《我們的藍調時光》「英希」鄭恩惠畫展登台！多彩肖像畫、詩歌與日記隨筆交織為療癒風景

在《我們的藍調時光》中飾演英玉（韓志旼 飾）雙胞胎姊姊英希的鄭恩惠（정은혜），不只是名演員，更擁有藝術家、作家身份。2013年，她開始在京畿道市集裡為人繪製「誇飾畫（Caricature）」，至今已為超過5,000人留下肖像。

今（2024）年6月，鄭恩惠帶著近10年的精選繪畫作品、首本圖文著作《你的臉》來到台灣舉辦〈Amazing Grace 展 ; Around the globe〉。展覽集結鄭恩惠的鉛筆誇飾畫、壓克力彩繪肖像畫代表作，與她親自寫的詩穿插呈現，帶人們探索藝術家與畫中主角們的生命故事。

無懼限制，活躍於繪畫、影劇的創作人生

在認識「畫家」鄭恩惠之前，許多人早已認識「演員」鄭恩惠——身為唐氏症患者，她在韓劇《我們的藍調時光》中飾演英希一角；並本色出演紀錄片電影《你的臉》，以真摯演技觸動觀眾的心。

活躍於銀幕的同時，鄭恩惠也持續作畫，並透過YouTube頻道「니얼굴 은혜씨」分享日常生活和創作過程，目前已累積16萬人次訂閱；更善用自身的影響力，積極參與身心障礙者人權運動。

究竟，原本沒有歸屬感、過著邊緣生活的鄭恩惠，如何成長為一名活躍於藝術、影劇領域的創作者？在畫展揭幕之前，先透過以下5則小故事認識她。

01／從清潔工變畫家？

今年33歲的鄭恩惠，大約十年前在畫家母親不經意的安排下，開啟了繪畫生涯。當時患有唐氏症的鄭恩惠剛成年，離開教育機制後無處可去，長時間待在家中，導致各項認知發展漸漸退步；她的母親擔心狀況持續惡化，就帶著女兒到自己開的美術教室協助清潔工作，意外發現她對繪畫的天賦和熱忱，從此改變了鄭恩惠的人生——她成為了一名畫家，過去曾經困擾她的視線恐懼症、強迫症、思覺失調症也幾乎消失。

02／為超過5,000人留下肖像畫

2016年夏天，鄭恩惠第一次前往京畿道的汶湖里河邊市集，與遊客們面對面，為他們量身繪製誇飾畫（Caricature），至今已累積超過5,000幅作品。鄭恩惠曾說，自己喜歡畫「臉」的原因很簡單：「因為每個人的臉孔和長相都不一樣，所以我一直畫著。每個人都是漂亮、帥氣並且值得驕傲的！」

這些肖像畫被集結為《你的臉》系列，其中有質樸的黑白鉛筆版本，以及線條明快、色彩飽滿的壓克力彩色畫作，兩者都散發著毫無距離感的純真、療癒氣息，也體現鄭恩惠內心世界的豐富與多彩。

03／為《我們的藍調時光》角色「英希」注入靈魂

作畫之餘，鄭恩惠也透過自媒體分享創作歷程，更吸引編劇廬熙京注意，獲邀出演《我們的藍調時光》。劇中的英希喜歡拍照、編織、跳舞，都是源自鄭恩惠本人的日常愛好；那些讓妹妹英玉（韓志旼 飾）在房車內哭得泣不成聲，終於說出：「這些年的孤獨究竟有多深，才讓唐氏症的姊姊變成這樣的畫家？」的療癒畫作，也都出自她手。鄭恩惠的演出，無疑讓觀眾看見了唐氏症患者的另一面。

04／不只是畫家、演員，也是新生代作家

繼成為畫家、演員後，鄭恩惠又在2023年迎來新身份——作家，首本圖文著作《你的臉》集結其素描誇飾畫、彩繪壓克力等肖像畫作，書中文字則摘自她的日記、詩作與寫給家人的信，全由她親自撰寫，滿載純真、溫暖的能量。目前《你的臉》繁體中文版（日出出版）已在台灣出版上市。

05／長期投入身心障礙者人權運動

對鄭恩惠來說，繪畫不僅是創作的載體，更是一種對生活和愛的表達，因此她長期善用自身的影響力與創作才華，投身身心障礙者人權運動與慈善義賣。

這次來到台灣，鄭恩惠也與台灣「育成社會福利基金會」合作，進行線上展覽；更將與基金會憨寶貝們共同創作，彩繪法國髮妝品牌「髮妝之鑰」瓶身，並於基金會官網上義賣。

《Amazing Grace 展 ; Around the globe》

展期｜2024.06.08（六）－07.07（日）

展場｜誠品生活新店（裕隆城）2F、3F紅廳

地址｜新北市新店區中興路三段70號

臺北市立美術館（北美館）自2026年5月9日至9月20日於一樓推出「共感：存在的節奏」，由館內策展人余思穎策劃，展出 11位/組臺灣與國際藝術家作品。展覽從當代博物學的概念出發，在自然、技術與行動實踐的層面上，探討人類應如何理解自身與物種、環境與世界的關係。

