畫中有字，字中有畫，從山水看見街頭感——TAO ART王加加個展《biáng》將東西美學揉於一室

台北藝廊TAO ART用一場名為《biáng》的展覽，收束了中國藝術家王加加不同階段的創作心境，從年輕時「眼睛」系列拼貼出的張狂；近年「森林」系列探索自身根源，揉合東方筆觸、西方意象的繪畫語言；再到超越時序、直指內心柔軟的「鴨子」系列，讓人看見一位藝術家不停向外探索、也向內自省，擁抱未來、同時不忘傳統的創作旅程。

「眼睛」揭露強烈的表現欲望

一雙雙的「眼睛」，是許多藏家、藝術買手、觀眾看見王加加的起點。2020年啟動的「眼睛」系列是王加加目前發展得最為成熟的作品，其帶有強烈的拼貼風格，融合了數位圖像、抽象繪畫、絲網印刷，集結濃烈的色彩、鮮明的符號。王加加在數位輸出的影像上，用顏料層層堆疊直到畫中只留下「靈魂之窗」，表達出直接、深刻的情緒，同時讓眼睛成為觀者欣賞作品的引導——當虛擬（畫中）與現實（觀者）的眼睛對視，便一起墜入新的維度。

超現實「森林」由東西背景滋養

如果說「眼睛」系列強烈的取樣、拼貼，反映了王加加毫不掩飾、力求吸人眼球的表達欲望，那2022年起連載的「森林」系列，則可見他透過繪畫語言「尋根」的嘗試。王加加雖然三歲就隨家人移居英國，從小在倫敦長大，但因出生於中國畫世家，小時候就被父母訓練以線條畫樹、畫風景，表達對周遭環境的觀察，藝術路上仍深受中國文化影響，從「森林」系列作品最能看出端倪。

「森林」系列像是超現實版的山水，繽紛而瘋狂；畫的是自然，卻有都會的摩登和動感。其中一幅長、寬超過兩公尺的巨幅繪畫〈Roots〉，畫中筆觸像是書法中的狂草，極度奔放、洋溢著想破框而出的生命力；看著它，就能感受到活生生的、激烈的有機能量。

有趣的是，王加加在數不清的繪畫線條之間，特別藏了彩蛋——必須很仔細找（還可能找不到）的英文和中文字，讓觀者看畫看出尋寶的樂趣，也讓文字、線條與色彩相互搭配之下，仿若一件大尺幅的街頭塗鴉，隱約透露著英國蓬勃的街頭文化對他的影響。如果仔細觀察，更會發現畫中西方油畫顏料所刻劃出的線條，仍帶有中國畫的氣韻，這反映了王加加向內探尋，試著將傳承自家族的中國畫底蘊轉譯成西方油畫媒介的成果。

一起化身「鴨子」，回歸最真實的自我

展間中精巧、色彩恬淡的「鴨子」系列，就像是一片王加加創作倦怠時依賴的舒適區（comfort zone），在這裡他不必想太多，只管享受即興的樂趣，回歸作畫能夠不假思索、只為記錄當下情感的初心。畫中的鴨子個個像人，他們成對一起抽菸、或獨自釣魚，就像人類生活困頓、心煩時尋求出口一般，只想暫時放鬆、放空、放飛自我。不妨將「鴨子」系列視為王加加遞出的邀請，一起成為畫中的鴨子，回到最本真的自我。

獨家彩蛋！王加加現地創作壁畫訴說心境

這次王加加也特別在TAO ART留下現地創作，黑白壁畫盤根錯節的線條中藏了些字，其中 “FOMO NO MORE” 最能體現他的心情。「FOMO」是fear of missing out的縮寫，代表著人們因不在場、未能參與而生的焦慮和恐懼，不過，王加加為何焦慮？這得說回2020年，當年TAO ART首次邀請王加加舉辦個展，可惜當時礙於疫情，他沒辦法親自到場佈展，因只能遠端連線而感到焦慮；時隔4年，疫情平復，TAO ART正好再次拋出邀請，終於能親自飛來台灣佈展的他，因而在現場留下FOMO NO MORE的興奮心情。

為什麼以《biáng》命名？

話說回展名《biáng》（讀作ㄅㄧㄤˋ）。讀到「biáng」音，大多台灣人最先聯想到的或許是稱讚他人好棒、好優秀的「ㄅㄧㄤˋ」，不過王加加的命名靈感是來自中國西安傳統麵食「biáng biáng 麵」，其實「biáng」可以寫作中文字，只是電腦算不出來，不妨從展覽主視覺看看它的樣子：

