畫中有字,字中有畫,從山水看見街頭感——TAO ART王加加個展《biáng》將東西美學揉於一室

TAO ART王加加個展《biáng》

台北藝廊TAO ART用一場名為《biáng》的展覽,收束了中國藝術家王加加不同階段的創作心境,從年輕時「眼睛」系列拼貼出的張狂;近年「森林」系列探索自身根源,揉合東方筆觸、西方意象的繪畫語言;再到超越時序、直指內心柔軟的「鴨子」系列,讓人看見一位藝術家不停向外探索、也向內自省,擁抱未來、同時不忘傳統的創作旅程。

TAO ART王加加個展《biáng》
TAO ART舉辦王加加個展《biáng》©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART
TAO ART王加加個展《biáng》
王加加〈乘風破浪〉©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

「眼睛」揭露強烈的表現欲望

一雙雙的「眼睛」,是許多藏家、藝術買手、觀眾看見王加加的起點。2020年啟動的「眼睛」系列是王加加目前發展得最為成熟的作品,其帶有強烈的拼貼風格,融合了數位圖像、抽象繪畫、絲網印刷,集結濃烈的色彩、鮮明的符號。王加加在數位輸出的影像上,用顏料層層堆疊直到畫中只留下「靈魂之窗」,表達出直接、深刻的情緒,同時讓眼睛成為觀者欣賞作品的引導——當虛擬(畫中)與現實(觀者)的眼睛對視,便一起墜入新的維度。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「眼睛」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART
TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「眼睛」系列。(攝影:izzie pang)

超現實「森林」由東西背景滋養

如果說「眼睛」系列強烈的取樣、拼貼,反映了王加加毫不掩飾、力求吸人眼球的表達欲望,那2022年起連載的「森林」系列,則可見他透過繪畫語言「尋根」的嘗試。王加加雖然三歲就隨家人移居英國,從小在倫敦長大,但因出生於中國畫世家,小時候就被父母訓練以線條畫樹、畫風景,表達對周遭環境的觀察,藝術路上仍深受中國文化影響,從「森林」系列作品最能看出端倪。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「森林」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

「森林」系列像是超現實版的山水,繽紛而瘋狂;畫的是自然,卻有都會的摩登和動感。其中一幅長、寬超過兩公尺的巨幅繪畫〈Roots〉,畫中筆觸像是書法中的狂草,極度奔放、洋溢著想破框而出的生命力;看著它,就能感受到活生生的、激烈的有機能量。

TAO ART王加加個展《biáng》
Wang Jiajia 王加加, Roots, 2023, Spray paint & oil on canvas, 200 x 300 cm © Eva Dixon, courtesy of Wang Jiajia Studio

有趣的是,王加加在數不清的繪畫線條之間,特別藏了彩蛋——必須很仔細找(還可能找不到)的英文和中文字,讓觀者看畫看出尋寶的樂趣,也讓文字、線條與色彩相互搭配之下,仿若一件大尺幅的街頭塗鴉,隱約透露著英國蓬勃的街頭文化對他的影響。如果仔細觀察,更會發現畫中西方油畫顏料所刻劃出的線條,仍帶有中國畫的氣韻,這反映了王加加向內探尋,試著將傳承自家族的中國畫底蘊轉譯成西方油畫媒介的成果。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「森林」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

一起化身「鴨子」,回歸最真實的自我

展間中精巧、色彩恬淡的「鴨子」系列,就像是一片王加加創作倦怠時依賴的舒適區(comfort zone),在這裡他不必想太多,只管享受即興的樂趣,回歸作畫能夠不假思索、只為記錄當下情感的初心。畫中的鴨子個個像人,他們成對一起抽菸、或獨自釣魚,就像人類生活困頓、心煩時尋求出口一般,只想暫時放鬆、放空、放飛自我。不妨將「鴨子」系列視為王加加遞出的邀請,一起成為畫中的鴨子,回到最本真的自我。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「鴨子」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART
TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「鴨子」系列。(攝影:izzie pang)

獨家彩蛋!王加加現地創作壁畫訴說心境

這次王加加也特別在TAO ART留下現地創作,黑白壁畫盤根錯節的線條中藏了些字,其中 “FOMO NO MORE” 最能體現他的心情。「FOMO」是fear of missing out的縮寫,代表著人們因不在場、未能參與而生的焦慮和恐懼,不過,王加加為何焦慮?這得說回2020年,當年TAO ART首次邀請王加加舉辦個展,可惜當時礙於疫情,他沒辦法親自到場佈展,因只能遠端連線而感到焦慮;時隔4年,疫情平復,TAO ART正好再次拋出邀請,終於能親自飛來台灣佈展的他,因而在現場留下FOMO NO MORE的興奮心情。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「鴨子」系列展間及現地創作壁畫 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

為什麼以《biáng》命名?

