筆記本，用來記錄想到的點子，但她還是傾向案子上門後再做發想。「有些想法也許是不錯的點子，可是它在我心裡面已經太久了，對我來講就失去了新鮮度。面對每一個客戶，我都希望盡量能做比較新的嘗試。」面對客戶提案，許多設計師都會採用reference（參考畫面）溝通，她卻有不同想法，「通常我都用自己畫的手稿提案。」她說，reference確實能讓客戶更容易想像，但「設計師的想像空間」和「客戶的想像空間」是不同的，給了reference反而可能造成「為什麼打光和reference不同？」等疑問與要求，「我不想在這麼早的階段，就限縮了客戶的想像力，儘管客戶看到手稿，沒辦法完全想像我要做的是什麼，可是會讓我們後續的作業相對自由，也給他多一點留白。」

並非完全辦不到的艱難視覺任務

一件好的作品，不僅在於創意靈光的乍現，將腦中所想落實為眼前所見的執行度亦同等重要。日本音樂人「ぼくのりりっくのぼうよみ」（我念歌詞呆呆的）專輯《人間》封面，她在模特兒後腦勺做出骷髏頭編髮，意味「人的背後可能存在另一張臉」。腦洞大開的造型並非天馬行空，「這位編髮師和我合作很久，他和我說過，『妳每次都丟給我一些非常難的問題，但不會丟給我完全辦不到的事情。』」不過這樣全實拍的方式，是否需要事前演練或電腦模擬？她說，發想視覺的同時，執行方法也同步成形，只有在心裡模擬後還有疑慮時，才會先在家裡實驗。

Vaundy單曲《赤裸的勇者》裝幀正反兩面，分別為草莓果肉切割而成的刀與盾，就是直接在現場操作。她解釋，刀有握柄，因此選擇的水果必須要有蒂頭，候選包括草莓、番茄、茄子，番茄的外皮和果肉顏色對比差異太小先被刪除，草莓則中選在於果肉的光澤感。

用有生命的物件賦予平面溫度

笑稱「不會下廚但很會切東西」的她，有著一系列以水果為素材的個人創作，最近因韓國展覽創作的全新系列，親自將水果削皮營造「蠟筆沒有水、乾燥、出不了顏色」的質地。此外花卉也是作品常客，對此她自剖，水果或花都是有生命的物件，可以賦予靜止的平面溫度，且每顆水果和每朵花都是獨一無二，這種「現在看到的就只有這麼一個」的感覺令她非常喜歡。

至今仍維持一人工作室

龐大的案量與拍攝陣仗，吉田ユニ至今仍維持一人工作室，甚至作品上的標準字、排版，或是專輯歌詞本的編排，都是親自負責；廣告視覺常有不同尺寸的延伸應用需求，她也堅持自己resize（調整尺寸）。「我的生活真的是，除了工作就是工作。」她笑說，拍攝時見到夥伴、家裡養了隻狗，就是和社會聯繫並取得平衡的途徑；常常想要休息，但不曾想要放棄。

對於未來想從事設計的人，她建議勇於挑戰別人沒有做過、還沒看過的東西，並找到一套專屬於自己的作法。「我們常常會想要去問人家：你是怎麼找到靈感？可是每一個設計師發想靈感的方法都不一樣，不見得別人的方法適合你，怎麼從眾多方法當中找到最適合的，我覺得非常重要。」但要是找不到呢？她笑了笑，「那就放棄吧。」創作者之所以能做出動人作品，或許就在於這分率真與誠實。

而這場創意交流在後台也同步上演，我們記錄了吉田ユニ和聶永真的對談，聊純創作也聊商業接案，從彼此作品的最初印象，開展到迎向未來的AI科技。

Q：請先分享對彼此作品的印象。

吉田ユニ：不太記得第一次是在什麼樣的地方看到，很自然就進到了平常會看的內容範圍裡。我覺得永真設計的東西看起來非常簡單，可是訊息性非常強，也就是說，他的視覺不只有表象，是經過很多思考才呈現出來的。

聶永真：有那麼誇張！？對吉田作品的印象，是好幾年前去日本的時候，在Laforet百貨和地鐵的廣告有看到，那時候沒有連結作者是誰；後來看到一系列渡邊直美相關的視覺，剛好在網路上有1、2篇她的報導，才全部兜起來。我覺得她的作品非常厲害，重點是整個畫面的品味構成非常強，反而不是第一時間去猜「是用實體拍出來還是合成」。

