畫中有字,字中有畫,從山水看見街頭感——TAO ART王加加個展《biáng》將東西美學揉於一室

TAO ART王加加個展《biáng》

台北藝廊TAO ART用一場名為《biáng》的展覽,收束了中國藝術家王加加不同階段的創作心境,從年輕時「眼睛」系列拼貼出的張狂;近年「森林」系列探索自身根源,揉合東方筆觸、西方意象的繪畫語言;再到超越時序、直指內心柔軟的「鴨子」系列,讓人看見一位藝術家不停向外探索、也向內自省,擁抱未來、同時不忘傳統的創作旅程。

TAO ART王加加個展《biáng》
TAO ART舉辦王加加個展《biáng》©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART
TAO ART王加加個展《biáng》
王加加〈乘風破浪〉©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

「眼睛」揭露強烈的表現欲望

一雙雙的「眼睛」,是許多藏家、藝術買手、觀眾看見王加加的起點。2020年啟動的「眼睛」系列是王加加目前發展得最為成熟的作品,其帶有強烈的拼貼風格,融合了數位圖像、抽象繪畫、絲網印刷,集結濃烈的色彩、鮮明的符號。王加加在數位輸出的影像上,用顏料層層堆疊直到畫中只留下「靈魂之窗」,表達出直接、深刻的情緒,同時讓眼睛成為觀者欣賞作品的引導——當虛擬(畫中)與現實(觀者)的眼睛對視,便一起墜入新的維度。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「眼睛」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART
TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「眼睛」系列。(攝影:izzie pang)

超現實「森林」由東西背景滋養

如果說「眼睛」系列強烈的取樣、拼貼,反映了王加加毫不掩飾、力求吸人眼球的表達欲望,那2022年起連載的「森林」系列,則可見他透過繪畫語言「尋根」的嘗試。王加加雖然三歲就隨家人移居英國,從小在倫敦長大,但因出生於中國畫世家,小時候就被父母訓練以線條畫樹、畫風景,表達對周遭環境的觀察,藝術路上仍深受中國文化影響,從「森林」系列作品最能看出端倪。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「森林」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

「森林」系列像是超現實版的山水,繽紛而瘋狂;畫的是自然,卻有都會的摩登和動感。其中一幅長、寬超過兩公尺的巨幅繪畫〈Roots〉,畫中筆觸像是書法中的狂草,極度奔放、洋溢著想破框而出的生命力;看著它,就能感受到活生生的、激烈的有機能量。

TAO ART王加加個展《biáng》
Wang Jiajia 王加加, Roots, 2023, Spray paint & oil on canvas, 200 x 300 cm © Eva Dixon, courtesy of Wang Jiajia Studio

有趣的是,王加加在數不清的繪畫線條之間,特別藏了彩蛋——必須很仔細找(還可能找不到)的英文和中文字,讓觀者看畫看出尋寶的樂趣,也讓文字、線條與色彩相互搭配之下,仿若一件大尺幅的街頭塗鴉,隱約透露著英國蓬勃的街頭文化對他的影響。如果仔細觀察,更會發現畫中西方油畫顏料所刻劃出的線條,仍帶有中國畫的氣韻,這反映了王加加向內探尋,試著將傳承自家族的中國畫底蘊轉譯成西方油畫媒介的成果。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「森林」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

一起化身「鴨子」,回歸最真實的自我

展間中精巧、色彩恬淡的「鴨子」系列,就像是一片王加加創作倦怠時依賴的舒適區(comfort zone),在這裡他不必想太多,只管享受即興的樂趣,回歸作畫能夠不假思索、只為記錄當下情感的初心。畫中的鴨子個個像人,他們成對一起抽菸、或獨自釣魚,就像人類生活困頓、心煩時尋求出口一般,只想暫時放鬆、放空、放飛自我。不妨將「鴨子」系列視為王加加遞出的邀請,一起成為畫中的鴨子,回到最本真的自我。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「鴨子」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART
TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「鴨子」系列。(攝影:izzie pang)

獨家彩蛋!王加加現地創作壁畫訴說心境

這次王加加也特別在TAO ART留下現地創作,黑白壁畫盤根錯節的線條中藏了些字,其中 “FOMO NO MORE” 最能體現他的心情。「FOMO」是fear of missing out的縮寫,代表著人們因不在場、未能參與而生的焦慮和恐懼,不過,王加加為何焦慮?這得說回2020年,當年TAO ART首次邀請王加加舉辦個展,可惜當時礙於疫情,他沒辦法親自到場佈展,因只能遠端連線而感到焦慮;時隔4年,疫情平復,TAO ART正好再次拋出邀請,終於能親自飛來台灣佈展的他,因而在現場留下FOMO NO MORE的興奮心情。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「鴨子」系列展間及現地創作壁畫 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

為什麼以《biáng》命名?

