如何用一雙巧手，為電影場景帶來生命？這是電影質感師（Scenic Artist）的工作，最早這概念源自於劇場繪景師（Scenic Paint），現在則一筆一刷，為電影鏡下的環境賦予不同個性、時代的靈魂。這次小瓶可樂創辦人林彥儒分享國內外的合作經驗，演示為場景上妝的祕辛。

那時大眾還不知曉電影質感師這個職業的存在。自小喜歡電影，林彥儒因緣際會考上大眾傳播系，畢業製作要拍攝台海戰爭場景，因而認識爆破特技師陳銘澤。幸運地，那一、兩年正巧碰上《海角七號》（2008）帶起一波台片復興熱潮，他搭上產業渴切人才的順風車班，退伍後被引介進入魏德聖執導的《賽德克．巴萊》（2011）劇組，管理進口道具火槍，並在現場支援各組，也從旁認識到來自日本的美術組、韓國的動作與特效團隊。

產業的輪廓展現眼前，之後他隨團隊支援李安的《少年Pi的奇幻漂流》（2012），擔任工程部石膏組助理。這是他首次參與好萊塢等級的團隊，專業細分在台灣是難以見得，非雕塑科班出身的他意識到自己喜歡手作，透過雙手去創造事物。

一個質感師的養成

周美玲《花漾》（2012）在高雄重現馬祖大量的刀船時，他參與場景質感的打造。「從木頭素底開始一層一層疊漆，慢慢把東西做出來是非常有成就感的過程。」他確信美術組不適合自己，「台灣美術組偏向搜尋參考資料與市面上的物品去符合導演需求，質感師比較像是吸收他們所給的資訊並轉化出來，畢竟影視作品不用完全寫實，有些魔幻成分在裡面。」也是在《少年Pi的奇幻漂流》後，質感師的概念在電影產業更趨成形。

那時陳新發所創的法蘭克質感創作團隊也只有少少4人，正巧缺人手，他加入了。批土、打磨、上色等等非常手工的過程，每天弄得一身灰塵，可也厚實他的專業。他說，近年儘管在國立台北藝術大學、中台灣影視基地等有質感師相關的課程資源，但多是短期，沒有體制內的專業訓練，多還是仰賴做中學。

進入團隊3、4年，不只是電影《KANO》、《軍中樂園》、《紅衣小女孩》，台劇、MV、廣告等等幕後都能見到他的奔波身影，漸漸他對當前質感手法已是嫻熟。「這些需要反覆印證，你會不知道做出的東西美術喜不喜歡，甚至不同美術的喜好是什麼，都是經驗的累積。」

美國名導馬丁．史柯西斯來台拍攝獨立電影《沉默》（Silence，2016），帶來得過3次奧斯卡金像獎最佳藝術指導獎的美術總監Dante Ferretti，以及來自義大利的質感師Domenico Reordino美術團隊，在台灣復現日本五島村與澳門場景。

這次製作帶給林彥儒看待電影的全新視角，例如，他曾與助理處理門窗鐵件的生鏽，Domenico卻說不用全場景精細，做到鏡位不穿幫的程度即可，因為這麼大的場景不可能都非常細緻，需要把精力花在鏡頭拍得到的地方，因此事前確認鏡位相當重要。

「在台灣你很難事前確定今天這場要怎麼拍、鏡位怎麼擺，很常是導演跟攝影師現場討論。」他分析台灣為導演制主導權大，但像美國好萊塢則以製片為重，預算壓力會推進美術、攝影師、導演等更有事前布局。

另一啟發是水性漆的應用，台灣產業長期摸索下慣用有機溶劑與油性透明漆，一般使用松節油稀釋的油畫顏料，有時為節省成本會換成煤油，這些材料容易揮發味道與有毒物質，而且有易燃的危險性，對在密閉空間的拍攝團隊更是傷身。做木頭十字架道具時，Domenico用上礦物色粉、水加一點白膠調製水性漆，同樣做出了不同的木紋層次。當下這種作法在台灣不盛行，許多Domenico指定的天然材料也只能先從國外進口。

