2024 LOEWE工藝獎4件亮點作品！可自由拼組的樂高咖啡桌、如3D列印的手工陶瓷雕塑等

致力挖掘全球新銳工藝家的「LOEWE Craft Prize」（LOEWE 工藝獎），宣布2024年首獎由墨西哥工藝家Andrés Anza陶瓷雕塑《I only know what I have seen》拿下，其遊走於古今、虛實邊緣的形貌反映出這個時代的文化樣貌，因而獲得評審團青睞。隨之公布的還有3位優異獎得主，分別為emmanuel boos的瓷磚咖啡桌、朝井美樹（Miki Asai）的漆器戒環，以及金熙燦（Heechan Kim）結合造船技術打造的雕塑。本篇帶你深入認識。

Andrés Anza｜以上萬陶瓷尖刺構築「意識的紀念碑」

這件與人同高的陶瓷雕塑，有著如3D列印作品般的數位感外觀，但它並非出自機器，而是由Andrés Anza以耐火黏土（fire clay）手工打造而成。他先是將5個迷你的陶瓷零件組成「尖刺」狀，再一步步將上萬個小陶瓷尖刺建構成人體大小的雕塑。

《I only know what I have seen》既具象、又抽象的曖昧形態，兼具考古感與後數位美學，巧妙呼應了現下遊走於虛實之間、既面向未來又渴望回到過去的文化場景。一道道手工紋理，記載了材料與Andrés Anza交流的過程，最終堆砌成一座高大的「意識紀念碑」。

emmanuel boos｜樂高積木般的瓷磚咖啡桌，為家具注入互動樂趣

法國陶藝家emmanuel boos這次也施展拿手好戲，帶來一張充滿「矛盾趣味」的陶瓷咖啡桌《Comme un lego》。這張桌子被取名為「像樂高一樣」，形式上也真如樂高積木！

emmanuel boos利用石膏模具手工打造98個呈現漂亮深棕色澤的空心瓷磚，再將它們分層疊上結構更穩固的陶瓷底座上，瓷磚之間不需要任何膠、只靠拼組就能固定到位。更有趣的是，這些瓷磚就像是一塊塊大型積木，隨時都能單獨從桌面上被取出，為咖啡桌帶來多變的樣貌。

評審團認為《Comme un lego》是張非常「調皮」的桌子，其中空心瓷磚的製法精密，組構成桌子的程序充滿紀律，完成後瓷磚卻又和桌子形成穩定、同時脆弱的關係（因為瓷磚隨時可以被取出），令使用上充滿互動的樂趣，也讓家具跳脫靜態擺件的定義。

朝井美樹｜戒指或雕塑？以漆器、蛋殼鑲嵌賦予珠寶新意

專攻珠寶設計與金工的日本工藝家朝井美樹（Miki Asai），帶來一系列可穿戴的「戒環」，它們可以是工藝雕塑、也可以是為日常穿搭增添亮點的飾品，為當代珠寶注入了新的意義與形式。

朝井美樹以日本傳統「漆器」的手法創作，先利用木頭包住鏤空紙材，作為環的基底，接著在木頭表面鋪上蛋殼、貝殼與礦物顏料的碎片，創造出鱷魚紋般的紋理。每只環的頂部還配有微型器皿——或以精細的蛋殼鑲嵌包裹、或呈現彩虹色澤的銅綠，古典與夢幻氣息交織，更乘載著極為精細的手工藝。

金熙燦｜結合木工、造船等技術，重現微型生命的形態

從雕塑《#16》不對稱的前後面、不規則的形體和表面的編織紋理，就能看出它是一件複雜的作品。出身韓國的金熙燦（Heechan Kim），結合傳統木材彎曲、造船、木桶製造、編織、皮革工藝與技術，以白蠟木和銅絲為材料，打造出狀似巨大耳蝸的球狀雕塑，它一面渾圓飽滿、另一面如隨時在吸收能量的體腔，就像是微型生命的濃縮。

