畫中有字,字中有畫,從山水看見街頭感——TAO ART王加加個展《biáng》將東西美學揉於一室

TAO ART王加加個展《biáng》

台北藝廊TAO ART用一場名為《biáng》的展覽,收束了中國藝術家王加加不同階段的創作心境,從年輕時「眼睛」系列拼貼出的張狂;近年「森林」系列探索自身根源,揉合東方筆觸、西方意象的繪畫語言;再到超越時序、直指內心柔軟的「鴨子」系列,讓人看見一位藝術家不停向外探索、也向內自省,擁抱未來、同時不忘傳統的創作旅程。

TAO ART王加加個展《biáng》
TAO ART舉辦王加加個展《biáng》©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART
TAO ART王加加個展《biáng》
王加加〈乘風破浪〉©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

「眼睛」揭露強烈的表現欲望

一雙雙的「眼睛」,是許多藏家、藝術買手、觀眾看見王加加的起點。2020年啟動的「眼睛」系列是王加加目前發展得最為成熟的作品,其帶有強烈的拼貼風格,融合了數位圖像、抽象繪畫、絲網印刷,集結濃烈的色彩、鮮明的符號。王加加在數位輸出的影像上,用顏料層層堆疊直到畫中只留下「靈魂之窗」,表達出直接、深刻的情緒,同時讓眼睛成為觀者欣賞作品的引導——當虛擬(畫中)與現實(觀者)的眼睛對視,便一起墜入新的維度。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「眼睛」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART
TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「眼睛」系列。(攝影:izzie pang)

超現實「森林」由東西背景滋養

如果說「眼睛」系列強烈的取樣、拼貼,反映了王加加毫不掩飾、力求吸人眼球的表達欲望,那2022年起連載的「森林」系列,則可見他透過繪畫語言「尋根」的嘗試。王加加雖然三歲就隨家人移居英國,從小在倫敦長大,但因出生於中國畫世家,小時候就被父母訓練以線條畫樹、畫風景,表達對周遭環境的觀察,藝術路上仍深受中國文化影響,從「森林」系列作品最能看出端倪。

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王加加「森林」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

「森林」系列像是超現實版的山水,繽紛而瘋狂;畫的是自然,卻有都會的摩登和動感。其中一幅長、寬超過兩公尺的巨幅繪畫〈Roots〉,畫中筆觸像是書法中的狂草,極度奔放、洋溢著想破框而出的生命力;看著它,就能感受到活生生的、激烈的有機能量。

TAO ART王加加個展《biáng》
Wang Jiajia 王加加, Roots, 2023, Spray paint & oil on canvas, 200 x 300 cm © Eva Dixon, courtesy of Wang Jiajia Studio

有趣的是,王加加在數不清的繪畫線條之間,特別藏了彩蛋——必須很仔細找(還可能找不到)的英文和中文字,讓觀者看畫看出尋寶的樂趣,也讓文字、線條與色彩相互搭配之下,仿若一件大尺幅的街頭塗鴉,隱約透露著英國蓬勃的街頭文化對他的影響。如果仔細觀察,更會發現畫中西方油畫顏料所刻劃出的線條,仍帶有中國畫的氣韻,這反映了王加加向內探尋,試著將傳承自家族的中國畫底蘊轉譯成西方油畫媒介的成果。

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王加加「森林」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

一起化身「鴨子」,回歸最真實的自我

展間中精巧、色彩恬淡的「鴨子」系列,就像是一片王加加創作倦怠時依賴的舒適區(comfort zone),在這裡他不必想太多,只管享受即興的樂趣,回歸作畫能夠不假思索、只為記錄當下情感的初心。畫中的鴨子個個像人,他們成對一起抽菸、或獨自釣魚,就像人類生活困頓、心煩時尋求出口一般,只想暫時放鬆、放空、放飛自我。不妨將「鴨子」系列視為王加加遞出的邀請,一起成為畫中的鴨子,回到最本真的自我。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「鴨子」系列展間 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART
TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「鴨子」系列。(攝影:izzie pang)