寫起來極其複雜、筆畫能排進中文字前十多的「biáng」，一個字就包含了言、八、長、馬、心、月等字，甚至有首專屬歌謠提醒人們它該怎麼寫：

「一點上了天，黃河兩道彎，八字大張口，言字往進走，你一扭我一扭，你一長我一長，當中加個馬大王，心字底，月字旁，留個鈎搭掛麻糖，坐着車車逛咸陽。」

繁複的筆畫讓王加加聯想到自己畫中那些神秘難解的線條，所以決定為個展取名為《biáng》；英文展名《You Twist, I Twist Too》靈感則來自歌謠其中一句歌詞：「你一扭我一扭」，呼應著畫中有機不受限、彎曲蔓延的筆觸。

TAO ART 王加加個展《You Twist, I Twist Too》

展期｜2024年3月16日－4月27日

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六，11:00－19:00

乍看其作，是攝影還繪畫竟傻傻分不清楚——？以「超寫實錯視」技法揚名國際的西班牙當代藝術家Ana de Alvear全新個展隨即於2026年8月15日落地台北，由双方藝廊策劃的《慾望之物：微觀與巨觀的交會之境》將完整揭示她如何通過微觀和巨觀視角，放大生活中諸如石頭、苔蘚等不起眼事物的存在感；且憑想像力構築彷若實境的虛擬場景，觸碰虛虛實實間那若有似無的界線。從本文認識藝術家，同場馬上看3大系列亮點之作。

坐落台北大直、側重藝術推廣與策展實踐的双方藝廊（Double Square Gallery），預定2026年8月15日至9月26日舉辦西班牙藝術家Ana de Alvear個展《慾望之物：微觀與巨觀的交會之境》。策展內容整體專注呈獻藝術家標誌性的超寫實色鉛筆錯視畫（Trompe-l'oeil），試圖藉其精湛技法與概念性的探索路徑，在極小與極大尺度中創造微觀與巨觀的詩意互動，並透過悉心安排的視覺敘事，邀觀者跨出感官舒適圈、完成物理與精神覺知的深刻轉化，從而再次審視眼前所見的真實。

綜覽藝術家Ana de Alvear生平

1962年出身馬德里，現為西班牙當代藝術的重要代表之一。她善用多重媒材進行創作，藝術實踐範疇涵蓋平面大型繪畫、錄像乃至表演和現地製作的跨領域裝置等豐富類型，其中又以單純使用色鉛筆所繪製幾可亂真的石頭色澤與紋理、細膩入微的植物與昆蟲等人造視覺幻象聞名於世。

過去除在歐洲備受推崇，2025年亦憑創新視野獲得台北當代藝術博覽會「新生維度藝術家獎（Edge Artist Award）」殊榮。曾在法國龐畢度中心、西班牙索菲亞王后國家藝術中心博物館、美國聖地牙哥美術館、日本原美術館、韓國國立現代美術館首爾館等世界各地場館進行展出。作品並受美國聖地牙哥美術館、底特律美術館等機構典藏。

洞悉全新個展《慾望之物》概念

展名「慾望之物：微觀與巨觀的交會之境」靈感汲取自藝術家自述，以及美國詩人暨文學評論家Susan Stewart探討微縮模型、巨物、紀念品與收藏品的知名著作《論渴求（On Longing）》。後者分析的微觀與巨觀，視身體為人類感知尺度的基準，指出身體恰恰體現「容器與被包含物」的悖論。前者的色鉛筆畫作則充分反映這場身體與尺度的辯證：人在凝視微縮宇宙時，彷彿擁有全知的視覺掌控權，然當面對浩瀚空間，我們的身體卻又淪為被包圍和吞噬的局部，只得穿梭周遭風景，抽象地向巨大的外在世界投射感知。

▼ 3大系列亮點展品一次看

Ana de Alvear長期通過創作挑戰人類潛意識中的既定原型，進而運用該概念促發觀者的認同或排斥感，觀者因此必須克服自身抗拒，才得以完整關乎「主體性」的核心思維。其作品尤其刻意從慣常脈絡中抽離現實所參照的元素，以促成改變內在意義並模糊固有界線之效，迫使觀者於看展過程中不斷遊走縮小與放大的尺度間。好比在微觀視野方面，帶有底片印樣的《苔蘚》系列正玩弄真實情境與視覺幻象：看似經微距攝影捕捉的微縮畫面，實為尺寸達66*96公分的色鉛筆畫作。

以各色各式石塊為主體的《收藏之物》系列另自「所有孩子都從收集彩色石頭開始⋯⋯我們都是囤積者」觀點呼應Susan Stewart的論述：收藏的本質，是以分類（即藏家重新建立的體系）取代歷史（即物件原來帶有的脈絡），且將時間轉化為空間性秩序；人類藉由囤積物件，在私有場域中構建出一個可以完全被掌控的封閉宇宙——將外在世界內部化的渴望，也可謂Ana de Alvear對「慾望之物」四字的關鍵詮釋。

