2022年，倫敦博物館宣布遷址，將離開待了近50年的巴比肯（Barbican），搬遷至史密斯菲爾德（Smithfield），新館預計於2026年開放。這四年間，倫敦博物館也沒閒著，先是變更館名，接著公布了全新品牌識別，其以「鴿子搭配黃金便便」的圖像引起討論，一起來看新奇設計背後的概念。

倫敦博物館，紀錄倫敦千年發展歷史

以「社會歷史博物館」為定位，倫敦博物館集結來自倫敦33個行政區、超過700萬件藏品，講述倫敦從史前時代至今跨越45萬年的發展故事，展示不同時代倫敦人的生活。放眼世界，目前沒有另一座以「單一城市」為核心的博物館，規模能超越倫敦博物館。不過，隨著博物館的角色循時代變遷，館方也持續擴張當代藝術收藏，關注時代的脈動。

2024重新出發，正式變更館名、換上全新品牌識別

聊品牌重塑之前，必須先梳理一下館史。1976年，倫敦博物館（The Museum of London）由倫敦市政廳博物館（City of London’s Guildhall Museum）、原倫敦博物館（London Museum）合併而成，在倫敦牆（London Wall）開張，近半世紀以來持續在城中拓點，目前已有4個據點。不過在2022年底，館方宣布將離開倫敦牆，搬遷至史密斯菲爾德（Smithfield）。這次搬家，變的不只有館址，連館名也變了，從「The Museum of London」變更為「London Musuem」（翻譯為華語應不造成影響），同時展開品牌識別重塑。

倫敦人現身說法，參與設計過程

作為紀錄倫敦發展歷史的機構，倫敦博物館在重塑品牌時，第一要務是找到足以代表倫敦、且能引起倫敦人共鳴的符號。館方與風格詼諧、總是不按牌理出牌的英國創意單位Uncommon Creative Studio合作，先是策劃500名在地人、遊客組成的焦點小組，並招募來自倫敦各行政區、擁有不同生活背景的33位市民，包含博物館管理員、刺青師、DJ、廚師、兒童節目製作人、拳擊手等，了解他們對倫敦博物館原識別的看法、對新識別的期待，也對焦看待倫敦這座城市的認知。最終，鴿子和他的便便成為全新識別的主角。

白鴿與黃金便便成新識別，標準字源自古老字體鑄造廠

在新識別中，「倫敦博物館的鴿子」形象並非平面，而是以倫敦黏土製成的小雕像，即使顯現在數位螢幕上，也能清楚看出材料質地、凹與凸處的明暗對比，鴿子的眼睛、羽翼、爪子等細節都相當立體。當你以為鴿子作為博物館識別已經夠新奇，馬上又會被鴿子身後的「黃金便便」刷新認知，這坨便便被覆上像是亮粉的質地，呈現出閃閃發光的視覺效果。

值得一提的是，官網上的鴿子會不定時換上新設計，隨倫敦時下的熱門議題做變換，像是最近配合2024巴黎奧運，鴿子就戴上英國國旗摺成的小領巾說著：「Allez, Allez Team GB！」，可以想像成Google塗鴉（Google Doodle）的操作模式。另外，隨著倫敦博物館更名，當然需要一套新的「London Museum」標準字，新版的無襯線字體靈感可追溯至19世紀，源自曾於倫敦營運200多年的古老字體鑄造廠Caslon Foundry。

動物當識別的傳統，在英國流傳已久

話說回來，為什麼是鴿子？最直觀來說，如果有去過倫敦，不難發現鴿子無處不在。倫敦博物館則解釋，回望英國歷史，動物不停被用來象徵品牌、組織和地方，比如倫敦市徽中就有龍的形象；與皇室淵源極深的時裝屋Burberry，近年復興了「戰馬」徽標，形象照也有狐狸、天鵝出鏡；駿懋銀行（Lloyds）以黑馬彰顯實力；連鎖唱片行HMV的商標是一隻小狗聽著留聲機。如今，倫敦博物館則有鴿子坐鎮。