話說回展名《biáng》(讀作ㄅㄧㄤˋ)。讀到「biáng」音,大多台灣人最先聯想到的或許是稱讚他人好棒、好優秀的「ㄅㄧㄤˋ」,不過王加加的命名靈感是來自中國西安傳統麵食「biáng biáng 麵」,其實「biáng」可以寫作中文字,只是電腦算不出來,不妨從展覽主視覺看看它的樣子:

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加個展《biáng》主視覺。(圖片提供:TAO ART)

寫起來極其複雜、筆畫能排進中文字前十多的「biáng」,一個字就包含了言、八、長、馬、心、月等字,甚至有首專屬歌謠提醒人們它該怎麼寫:

「一點上了天,黃河兩道彎,八字大張口,言字往進走,你一扭我一扭,你一長我一長,當中加個馬大王,心字底,月字旁,留個鈎搭掛麻糖,坐着車車逛咸陽。」

繁複的筆畫讓王加加聯想到自己畫中那些神秘難解的線條,所以決定為個展取名為《biáng》;英文展名《You Twist, I Twist Too》靈感則來自歌謠其中一句歌詞:「你一扭我一扭」,呼應著畫中有機不受限、彎曲蔓延的筆觸。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加。(圖片提供:TAO ART)

TAO ART 王加加個展《You Twist, I Twist Too》

展期|2024年3月16日-4月27日

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-1號8樓)

開放時間|週二至週六,11:00-19:00

在北美館「物質世界」裡,走一條感知成形的路徑:專訪策展人馮馨

踏入臺北市立美術館(以下簡稱:北美館)二樓,你想要走逛展覽,卻走進了乍看習以為常的世界。從貨架上藍綠色瓶身的洗衣精到壓克力顏料打造的黃色雨衣,這些看似再日常不過的物件,在藝術家與策展人馮馨的詮釋下,重新長出了意義。

臺北市立美術館提供
黃冠鈞,《黃》,2017。私人收藏。圖像由臺北市立美術館提供。

由北美館助理研究員馮馨策劃,5月1日正式推出的典藏研究展「物質世界」(Material Extensions)集結29位橫跨不同世代的藝術家,展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件作品。其中創作年份最早的作品為藝術家何德來1936年油畫作品《流逝的歲月》,在近乎一個世紀的作品跨度中,試圖勾勒物質如何深入人類的身體記憶、情感結構,甚至影響社會運作。

臺北市立美術館提供
何德來,《流逝的歲月》,1936。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

從典藏出發,辯證當代感知是如何形成的?

策展人馮馨坦言,她策劃的第一步並非立刻設定主題,而是看完北美館高達6,000餘件典藏作品,從原本思考的幾個方向中,找到有共鳴、可以相互對話的典藏作品,再進而從這些作品的共通點與時代性切入研究。「我先直覺地選件有感受的大約200件作品,再透過策展的研究過程梳理與精煉,讓它成為一個可能有機會擴張的敘事。」這樣的策展路徑,也讓展覽保留了感知先行的誠實。

臺北市立美術館提供
陸先銘,《台北的早晨》,1992。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。
臺北市立美術館提供
翁清土,《春耕圖一九八五》,1985。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

而在梳理過程中,馮馨長期關注的主題「當代感知的形成」也逐漸浮現在她的腦海。「我對於『當代感知是如何形成的?』這件事情很感興趣。事實上,這些感知的被意識與成形可能不是即刻的,而是經歷非常多過程與堆疊。」在科技無情地為萬事萬物加速的時代裡,這種透過身體感知的過程,反而更顯得珍貴。「像是你去喝一杯咖啡,感受到前中尾韻;觸摸到質地;嗅聞到氣味⋯⋯這些經驗都會形成人們跟世界之間,一種極度感受性的連結。至今,伴隨著科技與網路發展,我們得以有許多數位虛擬體驗,但人類每天依然活在一個物質的世界。」馮馨說道。

臺北市立美術館提供
張照堂,《存在與虛無I》,1962。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