「那時才知道還有不同材料、手法可以去嘗試，不是只有我們原來的那一套。」他不諱言電影是對環境消耗很大的產業，在環保意識高漲的現在，他也改變採用水性漆、開發環境友善的替代方案。「這些經驗並不是拍完當下馬上發酵，而是慢慢在後來工作中不時想起這些細節，反過來問：為什麼在台灣不是這樣做？」

國際製作的制度與材質實踐

後來林彥儒離開了法蘭克團隊，去一趟中國劇組回來後，2018年他創立小瓶可樂質感團隊。首次迎來的國際製作是美國獨立電影《別告訴她》（The Farewell，2019），他赴中國長春搭紐約家景。

再後來是更大製作的美國串流影集《外籍人士》（Expats，2024），在香港將軍澳的邵氏影城搭景，前期花費許多時間試做不同紋理的仿大理石與假磁磚，與美術一來一往間激發畫面更好的美學與新工法。

他觀察到，美國製作團隊通常存在明確的工作等級制度，美術總監或美術指導習慣與質 感師直接討論，確保工作流線的一致性，質感師的專業就是提供不同的成品選擇以滿足畫面需求，再根據美術的回饋調整。「在好萊塢（美國工會）系統裡，質感組只需上色，不需做批土、水泥等工作，但在台灣工作經常混合一起。

當然，這沒有 一定好壞，加拿大質感組也從打底開始到表面上色，這更可以控制整體氛圍。」像一些無法以單純質感上色解決的問題，過往石膏組的雕塑經驗就有所幫助。

然而，這些預算與時間上的投入，在台灣確實較少有空間實踐。儘管出資《外籍人士》的Amazon Prime Video並非好萊塢傳統片廠，可它遵循美國工會、好萊塢那般的規則運作模式與計算薪資（因為美國電影都是週薪制）。

在完整的工會制度下， 每個工種都有自身工會保障工作權，專業分際、自由工作者轉介生態較為成熟，競爭機制下雙方便於推高彼此要求。台灣人 口與電影產業規模不大，還沒有發展工會的利基，目前製片公司仍多以包案方式發給質感師，時有不穩定。

他決定創立自己 的公司，也是希望給成員基本月薪與勞健保的穩定感，並助於人才的培育與發展。

推展質感工藝應用的可能

林彥儒談到最近參與的新作、台日合拍的《青春18x2 通往有你的旅程》。其中在雲林庭院式KTV的場景，早上拍攝後晚上仍要營業，場地限制下他讓復舊氛圍融入現在的空間之中。

近來他發現質感師對空間氛圍的掌握，也能延伸應用到室內設計領域，如他參與藝廊Alan Chen Studio、林口摩天41家宅、放飯FunFind Brunch餐飲空間，甚至商店櫥窗與密室逃脫的設計。

他說明一般漆工運用特殊藝術漆，時常受限於廠商所教學的塗抹工法，「運用這類特殊漆在場景中會太搶戲，對電影本身不是好事，在商業空間中久待也容易視覺疲乏。」質感師根據不同空間性質，去做不同材料搭配，運用的多是市面上容易取得的材料，分層紋理的上色過程像繪畫，柔和地融入環境中。

質感師賣的正是這分從容應對環境的彈性與美感。而小瓶可樂已邁入第6年，他希望在產業中，繼續穩步開發質感工藝的可能。 

林彥儒 

小瓶可樂創辦人、質感師。除了深耕影視產業，也將經驗拓展到商業空間、密室逃脫、展場等多領域的應用。參與美國電影《別告訴她》、串流影劇《外籍人士》幕後製作。

^{文｜吳哲夫}

^{攝影｜Casi Moss} 

^{圖片提供｜小瓶可樂、翻滾吧男孩電影有限公司、A24、Amazon Prime Video、CATCHPLAY、Netflix}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/4月號《當代設計的雋永想像》

說到披頭四（Beatles），你腦中最先浮現什麼畫面？許多人的答案想必是4位團員走在斑馬線上的場景，那是1969年問世的《Abbey Road》專輯封面。從這張英搖經典，到2024年爆紅的Charli XCX專輯《Brat》，用一記直球「Brat Green」單色封面對決大眾視覺，掀起全球熱潮，兩者時隔55年，卻不約而同印證了專輯封面對一張唱片的藝術表達、大眾傳播度，影響有多深刻。