鴿子與倫敦的愛恨情仇

館方將鴿子形容為「倫敦生活中公正、謙虛地觀察者」，更在官網上寫了篇長文，以一千年前為起點，細細爬梳鴿子與倫敦的親密關係，從早期市政廳和特拉法加廣場（Trafalgar Square）的餵鴿熱潮、野鴿「沒孩子」的都市傳說、賽鴿化身空氣污染監察員，寫到博物館藏及藝術品中的鴿子身影——從羅馬雕像、維多利亞時代的情人節卡片，再到肯辛頓荷蘭公園（Holland Park）裡藝術家Jacob Epstein的鴿子雕塑等等，超級詳細，目的是為了解釋鴿子作為倫敦博物館識別的適切性。

公布全新形象之際，倫敦博物館寫道：「數百年以來，鴿子見證了這座城市的生活，不管你是愛是恨，鴿子早已是倫敦的一部份。」館長Sharon Ament也解釋，倫敦歷史悠久，如今的樣貌充滿二元性，「是座堅毅（grit）與光彩（glitter）並存的城市，」或許可延伸理解為傳統與當代、經典與新潮等特質兼蓄，而新識別幽默轉譯了倫敦的複雜性。

另一方面，Uncommon Creative Studio的聯合創辦人Nils Leonard則說：「我們不僅想為博物館提供新的形象，也想替倫敦本身找到一個新的標誌，一個誠實、奇異的象徵。」鴿子正好符合了這項需求，且無論個人喜歡與否，牠的確與倫敦脫不了關係。

鴿子真能象徵倫敦博物館和倫敦嗎？

最後，讓我們繞回倫敦博物館和Uncommon Creative Studio前期舉辦的市場調查，當時焦點小組表示，倫敦博物館在2008年啟用的識別，「現在已不受歡迎，不能代表我們的身份（identity）和渴望達成的目標（aspirations）。」

那新版的鴿子識別，是否真能反映倫敦？網友的反應兩極：支持者認為鴿子與倫敦的關係能直觀感受，融入識別是點睛之筆，設計具當代感又幽默；反對派則吐槽這是愚人節玩笑嗎？鴿子只會製造混亂、傳染疾病，並不是正面的象徵，甚至對日常生活帶來困擾。你認為呢？

從時下風靡的人氣IP角色到流行視覺，你是否曾不解這些「醜」東西「美」在哪裡？然而，當完美變得唾手可得，瑕疵是否反而成為一種真實的證明？當秩序與理性不再是唯一標準，又是否仍需要遵守既有的設計規則？在平面設計師廖小子、葉忠宜與視覺藝術家Sydney Sie眼裡，New Ugly不只是單純的風格選擇，更是一場關於審美邊界與時代情感的再思考。

2017年，日本平面設計師高田唯為日本平面設計協會（JAGDA）設計年鑑封面。近乎童稚的線條與不加修飾的構圖，在一向講究秩序與完成度的日本設計圈引發兩極評價：有人質疑其粗糙與失序，有人則看見其對規範的鬆動與挑戰。「New Ugly」這個原本帶有揶揄意味的詞彙，也因此再度浮出水面，並在近年的平面設計實踐中，悄然掀起一股新的審美風潮。

與過去強調秩序、留白與理性的設計語言形成強烈對比，New Ugly常見以高飽和的撞色、幾何圖形的堆疊，以及手繪插圖與符號的並置為特徵，甚至刻意保留未修乾淨的痕跡與不合常規的排版。它們看似混亂，卻依然可讀；看似粗糙，卻藏著高度自覺的選擇。這一次，La Vie邀請平面設計師廖小子、葉忠宜與視覺藝術家Sydney Sie，一同分享他們對這股風潮與時代情感的觀察！

Ｑ：最早從什麼時候開始注意到New Ugly？認為它出現的原因是？

 廖小子 
大概是2011、2012年左右。那時我聯想到以前很喜歡的美國設計師David Carson，他會把資訊全部打碎、排版看起來沒有明確主軸，卻依然能讀出視覺訊息。不過，他其實並沒有被歸類為New Ugly。後來我發現，New Ugly的討論與盛行幾乎都集中在亞洲，而且它銜接的是Gen Z的成長背景——社群媒體讓分眾越來越明顯，當每一個人的品味都被放大，就沒辦法再參照所謂的「標準答案」。同時，我們所接收的資訊也越來越碎片化，尤其是有了AI之後，人們已經懶得搜尋，資料真真假假參雜在一起。這些斷片加起來，說好聽點，是對傳統包浩斯以來乾淨、簡單、純潔設計的反叛；說難聽點，就是這個世代已經太習慣破碎的資訊，無法再接受過於單純的畫面，會覺得不夠刺激。