獨家彩蛋!王加加現地創作壁畫訴說心境

這次王加加也特別在TAO ART留下現地創作,黑白壁畫盤根錯節的線條中藏了些字,其中 “FOMO NO MORE” 最能體現他的心情。「FOMO」是fear of missing out的縮寫,代表著人們因不在場、未能參與而生的焦慮和恐懼,不過,王加加為何焦慮?這得說回2020年,當年TAO ART首次邀請王加加舉辦個展,可惜當時礙於疫情,他沒辦法親自到場佈展,因只能遠端連線而感到焦慮;時隔4年,疫情平復,TAO ART正好再次拋出邀請,終於能親自飛來台灣佈展的他,因而在現場留下FOMO NO MORE的興奮心情。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加「鴨子」系列展間及現地創作壁畫 ©ANPIS FOTO 王世邦, courtesy of TAO ART

為什麼以《biáng》命名?

話說回展名《biáng》(讀作ㄅㄧㄤˋ)。讀到「biáng」音,大多台灣人最先聯想到的或許是稱讚他人好棒、好優秀的「ㄅㄧㄤˋ」,不過王加加的命名靈感是來自中國西安傳統麵食「biáng biáng 麵」,其實「biáng」可以寫作中文字,只是電腦算不出來,不妨從展覽主視覺看看它的樣子:

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加個展《biáng》主視覺。(圖片提供:TAO ART)

寫起來極其複雜、筆畫能排進中文字前十多的「biáng」,一個字就包含了言、八、長、馬、心、月等字,甚至有首專屬歌謠提醒人們它該怎麼寫:

「一點上了天,黃河兩道彎,八字大張口,言字往進走,你一扭我一扭,你一長我一長,當中加個馬大王,心字底,月字旁,留個鈎搭掛麻糖,坐着車車逛咸陽。」

繁複的筆畫讓王加加聯想到自己畫中那些神秘難解的線條,所以決定為個展取名為《biáng》;英文展名《You Twist, I Twist Too》靈感則來自歌謠其中一句歌詞:「你一扭我一扭」,呼應著畫中有機不受限、彎曲蔓延的筆觸。

TAO ART王加加個展《biáng》
王加加。(圖片提供:TAO ART)

TAO ART 王加加個展《You Twist, I Twist Too》

展期|2024年3月16日-4月27日

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-1號8樓)

開放時間|週二至週六,11:00-19:00

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」意義,映現世界各處的渴望與失落

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義

北美館年度壓軸鉅獻!2025台北雙年展《地平線上的低吟》匯集來自全球37座城市、橫跨一整個世紀、共72位藝術家的作品,探究「思慕」的多重意義,表述這股心緒「介於現實與期望之間」的張力。循展覽路徑,你將感受來自世界各地的思慕之情,在他人的失落和渴望之間,探索思慕之於自身的意義,從而回頭看見自己的失落與渴望。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》北美館展覽現場。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)

本屆台北雙年展由Sam BardaouilTill Fellrath(柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長)共同策展,集結約150件展品,由北美館館藏及參展藝術家作品交織,其中包含34件全新創作及現地製作作品,涵蓋影像、表演、繪畫、雕塑和沉浸式場景。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》北美館展覽現場。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
李受俓,《轉譯瓷瓶_ 何時再見_2025》,2025。(圖片提供:臺北市立美術館/攝影:呂國瑋)

什麼是「思慕」? 驅動我們追求難以觸及之物的內在力量

看展之前,得先釐清究竟何謂「思慕」?它是持續推動人類的一股內在力量,一股面對難以觸及和掌握的事物、卻仍不願退讓的動能;它可能是對連結的渴望,或對未知前景的嚮往;可能是個人的私密情感,也或許是集體的迫切訴求;它具備跨越國界和文化、引起共鳴的能力,既體現深植人性的慾望,也提供了解當下處境的視角。思慕一詞聽來陌生,卻是早已存於你我腦海與心中的念想。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
(圖片來源:左為Izzie Pang攝影/右為托比亞斯・茲耶羅尼作品《閃耀》,藝術家及KOW Berlin提供)