創立58年，葛萊美首度頒發「最佳專輯封面獎」

肯定封面視覺之於音樂專輯的必要性，及其所象徵的文化意義，2026年第58屆葛萊美獎（Grammy Awards）將首度頒發「最佳專輯封面獎（Best Album Cover）」，表彰藝術指導（art director）在專輯製作中的貢獻，這將與「最佳唱片包裝設計獎（Best Recording Package）」相映，成為葛萊美頒獎台上最具代表性的設計美學獎項。2026葛萊美頒獎典禮將於2/1舉行，本篇帶你預習史上首屆「最佳專輯封面獎」入圍名單，帶你看懂5張封面呼應音樂詞曲的視覺巧思！

入圍專輯01｜Tyler, The Creator《CHROMAKOPIA》

藝術指導：Shaun Llewellyn & Luis "Panch" Perez

歷年專輯封面總帶濃烈色彩、極具視覺張力，饒舌界的藝術家Tyler, The Creator第8張錄音室專輯《CHROMAKOPIA》也不例外。由攝影家Luis Perez擔任藝術指導，專輯封面以濃烈的褐色調呈現，畫面中Tyler, The Creator戴上一副刻有自身面容的陶瓷面具，向掌鏡人伸出右手，彷彿在渴求著什麼。這張面具乘載多重意義：藉外在形象，向樂迷介紹這位饒舌歌手的新分身「St. Chroma」；往內層意義探，則呼應收錄詞曲中對身份認同、真實性的探討，同時隱喻名人在公眾形象、內在自我之間的掙扎。

構思封面時，Tyler, The Creator以1940年代好萊塢流行的「黑色電影（film noir）」為範本，嘗試將其陰鬱視覺、悲觀敘事、對道德及人性黑暗面的探討……種種特質，融入《CHROMAKOPIA》專輯視覺，企圖透過詭譎、甚至令人看了感到不安的畫面，迫使觀者留意畫面中的主角（也就是Tyler, The Creator本人）想表達些什麼？以此入門聆聽詞曲中暗藏的故事。

入圍專輯02｜Djo《The Crux》

藝術指導：William Wesley II

在《怪奇物語》中飾演Steve一角的Joe Keery，不只是名演員，也是才華洋溢的音樂人。2025年4月，他以藝名Djo發表《The Crux》專輯，其核心概念圍繞著「人生的十字路口」展開，全輯故事以一座虛構的旅館為背景，房客們都正處在人生的關鍵轉折點（Cruxes）或岔路口，藉此設定引出專輯所要探討的主題——人在面對改變、抉擇時，所感受到的混亂與迷茫。在這張專輯中，Joe Keery展現自身更真實、脆弱的一面，唱出孤獨、自我反省及面對社會期待的焦慮。

《The Crux》封面由設計師William Wesley II擔綱藝術指導，在洛杉磯派拉蒙影業（Paramount Pictures）片場搭景實拍，將Joe Keery想像中的「Crux旅館」帶到現實世界。相對前張專輯《Decide》的洗練視覺，Joe Keery這次想走「極繁」路數：畫面中可見大家各做各事，有人對著鏡頭打鬧、有人仰天大笑、有人靠在敞篷車上發呆，而Joe Keery本人不知為何掛在飯店2樓的窗外。失序到令人不明所以的場景，呼應《The Crux》歌曲中唱的迷茫、失落與混亂，這些站在人生岔路上的旅人們，看似聚在一地，卻各自面對著生活的混沌，彷彿暗示著：我們都只是偌大世界中，萬千紛擾下的眾多之一。