觀眾的目光得以穿越雕塑內外，看見其結構形態、手工細節，也閱讀金熙燦結合幾何學、建築概念、傳統工藝所創造的藝術語言。

巴黎東京宮、線上展間同步開展

攤開2024 LOEWE Craft Prize入選名單，可見多件以有機和生物形態為特徵、極盡利用材料至其極限的工藝品，當中包含許多重新利用與回收的媒材，透過創作者的巧思轉化了生活風景及個人思想，蘊藏著深厚工藝價值及哲思。

想要親眼欣賞30件入選之作，人又正好在巴黎，今天起到2024年6月9日不妨到東京宮（Palais de Tokyo）看展；沒能親臨現場也無妨，可以到LOEWE數位平台「The Room」線上觀展，展間收錄了LOEWE Craft Prize自2016年創立以來的入選工藝品。

2024 LOEWE Craft Prize 評審團

曹敏碩（Minsuk Cho）— 建築師兼2014年威尼斯建築雙年展金獅獎得主

深澤直人（Naoto Fukasawa）— 設計師兼東京日本民藝館館長

Olivier Gabet — 巴黎羅浮宮博物館藝術部總監

稻崎榮利子（Eriko Inazaki） — 2023年LOEWE工藝獎得主

Sheila Loewe — LOEWE基金會總裁

瑪格達琳 奧丹多（Magdalene Odundo）——陶瓷藝術家

王澍 — 建築師兼普立茲克建築獎得主

Deyan Sudjic — 評論家兼倫敦設計博物館榮休館長

Abraham Thomas — 紐約大都會藝術博物館現代建築、設計及裝飾藝術部館長

Patricia Urquiola — 建築師兼工業設計師

Anatxu Zabalbeascoa — 西班牙《國家報》(El País) 建築及設計專欄記者

踏入新埔柿染坊，空氣中隱隱流動著一股微酸的天然果汁發酵氣息。空間裡，一幅幅染著深淺大地色的布匹靜靜垂掛，從溫暖的咖啡色到深邃內斂的鐵灰，它們不被既有的色彩框架所侷限，而是在陽光與空氣的撫慰下，恣意舒展出獨一無二的歲月紋理。

柿子化身布匹染劑

相較於日本與韓國擁有深厚的柿染傳統，過去臺灣產的柿子幾乎全數用於食用。在民國94年以前，臺灣的染布多以藍染或其他植物染為主，未曾有人將柿汁化作染布的顏料。

這一切的轉機，皆緣起於柿餅產區裡的一根木柱。時間拉回民國93年，當時鎮公所與輔導團隊為了尋找在地特色做課程，來到新埔味衛佳柿餅園區探查，赫然發現一根柱子上佈滿了深淺不一的黑色掌印。

原來，那是昔日「柿餅婆」們在削柿餅時，沾滿鮮澀汁液的雙手，為了起身而扶著柱子所留下的歲月印記。這抹固執咬住木材的黑，讓公所人員大為驚豔，進而萌生了將在地印記化為工藝的念頭。

回憶起初次接觸柿染，鍾夢娟總幹事笑著坦言，自己一開始沒有很想參與，僅是因為當時的主辦方找不到足夠的人數開設柿染工作坊，看中她會做拼布的手藝，於是邀請她加入這場充滿未知的染色實驗。

那年四月初春的課程，果園裡連一顆青柿的影子都見不著，大夥只能採集柿葉來熬煮染劑。面對初染出清淡單薄、色澤甚至有些生硬的布料，她看了不是很喜歡，索性將它們扔進角落的紙箱裡，不再理會。然而，時間悄悄化身自然界最溫柔的魔術師。一兩年後，當她偶然重新打開紙箱，驚訝地發現那些被冷落的布料，即便沒有陽光照耀，也已在黑暗的靜默中持續呼吸、發色，蛻變出一種極具厚度、沉穩且無比耐看的溫潤色澤。那一刻，她被材質與時間交織出的獨特生命軌跡深深懾服，從此結下了與柿染相伴半生的不解之緣。