數位網路與人工智慧快速發展的時代，訊息流通的方式經歷多次轉變，自我、他者與環境的關係，逐漸轉為更有機的感知網絡。本展以「共感」為題，意指一種理解自己與他者彼此牽動、共同生成的能力。策展人余思穎表示，法國哲學家布魯諾．拉圖（Bruno Latour）曾以地質學的臨界區（Critical Zone）的概念，探究關於自然、技術與人類行動相互作用的地表環境，藉此重新思考人類與萬物共存的關係。

「臨界區」原指自樹冠至地下水層之間的地表薄層，在此空間中，空氣、水、土壤、岩石與各種生命持續相互作用，形成地球維持生命的條件。策展人進一步援引美國物理學家暨理論學者凱倫．巴拉德（Karen Barad）回應量子物理中的「量子糾纏」（entanglement）概念，指出萬物並非彼此獨立存在，而是在持續互動與相互作用中生成關係，提示「存在」或許更接近一種關係性的整體。人與微生物、多物種，甚至與土地、技術感知、生物與環境等，並非單向支配，而更像是共同構成彼此、相互依存的網絡。

本展從「人與非人共同演繹世界」（自然）、「擴增人類五感與時空觀」（技術）與成為「互利共生的行動者」（行動實踐）三個面向出發，引領觀者感知原本難以觸及的其他物種世界，並重新思考生命倫理與共生關係。展場則透過不同作品的感知經驗與觀看狀態，開啟對共享、互助與共存價值的想像。

生命演化所呈現的繁茂形態與生態關係，映現人與非人共同演繹世界的多重面向。盧明德《生態圖鑑》透過多樣物種圖像符號，包括具生命初始寓意的蛋、隱含演化意象的貝殼、象徵死亡與遺骸的動物頭骨，以及動物肢體、皮毛等局部身體意象的複合與並置，以虛實交錯的擬態哲學觀，探討數位時代中自然真實與虛假之間的關係。瑟琳．克拉內《接地雜訊》系列，藝術家並置黑白膠捲拍攝的森林地貌、電子顯微鏡下的微觀圖像，藉由不同尺度的影像轉換，拓展肉眼觀看的視角，開啟對既有森林地景的新感知。

蔡咅璟《山麻雀之歌》連結傳說與當代的保育行動，透過燒製曾文溪水庫淤泥為人工鳥巢，尋找人與動物共生的契機，影像紀錄文化記憶與當代行動，呈現環境變遷下人類與動物的互助關係。桑佳．鮑梅爾將創作視為身體、生物與環境共同演進的過程，以《活體藝術品》等三件作品，透過培養菌落、知識研究與行動創作等方式，使不可見的微生物被人所感知與想像，探索人體內外由多物種共構的生態關係，開啟界定人類主體性的重新理解。

科技、演算法與網際網路所生成的影像，正在重塑人們對世界的理解，並進一步影響其思考方式。吳其育+陳普《零點溫室》以跨洋運輸植物的「沃德箱」為靈感。這種可承載微型生態系統的容器，曾促成19世紀的蕨類與蘭花熱潮，也讓中國茶樹得以移植至印度。作品進一步延伸思考由生成式人工智慧資料庫主導的未來，如同人類過往藉由移植物種對自然進行收藏，以另一種形式延續人類對自然的想像。

陽春麵研究舍《潛像描繪儀》探討人工智慧如何透過雜訊、隨機性與資料運算生成影像，作品模擬18世紀側面描繪儀裝置的運作，對照影像從手工描繪、機械標準化到演算法生成的歷史轉變，呈現人工智慧如何以真實世界為基礎，持續產生難以預測的視覺結果，探問人類對創造力與影像真實性的認知邊界。

NOIZ Architects《待機休眠中》（Lazy House）為布料、張拉結構與感測系統構成的建築軟雕塑，作品透過電腦演算與參數設定，感應觀眾的注視，並產生相應的形變與回饋，邀請觀者於雕塑物件與空間的律動中感受人與環境的互動關係。

透過行動實踐，我們得以理解過往與當下的連結，並意識到事物關係在時空中並非恆定，而是在流動中形構其節奏。山城知佳子《土之民》三頻道錄像，以沖繩與濟州島的歷史為背景，敘述在地之民因候鳥落下的「詩句種子」自泥沼中甦醒，並在墜入時空洞底後目睹過往的戰爭殘影，作品透過影像、低語與環境聲響推動敘事，使觀者思考人與土地，如何共同承載那些尚未消散的歷史記憶。