Q：兩位的商業案大眾都非常熟悉，但也花了不少時間投入個人創作，要如何在工作中持續創作？

吉田ユニ：平常一直接商業案，其實時間真的很不夠用。所以如果接到展覽邀請，就會利用做個展的時候，去做一些自己想做的作品。平常做廣告案的時候，除了業主要的東西，我會有一些其他想法，但業主不見得喜歡或接受，但我會把這些自己很喜歡的想法留下來，有機會的時候就拿出來創作。

聶永真：還是會很焦慮，做很多商業案但沒有自己的東西，心理上會不舒服。所以在Instagram發表的一系列coding創作，有點像是在比較不忙的時候，想去玩的東西。因為我想讓人家知道，我雖然做很多商業案，但我自己也有很多很個人偏好的東西，即便它可能沒辦法運用到商業。

吉田ユニ：我非常懂這個焦慮，我覺得自己像是一方面做客戶委託，一方面做自己想要的東西，才可以真正達到平衡。大家可能看我完成的客戶委託作品，會覺得我好像非常自由，其實不盡然，裡面一定包含了客戶的想法、商業案想傳達的訊息。這是必要的沒有錯，可是也一定會犧牲我真正想要做的東西，所以會累積一些壓力。

聶永真：但妳的作品需要很大的陣仗共同完成，所以做純創作的時候也是發動所有人？還是在做商業作品時一起做掉？

吉田ユニ：當我有想做的作品的時候，就會去問心中屬意的製作團隊，像是攝影師、造型師等等，一個一個詢問行程，喬出可以幫我做作品的時間，當然也是自己付錢。其實展覽也不一定有製作費，可是展覽可以賣商品、周邊，那就會是我的收入。

Q：你們都是所謂的知名設計師，在提案時是一次過關，還是也會被修改？

吉田ユニ：大約10年前有些客戶不是很了解我，確實會有比較多、反覆的修正和磨合。但是最近這幾年，大部分都是已經知道我的風格，然後來邀請我，所以現在比較不會被改。其實我也有反省，現在比較知道要去挑選跟自己頻率比較合的客人，以前不知道怎麼挑選，或者是一開始感覺到「我跟他相處上好像不是非常合」，卻還是勉強接下，通常開頭是這樣，後面也不會太順利。

聶永真：好像滿多設計師，包括我自己都有這個經歷。不知道妳會不會覺得，現在比較知名，客戶會因為妳有某種權威性，自動比較有分寸？

吉田ユニ：會。

聶永真：我也一樣。這10年之間，一來客戶真的很明確知道他們要什麼，二來和吉田的狀況一樣，客戶需要我們的名字，所以在創作上會更接受我們的說服。老實講，我們不可能會亂做，即便做很多純創作，但我們知道放在商業的案子上面，要給出什麼樣的訊息才是正確的，一直都以「對自己負責」的態度給客戶提案。

Q：如何判斷客戶和自己是否適合？有什麼接案標準嗎？

吉田ユニ：如果我和客戶的目標一致，之後的合作就會很順利。所謂目標指的是，我們想要怎麼賣這個商品，對於怎麼販賣、介紹商品最後的目標一致。

聶永真：妳應該一天到晚都會收到很多詢問信，怎麼決定要婉拒或接受？看信就可以判斷嗎？

吉田ユニ：如果某個業種的工作已經接了很多，就盡量不要再多接。還有一種客人是，他其實不是很了解你的作品，他只是覺得你有名，所以想委託你。所以很重要的是，你到底是因為想做好的作品，然後你覺得我的風格可以達到這個目的來找我，還是你只是覺得我是吉田ユニ來找我，其實看來信就可以感覺到。

聶永真：不過有時候信太囉唆，我也是會怕（笑）。太有誠意的話，相對會有一些壓力，因為他們可能有錯誤的期待。我評判的標準，以商品改造案來說，如果改造前後能創造出很大的反差，就會非常有興趣。還有，我相信作為設計師，看人家寫信都可以很敏感地感覺到，對方是不是可以做事的人。有些人來信會寫「我們要做logo請報價謝謝」，這種就完全不會回。

Q：現在什麼樣的視覺會吸引到你們？

吉田ユニ：必須要非常新、以前沒看過的。不過單純基於興趣看的東西，跟做功課看的東西，會是很不一樣的。以電影來說，我喜歡黑幫電影，裡面完全沒有任何可以在工作上參考的地方（笑）。