從四大主題出發,走出一條由外而內,再回返感知的路

從這樣的概念出發,馮馨此次刻意將「物質世界」展覽設計成一條由外而內,再回返感知的敘事路徑,邀請人們從物質消費與其機制出發,延伸至物件構築的居所與城市現代化進程;接著轉向由物開展的奇想;再聚焦人與物之間的辯證關係;最後思考感知如何被物質延展與重塑。

臺北市立美術館提供
周育正,《工作史—盧皆得》,2012-2013。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

於是,當人們走進第一展區,李明學作品《溢出的記憶》讓觀眾一進門便遭遇視覺的陷阱。只見兩座不鏽鋼層架上,不同品牌但外觀極為相似的洗衣精與各類產品整齊排列,觀眾習慣性地將它們認定為同一物,卻會在細看後,發現自己被視覺慣習所欺騙。馮馨說道,「我在策展前期便決定要以這件作品開場。它對應了大家熟悉的日常場景,希望大家看到這組作品時,有機會因為發現相似卻差異的地方而慢下來,進而體會到觀看上的樂趣。」

臺北市立美術館提供
典藏品李明學《溢出的記憶》(2019)於「物質世界」展場一隅。圖像由臺北市立美術館提供。

節拍器、衣服、光線、灰塵,如何成為影響與印證生活的物

接著到了第二展區,物件在此逐漸變形、解構,成為通往潛意識的入口。像是黃文浩《上帝與我》以機械式節拍器驅動《創世紀》中亞當與神的手,兩者永遠無法相觸,荒誕而精準地隱喻人類徒勞往復的焦慮;賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則在名字裡埋下玄機,讓觀眾在作品與命名的辯證中,重新審視符號與現實的距離。

臺北市立美術館提供
黃文浩,《上帝與我》,1996。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。
臺北市立美術館提供
賴九岑,《這不是瑪格利特的天堂》,2018。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

此後,展覽進一步轉入更幽微的領域。第三展區中,日本藝術家日下淳一作品《超越認同》將帶有監獄粗條紋的西裝外套等30套改造服裝懸吊空中,讓人發現衣物從不只是「身外之物」,更影響人們的思考與身份認同。另一件令人印象深刻的作品則是湯雅雯的委託新作《揚起》。藝術家將家中及北美館積累的灰塵轉化為藝術裝置,當灰塵與玻璃窗外灑落的光線成為空間中的主角,日常中幾不可察的存在,彷彿也印證了生活的樣貌與時間的軌跡。

臺北市立美術館提供
日下淳一,《超越認同》,1994-1998。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。
臺北市立美術館提供
湯雅雯,《揚起》,2023-2026。藝術家自藏。圖像由臺北市立美術館提供。

最後來到第四展區,李傑的全新委託製作《People hate you for a reason》成為本次壓軸作品。在此,藝術家巧妙利用了展間自然光,結合流行音樂、聲響與筆觸式影像投射,隨著觀眾的移動生成多重媒介交錯的觀看經驗。馮馨感性地分享,李傑作品中透過文字、影像、聲音所營造出的強烈氛圍性,「看完可能沒有辦法馬上講出什麼,但會在心中留下感受,需要時間消化。」

臺北市立美術館提供
李傑,《People hate you for a reason》,2026。藝術家自藏。圖像由臺北市立美術館提供。

在展覽之間,找到物質與感知的對話方式

值得一提的是,「物質世界」並非單獨存在於北美館中。馮馨坦言,身為館內策展人,她從一開始便意識到同期展覽之間潛在的對話可能:「人的感受不單僅面對當下、單一的事情,而是可能有非常多事情同時湧入,相互影響與感受。」也因此,她建議觀眾同步觀賞地下樓正在展出的「超現實主義:對話中的世界」與一樓的「共感:存在的節奏」。前者在潛意識、符號與日常物件的變形想像上隱隱呼應;後者則邀請觀眾從共感與同理心出發,從自然、技術與行動實踐的角度,探索人、非人、物質相互連結、影響與共生的關係。三檔展覽橫跨不同樓層,各自獨立,卻在觀眾的移動之間,交織出彼此對話、互相補足的關係。

臺北市立美術館提供
黃銘昌,《巴黎閣樓—照見系列》,1978-1983。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