滲透纖維的生命力

柿染有別於一般植物染，其獨特的化學特性與工藝哲學令鍾夢娟深深著迷。她解釋，多數植物染的色素僅是附著於布料表面，若未經多層次的複染便容易褪色。

但柿染的靈魂，在於滲透。柿汁中富含濃郁的單寧酸與膠質，工藝家必須透過雙手反覆、用力地搓揉，才能將這股大地的精華深深逼入布料的纖維深處。這是一場時間的魔法，同時作用在染劑與布料之上。

就染劑而言，初榨的新鮮柿汁原是青綠色，必須歷經長年的發酵，液體才會逐漸轉化為透亮如漆的深色。而當這些柿汁被揉洗進纖維時，剛染好的布料只有淡淡的顏色；但隨著歲月推移，它會開始一場奇妙的發色之旅。

即使被收進不見天日的紙箱中，布料上的柿汁依然會持續呼吸、緩慢變色，直到一兩年後才安靜地穩定下來，蛻變成溫潤厚實的褐紅。一旦發色完成，它便具備了極佳的耐洗與耐曬度，甚至可以直接丟入洗衣機中洗滌也不用擔心褪色。

更耐人玩味的是，柿染還可以透過媒染劑的催化來展現多元樣貌。透過金屬離子的介入，銅媒染能淬鍊出溫暖沉靜的咖啡色系，而鐵媒染則能轉化出深邃內斂的鐵灰色。每一次的搓揉、每一束陽光的曝曬，都會在布面上留下無法複製的獨特紋理與曬紋。鍾夢娟總幹事認為，這正是柿染最難能可貴的工藝精神：「不斷嘗試、反覆練習，每一次染出來的效果都不一樣。」

跨越媒材與世代的藩籬

面對時代的演進，新埔柿染坊並未停下腳步，而是主動鬆動了傳統形式的框架，讓柿染在當代語境中自由游走。總幹事鍾夢娟深知工藝傳承的瓶頸，她坦言：「沒有年輕人進來是不行的。」

年輕世代的加入，為這項工藝注入了奔放的活水。他們創立了以客語「柿子」發音為名的品牌「KirKir」（ㄎㄧㄚ ㄎㄧㄚ），撕下了傳統工藝等於老氣的標籤。

不僅如此，年輕團隊發揮奇想，讓柿染不再侷限於傳統的包袋與服飾，將其轉化為令人莞爾的「夜市人生」珍珠奶茶手枕、栩栩如生的「年菜系列」，甚至是新埔市場裡幾可亂真的蔬果造型。更令人驚豔的，是結合在地保育理念的穿山甲立體生態雕塑。看著這些充滿生命力的創作，鍾夢娟驕傲地說：「這很耗工的！像是穿山甲，要先把布染好，再慢慢裁切牠的鱗片，一片一片縫上去。」

與此同時，團隊大膽實驗，將柿汁與龍眼樹上的自然蟲害紫膠蟲結合。紫膠蟲本身帶有鮮豔的亮紫色，而柿汁的加入不僅發揮了護色的功效，更將原本張揚的亮色壓抑得內斂沉穩。鍾夢娟對這份大自然的調色盤十分著迷：「紫膠的顏色照理說會很鮮明，可是柿汁會讓它的顏色變得稍微暗沉一點。這個顏色我很喜歡，它不像一般的植物染，顏色太亮。」

這股流動的力量，更溫柔地接住了社會的邊界。新埔柿染坊不僅是一個工藝基地，更是地方二度就業媽媽們的避風港。在這裡，她們從零開始學習縫紉與染色，從起初不敢面對人群的怯生生，到後來能夠自信滿滿地站在遊客面前解說導覽。看著媽媽們的蛻變，鍾夢娟感同身受地笑說：「其實我本身也是很怕上台去講話的，可是訓練久了以後，會發現越講越有自信呢！」

生生不息的大地之流

柿染的誕生，始終順應著一場無聲的大地之流。那些長相畸形、無法製成柿餅的果實，總能在七、八月盛夏汁液最飽滿之際，毫無保留地化作珍貴的染料。而榨取完精華的果肉殘渣，最終則安靜地回到果園化為堆肥，重新滋養腳下這片泥土。這是一場沒有刻意雕琢、與自然溫柔相待的生命循環。