聶永真：我私底下也偏愛比較暗黑、有點可怕的，很喜歡看恐怖片。因為看過太多很好的設計了，現在反而很酷的醜設計，會讓我多看幾眼。像是在草率季就很容易看到很多新一代的醜設計，我覺得那個醜有一種特別的味道，我知道我自己做不到，就算要去模仿也很難。可能要離自己比較遠的東西，才會看得比較久。

吉田ユニ：如果去看一些跟自己光譜比較接近的東西，一定會進入工作模式，就沒有辦法完全當成興趣來享受。

Q：近期各界熱議AI是否會威脅人類創作，兩位怎麼看？

吉田ユニ：我們現在在講AI，都會覺得AI是對所有創意人的威脅。但你回頭看看，以前電腦剛出現的時候，大家也是會講：你看電腦很簡單就可以做圖了，你們這些會畫畫的人都慘了！現在AI出來，又有更多的一批人，好像職業生涯受到威脅。可是我自己其實不太想要去在意，我就是不斷在職涯當中，去追求新的創作。很多人會說我在做很類比、很原始的手法，可是我的目的不是說：你看，我都沒有用合成，很厲害吧？我只是單純把想要做的東西，用我想要的手法呈現出來。

因為對我來講，AI可以瞬間給你答案，但我的手法你才可以看到過程，我想呈現給大家看、想去珍惜的是創作的過程。因為在過程當中，你會有感動、你會有新的感覺，甚至還有可能得到一些新的想法，這個想法會帶給你下一次機會、下一個靈感，我覺得重要的是過程，而不是出現一個結果就好。當然不是否定AI，如果AI也可以給我一些刺激、在過程中給我新的想法，我當然也很希望進步。我覺得用什麼樣的手法其實不是最重要的，重要的是做出一些新的東西。

聶永真：就像我在做唱片設計，從以前到現在都會被問：串流時代會不會對唱片設計帶來挑戰？或者電子書出現後，一樣也會被問：實體書裝幀會面臨什麼挑戰？我從來都沒有覺得它是一個威脅的條件，因為時代在變，所以整個媒介都在變，我會覺得我們應該要興奮啊！因為我們換了其他媒介來做出新的設計，這是很棒的一件事情。我完全覺得AI就是未來的東西，而對於設計師來講，最重要的核心價值是創造力，其他的東西都是武器或工具。

吉田ユニ（Yuni Yoshida）

日本藝術總監。女子美術大學畢業後歷經大貫設計事務所、宇宙country事務所後，於2007年獨立。曾獲東京ADC賞、每日設計獎等。2016年起於時裝雜誌《装苑》發表創作連載單元PLAY A SENSATION至今。2018年入選國際平面設計聯盟（AGI）。2019年日本個展《Dinalog》創下17天展期3萬6千人次進場的紀錄。2023年個展包括韓國首爾美術館《Alchemy》、日本原宿Laforet Museum《PLAYING CARDS》。IG：yuni_yoshida

聶永真

永真急制Workshop負責人。第21、25、26屆金曲獎最佳專輯設計、德國紅點、iF傳達設計獎得主。作品獲德國Hesign編集全球百間《Small Studios》、APD（Asia Pacific Design）和東京TDC（Type Director Club）收錄。2012年入選國際平面設計聯盟（AGI）。曾任德國紅點傳達設計獎國際評審。著有《永真急制》、《Re_沒有代表作》、《FW永真急制》、《不妥》。IG：aaronnieh

_{文、採訪整理｜張以潔}

_{口譯｜詹慕如　攝影｜蔡耀徵}

_{圖片提供｜Yuni Yoshida、聶永真、永真急制}

_{場地協力｜忠泰集團、臺北市立美術館}

_{更多精彩內容請見 La Vie 2024/1月號《給下個世代的藝術靈光》}

樂桃航空邀請到nendo設計事務所的佐藤大操刀全新品牌識別，與飛機新塗裝設計。樂桃航空的全新Logo以原有的圓形與直線構成的設計為基礎，透過加入圓潤的邊角，與搭配柔和的色調，傳遞出安心感，也使整體印象更加親切。今（2026）年4月1日起，新Logo將全面應用於機場電子看板、官方網站及應用程式。

樂桃航空換上新Logo

大家相當熟悉的廉航樂桃航空，在迎來創立15週年之際，正式宣布進行品牌重塑，並特別邀請曾打造2020東京奧運聖火台設計、2025大阪世博日本館的nendo佐藤大參與。他分享，「在本次品牌重塑中，我們的目標是在安心感與信賴感之上，融入低調的玩心與愉悅感，透過留白、形狀及資訊整理等細節的精心設計，形塑出一種『看似嚴謹卻不讓人感到拘束』的氛圍，並在認真與玩心、信賴與輕盈這些看似矛盾的元素中取得平衡，使樂桃成為不論年齡或旅行經驗，任誰都能自然選擇的品牌。」

