德國Vitra設計博物館即日起推出《Nike: Form Follows Motion》特展，展期至2025年5月。這是Nike品牌史上首個全面性的博物館展覽，也是Nike品牌典藏庫「DNA」首度公開展示文物，展覽將以品牌五十多年來的設計歷史為核心，並深入挖掘其帶來的文化影響。

深入Nike五十多年來的設計歷史

自1972年成立以來，Nike不僅是全球運動品牌龍頭，也是當前最大的服飾公司，年收入超過500億美元。而Nike在商業領域的成功，歸功於其豐富的設計文化——創新的材料、高度機能性、大膽的視覺語言，都是Nike的代名詞；數百位來自材料工程、生物學與人體力學等領域的專家協力研發，造就了品牌的專業形象。

《Nike: Form Follows Motion》由Vitra設計博物館策劃、策展人Glenn Adamson主導，展覽將聚焦Nike的設計歷史，帶領觀眾從品牌草創時期，一路走到當今盛世，展出包含「Swoosh」標誌的設計過程、經典產品Air Max與Flyknit等。

展覽策展人Glenn Adamson表示：「在過去50年中，運動不僅在賽道和球場上影響了我們對人體的看法，也影響了性別角色的概念。《Nike: Form Follows Motion》將展示Nike如何推動這些變化，從初期強調產品機能，到近期更注重多樣性與包容性，藉由研究Nike的設計策略，我們得以洞察更廣泛的文化背景。」

Nike典藏部門「DNA」文物首度展示

在本展覽中，Nike首度公開展示品牌典藏部門「DNA」（Department of Nike Archives）的精選物件。「DNA」共收藏超過20萬件品牌文物，像是Waffle、Air Force One、Shox等鞋款的實驗階段原型，以及許多服飾的原始設計手稿，都將於《Nike: Form Follows Motion》展出。

展覽也特別強調內部設計師如Diane Katz、Tinker Hatfield和Eric Avar等人，以及外部合作對象如Marc Newson、Comme des Garçons和Virgil Abloh的創意貢獻。除此之外，也不吝呈現運動員自身經驗與需求在設計過程中所扮演的至關要角。

《Track》回顧品牌的起點

展覽分為四大子題，第一部分《Track》深入探討Nike最早期的歷史。當時，Nike的員工和顧客多半都是業餘跑者和大學運動員，也有少數職業運動員幫忙宣傳品牌。早在這個時期，Nike便確立了品牌最重要的理念之一：永遠傾聽運動員的聲音。這一展區將介紹一些早期的品牌故事，例如聯合創辦人Bill Bowerman在自家廚房開發出第一款Waffle大底，以及美國民權運動時期的黑人女性運動員、田納西州立大學「Tigerbelles」隊伍的故事。

《Air》從田徑走到街頭文化

第二部分《Air》聚焦於1980至1990年代，當時Nike陸續與明星運動員如Michael Jordan、Serena Williams和LeBron James合作，在流行文化中樹立了重要地位。其產品類別從田徑擴展到籃球、網球、足球、滑板等運動，並巧妙結合街頭風格，廣受大眾喜愛。

1987年，Nike首次透過Air Max公開展示內置氣囊技術，為運動鞋提供緩衝作用，卻又不增加任何重量負擔。這項技術開啟了Nike設計史的新篇章，而本區將展出眾多關於Air氣墊技術發展的資料與物件，包括由工程師Frank Rudy設計的氣墊原型及測試機器。

《Sensation》探索創新技術與無限潛能

第三部分《Sensation》帶領觀眾深入Nike運動研究實驗室，探索品牌幕後的研發工作。自1990年代以來，Nike專注於提升運動潛能，開發出如模擬赤足跑步的「Nike Free」，以及為突破馬拉松兩小時大關而設計的「Vaporfly」。展間不僅呈現創新技術如「Flyknit」所帶來的影響，也探討Nike在永續性、環境倫理、循環製造方面的努力，如回收材料計畫「Nike Grind」等。

《Relation》與外部創意合作突破自我

最後的展區《Relation》則聚焦於Nike與外部設計師、運動員及大眾的合作，包含Nike歷史上的50個代表性鞋款。除此之外，也透過影像和社群媒體內容來展示Nike之於流行趨勢的重要性，反映出身體、健康、多樣性、平等性，以及不斷突破自我界限的深層追求。

《Nike: Form Follows Motion》目前已於德國Vitra設計博物館登場，展覽期間也將有一系列運動與設計主題的活動、工作坊。在展期結束後，《Nike: Form Follows Motion》也將巡迴至世界各地的博物館展出。

《Nike: Form Follows Motion》

展覽日期｜2024.09.21至2025.05.04
展覽地點｜Vitra Design Museum

更多展覽資訊請見Vitra Design Museum官網。

以設計實驗性建築聞名的英國建築大師彼得．庫克（Sir Peter Cook）在台北當代藝術館帶來「山／市—彼得．庫克個展」，本次展出2件現地裝置與13件數位版畫作品，以《秘密街道》與《共融地景》兩個端點展開，呈現庫克在多次造訪臺灣之後，深入島嶼內部，以一系列混合建築的隱喻，描繪對未來臺灣的想像。展覽自6月21日至8月10日於MoCA Studio當代實驗展場展出。

透過手繪探索建築的邊界

彼得．庫克是英國建築團體「建築電訊」（Archigram）的創辦人之一，他最廣為人知的建築作品，當屬位於奧地利格拉茲，被暱稱為「友善的外星人」的格拉茲美術館（Kunsthaus Graz）。庫克的繪畫創作與他的建築設計密不可分，他透過手繪來探索建築的邊界，並在圖紙上以繽紛的色彩、富有想像的構圖創造另一種看待未來城市的方式，這種創作方式不僅豐富了他的建築實踐，也對建築界產生了深遠的影響。