這份對土地的敬意，也蔓延成小鎮裡的情感流動。鍾夢娟總幹事的期盼，從來不只停留在染布本身，她更渴望讓來到新埔體驗柿染的旅人，腳步能自然而然地延伸至小鎮的每個角落，無論是去欣賞古樸的宗祠家廟，還是逛逛充滿人情味的新埔市場，再安坐下來品嚐一碗道地的客家粄條，柿染坊永遠都會是一個最棒的中繼站，不僅傳遞了一項技藝，更輕柔地牽起地方共好的願景。

從牆柱上一抹斑駁的黑色掌印，到如今揉洗出歲月靜好的當代工藝；從看似無用的青澀果肉，到深邃內斂的大地之色。新埔柿染完美詮釋了材質的再生與擴散，它不張揚、不刻意，只是在時間、自然與人群的邊界上，靜靜流淌著一首生生不息的向陽之歌。

文字 / 洪孟樊

攝影 / Daniel

抬頭望向臺灣老廟宇，燕尾脊上層層堆疊的華麗裝飾，祥雲間站立的歷史人物與民間神祇，忠孝節義的戲碼在屋脊上熱鬧開演；獅、虎、鳳、鶴等祥獸穿梭其間，在釉彩流動與陶塑細節中，構築出屬於臺灣廟宇的工藝風景。色彩濃烈、線條繁複的交趾陶，早已成為臺灣人日常記憶中的文化語言。

許多人不知道，交趾陶文化其實與嘉義有著深厚連結。文獻可考的第一位臺灣本土交趾陶司阜「葉王」，便是嘉義人，其作品也以這座城市為中心向外發展，至今香火鼎盛的城隍廟、開漳聖王廟、元帥廟、地藏王廟、三山國王廟，以及朴子的配天宮、水上的苦竹寺，甚至延伸至臺南學甲的慈濟宮、佳里震興宮等等，仍可見大師創作的痕跡。

致力於梳理諸羅地方文化的嘉義市立博物館（以下簡稱嘉博館），於2020年重新整建交趾陶主題館，將原先設於嘉義市政府文化局地下室的展館遷移，重新於博物館三樓以「交趾陶館: 建築上搬戲——來聽廟尪仔講古」為題，打造全臺少數完整且系統性展示嘉義交趾陶文化的常設展。那原本站立於廟宇屋頂的「廟尪仔」，卻成為今日講述嘉義故事的引路人。

典藏葉王的一代風采

走入交趾陶館，彷彿走進一座被濃縮進室內的廟宇世界。穿梭在廟門、廟柱、水車堵的意象展間裡，收藏大量清代至近代的交趾陶作品，逐步講述交趾陶在臺灣的歷史與演化。

必定朝聖的鎮館之寶，是清代葉王作品〈交趾陶文官立像〉，標誌性的胭脂紅釉彩、細膩的衣褶線條、傳神的人物表情，展現出極高工藝水準，而被指定為臺灣「重要古物」。

許多人好奇，葉王是哪裡的王公侯爵嗎？其實不是的。葉王本名葉麟趾， 因外號「王獅」而得名，為臺灣文獻可考的第一位本土交趾陶藝師。活躍於清代中晚期的他，作品融合潮州派特色，影響後世交趾陶發展，更被日本學者譽為「臺灣古今唯一的名匠」與「島寶」。

為了重現葉王作品風采，館方也特別考究現存於臺南學甲慈濟宮的葉王水車堵作品，拆解重現新作與修復殘缺部分，委由現居於嘉義的當代交趾陶大師林洸沂仿作，重建一代大師的藝境。以〈八仙渡海〉為主題的牆堵，人物神態靈動，搭配芭蕉、松柏等風土植物，流露濃厚臺灣地方氣息；〈竹林七賢〉則充滿戲劇感，不願前行的馬匹、忙著拉馬的書僮，人物表情與動態細節鮮活生動，越看越能發現其中趣味。