打造更具親和力與溫柔的形象

在品牌識別設計上，新Logo承襲了樂桃航空創業15週年所珍視的精神，以原有的圓形與直線構成的設計為基礎，透過加入圓潤的邊角，創造出更具親和力與溫柔的印象；加寬的字距，也營造出沉穩從容的氣質。色彩方面，則採用了柔和且平靜的色調，展現安心與信賴感；新Logo中的「葉子圖案」則象徵樂桃特有的玩心與挑戰精神。

全新機身塗裝2027年春季導入

除此之外，nendo也設計了樂桃航空的全新機身塗裝。機身設計上，透過多個圓形重疊的隨機圖案，呈現出對旅行的雀躍感。這些顏色與大小各異的圓形，不僅創造視覺上的趣味性，也象徵品牌溫柔包容旅客的態度。配色上，nendo將清新的粉紅色結合杏色，在華麗中增添了質感；同時，大眾熟悉的「鮮艷粉紅色」仍保留在機身中央與尾翼部分。另外，採用新塗裝的飛機則預計在2027年春季正式投入服務。

「稍微更成熟了一點」的全新樣貌

佐藤大補充，這次的更新，在保留樂桃航空既有的輕盈感的同時，進一步提升沉穩與質感，使其進化為「稍微更成熟了一點」的全新樣貌。另外，圓形圖案與葉子圖示蘊含了對「非日常旅行」的期待與玩心，這套設計將貫穿於機場、機艙到數位平台等各個接觸點。企業識別色則以讓人聯想到鮮嫩桃子的粉紅色為基調，搭配杏色與棕色，構築出溫柔且帶有信賴感與質感的品牌世界觀。

更多資訊可至樂桃航空品牌重塑特設網站查看

資料來源｜Peach Aviation

從時下風靡的人氣IP角色到流行視覺，你是否曾不解這些「醜」東西「美」在哪裡？然而，當完美變得唾手可得，瑕疵是否反而成為一種真實的證明？當秩序與理性不再是唯一標準，又是否仍需要遵守既有的設計規則？在平面設計師廖小子、葉忠宜與視覺藝術家Sydney Sie眼裡，New Ugly不只是單純的風格選擇，更是一場關於審美邊界與時代情感的再思考。

2017年，日本平面設計師高田唯為日本平面設計協會（JAGDA）設計年鑑封面。近乎童稚的線條與不加修飾的構圖，在一向講究秩序與完成度的日本設計圈引發兩極評價：有人質疑其粗糙與失序，有人則看見其對規範的鬆動與挑戰。「New Ugly」這個原本帶有揶揄意味的詞彙，也因此再度浮出水面，並在近年的平面設計實踐中，悄然掀起一股新的審美風潮。

與過去強調秩序、留白與理性的設計語言形成強烈對比，New Ugly常見以高飽和的撞色、幾何圖形的堆疊，以及手繪插圖與符號的並置為特徵，甚至刻意保留未修乾淨的痕跡與不合常規的排版。它們看似混亂，卻依然可讀；看似粗糙，卻藏著高度自覺的選擇。這一次，La Vie邀請平面設計師廖小子、葉忠宜與視覺藝術家Sydney Sie，一同分享他們對這股風潮與時代情感的觀察！

Ｑ：最早從什麼時候開始注意到New Ugly？認為它出現的原因是？

 廖小子 
大概是2011、2012年左右。那時我聯想到以前很喜歡的美國設計師David Carson，他會把資訊全部打碎、排版看起來沒有明確主軸，卻依然能讀出視覺訊息。不過，他其實並沒有被歸類為New Ugly。後來我發現，New Ugly的討論與盛行幾乎都集中在亞洲，而且它銜接的是Gen Z的成長背景——社群媒體讓分眾越來越明顯，當每一個人的品味都被放大，就沒辦法再參照所謂的「標準答案」。同時，我們所接收的資訊也越來越碎片化，尤其是有了AI之後，人們已經懶得搜尋，資料真真假假參雜在一起。這些斷片加起來，說好聽點，是對傳統包浩斯以來乾淨、簡單、純潔設計的反叛；說難聽點，就是這個世代已經太習慣破碎的資訊，無法再接受過於單純的畫面，會覺得不夠刺激。

