畫中有字，字中有畫，從山水看見街頭感——TAO ART王加加個展《biáng》將東西美學揉於一室

台北藝廊TAO ART用一場名為《biáng》的展覽，收束了中國藝術家王加加不同階段的創作心境，從年輕時「眼睛」系列拼貼出的張狂；近年「森林」系列探索自身根源，揉合東方筆觸、西方意象的繪畫語言；再到超越時序、直指內心柔軟的「鴨子」系列，讓人看見一位藝術家不停向外探索、也向內自省，擁抱未來、同時不忘傳統的創作旅程。

「眼睛」揭露強烈的表現欲望

一雙雙的「眼睛」，是許多藏家、藝術買手、觀眾看見王加加的起點。2020年啟動的「眼睛」系列是王加加目前發展得最為成熟的作品，其帶有強烈的拼貼風格，融合了數位圖像、抽象繪畫、絲網印刷，集結濃烈的色彩、鮮明的符號。王加加在數位輸出的影像上，用顏料層層堆疊直到畫中只留下「靈魂之窗」，表達出直接、深刻的情緒，同時讓眼睛成為觀者欣賞作品的引導——當虛擬（畫中）與現實（觀者）的眼睛對視，便一起墜入新的維度。

超現實「森林」由東西背景滋養

如果說「眼睛」系列強烈的取樣、拼貼，反映了王加加毫不掩飾、力求吸人眼球的表達欲望，那2022年起連載的「森林」系列，則可見他透過繪畫語言「尋根」的嘗試。王加加雖然三歲就隨家人移居英國，從小在倫敦長大，但因出生於中國畫世家，小時候就被父母訓練以線條畫樹、畫風景，表達對周遭環境的觀察，藝術路上仍深受中國文化影響，從「森林」系列作品最能看出端倪。

「森林」系列像是超現實版的山水，繽紛而瘋狂；畫的是自然，卻有都會的摩登和動感。其中一幅長、寬超過兩公尺的巨幅繪畫〈Roots〉，畫中筆觸像是書法中的狂草，極度奔放、洋溢著想破框而出的生命力；看著它，就能感受到活生生的、激烈的有機能量。

有趣的是，王加加在數不清的繪畫線條之間，特別藏了彩蛋——必須很仔細找（還可能找不到）的英文和中文字，讓觀者看畫看出尋寶的樂趣，也讓文字、線條與色彩相互搭配之下，仿若一件大尺幅的街頭塗鴉，隱約透露著英國蓬勃的街頭文化對他的影響。如果仔細觀察，更會發現畫中西方油畫顏料所刻劃出的線條，仍帶有中國畫的氣韻，這反映了王加加向內探尋，試著將傳承自家族的中國畫底蘊轉譯成西方油畫媒介的成果。

一起化身「鴨子」，回歸最真實的自我

展間中精巧、色彩恬淡的「鴨子」系列，就像是一片王加加創作倦怠時依賴的舒適區（comfort zone），在這裡他不必想太多，只管享受即興的樂趣，回歸作畫能夠不假思索、只為記錄當下情感的初心。畫中的鴨子個個像人，他們成對一起抽菸、或獨自釣魚，就像人類生活困頓、心煩時尋求出口一般，只想暫時放鬆、放空、放飛自我。不妨將「鴨子」系列視為王加加遞出的邀請，一起成為畫中的鴨子，回到最本真的自我。

獨家彩蛋！王加加現地創作壁畫訴說心境

這次王加加也特別在TAO ART留下現地創作，黑白壁畫盤根錯節的線條中藏了些字，其中 “FOMO NO MORE” 最能體現他的心情。「FOMO」是fear of missing out的縮寫，代表著人們因不在場、未能參與而生的焦慮和恐懼，不過，王加加為何焦慮？這得說回2020年，當年TAO ART首次邀請王加加舉辦個展，可惜當時礙於疫情，他沒辦法親自到場佈展，因只能遠端連線而感到焦慮；時隔4年，疫情平復，TAO ART正好再次拋出邀請，終於能親自飛來台灣佈展的他，因而在現場留下FOMO NO MORE的興奮心情。

為什麼以《biáng》命名？

話說回展名《biáng》（讀作ㄅㄧㄤˋ）。讀到「biáng」音，大多台灣人最先聯想到的或許是稱讚他人好棒、好優秀的「ㄅㄧㄤˋ」，不過王加加的命名靈感是來自中國西安傳統麵食「biáng biáng 麵」，其實「biáng」可以寫作中文字，只是電腦算不出來，不妨從展覽主視覺看看它的樣子：