此外，廟宇山牆、屋簷、樑柱間常見的「憨番扛廟角」，館內也以一比一尺寸重現。那些濃眉大眼、肌肉結實的異國人物，在傳統廟宇中象徵支撐建築、守護廟宇的力量。過去抬頭遠望總以為只是小小裝飾，真正站到面前才發現，竟有半個人高，大大顛覆人們對於廟尪仔的尺寸理解。

打開嘉博館的多元宇宙

除了展覽，館方也持續增加工作坊與教育活動，讓家長與孩子能一起停留、一起動手。尤其館方長年推動交趾陶教育扎根，策劃「藝師入校計畫」，帶領嘉義市國中小孩子手作，如今亦開放嘉義縣、雲林甚至臺南學校申請，向外擴散推動工藝教育。嘉義市文化局長謝育哲表示：「我們把嘉義的工藝師送出諸羅城，讓嘉義的文化傳到外地去。」

廣邀新生代加入創作行列，每年度文化局推動交趾陶藝術節、全國交趾陶工藝獎，而去年配合320+1 嘉義市城市博覽會，比賽命題打破往年以生肖為主題，而是教大家想像自己是「現代葉王」的話，會怎麼用交趾陶敘說嘉義城市意象與在地文化元素的主題。

「有孩子細膩重現嘉義公園某個角落，阿里山林鐵、射日塔等，連棒球與青蛙都一併捏進作品裡，很讓人驚訝。」謝育哲認為，工藝推廣的命題設定很重要，「要讓大家有共感，才會想挑戰。」而這種創作精神，其實也很像近年嘉義文化治理的方向，一直在既有框架裡面做突破，給大家新的感受。「過去大家認為博物館是偏向觀看與展示的地方，但我更重視的是，怎麼讓嘉義人產生認同感。」

近年來，嘉博館也大量導入科技提升觀展的互動性，例如去年特展《諸羅紀：人在・神在・城就在》加入沉浸式光影體驗，以及由成大歷史系副教授謝仕淵帶領嘉中學生展開一卡皮箱的策展計畫，而今年交趾陶館亦新增AI 捏陶互動體驗，使人們利用科技輔助，更加理解交趾陶的工藝細節。

從交趾陶看見嘉義故事

歷經不同時代，嘉博館各樓層逐步被賦予不同功能，而交趾陶館的誕生代表了嘉博館從草創走向成熟。「這棟建築逐漸真正成為嘉義人的博物館。」嘉義市政府文化局長謝育哲談起嘉博館時，如此註解。

他認為博物館是一扇門，最希望是展館可以連結到城市，大家看完展之後，能燃起興趣走進城市。近年，嘉博館也與地方文化館展開串聯，包含嘉義市立美術館、嘉義文學館、許世賢博士紀念館、愛木村、祥太文化館等，共同形成城市文化路徑。謝育哲認為，如何用「故事」把不同館舍串起來，是未來很重要也很有挑戰性的事。

「去年〈大工藝嘉〉特展便是帶領民眾走入巷弄，重新理解廟宇中的交趾陶脈絡。」當人們走入嘉義城隍廟，可以看到兩位藝師同場較勁，勝出者留下名字的「鬪藝」傳統；而地藏庵則有呂勝南、呂皇澄父子聯手打造，以戴潮春事件為主題的交趾陶名作，把地方歷史與嘉義人的團結性格燒進廟宇裝飾之中。

「交趾陶除了是廟宇的裝飾之外，你還能在上面看到這塊土地的故事。」謝育哲認為，交趾陶不該只停留在藝術或工藝品的討論，「工藝本就是從生活脈絡長出來的東西，我們應該讓工藝的討論重新回到生活裡。」

如今這座博物館也逐漸成為人們與城市重新建立連結的文化場域。從廟宇屋脊、公共空間到街角日常，在「來看展」之外，更像是在提醒人們，其實交趾陶從未離開生活，而是一直藏在城市的紋理裡。

文字 / 李佳芳

攝影 / 王士豪