希朵．史戴爾《使命完成: Belanciege》結合錄影與資料分析的講述表演錄像，從品牌如何挪用特定社會處境下的文化符碼與街頭文化，轉化為時尚美學的過程，揭示品味與身份如何被品牌私有化，並進一步指出當代消費文化、社群媒體與演算法機制，如何共同介入人們對階級、認同與政治現實的想像。

彭弘智《面對面》曾於多國雙年展與三年展展出，並為北美館典藏作品。藝術家以犬的第一視角記錄動物日常活動，並將影像螢幕嵌入動物雕塑頭部之中，觀者需貼近並模仿其姿態，方能進入觀看位置，作品透過身體姿態與觀看方式的轉換，引導觀者想像動物的感知經驗，進而思考人與動物相互依存的關係。

周東彥/狠劇場《變動的連結》是一場需與他人共同完成的集體延展實境（XR），觀者從非敘事的空間中展開探索，隨著虛擬線條在角色之間生成，無形的關係變得清晰可見，個體經驗轉化為群體感知的流動，最終呈現由眾人共構、以線條交織而生的「我們」之形態。

共感：存在的節奏
展期：2026.05.09-2026.09.20
地點：臺北市立美術館 1A、1B展覽室 

參展藝術家（依英文姓氏排列）：桑佳．鮑梅爾（奧地利）、周東彥/狠劇場、瑟琳．克拉內（法國）、盧明德、NOIZ  Architects（日本）、彭弘智、陽春麵研究舍、希朵‧史戴爾（德國）、蔡咅璟、吳其育+陳普、山城知佳子（日本）

2026北美館X-site計畫由「做白工作室」作品《鏡・亭・山：相看兩不厭》獲得首獎，即日起至7月26日展出。本作結合鏡面、涼亭、山形3大元素，以「掀起地表」為核心意象，利用鋼板和懸索結構，在北美館廣場創造出一片完全穿透、不靠柱和牆支撐的自由場域，邀訪客在此停留、感知和參與，讓藝術之旅在入館前就啟程。

把「經過」轉化成一種參與行動

「廣場」如城市裡的留白，為人們提供歇息之處，也在訪客抵達目的地之前，有片過渡地帶得以轉換情緒——但除了「經過」，我們還可以從廣場中獲得什麼樣的感知體驗？臺北市立美術館（北美館）邁入第13屆的「X-site計畫」，正是從這道提問出發，以館前廣場為基地，每年透過公開徵件，邀不同創意團隊透過建築、藝術、設計等方式介入，為人們開啟體驗北美館廣場的新路徑。

在北美館廣場掀起一座鏡面小山

2026 X-site計畫首獎得主——做白工作室，是以「創造有意義的空白」為核心概念的跨領域設計團隊，這次他們透過對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深入研究，將《鏡・亭・山》視為一種介入環境、重構人與廣場關係的行動實踐。

做白工作室以鋼板和懸索結構為主要材料，在廣場創造一片不靠樑柱和牆支撐的穿透場域，且作品未錨定於既有地坪，巧妙形成地表被「掀起」的視覺效果。像這樣透明而公開的結構，不僅讓訪客得以一覽作品結構組件之間的相互關係，也為人們在廣場上的停留時光注入更多遊逛、探索的趣味。

「鏡・亭・山」各有何涵義？

《鏡・亭・山》具有3種不同層面的解讀意涵，各個層面都讓「經過」成為一種參與：「鏡」反射空間下的動態互動，更在特定角度中映照出周遭自然、北美館建築等環境現況；「亭」意指傳統上遮蔽或供人停留的空間，也代表「從地表拉起的結構」所形成的新空間；「山」則可連結至雙向掀起的屋頂與地板共同構成的休憩空間，訪客可在此歇息，也能自由穿梭其中。

聲音裝置、蛇紋磚片藏彩蛋

本作更有由環境發想延伸的「可觸碰發聲互動裝置」與「蛇紋磚板片」。團隊將抵抗風浮力的鋼纜，進一步結合為互動裝置，其猶如樂器中被繃緊的琴弦，當「弦」被觸碰時，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，包含展間中的低聲交談、觀者行走於建築內的腳步聲，揭露潛藏在美術館之中、平時不易被察覺的細微聲音。

而對於蛇紋磚板片，團隊表示：「塞尚晚年反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是一種追索真理的實踐。此次作品屋頂上的蛇紋磚板片，便是以此為靈感，並將自第1屆X-site舉辦以來的廣場衛星空拍圖作為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。」北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域的重要視覺特徵，也承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。

《鏡・亭・山》展出期間，亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等，邀請觀眾在人與環境、內與外之間，與環境共同感受那片「有意義的空白」。

2026 X-site《鏡・亭・山：相看兩不厭》

展期｜2026.05.16－07.26

地點｜臺北市立美術館 戶外廣場