思慕並不張揚,常是柔弱卻倔強的。《地平線的低吟》圍繞著思慕展開,不大聲宣示,而是試圖以低聲而堅定的語調談論未來。展名中的「低吟」意指那些在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除卻仍頑強存續的故事;「地平線」則象徵追求的標的,是已知與盼望之間的交會。兩者疊加,《地平線的低吟》暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離,最細微的舉動亦能改寫我們想像世界的方式。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
卓永俊,《學會愛的上週五》(錄像截圖),2025。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》北美館展覽現場。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)

這3件物品貫穿全展!象徵3種不同對「思慕」的詮釋

展覽從台灣錯綜複雜的歷史出發,因這片土地深知思慕的意義。策展概念源於3件出自台灣電影及文學作品的物件:侯孝賢電影《戲夢人生》(1993)中出現的「尪仔」,象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生,體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌;陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉(1960)中的「日記」,傳達一位自盡的年輕人,在信仰與絕望之間掙扎的聲音,反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境;吳明益小說《單車失竊記》(2015)中的「單車」,象徵兒子尋找失蹤父親的旅程,喚起失落、傳承和歸屬感等主題。

3種截然不同對「思慕」的詮釋,在展場中交織迴響:「尪仔」代表延續性,「日記」代表內在世界,「單車」隱喻追尋

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
張照堂,《李天祿》,1978。(圖片提供:臺北市立美術館)

從寓言到儀式,感受「思慕」是切身體驗

散落於北美館三層樓空間的展品,或如影像詩篇、或如恐怖寓言、或如神秘儀式、或如歷史重構,每件作品都提醒著我們思慕並非抽象無形,而是切身體驗

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
阿瓦羅・烏爾巴諾,《活畫(失竊的太陽》2024/2025。(圖片提供:臺北市立美術館/攝影:呂國瑋)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
艾德加・卡萊爾,《K’obomanik(感激在我們眼前點亮又熄滅的一切事物)》,2025。(圖片提供:臺北市立美術館/攝影:呂國瑋)

以下看向幾件亮點作品:《偽飛行場》 重建一座殖民時期的誘敵機場,揭示歷史的「虛構」本質,同時探討台灣的身份認同;《我的雙眼仍在流淚》是一束宏偉、看似完美卻無香的人工花卉,反映巴勒斯坦作為生機之地,卻逐漸化為凋零的記憶;錄像裝置《愛在死亡之後》透過一段模擬恐怖片的影像,將回憶和神話融合成幽靈般的儀式,訴說悲痛將灰燼煉成黃金的故事;《小室》將脆弱的紅色玻璃球圍束在鋼籠之中,隱喻歸屬感中「保護」與「禁錮」的雙重性;《加重停頓》則利用厚重的環狀繩索構成冥想場域,邀請觀者在節奏飛快的世界裡,以「緩慢」作為抵抗的形式。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》北美館展覽現場。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
西蒙・迪布羅・莫勒,《骨之袋》(錄像節圖),2023。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
赫拉・比于塔詹,《摧毀你家,造一艘船,拯救生命》,2015。(圖片提供:藝術家及Green Art Gallery Dubai、EVA International – Ireland’s Biennial/攝影:Miriam O’Connor)

策展彩蛋:台灣20世紀老照片穿針引線

值得留意的是,來自19301980年代的台灣攝影作品,是貫穿展覽概念的線索,各呼應「尪仔」、「日記」與「腳踏車」所指的隱喻。像是鄧南光攝於1942年的《台北,太平町 (一) 》,紀錄了殖民時代現代化進程中的城市變遷,呼應「尪仔」所探討台灣於殖民統治下展現的韌性;徐清波在1956年拍攝的《密談》,則捕捉兩名男子傾身交談的畫面,身旁的單車猶如一道安靜的鉸鏈,既分隔、又連結,映照出「腳踏車」暗示的追尋與失落主題。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
徐清波,《密談》,1956。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
蕭永盛,《士官與他的弟弟》,1981。(圖片提供:臺北市立美術館)

這些典藏作品的現身,不只是歷史影像的再現,更讓曾經塑造台灣文化的藝術家,得以與當下回應時代現狀的創作者產生跨世代的對話。

「我們希望傾聽那些形塑台北今日樣貌的歷史、語言和矛盾。與北美館藏品的對話,並非懷舊之舉,而是一種紮根:當深入參與在地故事時,在地便能成為關照世界的透鏡。在《地平線上的低吟》中,思慕就是那座橋樑——它始於記憶的親密之處,並延伸至地方性與普世性共享的地平線。」——策展人Sam Bardaouil及Till Fellrath