 Sydney Sie 
我大概也是2010年之後知道New Ugly這個詞。現在搜尋「New Ugly」，第一個出現的幾乎都是高田唯。我曾去聽過他的講座，過程中他分享自己如何從生活中觀察細節，再把那些細節轉化為創作。他說了一句讓我印象很深的話：「有沒有打動自己，比別人喜不喜歡更重要。」
社群除了讓一切變得更小眾，也讓人們開始對過度精緻的東西感到疲倦。Instagram剛開放自製濾鏡時，大家都在追求精緻、修飾過的效果，但這幾年Y2K、CCD復興，反而流行開閃光燈、保留粗糙與真實的畫面。它其實就是一種缺陷的美——人們已經不再追求完美。另外，我覺得疫情也是一個關鍵轉折。疫情讓人突然失去對生活的掌控感，於是大家開始擁抱缺點與脆弱。那段時間身心靈、水晶、星座爆紅，正是因為人們被迫往內探索，也暫時隔離了外界對「美」的定義，重新思考自己真正想要什麼、想挑戰什麼。

 葉忠宜 
從歷史脈絡來看，我查到New Ugly這個詞早於2007年就出現在英國《Creative Review》雜誌，不過當時其實是用來diss某些風格。學院體制創造出所謂的學院派，從包浩斯到瑞士國際主義，都在擁抱秩序、擁抱完美，但到了80、90年代，歐洲新浪潮傳到美國後，舊金山灣區也誕生了許多實驗性的設計。當時美國社會抗議事件頻繁、左派興起，「反設計」某種程度也是對階級與威權的對抗。除了庶民設計師，許多設計大師也從那時開始擁抱時代的瑕疵。例如在照相排版時代，粒子原本被視為不能容許的缺陷，但田中一光的海報卻經常刻意保留粗粒子，擁抱時代工具特有的質地。那一代的設計師其實一直在思考：瑕疵究竟可以如何被運用？我覺得這些都可以被視為New Ugly的前期發展。

Ｑ：自己會怎麼定義 New Ugly？與反美學、反設計的異同之處？

 Sydney Sie 
我會把New Ugly視為一種高度自覺的選擇。它不是不好看，而是對美醜標準的重新定義。不過我覺得它和反美學不太一樣。反美學比較像是刻意與主流保持距離，某種程度也接近「非主流」，只是非主流往往帶著一種被排擠的意味；New Ugly 則不同，它更像是「我知道規則、也理解什麼是完美，但我選擇挑戰它」。現在一張精美的AI圖隨手可得，「完美」反而開始變得廉價。所以回到New Ugly，我覺得它也在定義什麼是「人」——你會看到缺陷、不完美，這些是AI做不出來的；你需要對人性有一定的理解，才有辦法做出這樣的嘲諷。

 葉忠宜 
我以前教課的時候常說，審美的歷史發展大概可以分成4個不同階段。首先，人們會明確定義「美」是什麼；接著會定義「醜」，因為並不是美以外就是醜，那是不同的邏輯；再來，會思考「美可以如何昇華」；最後一個階段，也就是我們正在經歷的：「醜，可以被挑戰嗎？」我覺得New Ugly就是在處理這件事情。
庶民日常中那些不完整、雜亂、被視為庸俗的元素，本來就充斥在生活裡，只是過去設計師會刻意排除它們。它跟反設計（Anti-Design）本質上其實很接近，但要討論的是，它是從設計師的視角出發，還是從素人主義出發。在被定義為New Ugly之前，這樣的風格難道就不存在嗎？其實不是沒有，只是大家不知道該怎麼定義，它們也長期被壓抑著。而現在這股思維慢慢被推向主流，成為一種形式；但在形式之前，許多設計師其實是在反秩序。

 廖小子
對我來說，反美學比較像是刻意站在對立面，直接將某種風格視為「醜」，然後選擇站在與美相反的位置。不過我覺得New Ugly並沒有認為傳統設計一定是錯的或醜的，它更像是在重新檢視設計，鬆動閱讀規則、用色規範與構圖邏輯。事實上，它可能看起來是在亂排，卻還是能被讀懂。於是你會開始思考：在這個資訊接收度不斷擴大的世代，以前的設計規範是否還能完全適用？我們是否一定要遵守既有的標準？那些規則是不是可以被挑戰？我覺得New Ugly比較是在討論這些問題。