寫起來極其複雜、筆畫能排進中文字前十多的「biáng」，一個字就包含了言、八、長、馬、心、月等字，甚至有首專屬歌謠提醒人們它該怎麼寫：

「一點上了天，黃河兩道彎，八字大張口，言字往進走，你一扭我一扭，你一長我一長，當中加個馬大王，心字底，月字旁，留個鈎搭掛麻糖，坐着車車逛咸陽。」

繁複的筆畫讓王加加聯想到自己畫中那些神秘難解的線條，所以決定為個展取名為《biáng》；英文展名《You Twist, I Twist Too》靈感則來自歌謠其中一句歌詞：「你一扭我一扭」，呼應著畫中有機不受限、彎曲蔓延的筆觸。

TAO ART 王加加個展《You Twist, I Twist Too》

展期｜2024年3月16日－4月27日

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六，11:00－19:00

人們追求鮮活和不朽，背後是對「被遺忘」的恐懼。暫且不談如何被深刻記著，先思考，我們能如何「不被遺忘」？

在安卓藝術推出的新展覽《陰性空間》中，8位女性藝術家試圖透過「修復」和「慢工」之勞動，讓自己與創作時相伴的材料，有重新被觀看和記得的機會。她們以舊木窗、舊衣服、香蕉皮、織線……各種零碎材料為起點，透過織、縫、刺與編等慢工，重新整理記憶、身體和生活經驗，逐步建構一處安頓身心的精神棲居。

「這不是一場單純談論女性身份的展覽。」

《陰性空間》集結來自台灣、菲律賓、羅馬尼亞的8位女性藝術家，包含陳家翊、陳妍伶、羅懿君、謝鴻均、瑪莉娜．克魯斯（Marina Cruz）、派翠西亞．伊斯塔柯（Patricia Eustaquio）、安德利亞．梅達爾（Andreea Medar）與安娜・瑪瑞亞・米庫（Ana Maria Micu）。

「這並不是一場單純談論『女性身份』的展覽。我們更關心藝術家如何從材料、記憶與生活經驗出發，回應這個充滿不安與衝突的時代。」安卓藝術總監李政勇說道，他更進一步解釋：「這裡的『陰性』不是柔弱，也不是與生俱來的女性特質，而是一種面對世界的行動方式——透過照護、保存、修補與持續勞動，藝術家重新思考力量的樣貌。修復不是退讓，而是在斷裂之後，仍選擇重新建立關係。」

面對全球衝突、社會撕裂與氣候變遷，《陰性空間》不將女性簡化為和平或溫柔的象徵，而是透過材料的切削、縫補、編織與重組，將內在經驗轉化為可被看見、觸碰與感知的物質實踐。展覽所談的「修復」，實際發生在藝術家與材料長時間的相處中，比如舊木窗保存建築與生活的痕跡，舊衣承載家族記憶，植物與廢棄物則將觀看延伸至身體、環境與消逝。作品因此成為「記憶的容器」，也成為重新理解日常的入口。

從舊木窗到香蕉皮，讓材料成為「時間的證物」

陳家翊長期關注人、環境與物質的共生關係，她的《存在》系列作品將日治時期的建築遺構——舊木牛眼窗，重新製作為燈箱，藉此將城市發展中破損的建築與生活記憶，轉化為流動的發光窗景。

陳妍伶的《紅線》將紅線轉化為象徵臍帶與血液流動的牽繫，呈現母親面對未知的焦慮與超越視覺的生物性連結。

菲律賓藝術家瑪莉娜．克魯斯（Marina Cruz）從家族祖屋淹水的記憶出發，以微觀的寫實筆觸描摹舊衣、拉鍊、布料褶皺、陶盆與植物，使洪水留下的生活痕跡，凝結為一幅關於家族記憶與日常照護的私密情感風景。

羅懿君使用風乾香蕉皮、香蕉絲與生漆，將易腐敗的植物材料，轉化為近似皮膚的形體。作品回應馬奎斯小說《沒有人寫信給上校》中長年等待卻始終未獲回覆的張力，以及人物在困頓中維持尊嚴與信念的狀態，使脆弱的材料承載等待、失落與持續存在的重量。

藉「慢工」拒絕快速消耗和遺忘

以手工刺繡貫穿創作核心，安德利亞．梅達爾（Andreea Medar）追溯家族記憶與歷史起源。在她的作品中，線跡穿越紙張、畫布與透明塑料，成為連結日常光影、家鄉風景與時間記憶的路徑。

跨足繪畫、雕塑與織品創作的派翠西亞．伊斯塔柯（Patricia Perez Eustaquio），重新詮釋了菲律賓藝術家卡洛斯．「波東」．法蘭西斯科（Carlos “Botong” Francisco）描繪醫學史的壁畫，呈現傳統薩滿巫者「巴貝蘭」（babaylan）借助自然力量療癒的景象。她透過數位技術重新拆解、編排壁畫圖像，再將其轉化為織毯，邀請觀者從不同角度觀看歷史，並思考其與自我的關係。

