畫中有字，字中有畫，從山水看見街頭感——TAO ART王加加個展《biáng》將東西美學揉於一室

台北藝廊TAO ART用一場名為《biáng》的展覽，收束了中國藝術家王加加不同階段的創作心境，從年輕時「眼睛」系列拼貼出的張狂；近年「森林」系列探索自身根源，揉合東方筆觸、西方意象的繪畫語言；再到超越時序、直指內心柔軟的「鴨子」系列，讓人看見一位藝術家不停向外探索、也向內自省，擁抱未來、同時不忘傳統的創作旅程。

「眼睛」揭露強烈的表現欲望

一雙雙的「眼睛」，是許多藏家、藝術買手、觀眾看見王加加的起點。2020年啟動的「眼睛」系列是王加加目前發展得最為成熟的作品，其帶有強烈的拼貼風格，融合了數位圖像、抽象繪畫、絲網印刷，集結濃烈的色彩、鮮明的符號。王加加在數位輸出的影像上，用顏料層層堆疊直到畫中只留下「靈魂之窗」，表達出直接、深刻的情緒，同時讓眼睛成為觀者欣賞作品的引導——當虛擬（畫中）與現實（觀者）的眼睛對視，便一起墜入新的維度。

超現實「森林」由東西背景滋養

如果說「眼睛」系列強烈的取樣、拼貼，反映了王加加毫不掩飾、力求吸人眼球的表達欲望，那2022年起連載的「森林」系列，則可見他透過繪畫語言「尋根」的嘗試。王加加雖然三歲就隨家人移居英國，從小在倫敦長大，但因出生於中國畫世家，小時候就被父母訓練以線條畫樹、畫風景，表達對周遭環境的觀察，藝術路上仍深受中國文化影響，從「森林」系列作品最能看出端倪。

「森林」系列像是超現實版的山水，繽紛而瘋狂；畫的是自然，卻有都會的摩登和動感。其中一幅長、寬超過兩公尺的巨幅繪畫〈Roots〉，畫中筆觸像是書法中的狂草，極度奔放、洋溢著想破框而出的生命力；看著它，就能感受到活生生的、激烈的有機能量。

有趣的是，王加加在數不清的繪畫線條之間，特別藏了彩蛋——必須很仔細找（還可能找不到）的英文和中文字，讓觀者看畫看出尋寶的樂趣，也讓文字、線條與色彩相互搭配之下，仿若一件大尺幅的街頭塗鴉，隱約透露著英國蓬勃的街頭文化對他的影響。如果仔細觀察，更會發現畫中西方油畫顏料所刻劃出的線條，仍帶有中國畫的氣韻，這反映了王加加向內探尋，試著將傳承自家族的中國畫底蘊轉譯成西方油畫媒介的成果。

一起化身「鴨子」，回歸最真實的自我

展間中精巧、色彩恬淡的「鴨子」系列，就像是一片王加加創作倦怠時依賴的舒適區（comfort zone），在這裡他不必想太多，只管享受即興的樂趣，回歸作畫能夠不假思索、只為記錄當下情感的初心。畫中的鴨子個個像人，他們成對一起抽菸、或獨自釣魚，就像人類生活困頓、心煩時尋求出口一般，只想暫時放鬆、放空、放飛自我。不妨將「鴨子」系列視為王加加遞出的邀請，一起成為畫中的鴨子，回到最本真的自我。

獨家彩蛋！王加加現地創作壁畫訴說心境

這次王加加也特別在TAO ART留下現地創作，黑白壁畫盤根錯節的線條中藏了些字，其中 “FOMO NO MORE” 最能體現他的心情。「FOMO」是fear of missing out的縮寫，代表著人們因不在場、未能參與而生的焦慮和恐懼，不過，王加加為何焦慮？這得說回2020年，當年TAO ART首次邀請王加加舉辦個展，可惜當時礙於疫情，他沒辦法親自到場佈展，因只能遠端連線而感到焦慮；時隔4年，疫情平復，TAO ART正好再次拋出邀請，終於能親自飛來台灣佈展的他，因而在現場留下FOMO NO MORE的興奮心情。

為什麼以《biáng》命名？

話說回展名《biáng》（讀作ㄅㄧㄤˋ）。讀到「biáng」音，大多台灣人最先聯想到的或許是稱讚他人好棒、好優秀的「ㄅㄧㄤˋ」，不過王加加的命名靈感是來自中國西安傳統麵食「biáng biáng 麵」，其實「biáng」可以寫作中文字，只是電腦算不出來，不妨從展覽主視覺看看它的樣子：