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
陳澄波,《夏日街景》,1927。(圖片提供:臺北市立美術館)

思慕是鮮活且當代共享的體驗

在現實可能隨時被抹去、或被遺忘的今日,思慕折射出新的渴求和迫切性,兩位策展人如此解讀:「無論我們望向何處,皆充滿渴望:在面臨假訊息時尋求真相,在破碎的社群中尋找歸屬,以及在分歧的時代渴求連結。雙年展中的創作並不會化解這些張力,反而是使它具象化。」走進《地平線上的低吟》展場,你將認知到思慕不再是抽象或歷史的產物,而是鮮活、迫切且當代共享的體驗。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館!72位藝術家共譜「思慕」的多重意義
陳柏豪,《終於等到我的辦桌》,2025。(圖片提供:臺北市立美術館)

2025台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.01-2026.03.29

地點|臺北市立美術館

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日本當代藝術大師宮島達男個展登陸TAO ART:集結12件重要創作,以數字藝術構築出獨特的生命哲學

日本當代藝術大師宮島達男個展登陸TAO ART:集結12件重要創作,以數字藝術構築出獨特的生命哲學

TAO ART至2026年2月7日推出日本當代藝術大師宮島達男(Tatsuo Miyajima)在台灣的首次個展《無盡的生命循環》 (Endless Life Cycles)。宮島達男以LED數字裝置和科技驅動雕塑 (technologically-driven sculptures)享譽國際,本次展覽集結藝術家近5年的12件重要創作,帶來一場關於生命、時間、空間與存在的深刻探問。

宮島達男是誰?

1957 年出生於日本的宮島達男,以 LED 數字裝置聞名於世。自 1980 年代末期發光二極體(LED: light emitting diodes)普及後,他開始大量運用此媒材,並以「數字」與「倒數」為創作語言,將科技轉化為思索生命的哲學符號。雖然以新媒體藝術為技術基底,宮島更像是一位以藝術作為語言的哲學家。

他曾於 1999 年代表日本參與威尼斯雙年展,其作品《MEGA DEATH》,由 2400 顆藍色 LED 組成,作品在某段時間會突然熄滅,讓觀眾直面龐大的黑暗,隨後又重新亮起,不斷循環。這件作品紀念歷史上的大規模死亡,引發了人們對失落、生存和重生的強烈思考。燈光亮滅的周期性反映了他對生命連續循環的信念,具體展現其三大核心理念:「持續變化(Keep Changing)」、「連結一切(Connect with Everything)」與「永無止境(Continue Forever)」。

TAO ART展出日本當代藝術大師宮島達男(Tatsuo Miyajima)在台灣的首次個展《無盡的生命循環》 (Endless Life Cycles)。(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
TAO ART展出日本當代藝術大師宮島達男(Tatsuo Miyajima)在台灣的首次個展《無盡的生命循環》 (Endless Life Cycles)。(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
宮島達男的 LED 數字體現了他對延續、連結與永恆的探究,同時也關注時間與空間的流動與跨度。Photo by Espoo Museum of Art
宮島達男。Photo by Espoo Museum of Art

「變化、連結、永恆」三大核心理念

在宮島的藝術實踐裡,數字持續循環與重複,無論是從 1 到 9,或 9 到 1,每一個序列皆象徵一個完整的生命週期。然而「0」在他的作品中始終缺席。在數列的循環裡,9 之後不是 0,而是一段空白的停頓。這片黑暗彷彿是死亡與重生的瞬間,也呼應了佛教中輪迴與轉世的哲學思考。數字因此以各種形式出現 ── 網格、塔樓、錯綜的電路或單純的數字本身 ── 不斷延展他對時間與空間中「變化、連結、永恆」的持續探索。