最後,馮馨也期待觀眾透過更長的時間,細細體驗展覽箇中趣味:「觀眾第一次觀看許多作品時,未必會留意到作品間的對話性。我希望大家可以慢下腳步,多相信自己看到的事情,多連結自己的生活。」而當我們在繁忙時空中緩下心緒,重新相信雙眼所見,或許便能在物質與感知的路徑中,再次找到自己與世界的關係。

Info:臺北市立美術館「物質世界」
Date:即日起~08.16
Add:北美館2A、2B展覽室

文 | 郭慧  圖片提供 | 臺北市立美術館提供

荷蘭國家博物館「雕塑公園」今秋開放!漫步阿姆斯特丹城市綠地,飽覽賈科梅蒂、考爾德等20世紀雕塑大師作品
荷蘭阿姆斯特丹國家博物館「雕塑公園」今秋開放!集結賈科梅蒂、考爾德等20世紀雕塑大師作品

遊阿姆斯特丹必訪的荷蘭國家博物館(Rijksmuseum),2026年秋天將迎來一座嶄新的戶外雕塑公園,邀藝術迷將穿梭綠意之間,飽覽賈科梅蒂(Alberto Giacometti)、考爾德(Alexander Calder)等雕塑大師的經典作品!

荷蘭阿姆斯特丹國家博物館「雕塑公園」今秋開放!集結賈科梅蒂、考爾德等20世紀雕塑大師作品
(圖片來源:Rijksmuseum)

濃縮荷蘭800年藝術精華

作為荷蘭最具代表性的藝文機構,荷蘭國家博物館(Rijksmuseum)展示了荷蘭近800年來的歷史和藝術精華,館藏中上千幅荷蘭黃金時代的繪畫作品,吸引不少藝術迷不遠千里來此朝聖,其中又以林布蘭《夜巡》、維梅爾《倒牛奶的女僕》最具代表性,堪稱鎮館之寶。與館內珍藏畫作相映,每年在博物館花園舉辦的年度雕塑展同樣精彩。

荷蘭阿姆斯特丹國家博物館「雕塑公園」今秋開放!集結賈科梅蒂、考爾德等20世紀雕塑大師作品
(圖片來源:Rijksmuseum)

專為20世紀雕塑藝術而生的公園

2013年重新向大眾開放以來,荷蘭國家博物館每年持續於花園舉辦盛大的雕塑展,其由唐吉訶德私人基金會(Don Quixote Foundation)捐款支持,讓展覽得以免費開放觀眾入場參觀,近距離感受雕塑藝術的雄偉與細膩。

荷蘭阿姆斯特丹國家博物館「雕塑公園」今秋開放!集結賈科梅蒂、考爾德等20世紀雕塑大師作品
(圖片來源:Rijksmuseum)

如今,唐吉訶德基金會更進一步捐贈6,000歐元,支持博物館打造一座全新的雕塑公園,園區將聚焦於20世紀以來的雕塑作品,常態展出賈科梅蒂(Alberto Giacometti)、考爾德(Alexander Calder)、路易絲·布爾喬亞(Louise Bourgeois)、尚·阿爾普(Jean Arp)、亨利·摩爾(Henry Moore)等大師之作,另搭配輪替式特展呈現現代雕塑的多重內涵。

荷蘭阿姆斯特丹國家博物館「雕塑公園」今秋開放!集結賈科梅蒂、考爾德等20世紀雕塑大師作品
(圖片來源:Rijksmuseum)

Foster + Partners操刀設計,重現阿姆斯特丹學派建築之美

這座全新的雕塑公園,取基金會之名命名為「唐吉訶德展亭與花園(Don Quixote Pavilion and Garden at the Rijksmuseum)」,由英國知名建築事務所Foster + Partners規劃整體場域。園區將串聯3座展亭和鄰近的Carel Willinkplantsoen公園,為城市添一片藝術綠地。

荷蘭阿姆斯特丹國家博物館「雕塑公園」今秋開放!集結賈科梅蒂、考爾德等20世紀雕塑大師作品
(圖片來源:Rijksmuseum)

值得一提的是,這3座展亭過去並未對外開放,其建築採阿姆斯特丹學派風格建造,以紅磚為主要材料,藉精湛的砌磚技術賦予建築充滿動態感的有機造型,體現20世紀初期盛行於荷蘭的表現主義藝術與設計思潮。Foster + Partners將對既有建築進行改造,考量採光、動線等配置,讓整體空間更適合藝術展演,為訪客打造一處能同時欣賞雕塑大作和荷蘭經典建築之美的藝術場域。

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