寫起來極其複雜、筆畫能排進中文字前十多的「biáng」，一個字就包含了言、八、長、馬、心、月等字，甚至有首專屬歌謠提醒人們它該怎麼寫：

「一點上了天，黃河兩道彎，八字大張口，言字往進走，你一扭我一扭，你一長我一長，當中加個馬大王，心字底，月字旁，留個鈎搭掛麻糖，坐着車車逛咸陽。」

繁複的筆畫讓王加加聯想到自己畫中那些神秘難解的線條，所以決定為個展取名為《biáng》；英文展名《You Twist, I Twist Too》靈感則來自歌謠其中一句歌詞：「你一扭我一扭」，呼應著畫中有機不受限、彎曲蔓延的筆觸。

TAO ART 王加加個展《You Twist, I Twist Too》

展期｜2024年3月16日－4月27日

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六，11:00－19:00

專注羊毛氈創作超過13年，藝術家Oksana Pero擅長融合刺繡、縫紉與羊毛纖維，揉塑出充滿靈性的奇幻生物，並於2019年創立品牌Soulbaubles。而其全球首場個展《The Alchemy of Wool》於2026年4月11日至4月26日在台北one little planet展出，本次展覽完整呈現自2015年至今的26件精選代表作。

作品呈現「正在呼吸」的生命質感

13年前，Oksana Pero告別繁雜的都市生活，選擇在俄羅斯南部一個由森林、丘陵與果園環繞的安靜村莊紮根，自學羊毛氈，並於2019年創立品牌「Soulbaubles」。她將針氈的精確控制、濕氈的隨機塑形，以及縫紉與刺繡的技法融合在一起，讓羊毛呈現出「正在呼吸」的生命質感。創作中，她使用祖母遺留下來的古董布料與絲線，將帶著家族溫度的時光，一針一線縫進每件作品裡。

Oksana不追求強烈的視覺衝擊。她希望這些作品像一種不需要開口說話的陪伴，能讓空間變得更暖、更柔軟。如果你願意靜下來注意它們，它們會「喚醒你心裡某個你早已忘記自己還在等待的東西」。

羊毛是擁有近乎無窮無盡的靈魂的存在

Oksana認為，羊毛不只是材料，而是擁有近乎無窮無盡的靈魂（near-boundless soul）的存在。在她所創造的微觀宇宙中，涵蓋了極其多樣的生物，從大型的森靈、獅、狼、狐、刺蝟、蛾、真菌菇類，到及僅7公分的小熊等，透過她的雙手將柔軟的天然纖維化為森靈，讓牠們在苔蘚與微光構成的寧靜世界中，找到自己的位置。

找回對生活裡細小事物的溫柔

而她形容這次在台北one little planet展出，「Tiny worlds finding their place on a little planet.」像是自己作品的一場溫柔回聲，在凝視作品的過程中，找回對生活裡細小事物的溫柔。

「The kind of presence you don't have to speak to, but somehow makes the room feel warmer, softer, less alone. And perhaps - just perhaps - I hope they awaken something tender in the person who looks at them. A memory of the forest. A forgotten dream. A wish you didn't know you still carried. 」—Oksan

個展精選26件毛氈作品

這次展出精選了Oksana Pero自2015年至今，涵蓋平面的羊毛畫作、立體雕塑與結合LED的複合媒材等，共26件毛氈作品。其中〈The Moth〉系列，在她腦海中構思並等待多年，是收到one little planet邀請後首次創作的全新系列，這些生靈每一隻都在寫實與夢幻之間細細塑形，感覺是活的，卻又像剛從另一個世界飛來。她希望能透過這些溫柔，喚醒觀者心中的童心、遺忘的夢，或是對森林的某段記憶。

還原創作過程中的工作桌面與窗景

值得一提的是，《The Alchemy of Wool》展覽期間還原Oksana創作過程中最重要的工作桌面與窗景，並首次公開展示親自縫製裝幀的手稿書（Sketchbook）。這本手工裝幀的手稿，是Oksana眾多手稿書中最為珍貴的一本，累積至少5年的靈感採集，除了設計草圖、插圖，以及對森林與家鄉山巒的文字隨筆與植物。

推出聯名限定公仔

另外，展覽亮點之一，是one little planet與soulbaubles聯名推出的限定公仔〈The Lion - Vinyl〉。這也是Oksana的第一個軟膠公仔，穿著精緻的手縫針織毛衣，結合其標誌性的特徵：溫柔垂眼，走進更多藏家的生活空間，讓原本屬於纖維的「靈魂」在不同媒介中繼續跳動。

The Alchemy of Wool - Oksana Pero 個展
展期：2026 年 4 月 11 日（六）至 4 月 26 日（日），每週三至週日 13:00-19:00
地點：one little planet｜台北市大安區東豐街 13 號