(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

為TAO ART打造兩組作品

在這次的台灣首展中,宮島特別為 TAO ART 打造兩組作品,其中一組為茶室空間場域限定的作品《TAO ART・計數之窗》。這件作品是繼瀨戶內海倍樂生藝術場直島(Benesse Art Site)「家計畫」完成的首件作品在「角屋」(Kadoya)登場後,第一次於其他場域展出。作品以兩扇覆有液晶薄膜的特殊玻璃(UM Glass)為媒介,玻璃表面緩緩浮現持續變動的倒數數字,而台北街道的景象又隱約透過玻璃顯現。觀眾在數字、倒影與街景之間,得以思索自身在無盡循環中的位置。

《TAO ART・計數之窗》(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《TAO ART・計數之窗》(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

另外一組全新委託製作的《360個生命》(2025),則是透過多組變幻的數字單位,以不同速率與色彩展現全球生命的多樣與交織,數字不斷的明滅循環,點出宮島長期關注「生與死」的核心,亦即「生命(Seimei)」。作品中不同速率、色彩(包含黑色)的變化,不僅象徵世界各地的每一個不同生命的可見、或不可見的存在樣態之外,亦是呈現出無數微小的生命彼此之間交織,構築成一個豐富的世界、乃至於宇宙,宛如一則現代寓言,映照人類存在的普遍境況。在同一空間的《持續變化(蒙德里安) – no.11》(2021)將閃爍的數字置入蒙德里安的幾何結構,在秩序與混沌的交織中,使觀者得以感受時間流動的韻律與永恆。

《360個生命》(2025)(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《360個生命》(2025)(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

對生命循環的永恆想像

作為佛教徒的宮島,其創作深受佛教思想啟發。《飛天 – no.9》(2022)與《飛天 – no.12》(2021)以自由流動的數字光點,喚起敦煌壁畫中飛天的意象,象徵對生命循環的永恆想像。近年發展出的《數字珠畫(Numerical Beads Painting)》系列則捨去 LED 光源,轉以隨機計算的圖面,搭配藝術家在巴黎收集的數字珠子,大量排列以構築「三千大千世界」,在畫布中重現數字的明滅與宇宙的宏觀秩序。

(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

「人在宇宙中的微小狀態」的思索

另一展間則以「反脆弱(Counter Fragile)」為題的 C.F. 系列作品,如《反脆弱的空氣環 – no.2》(2023)與《反脆弱的空氣環 – no.3》(2023),宮島以有機、雲狀般纏繞的電線組成扭曲的輪廓,每一件作品猶如漂浮的微型宇宙。它們看似脆弱,卻在閃爍的微光中蘊含不容忽視的價值,正如人類的存在雖短暫卑微,卻無比珍貴,引出藝術家對「人在宇宙中的微小狀態」的思索。

(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

以作品回應東日本大地震

影響生命的災難,關於集體記憶的創傷,也是宮島所關注的議題。2011年的東日本大地震,無疑是日本歷年來最大的天災,宮島邀請三千名災區民眾透過一個數位計時器(digital counter)設定專屬的倒數速度,以各自的生命節奏回應災難留下的痕跡,看似日常,但個體的差異,以及每個人對於災難不同的衝擊和改變,讓大家看見受災群體的日常樣貌,其實與所有人無異── 每個人都在各自的節奏中生活。現場展出的《時間之海・東北:生命的樣貌(Life Face for Sea of Time – TOHOKU)》(2025)則是藝術家支持紀念美術館的建設所創作的版畫,彰顯藝術家對此議題的持續關懷。

(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
(圖片提供:TAO ART、攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

第一場美術館展覽即將登陸台中

另外,位於台中的亞洲大學附屬現代美術館,也將舉辦宮島達男在台灣的第一場美術館展覽《眾生共命:宮島達男》。內容涵蓋自 1993 年至今超過三十年的創作,包括經典作品、創作概念圖以及邀請台灣各族群共同參與的共創計畫。其中,宮島更為安藤忠雄設計的三角展覽廳創作直徑 5.4 公尺、由 216 顆 LED 構成的大型新作《Mutual Ten Worlds》,為展覽注入震撼核心。

《無盡的生命循環 Endless Life Cycles》

展覽日期:2025 年 10 月 22 日 至 2026 年 2 月 7 日
展覽地點:TAO ART (114台北市內湖區洲子街79-1號8樓)

資料提供|TAO ART、文字整理|Adela Cheng

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