Ｑ：在過往的創作經驗中，是否曾受到 New Ugly 的影響？

 Sydney Sie 
我其實很難說New Ugly有沒有被我內化，或是它影響了我多少，不過對我來說確實有一個轉變。以前我的攝影作品比較精緻，構圖端正，所有元素都在水平線上，但生活中其實一直都會拍一些開閃光、過曝的照片，只是我不會把那些當成作品；現在，我對審美的標準放得更寬，也更願意接受粗糙感。我開始認為，只要是經由我的手，即使是生活的隨拍，也可以成為作品。
近期我在京都ddd gallery展覽的海報，就刻意保留了Photoshop的選取虛線。我把一張嘴巴、牙齒的照片挖空，但沒有把路徑修乾淨。在AI盛行的時代，這種未完成、甚至像錯誤的痕跡，反而成為人類存在的一種證明。有時候，幕後花絮甚至比正片更吸引人。

 廖小子 
我其實不太會特別去注意任何風潮。我一直都是從生活裡取樣，把路邊看到的東西拿來用，腦中的點子庫也是這樣累積的。像我的Instagram有一系列動態精選「城市毒瘤」，專門拍城市裡那些「必叉」（pit-tshe）的角落， 我常常從那些地方思考，怎麼把它們轉化進作品裡。至於New Ugly有沒有影響我？我覺得近代確實更著重個人特質與群體風格，但我們所做的其實都是原本就一直在做的事情，只是現在更被容許呈現出來；不管是庶民元素、過曝照片，或是藝術與設計的結合，這些本來就存在，只是大家看待這些東西的品味變得更寬了。我反而相信這是一種群體演進的過程。就像疫情時大家會轉向心靈探索，每個時代全人類都會面臨某種共同的趨勢，並不約而同產生類似的反應——而設計圈把它歸納為New Ugly。

 葉忠宜 
與其說內化到創作裡，我比較像是用逛美術館的方式，在學習欣賞這些物件或設計。我喜歡分析人類，所以我會去思考：它和社會脈絡產生了什麼關係？為什麼會出現這樣的形式？我去日本念書時，花了很多時間探究當代藝術；回台灣後，我把那種對形式與脈絡的思考帶回設計。對我來說，藝術與設計其實都在追求某種「真理」，而New Ugly則可以成為一種手段。它雖然從形式出發，但真正專注的往往是社會的「共感」。當那些來自日常、甚至被視為庸俗的物件進入作品時，人們可以先連結到某種社會經驗，進而產生情感上的價值。我覺得這也是New Ugly很重視的一部分——情感的價值。

我推的New Ugly

葉忠宜推薦：Bráulio Amado
因為New Ugly會擷取每個地方養成的在地通俗文化，所以我會去想像：如果在離我們很遙遠的國度，用這樣的形式長出來的視覺會是什麼樣子？在葡萄牙的話，對我來說就是Bráulio Amado手中的樣子。他常運用帶點模糊感、像Photoshop特效般的視覺效果，我超愛的！

葉忠宜
平面設計師、卵形設計工作室與重本書店主理人，畢業於日本京都藝術大學研究所藝術表現專攻。曾統籌製作華文圈首本字體設計專業雜誌《Typography字誌》，並於2023年入選AGI 國際平面設計聯盟。

廖小子推薦：ddd.pizza
我滿喜歡ddd.pizza負責人及藝術指導張溥輝，他早期的作品很有New Ugly的味道。他用新細明體做的坂口安吾《白痴》再版書封，讓我印象很深刻。

廖小子
本名廖俊裕，畢業於高雄師範大學視覺設計研究所，現為「小子藝術製作有限公司」主理人。創作橫跨藝術、書籍與唱片封面、展場設計與視覺識別，擅長從台灣草根文化汲取養分，轉化為個性鮮明的台式美學。

Sydney Sie 推薦：Daniel Johnston
美國創作歌手、視覺藝術家Daniel Johnston長期與心理疾病抗爭，他的創作幾乎都在地下室完成，專輯封面也幾乎全是親手繪製，看起來 像是小孩子的隨手塗鴉。雖然他未必會被歸類為New Ugly，但這樣的創作方式，本身就是一種反體制。