話說回展名《biáng》(讀作ㄅㄧㄤˋ)。讀到「biáng」音,大多台灣人最先聯想到的或許是稱讚他人好棒、好優秀的「ㄅㄧㄤˋ」,不過王加加的命名靈感是來自中國西安傳統麵食「biáng biáng 麵」,其實「biáng」可以寫作中文字,只是電腦算不出來,不妨從展覽主視覺看看它的樣子:

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加個展《biáng》主視覺。(圖片提供:TAO ART)

寫起來極其複雜、筆畫能排進中文字前十多的「biáng」,一個字就包含了言、八、長、馬、心、月等字,甚至有首專屬歌謠提醒人們它該怎麼寫:

「一點上了天,黃河兩道彎,八字大張口,言字往進走,你一扭我一扭,你一長我一長,當中加個馬大王,心字底,月字旁,留個鈎搭掛麻糖,坐着車車逛咸陽。」

繁複的筆畫讓王加加聯想到自己畫中那些神秘難解的線條,所以決定為個展取名為《biáng》;英文展名《You Twist, I Twist Too》靈感則來自歌謠其中一句歌詞:「你一扭我一扭」,呼應著畫中有機不受限、彎曲蔓延的筆觸。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加。(圖片提供:TAO ART)

TAO ART 王加加個展《You Twist, I Twist Too》

展期|2024年3月16日-4月27日

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-1號8樓)

開放時間|週二至週六,11:00-19:00

整個展廳化為作品!藝術家賴純純個展《光成為海》臺東美術館登場,感受藝術與光影交融的生命能量
整個展廳化為作品!藝術家賴純純個展《光成為海》臺東美術館登場,感受藝術與光影交融的生命能量

藝術家賴純純全新藝術創作實驗個展《光成為海|作品作為場》,於臺東美術館登場,她將整個展廳化為作品,讓觀眾也成為作品的一部分,歡迎人們走入現場,一同感受藝術與光影交融的生命能量。

展出巨型雕塑《希望之花》

藝術家賴純純創作橫跨繪畫、雕塑、空間裝置、觀念行動與公共藝術等領域,落腳臺東近20年的她,將對東海岸光線、海洋與土地律動的深刻體會,化為藝術的集大成呈現在這次展覽中。值得一提的是,賴純純在2025大阪世博展出的巨型雕塑〈希望之花〉也首度在臺東美術館的中庭展出,藉由光影折射,讓象徵生命力與希望的花朵,在臺東純淨的藍天下綻放,呈現夢幻般的繽紛色彩。

賴純純〈希望之花〉,2020。(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈希望之花〉,2020。(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
藝術家賴純純(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
藝術家賴純純(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈島嶼新生〉,2017(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈島嶼新生〉,2017(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)

走入充滿生命能量的光影旅程

展覽共分為8個展區,從室內的深邃海色到戶外的陽光體驗,帶領觀眾進入一場充滿生命能量的光影旅程。展覽巧妙利用臺東美術館雙展廳的獨特結構,構築出完整的感知路徑。在山歌展廳以實驗性大型裝置作品〈光為山〉為核心,運用鋼材廢料構築主體,在挑高空間中,光影投射隨著時序持續轉化。

賴純純〈光為山〉,2026(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈光為山〉,2026(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈光為山〉局部,2026(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈光為山〉局部,2026(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈光〉,2020。(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈光〉,2020。(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)

海舞廳則由〈光為海/黑潮〉的澎湃能量拉開序幕,作品利用鏡面底板的反射特性,觀者在不同角度凝視時,光影也將隨之流轉,彷彿海面上閃爍的粼粼波光,以極具張力的抽象視覺與材質特性,展現海洋深處洶湧搏動的生命力。

賴純純〈光為海〉局部,2026(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈光為海〉局部,2026(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純《光成為海|作品作為場》海舞廳。(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純《光成為海|作品作為場》海舞廳。(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈無眼界〉,2017。(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈無眼界〉,2017。(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)