修復自我與世界共生關係

修復也發生在個人記憶、生活空間與自然環境之間。比如謝鴻均為新作《在虛空中塗寫》重返臺北老家畫室，重新探訪「壁花」意象——油彩、羽毛碎片與帶翅膀的童年洋裝彼此交織，使畫面成為一處關於成長、記憶與自我重構的內在居所。

安娜・瑪瑞亞・米庫（Ana Maria Micu）則觀察居住與工作空間中的植物。在她此次呈現的新作品中，植物不再只是靜止的風景，而是與藝術家共同經歷發芽、伸展、枯萎與再生，成為理解時間、生活與共生關係的對象。

8位參展藝術家在《陰性空間》中，以身體、物件、光影與材質回應當代個體的生存處境與精神困境，共同構築出一處具有「再生能量」的修復場域。她們在物質的餘溫與時間留下的痕跡中，呈現「陰性」力量如何跨越內在經驗與外在世界的界線，並將「修復」延伸至材料、記憶與感知之間的關係。展覽由此為觀者提供一處安頓心靈的觀看空間，讓現實與內在經驗中的裂縫被看見，並保留持續縫補的可能。

安卓藝術《陰性空間》特展

展期｜2026.10.17－11.21

地址｜台北市內湖區瑞光路548巷15號5樓

芬蘭時尚與生活風格品牌Marimekko首度與台灣藝術場館攜手合作，於10月20日至12月13日進駐臺南國家美術館fcous in ART、推出期間限定店。這次以品牌2026年度主題「Art of Printmaking 印花藝術」為核心，將橫跨75年的印花創作帶進藝術場域。

2026年適逢Marimekko創立75週年，品牌特別以「Art of Printmaking 印花藝術」作為年度主題，向長年深耕的紡織印花工藝與創意傳統致敬。自1951年創立以來，大膽鮮明的色彩與充滿生命力的印花圖騰始終是Marimekko設計語彙的核心；每款印花皆從藝術家的手繪、素描或紙張剪裁開始，再透過印刷工藝轉化為服裝、配件與家居用品，讓藝術真正走進日常生活。

Marimekko獨特印花在古都展放

此次選擇臺南國家美術館fcous in ART作為品牌首度在台灣與藝術場館合作的舞台，也呼應Marimekko長久以來對藝術創作與日常生活關係的探索。台南歷經不同時代的文化積累，從歷史建築、傳統工藝到當代創作，豐富的人文底蘊形塑出城市獨有的文化樣貌。當來自芬蘭的印花藝術走進台南，Marimekko希望透過這次期間限定合作，讓不同文化背景下的創作能量在此相遇。

走進Marimekko的藝術世界

期間限定店延續Art of Printmaking概念，將Marimekko Unikko游霓可印花從布料延伸至整體空間；入口以連續的拱形結構勾勒空間節奏，亮眼的花卉印花在大片落地玻璃綻放；步入其中，粉色與綠色的Unikko游霓可印花構築鮮明色彩層次，中央錯落配置不同高度的展示台，讓服飾、包款及生活家居用品如同藝術品般自然融入其中。空間一側更透過影像與文字呈現Marimekko的印花世界，從圖騰、色彩到設計創作，讓期間限定店不只是選購商品的場所，也成為探索品牌印花藝術的一段旅程。

75週年限定手繪藝術盤台灣買得到

此次期間限定店更帶來極具收藏意義的75週年限定藝術盤。系列以Marimekko印花藝術為創作核心，透過自由筆觸與手繪質感，將花卉、線條與色彩轉化為極具個性的盤面創作；每只作品皆呈現不同構圖與筆觸，並融入「75th Anniversary」線條勾勒字樣，彰顯週年紀念及收藏的意義。

全球限量75件的75週年手繪收藏作品，台灣此次特別引進其中11件，於臺南國家美術館 fcous in ART 期間限定店獨家販售。 每件作品皆以手工繪製，呈現獨一無二的色彩、筆觸與藝術表現，並標註專屬編號，單件定價 NTD10,900。讓每件作品不只是日常器皿，更如同一件值得珍藏的Marimekko印花藝術作品。

服飾、包款、家居系列也都有

另外，期間限定店亦集結Marimekko服飾、包款、配件與生活家居系列，從不同面向探索品牌超過70年的印花創作。Marimekko至今已累積超過 3,500款印花設計，從Maija Isola創作的經典Unikko游霓可，到不同世代設計師帶來的當代圖騰，每款印花皆承載著藝術家的創作巧思，並透過多元設計形式融入日常生活。

Marimekko × 臺南國家美術館 fcous in ART 期間限定店

期間：2026年10月20日-12月13日（免票入場）
地點：臺南國家美術館fcous in ART（臺南市中西區忠義路二段1號）
時間：週二～週日10:00-18:00 （週一公休）

_{資料提供｜Marimekko、文字整理｜Adela Cheng}