Sydney Sie
本名謝昕妮，視覺藝術家。畢業於臺灣科技大學，主修平面設計與資訊設計。擅長運用設計、攝影與動態影像呈現創作，把玩錯視、超現實構圖與符號語言，作品活躍於國內外各大視覺與藝文平台。

更多精彩內容請見La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》

2025大阪世博吉祥物脈脈，從初登場被罵翻到周邊賣翻，甚至在世博結束後仍沒有退場，獲選日本2025流行語大賞、登上紅白歌合戰，2026年持續出席各大節目和活動，還推出首本寫真集。這是黑粉才是真粉的魔力，還是圈粉的奇蹟？從La Vie編輯的親身入坑經歷，以及日本京都平面設計藝廊ddd gallery、3位台灣創作者的視角，剖析脈脈「越看越討喜」的獨特魅力！

➣本文選自La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》，更多精彩內容請點此

如果入坑也有五階段，那我之於脈脈應該是：吐槽、搜尋、習慣、否認、沉迷。

脈脈由日本繪本作家山下浩平設計，從1,898份作品中脫穎而出、獲設計師原研哉領軍的審查團青睞，於2022年3月22日首次公布於大眾眼前。山下浩平以TEAM INARI團隊設計的2025大阪世博logo為基礎，並結合大阪「水都」形象，設計出由細胞（紅色，可分裂）與水（藍色，可變形）組成、沒有固定形態的吉祥物。名字則來自向大眾的公開徵件，在33,197件提案中，共有2位都提出了「脈脈」（ミャクミャク），概念各有異同，包括動脈和靜脈、以連續音節象徵生命脈動持續，卻都緊扣該屆世博的主題「生命」。

已經不記得第一次知道脈脈是什麼時候，但開始「認真」面對它，是在2025年初雜誌決定要做大阪世博專題時。當時找任何資料都會反覆看到這隻神祕物種，實在是覺得長得滿噁心，還曾用過「不吉祥的吉祥物」、「奇怪的海底生物」形容它。我也被脈脈「惹毛」過，世博線上票務系統的使用者體驗已經夠不直覺，好不容易登記完展館預約抽選，放榜時竟全數落榜，心情很差之際看到APP圖標的脈脈，那個違反生物體工學的超上揚嘴角，絕對是在嘲笑人。

多變形態竟越看越順眼！？

第一次讓我覺得脈脈「怎麼好像變合理了」的開端，是一張同事從日本傳來的脈脈下水道孔蓋照片。當時世博還沒開幕，但脈脈已開始攻占街頭。官方脈脈通常都是站立、雙手托著紅色圈圈，但下水道孔蓋上的脈脈放下雙手，呈現在水中漂浮的感覺，突然覺得這樣相對「奔放」的姿態，連帶讓它的誇張表情與怪異造型對味許多。

之後為了搜尋國家館資訊，發現世博官方Instagram有推出「脈脈日記」（ミャクミャクの日記）系列短影片，脈脈以人偶裝的「本尊」登場，前往各國介紹國家館。它在瑞士一直牽著《阿爾卑斯山的少女》主角小蓮的手、在澳洲和無尾熊和蛇玩耍⋯⋯，日常的事情脈脈做起來就顯變態，而這詭異的衝擊感，在反感以上好感未滿的區間，打中了幽默的好球帶。

網路上都流傳，「入坑否定期」是被圈粉的最後一關。我想這個時期，就發生在看到世博官方商品的動態廣告時，人偶裝脈脈邊跳舞，邊鼓吹大家「買吧！買吧！」圓潤外型搭配謎樣舞步，實在是可愛到讓我懷疑自己的品味變差了（笑）。

直到2025年4月13日大阪世博開幕日，到了現場看到東門歡迎跪姿、西門張開雙手的兩座巨大脈脈雕像，加上現場真的有人會「跪著跟脈脈拍照」、穿戴各式各樣脈脈周邊的嘉年華氛圍，都讓脈脈成為一個「看到它會心情很好」的存在。終於放棄抵抗，開始承認入坑（以及懺悔之前的壞嘴）。