 Sydney Sie 
我大概也是2010年之後知道New Ugly這個詞。現在搜尋「New Ugly」，第一個出現的幾乎都是高田唯。我曾去聽過他的講座，過程中他分享自己如何從生活中觀察細節，再把那些細節轉化為創作。他說了一句讓我印象很深的話：「有沒有打動自己，比別人喜不喜歡更重要。」
社群除了讓一切變得更小眾，也讓人們開始對過度精緻的東西感到疲倦。Instagram剛開放自製濾鏡時，大家都在追求精緻、修飾過的效果，但這幾年Y2K、CCD復興，反而流行開閃光燈、保留粗糙與真實的畫面。它其實就是一種缺陷的美——人們已經不再追求完美。另外，我覺得疫情也是一個關鍵轉折。疫情讓人突然失去對生活的掌控感，於是大家開始擁抱缺點與脆弱。那段時間身心靈、水晶、星座爆紅，正是因為人們被迫往內探索，也暫時隔離了外界對「美」的定義，重新思考自己真正想要什麼、想挑戰什麼。

 葉忠宜 
從歷史脈絡來看，我查到New Ugly這個詞早於2007年就出現在英國《Creative Review》雜誌，不過當時其實是用來diss某些風格。學院體制創造出所謂的學院派，從包浩斯到瑞士國際主義，都在擁抱秩序、擁抱完美，但到了80、90年代，歐洲新浪潮傳到美國後，舊金山灣區也誕生了許多實驗性的設計。當時美國社會抗議事件頻繁、左派興起，「反設計」某種程度也是對階級與威權的對抗。除了庶民設計師，許多設計大師也從那時開始擁抱時代的瑕疵。例如在照相排版時代，粒子原本被視為不能容許的缺陷，但田中一光的海報卻經常刻意保留粗粒子，擁抱時代工具特有的質地。那一代的設計師其實一直在思考：瑕疵究竟可以如何被運用？我覺得這些都可以被視為New Ugly的前期發展。

Ｑ：自己會怎麼定義 New Ugly？與反美學、反設計的異同之處？

 Sydney Sie 
我會把New Ugly視為一種高度自覺的選擇。它不是不好看，而是對美醜標準的重新定義。不過我覺得它和反美學不太一樣。反美學比較像是刻意與主流保持距離，某種程度也接近「非主流」，只是非主流往往帶著一種被排擠的意味；New Ugly 則不同，它更像是「我知道規則、也理解什麼是完美，但我選擇挑戰它」。現在一張精美的AI圖隨手可得，「完美」反而開始變得廉價。所以回到New Ugly，我覺得它也在定義什麼是「人」——你會看到缺陷、不完美，這些是AI做不出來的；你需要對人性有一定的理解，才有辦法做出這樣的嘲諷。

 葉忠宜 
我以前教課的時候常說，審美的歷史發展大概可以分成4個不同階段。首先，人們會明確定義「美」是什麼；接著會定義「醜」，因為並不是美以外就是醜，那是不同的邏輯；再來，會思考「美可以如何昇華」；最後一個階段，也就是我們正在經歷的：「醜，可以被挑戰嗎？」我覺得New Ugly就是在處理這件事情。
庶民日常中那些不完整、雜亂、被視為庸俗的元素，本來就充斥在生活裡，只是過去設計師會刻意排除它們。它跟反設計（Anti-Design）本質上其實很接近，但要討論的是，它是從設計師的視角出發，還是從素人主義出發。在被定義為New Ugly之前，這樣的風格難道就不存在嗎？其實不是沒有，只是大家不知道該怎麼定義，它們也長期被壓抑著。而現在這股思維慢慢被推向主流，成為一種形式；但在形式之前，許多設計師其實是在反秩序。

 廖小子
對我來說，反美學比較像是刻意站在對立面，直接將某種風格視為「醜」，然後選擇站在與美相反的位置。不過我覺得New Ugly並沒有認為傳統設計一定是錯的或醜的，它更像是在重新檢視設計，鬆動閱讀規則、用色規範與構圖邏輯。事實上，它可能看起來是在亂排，卻還是能被讀懂。於是你會開始思考：在這個資訊接收度不斷擴大的世代，以前的設計規範是否還能完全適用？我們是否一定要遵守既有的標準？那些規則是不是可以被挑戰？我覺得New Ugly比較是在討論這些問題。