將不定期前往展場「加入新元素」

賴純純說,「這次於臺東美術館的展出意義非凡。臺東的光、海、空氣、時間節奏,以及山海相鄰的地理狀態,使『生成』不再只是抽象觀念,而是可以被感知、被經驗的存在著。」她更透漏,於展期間,會依循靈感不定期前往展場「加入新元素」,隨時調整與增添作品內容,讓多次造訪的觀眾一同感受藝術在時間流動中持續變化、生長,充分展現她推動的「自由生成美學」理念。

賴純純〈黑潮〉,2026(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈黑潮〉,2026(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈無罣礙〉,2017。(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)
賴純純〈無罣礙〉,2017。(圖片提供:臺東美術館、賴純純藝術文化基金會)

《光成為海|作品作為場》賴純純個展 "Light Becoming Sea | The Work as Field"
展覽時間|115年4月30日-6月14日  
展出時間|週二至週日 09:00-12:00;13:30-17:00(週一休館)
展覽地點|臺東美術館(臺東市浙江路350號)

資料提供|臺東美術館、文字整理|Adela Cheng

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北美館典藏研究展「物質世界」登場:跨越90年館藏,回應由物質所塑造的生活感知與想像
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臺北市立美術館「物質世界」自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。本展由館內助理研究員馮馨策劃,以典藏作品為主軸,匯集29位不同世代藝術家的創作,展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件/組作品,最早自何德來1936年的油畫至今,創作年代跨越90年,其中包含3件全新委託製作,以及多件入藏後首次展出的典藏作品。

從1970年代布希亞(Jean Baudrillard)提出消費社會中的符號價值,到1990年代提姆.登特(Tim Dant)與貝爾納.斯蒂格勒(Bernard Stiegler)對物質實踐的進一步探討,物質早已不僅是被消費的對象或承載意義的符號,更在日常的操作、使用與感知過程中,衍生出各種技術形式,進而形塑人們的行動模式與社會樣態。以「物質世界」為題,本展試圖回望自農業社會轉向工商社會以來,物質的生產與流通如何深刻改變我們所處的生活環境與世界樣貌。

臺北市立美術館推出「物質世界」,自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。(圖片提供:北美館)
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展覽空間依循由外而內、再回返感知的敘事路徑展開。首展區從物質消費與其機制出發,延伸至物件所構築的居所城市的現代化進程李明學的《溢出的記憶》將不同品牌的同款商品分別陳列於兩座不鏽鋼層架,如不同牌子、瓶子顏色同樣為藍綠色的洗衣精,使觀眾在觀看過程誤以為相同商品重複出現,進而探討視覺消費符號遺留的慣習,觀者依賴過往的視覺經驗來辨識物品,反而被相似的視覺暗示所欺騙;黃冠均的《黃》中,壓克力顏料脫離畫布,成為塑膠雨衣的材質本身,既回應熟悉的日常經驗,也凸顯創作媒材的物質性。

李明學,《溢出的記憶》,2019,超市與超商物件,尺寸依場地而定。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)
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黃冠鈞,《黃》,2017,壓克力顏料、壓克力媒介劑,160 × 100 公分。私人收藏。(圖片提供:北美館)
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《流逝的歲月》與《巴黎閣樓-照見系列》分別為何德來黃銘昌以自身居住於東京目黑區與巴黎的空間為創作主題,透過畫面色調與室內陳設物件,映照不同年代的情感、記憶與生活樣貌。白景瑞的《台北之晨(林強全新配樂版)》以錄像形式記錄1960年代臺北市井小民的生活景況,此次展出版本為2019年,由與創作年份同齡的音樂人林強重新配樂,以電子樂與實驗聲響,將現代精神融入昔日臺北景觀,展開一場跨越媒介與時代的對話。

何德來,《流逝的歲月》,1936,油彩、木板,33 × 24 公分。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)
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黃銘昌,《巴黎閣樓—照見系列》,1978-1983,油彩、畫布、紙本。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)
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白景瑞,《台北之晨(林強全新配樂版)》,1964,DCP,20分鐘。國家電影及視聽文化中心典藏。(圖片提供:國家電影及視聽文化中心與北美館)
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第二展區則轉向由物而開展的奇想,透過物的變形與再解構,打開現實與潛意識之間的縫隙,使日常之物成為感知轉譯的媒介。黃文浩的《上帝與我》以機械式節拍器驅動取自經典作品《創世紀》中亞當與上帝之手,形成無法觸及彼此的循環,隱喻徒勞往復的焦慮與荒謬;賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則透過作品與命名的辯證關係,回應超現實主義藝術家馬格利特(Rene Magritte),進一步探討符號與對應物之間的張力。