超越喜好的識別度與延伸性

從黑粉轉為真粉，我甚至在去年不斷對別人說：脈脈是我心中2025年最強的branding。首先，不論對大阪世博了解多少，大眾通常都知道脈脈、知道這屆世博就是紅色和藍色。這是超越喜不喜歡的認知度，當然脈脈初期被罵翻的討論度，無疑也是種「助攻」。接著實際去到現場，會驚訝於脈脈強大的「延伸性」：藍色、紅色、細胞、水、眼睛，極其簡單的元素，透過不同的色彩系統、造型變化、排列組合，做成會場所見所有延伸製作物和周邊，每一個長得都不一樣，卻又可一眼辨識其一體性，是大家識別、記得大阪世博此一品牌的功臣。

其實我並非每一個形態的脈脈都喜歡，最得我心的還是人偶裝版本。脈脈人偶裝是客觀地相當笨重，不論是靈巧如世博閉幕式和舞團Avantgardey的刀群舞，還是笨拙如敬禮會撞到凸出來的肚子、穿過窄巷時因為紅色圈圈太大得「華麗側身」，一舉一動都帶有自然喜感。

許多日本吉祥物的設定並不會說話，但脈脈是會說話的，出席流行語大賞頒獎典禮等相對嚴肅的場合時，不說話時手舞足道，說話時又是無可救藥的正向天然呆。實在是佩服扮演脈脈的人，以及設定要如何扮演脈脈的人，任何時地都能精準地詮釋同一人設。拜社群演算法所賜，直到現在我都仍很享受看脈脈出席活動的「飯拍」。

說到底，設計要做得「美」或許不難，Pinterest上其實就充斥著各種美麗的reference。而一個設計的成功與否，美不美、喜歡不喜歡也並非唯一準則。因為寫這篇文章，才發現原來我在討厭脈脈的時候，就對它有這麼多的（負面）情感。總有一說「黑粉才是真粉」，在愛上以前總得先有情感。

日本&台灣創意人怎麼看脈脈？

京都ddd gallery｜久保昭子
不愧是大阪！我想為這個充滿視覺衝擊的外型送上掌聲。被形容為噁心又可愛、並逐漸累積人氣的脈脈，不僅為社會帶來話題，也成功地達成了作為大阪世博象徵的角色任務。

京都ddd gallery｜森﨑陵子
「喔，做得不錯啊。」這是我第一次看到脈脈時的感想。它並非單純可愛，也不像是會被所有人接受的設計，卻能夠吸引人心。我從中感受到一股兼具未來與在地、神聖與世俗的雙重魅力。

京都ddd gallery｜谷川夏樹
儘管社會輿論褒貶不一，但就我個人而言，鮮明的色彩與風格強烈的造型，讓我覺得非常「大阪」，因此相當喜歡。這也讓我想起奈良縣的吉祥物「遷都君」（せんとくん），一開始同樣遭受嚴厲批評，卻在之後逐漸獲得人氣。

大象設計｜潘岳麟
脈脈最厲害的是，它不是固體，而是由水和細胞組成，可以變化成各種形態，很聰明地延伸為世博現場的製作物、指標系統、商品等。且它的紅色圓環太獨特，任何聯名角色一套上都立刻成立。我也很喜歡山下浩平的創作理念，脈脈的尾巴有1顆眼睛，是呼應太陽之塔有1張臉在背面。我覺得他用了很平易近人的方法，去致敬和傳承1970大阪世博。

ONE.1O Society｜牛子齊
脈脈一開始登場時我內心確實「哎額～」了一下，但放在日本這個吉祥物強國，其實相當合理。世博是短期卻具高度代表性的國際事件，角色必須有記憶點而非長線深耕。脈脈帶點詭異的魔性魅力，加上豐富又限定的周邊設計，只能說日本真的太會玩吉祥物了。

插畫藝術家｜Johnnp
我是太陽之塔的忠實粉絲，心中一直思索，這次大阪世博的角色設計要如何超越前人。雖然脈脈的日文發音有些拗口，但從最初 2D 視覺公開時，這詭異又吸引我的造型，令我去查閱了其評選過程。隨著 3D 造型公布、限定商品推出，以及與三麗鷗角色聯名，我對它的喜愛日益加深。住在奈良的朋友也送了我一套貼紙，我將它貼在包包上，每天一起出門。

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴
圖片提供｜各單位}

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