入圍專輯03｜Wet Leg《moisturizer》

藝術指導：Matt de Jong, Joshua Mobaraki & Wet Leg

來自英國的獨立搖滾樂團Wet Leg，2022年以雙人編制發表首張同名專輯《Wet Leg》，就憑新人之姿拿下葛萊美「最佳另類音樂專輯獎」，其曲風遊走於後龐克、迷幻搖滾之間，配上無厘頭又貼近生活的歌詞、夾雜歌唱與碎念般的獨特表演方式，有點俏皮、有點搞怪，又幽默得讓人會心一笑，迅速在獨立樂壇圈下一席之地。時隔3年，Wet Leg擴展為5人組，並於2025年夏天帶來全新專輯《moisturizer》，樂曲融入更多後龐克與瞪鞋元素，同時以更成熟的音樂編制，昇華初代團員的表演魅力，讓Wet Leg頑皮、張狂、怪誕的迷人風格更加銷魂。

《moisturizer》專輯封面由5位團員與平面設計師Matt de Jong、攝影師Jamie-James Medina共同構思，創造野性十足的怪誕視覺。只見主唱Teasdale如獸般四肢著地，面帶挑釁笑容；吉他手Chambers則背對鏡頭環抱自身，刻意露出尖銳美甲。盯著這畫面看，你心裡有什麼感覺？是感受到詭異的性感，或覺得有點不舒服甚至噁心？Teasdale希望兩種感受能同時闖進你的心：「將對比強烈的概念並置，一直是我們在玩的東西，這種衝突感非常有趣。」Wet Leg本就不是乖乖牌，不走尋常路，因為他們相信無論是音樂或視覺，「創作能量」就該是一種顛覆性的存在。

入圍專輯04｜Perfume Genius《Glory》

藝術指導：Cody Critcheloe & Andrew J.S.

歷經3年沈澱，Perfume Genius於2025年3月釋出新專《Glory》，他曾坦言這是一張「有毒」的專輯，詞曲中裝滿焦慮，赤裸呈現他近年生活中的失重時刻，吟唱著關於死亡、慾望、自我厭煩的憂慮。對他而言，《Glory》也像是一回自我揭露——在沈潛多年後，選擇直面混亂，將自己脆弱而私密的一面化為樂音，企圖在混沌中找到突破的窗口。

在《Glory》專輯封面中，Perfume Genius再次以「雕塑」般的姿態出現，過去他曾在《Too Bright》封面頂著希臘雕像般的精緻面容亮相；為《Set My Heart on Fire Immediately》裸上身入鏡，臉部輪廓與身體線條在黑白畫面定格下，顯得更加鮮明而鋒利，明明鏡頭拍的是真人，卻讓觀者有種盯著蠟像看的錯覺。

話說回《Glory》，這次Perfume Genius倒臥在鄉間木屋的地毯上，雙腿歪斜、衣衫不整、身上還纏著延長線，詭譎畫面讓人看了心裡發毛，不禁好奇到底發生什麼事？對此他答：「這像是電影中的一幀定格畫面，我看起來像生病了、也像在跳舞……它可以被解讀成任何狀態。」也許可以把它想成一張不小心用手機截到的圖，因為隨機，所以令人摸不著頭緒。因隨機而生的混亂，正是Perfume Genius所求：「我喜歡它呈現出來的樣子，真誠而私密，夾雜著荒謬、戲劇性與表演性。」正如《Glory》歌詞、旋律、節拍與唱腔交織出的一切。

入圍專輯05｜Bad Bunny《Debí Tirar Más Fotos》

藝術指導：Benito Antonio Martinez Ocasio aka Bad Bunny

來自波多黎各的饒舌歌手Bad Bunny，2025年初透過專輯《Debí Tirar Más Fotos》，表達濃烈的家鄉愛。專輯以西班牙文中的「我應該多拍點照片」為名，表達對流逝生活的感慨和反思；曲目則藉深植波多黎各文化的雷鬼凍（Reguetón）曲風，交織奔放的拉丁舞曲節奏，提醒人們在忙碌生活中，停下腳步捕捉轉瞬即逝的回憶，別讓未來徒留遺憾。

由Bad Bunny親自操刀的專輯封面，是今年「最佳專輯封面獎」入圍名單中，唯一不見人影的作品。洋溢熱帶氣息的香蕉樹，捕捉了波多黎各的自然氣息，前年Bad Bunny回鄉度過夏天與秋季，在聖胡安（San Juan）連辦好幾場演唱會，場場滿座。然而在演出的喧騰背後，香蕉樹下的2張空椅，卻流露出一絲惆悵與失落，彷彿乘載著思念。這引起不少歌迷猜測，Bad Bunny藉此表達對已逝戀情的感受，但他本人從未證實這說法。或許並非關於「愛情」，但《Debí Tirar Más Fotos》絕對是一張關於「愛」的專輯，這是一封Bad Bunny獻給家鄉的情書，而他也在專輯背面親筆寫下：「此作獻給世界各地的所有波多黎各人。」