黃文浩,《上帝與我》,1996,節拍器、雜誌紙,57 × 12 × 14.5公分。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)
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賴九岑,《這不是瑪格利特的天堂》,2018,壓克力顏料、畫布,140 × 180 公分。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)
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第三展區進一步聚焦人與物之間的辯證關係,從由物而體現的自我聚集之物與其乘載系統中的人與空間,觀察物如何滲入身體經驗、身份認同與當代社會結構。首次於1998年台北雙年展展出並被典藏的《超越認同》來自日本藝術家日下淳一,以30套懸吊的改造服裝構成,其中如帶有監獄式粗直條紋的西裝外套,指向衣物不僅決定外在形象,更影響個體的思考與人格認同;張照堂於1960年代創作的《存在與虛無》系列,實驗銀鹽相紙的媒材特性呈現詭譎而超現實的畫面構圖,回應其對生命、存在與虛無命題的思索。

日下淳一,《超越認同》,1994-1998,衣服、線,30套衣服。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)
日下淳一,《超越認同》,1994-1998,衣服、線,30套衣服。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)
張照堂,《存在與虛無I》,1962,銀鹽相紙,56 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)
張照堂,《存在與虛無I》,1962,銀鹽相紙,56 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)

何采柔的《More》與湯雅雯的委託新作《揚起》,分別採集乾衣機中的棉絮與家中灰塵,轉化為毛衣與藝術裝置,將那些難以被察覺的微小變化,緩慢堆積成時間的痕跡。周育正《工作史-盧皆得》為2012年台北美術獎首獎並被收藏,內容圍繞在臨時工盧皆得,他的生命故事被印製成冊,而作品整體視覺的展陳結合他常穿的藍色格紋衫,反思創作勞動與工作勞動之間的異同。

何采柔,《More》,2016,乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆,42 × 42 × 78 公分。私人收藏(圖片提供:北美館)
何采柔,《More》,2016,乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆,42 × 42 × 78 公分。私人收藏(圖片提供:北美館)
湯雅雯,《揚起》,2023-2026,循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線,尺寸依場地而定。藝術家自藏。(圖片提供:北美館)
湯雅雯,《揚起》,2023-2026,循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線,尺寸依場地而定。藝術家自藏。(圖片提供:北美館)
周育正,《工作史—盧皆得》,2012-2013,壓克力彩、畫布、木板、印刷書。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)
周育正,《工作史—盧皆得》,2012-2013,壓克力彩、畫布、木板、印刷書。臺北市立美術館典藏。(圖片提供:北美館)

最終,第四展區回到感知與物件的堆疊李傑的全新委託製作作品《People hate you for a reason》透過在空間中迴盪的流行音樂與自製聲響,以及投映於不織布地毯、不鏽鋼板與佈滿膠帶上的筆觸式影像,隨著觀眾在展場中的移動,生成多重媒介交錯堆疊下的觀看經驗,進一步思考感知如何被物質延展與重塑。

李傑,《People hate you for a reason》,2026,繪畫 (噴漆、粉彩、不鏽鋼板)、投影、不織布地毯、膠帶、壓克力、聲音及現成物,尺寸依場地而定。藝術家自藏。(圖片提供:北美館)
李傑,《People hate you for a reason》,2026,繪畫 (噴漆、粉彩、不鏽鋼板)、投影、不織布地毯、膠帶、壓克力、聲音及現成物,尺寸依場地而定。藝術家自藏。(圖片提供:北美館)

另外,不同於中文展名對「物質世界」的直指,英文展名「Material Extensions」則試圖討論當代物質如何作為一種媒介,持續延展並擴張我們的日常知覺,並使展覽敘事形成一條由物質通往感知、再由感知重新理解物質世界的循環路徑。作為北美館典藏研究與展示脈絡的重要策劃之一,「物質世界」透過大量且珍貴的館藏作品,重新梳理不同世代藝術家如何回應物質、媒介與生活經驗的轉變,也凸顯典藏作品作為時代感知與社會樣貌見證的重要性。

物質世界 Material Extensions
2026.05.01-2026.08.16
地點:臺北市立美術館 2A、2B展覽室

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