又或者在巨觀視野方面，藝術家縝密勾勒《虛無迷宮》系列中充滿無盡倒影與開闔房間的迷宮。這些向四面八方拓展的空間，無疑打破觀者身體作為「容器」與「被包含物」的界線。

此次新展，Ana de Alvear巧妙並置全採色鉛筆描繪的極小與極大場景，讓微觀與巨觀交融於場內，引領觀者在兩者的無縫切換中尋找自我極限。

Ana de Alvear個展《慾望之物：微觀與巨觀的交會之境》

• 時間：2026年8月15日至9月26日，週二至六12:00-18:00
• 地點：双方藝廊（台北市中山區北安路770巷30號）

>> 更多資訊可至双方藝廊官方網站、官方IG查看。

^{資料提供｜双方藝廊          文字整理｜Ning Chi}

由臺中市政府與國巨基金會共同主辦的國際特展「蠍子與青蛙：國巨基金會典藏展」，將於今年11月在臺中市立美術館登場。本次展出精選自國巨基金會典藏、共計66件橫跨文藝復興至當代的東西方經典作品，其中有55件作品首度於臺灣公開展出。

本次「蠍子與青蛙：國巨基金會典藏展」集結阿爾泰米西婭・簡提列斯基（Artemisia Gentileschi)、丁托列托（Jacopo Tintoretto)、巴布羅・畢卡索（Pablo Picasso）、法蘭西斯・培根（Francis Bacon）、馬克・羅斯科（Mark Rothko)、安迪・沃荷（Andy Warhol）、大衛・霍克尼（David Hockney）及傑夫・昆斯（Jeff Koons）等重要藝術家的作品。展覽透過跨時代、跨媒材的作品並置，重新探討理性、本能等議題，邀請觀眾從不同時代作品的相互映照中，以嶄新的視角重新觀看藝術史上重要的藝術家經典作品。

跨時代與媒材並置，以寓言隱喻開啟新的觀看方式

本展由常駐紐約的菲利普・拉瑞特－史密斯（Philip Larratt-Smith）策劃。他現任伊斯頓基金會（The Easton Foundation）策展人，負責路易絲・布爾喬亞（Louise Bourgeois）藝術遺產相關策展工作，近年曾策劃上海龍美術館的路易絲．布爾喬亞大型回顧展等著名藝術家國際展覽。本展以「蠍子與青蛙」寓言為策展命題，循此脈絡梳理基金會典藏，並由此延伸回應神聖與世俗、意識與無意識、寫實與抽象，以及心靈世界與感官領域等不同面向。

展名「蠍子與青蛙」源於一則俄國寓言，講述蠍子請求青蛙載牠渡河，卻因無法違背本性，在渡河途中螫傷青蛙，最終雙雙沉沒的故事。青蛙象徵理性與道德，蠍子則代表欲望、命運與人性。策展人以此作為貫穿整個展覽的核心隱喻，打破傳統依年代、類型或媒材分類的展示方式，將自文藝復興時期至今橫跨5個世紀的作品交錯並置，並重新梳理作品彼此之間的關係，引導觀眾重新理解人性的多重樣貌。 

培根、丁托列托展開跨時空對話

展覽亮點之一，是將20世紀最具影響力的人物畫家法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉（Study for a Pope VI）與文藝復興晚期威尼斯畫派最具代表性的藝術家之一丁托列托所繪的〈樞機主教馬坎托尼奧．達．穆拉肖像〉(Portrait of Cardinal Marcantonio da Mula)並置於同一展間。培根以扭曲、變形的人物形象重新詮釋傳統宗教肖像，呈現人物內在的不安、焦慮與精神張力，也使其「教宗系列」成為20世紀藝術史的重要經典。策展人將這組相隔4個世紀的畫作並置於同一展間，凸顯了丁托列托筆下寫實與客觀的教宗權威形象，並與培根作品中所呈現的心理張力形成鮮明對照。

霍克尼雙人肖像首度在台亮相

本展另一件點睛之作，則是今年辭世的英國藝術家大衛・霍克尼的雙人肖像〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉（Christopher Isherwood and Don Bachardy）。此作為霍克尼備受推崇的雙人肖像系列代表作之一，亦是首次在臺灣公開展出的重要作品。霍克尼細膩地描繪英國作家克里斯多福・伊舍伍德（Christopher Isherwood）與其伴侶的情感關係，畫面採取古典式構圖，畫中的戀人各自獨立、相隔而坐，卻又彼此相依，巧妙映照出本展理性與本能相互消長的核心命題。

世界級名作走進中美館

除了上述作品外，本展更匯聚古斯塔夫．克林姆（Gustav Klimt）、常玉、路易絲・布爾喬亞、格哈德・里希特（Gerhard Richter)及杉本博司等國際重要藝術家的創作，呈現國巨基金會跨越5個世紀的重要收藏。

蠍子與青蛙：國巨基金會典藏展
時間：2026年11月20日至2027年4月4日
地點：臺中市立美術館｜展覽室D、E
開放時間：每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00，國定假日照常開放

_{資料提供｜中美館、文字整理｜Adela Cheng}