2026年，台北當代藝術館（當代館）迎來開館25週年，並宣佈營運至今年末，2027年起將閉館整修。為慶生也為紀念，當代館推出一系列25週年創意周邊，以「時間」為題，結合場館古蹟建築特色、撞色設計，及隱喻暫別的停止鍵符號，推出帆布袋、保溫瓶、繪本等紀念商品。本篇帶你從當代館建築有趣的身世看起，讀完後入手周邊會更懂其收藏價值所在！

當代館建築的複雜身世：從小學、市政府到美術館

坐落於長安西路的當代館，是台灣首座以當代藝術為主軸的美術館，也是全台少見以市定古蹟為據點的藝文機構。當代館所在建築的身世非常有趣，最初在日治時期為建成小學校，循當時日本流行的「和洋折衷」風格建造，紅磚牆、黑瓦屋頂、塔樓、木構、雙邊對稱的古典學院派樣式……皆可見日本與西洋建築樣貌融合的影子。

二戰後，台灣政權轉移，建成小學校轉作為市政府；到了20世紀末因市政府遷址，且此處被列為台北市定古蹟，場館後續用途引發多方論戰，最終決定將建物主樓改建為美術館，東西兩翼則改作為建成國中校舍，成了全世界罕見美術館與學校共用建物的案例。

當代館建築的多舛身世，深刻影響了場館如今的策展走向，因建築為古蹟，且早期作為學校、政府使用，並沒有館藏空間，限制頗多；然而也正是因為受限，當代館在展覽的議題定調、編排上更具實驗性，並將策展場域延伸至廣場和社區，逐步成長為台北指標性的藝文場域。

紅磚古蹟意象 X 自由變形框，構成2024年嶄新識別

2024年，當代館換上全新的識別系統，由顏伯駿率領的三頁文團隊操刀，以大家熟悉的紅磚古蹟外觀為基礎，將長廊、鐘塔等建築特色，簡化為俐落線條，並融入動態設計思維，為識別加入「自由變形的對話框」，呼應當代館建築自1920年代以來包容教育、政府、藝術等不同功能的靈活轉變，也回應了館方自由、富實驗性的策展精神。

25週年創意周邊登場！以「時間」為題設計

來到2026年，當代館迎接開館25週年，趁此推出紀念創意周邊，全系列設計圍繞著「時間」展開，圖樣自場館建築的「圓拱」元素汲取靈感，透過多重圓弧的疊加與交會，將靜態的建築曲線，轉化為具流動感的視覺符號，象徵25年來多元藝術在此匯聚、交流的軌跡，也在閉館整修前，為營運25年的歷程畫上深刻而美好的逗點。

帆布袋、原子筆採撞色設計，象徵多元藝術視角和創造力的交會，細節處融入「暫停鍵」與「播放鍵」符號，隱喻當代館將與觀眾暫別，調整步伐，3年後以嶄新姿態再次啟動。

保溫瓶身則覆以連續的拱門圖形，搭配呼應日、夜的亮與深色，象徵當代館陪伴城市走過的25年光陰。

「古蹟繪本」濃縮當代館25年精彩故事

下半年隨9月「全國古蹟月」來到，當代館將特別出版「古蹟繪本」，邀藝術家王春子擔任作者與繪者、吳孟寰擔綱美術設計，並委由典藏藝術家庭（小典藏）出版發行。像是一顆「記憶膠囊」，繪本將呈現當代館的歷史沿革、建築特色與展演精神，透過可親、易讀的敘事，引導讀者認識這座由古蹟轉化而成的美術館，如何在不同時代背景下，乘載藝術實踐與公共文化的角色，也藉此讓當代館25年來為藝術投注的的心力，得以留存紙上被珍視、收藏。