_{資料提供｜one little planet、文字整理｜Adela Cheng}

位於米蘭的 Prada 基金會（Fondazione Prada）向來是全球藝術愛好者的朝聖之地，即日起至11月9日，由當代最具影響力的藝術家之一 Mona Hatoum，在園區內由舊酒精蒸餾廠改造的儲槽空間，帶來了全新展覽計畫，從懸浮半空的玻璃網、鋪滿地面的紅色世界地圖，到會傾斜顫動的巨型金屬格架，亦是一場關於身體、疆界、秩序與不安的沉浸式展覽。

將工業遺址化為感知劇場

當世界局勢持續震盪，藝術是否還能提供一種重新理解現實的方法？

在米蘭Prada基金會的Mona Hatoum個展《Over, Under and In Between》中，答案似乎是一場必須以身體經過、以感官承受的空間提問。這項為Cisterna空間量身構思的場域特定計畫，透過裝置作品，圍繞「網」、「地圖」與「格網」三個核心意象展開，回應的是我們這個時代的動盪，以及人類存在本身的脆弱。

Cisterna空間前身是蒸餾廠儲槽所在的工業建築，帶有鮮明的垂直尺度與粗獷結構。Hatoum並未把它視為中性的展示場地，而是將三個展間轉化為感知逐步推進的場域，觀者在穿越作品的過程中，被一步步帶進不穩、壓迫、懸置與失衡的心理狀態。這也是Hatoum近年創作中始終鮮明的特質，她擅長把極簡而克制的形式，轉化為帶有危險感與身體壓力的存在。

1952年生於貝魯特、出身巴勒斯坦家庭的Mona Hatoum，長期以身體、位移、邊界、監控與權力結構等主題聞名。她的作品總帶著一種少見的張力，看似極簡，實際上卻從不只是形式問題，而是關於人如何被世界規訓、包覆、切分與觀看。

庇護與束縛，從「網」開始

展覽的第一個空間，由新作《Web》揭開序幕。這件作品以手工吹製的透明玻璃球與金屬線組成一張高懸半空的巨大網狀結構，像蜘蛛網，也像某種脆弱卻難以逃離的宇宙圖景。對Hatoum而言，「網」從來不只是單一象徵，它既可能是壓迫、困陷與束縛的羅網，也可能暗示庇護、親密與彼此相連的關係。正因如此，這件作品最迷人的地方，不在於材料的精巧，而在於它讓人同時感受到兩種相反的情緒，一方面被其透明、輕盈與微光吸引，另一方面又不自覺地意識到，自己正站在一種可能逐步收緊的結構之下。

由三萬顆紅色玻璃球構成、隨時可能失衡的世界地圖

中央展間中的《Map (red)》則把視角拉向全球尺度。作品由超過三萬顆半透明紅色玻璃球鋪陳於地面，形成一幅僅保留陸塊輪廓的世界地圖。沒有清楚的國界，也沒有固定的基底，每一顆玻璃球都處在可被擾動的位置上，使整件作品呈現出一種鬆動、危險、隨時可能失衡的狀態。

Hatoum選擇以Gall-Peters投影製作這幅地圖，透露其觀看立場。這幅作品不只是對世界的描繪，也是一個關於權力如何塑造世界認知的提醒。當地圖不再是穩固的知識圖像，而是由無數脆弱的玻璃球組成時，觀者面對的便不只是地理概念，而是整個世界秩序本身的可變與不安。

如呼吸的建築，也像顫動的身體

第三個空間中的《all of a quiver》，則可說是整場展覽最具身體感的一刻。這件大型動態裝置由九層開放式立方結構堆疊而成，像建築鷹架，也像一副被抽空外殼的骨架。它在機械裝置驅動下緩慢傾斜、下沉、顫動，再重新站回直立狀態。整個過程並不劇烈，卻讓人清楚感受到所謂的穩定，其實只是一種暫時維持的平衡。

這件作品也凸顯Hatoum一貫的方法，她擷取立方、格網、模組與重複等極簡語彙，卻不讓它停留在理性而抽象的層次，而是讓結構本身帶上近乎疲憊、搖晃、脆弱的人體感。觀看它時，彷彿不是在看一件雕塑，而是在看一種時代狀態的縮影。

世界不曾穩固，我們都活在某種不安中？

為了讓觀者能更深入了解作品背後的脈絡，Prada 基金會同步出版了《Quaderni》系列專書，邀請地理學者、建築師與心理學家共同撰文，從多元視角剖析 Hatoum 的創作世界 。

在 Mona Hatoum 的視角下，世界不再是堅實、可控的，而是一個充滿動態變數的感官空間。《Over, Under and In Between》所提示的，也許不是如何找到穩定，而是如何承認，人始終活在上方、下方，以及所有尚未被命名的中間地帶。

Mona Hatoum《Over, Under and In Between》
地點：Fondazione Prada, Milan, Cisterna
展期：即日起至11月9日