Ｑ：在過往的創作經驗中，是否曾受到 New Ugly 的影響？

 Sydney Sie 
我其實很難說New Ugly有沒有被我內化，或是它影響了我多少，不過對我來說確實有一個轉變。以前我的攝影作品比較精緻，構圖端正，所有元素都在水平線上，但生活中其實一直都會拍一些開閃光、過曝的照片，只是我不會把那些當成作品；現在，我對審美的標準放得更寬，也更願意接受粗糙感。我開始認為，只要是經由我的手，即使是生活的隨拍，也可以成為作品。
近期我在京都ddd gallery展覽的海報，就刻意保留了Photoshop的選取虛線。我把一張嘴巴、牙齒的照片挖空，但沒有把路徑修乾淨。在AI盛行的時代，這種未完成、甚至像錯誤的痕跡，反而成為人類存在的一種證明。有時候，幕後花絮甚至比正片更吸引人。

 廖小子 
我其實不太會特別去注意任何風潮。我一直都是從生活裡取樣，把路邊看到的東西拿來用，腦中的點子庫也是這樣累積的。像我的Instagram有一系列動態精選「城市毒瘤」，專門拍城市裡那些「必叉」（pit-tshe）的角落， 我常常從那些地方思考，怎麼把它們轉化進作品裡。至於New Ugly有沒有影響我？我覺得近代確實更著重個人特質與群體風格，但我們所做的其實都是原本就一直在做的事情，只是現在更被容許呈現出來；不管是庶民元素、過曝照片，或是藝術與設計的結合，這些本來就存在，只是大家看待這些東西的品味變得更寬了。我反而相信這是一種群體演進的過程。就像疫情時大家會轉向心靈探索，每個時代全人類都會面臨某種共同的趨勢，並不約而同產生類似的反應——而設計圈把它歸納為New Ugly。

 葉忠宜 
與其說內化到創作裡，我比較像是用逛美術館的方式，在學習欣賞這些物件或設計。我喜歡分析人類，所以我會去思考：它和社會脈絡產生了什麼關係？為什麼會出現這樣的形式？我去日本念書時，花了很多時間探究當代藝術；回台灣後，我把那種對形式與脈絡的思考帶回設計。對我來說，藝術與設計其實都在追求某種「真理」，而New Ugly則可以成為一種手段。它雖然從形式出發，但真正專注的往往是社會的「共感」。當那些來自日常、甚至被視為庸俗的物件進入作品時，人們可以先連結到某種社會經驗，進而產生情感上的價值。我覺得這也是New Ugly很重視的一部分——情感的價值。

我推的New Ugly

葉忠宜推薦：Bráulio Amado
因為New Ugly會擷取每個地方養成的在地通俗文化，所以我會去想像：如果在離我們很遙遠的國度，用這樣的形式長出來的視覺會是什麼樣子？在葡萄牙的話，對我來說就是Bráulio Amado手中的樣子。他常運用帶點模糊感、像Photoshop特效般的視覺效果，我超愛的！

葉忠宜
平面設計師、卵形設計工作室與重本書店主理人，畢業於日本京都藝術大學研究所藝術表現專攻。曾統籌製作華文圈首本字體設計專業雜誌《Typography字誌》，並於2023年入選AGI 國際平面設計聯盟。

廖小子推薦：ddd.pizza
我滿喜歡ddd.pizza負責人及藝術指導張溥輝，他早期的作品很有New Ugly的味道。他用新細明體做的坂口安吾《白痴》再版書封，讓我印象很深刻。

廖小子
本名廖俊裕，畢業於高雄師範大學視覺設計研究所，現為「小子藝術製作有限公司」主理人。創作橫跨藝術、書籍與唱片封面、展場設計與視覺識別，擅長從台灣草根文化汲取養分，轉化為個性鮮明的台式美學。

Sydney Sie 推薦：Daniel Johnston
美國創作歌手、視覺藝術家Daniel Johnston長期與心理疾病抗爭，他的創作幾乎都在地下室完成，專輯封面也幾乎全是親手繪製，看起來 像是小孩子的隨手塗鴉。雖然他未必會被歸類為New Ugly，但這樣的創作方式，本身就是一種反體制。

Sydney Sie
本名謝昕妮，視覺藝術家。畢業於臺灣科技大學，主修平面設計與資訊設計。擅長運用設計、攝影與動態影像呈現創作，把玩錯視、超現實構圖與符號語言，作品活躍於國內外各大視覺與藝文平台。

更多精彩內容請見La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》