充滿裂縫與幻想的「山／市」地景

臺灣可以從兩個面向來觀察：西部地區由一連串繁華密集的城市構成，高樓林立、道路縱橫，資訊與資本在此迅速地流動。相比之下，東部連綿起伏的山脈則呈現出截然不同的風貌，原始而寧靜的海岸線蜿蜒綿長，低聲地訴說著另一種生活節奏與時間感。若將視線自平原延伸向內陸，可以看見湖泊，與地震留下的深刻裂痕錯落其間，在這樣一個地景多變的土地上，人們的潛意識也不自覺地受到地貌的牽引與塑形。

本次展出的現地裝置作品，源自藝術家對這一現象的長期思索。作為一位來自歐洲的創作者，彼得．庫克在多次造訪臺灣之後，感受到這片土地的氣息悄然滲入他的創作想像之中。於是，在近期的繪畫實踐裡，他將觀察到的矛盾轉化為一個充滿推想與想像的場域。

呈現城市的雙重面貌

作品從兩個端點展開——《秘密街道》（Street of Secrets）與《共融地景》（Inclusive Landscape），呈現城市的雙重面貌，一方面反映人們對交流與連結的渴望，另一方面則展現了當代文化語境中勇於冒險的姿態。

「街道」（Street）是作品中反覆出現的元素，蘊含著模糊與曖昧的層次。而「都市化森林」（Urbanized Forest）這個概念，更指向一種深邃而神秘的變異。因此，當我們凝視這條「街道」，也像是朝向一座金碧輝煌的「希望之殿」前行，儘管旅程充滿裂縫與曲折繞行。

開展對未來可能性的思考

從另一個方向望去，在看似「自然」的景觀中，時而出現怪異的隆起物，以及突然插入的物件，大概是某種建築、裝置，或各種機械設備吧？也許這兩種景觀彼此交融，甚至相互滲透轉化？本次展覽試圖透過一系列關於混合建築的隱喻，描繪對未來臺灣的想像：深入島嶼內部，探究製造與科技的奧秘，同時挑戰並探索由此激盪而生的種種可能。

彼得．庫克即將訪台

值得一提的是，彼得．庫克將於7月12日（六）下午親臨台北當代藝術館，與田中央聯合建築師事務所建築師黃聲遠進行一場精彩對談。該場講座由當代館與忠泰美術館共同主辦，並邀請忠泰美術館總監黃姍姍主持，帶領觀眾走入兩位建築師的世界，聽聽庫克的紙上想像與黃聲遠如風般自由的建築語言，如何共同勾勒超越建築框架的島嶼風景。

「山／市彼得．庫克個展」
展期：2025/6/21(六) - 8/10(日)
展覽地點：台北當代藝術館實驗展場MoCA Studio 
參展藝術家：彼得．庫克（Sir Peter Cook）
更多資訊請見展覽官網  

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}

勤美術館2025夏季展《Net & String Taichung》將於6月20日至11月2日展開。來自奧地利維也納、活躍於概念藝術與空間實驗領域的設計團體 Numen / For Use，首度來台展出，以全球巡迴經典〈Net〉與〈String〉系列全新版本，量身打造勤美場域限定的裝置創作，為台中城市注入一場體感與結構交織的當代藝術實驗。

奧地利維也納Numen / For Use團隊首次登台

團隊 Numen / For Use 成立於1998年，由斯帆．瓊克（Sven Jonke）、克里斯托夫．卡茲勒（Christoph Katzler）和尼古拉．拉德利科維奇（Nikola Radeljković）三位工業設計師共同創立，活躍於概念藝術、舞台設計、空間與家具創作等領域。以極簡主義出發再加入實驗與創意，長年致力於探討觀眾、身體、材料與空間之間的詩性關係，並模糊建築、雕塑與舞台之間的界線。

量身打造兩件沉浸式互動裝置

策展人卡茲勒與團隊於2023年9月即開始本展合作的前期溝通，也於奧地利進行多次技術模擬，歷經形體測試、材質拉力調整、視覺範圍校正，最終得以精準安裝於勤美術館的挑空區與室內樓層之中。卡茲勒表示：「這次的創作不是單純展示兩件作品，而是讓它們融合成一個連續的感官旅程。參展觀眾先在《Net Taichung》裡解放身體，以兩層繩網構築出懸浮的平台，線條極簡卻富含動能，觀眾可以實際走入、穿梭其中；再於《String Taichung》中沉浸視覺，將日常的素材賦予全新意義，再從解構與重組間得到轉化。」

他也強調這是團隊迄今最大規模的空間裝置嘗試，特別挑戰在精準限制的室內場域中完成作品。卡茲勒更表示欣賞台灣人的幽默感，儘管跨文化的溝通一定會有困難，但自己也非常喜歡這次與勤美術館的合作，這場冒險與嘗試很值得。

《Net Taichung》：穿梭、躍動、伸展於空間之中

勤美術館入口處如脈動般的線條是《Net Taichung》重要的創作靈感，這些富有動態與光影的建築元素，戶外大樓梯與岩板牆面正如同大自然中丘陵般起伏的形狀，使人與空間對話。作品以張力懸吊在空間中的網狀結構，更猶如可行走於其內的立體畫作。策展人卡茲勒也表示：「單就《Net》系列來講，《Net Taichung》是我做過最大的一件。」

《Net Taichung》柔軟而靈動的結構體，將隨著觀者進入其中的腳步而變形。這件以充氣結構張力作為支撐基礎的網狀裝置，無需額外支架，即能自成穩定結構。其外膜不僅能充當「柔光箱」豐富視覺層次。觀眾可穿梭其中、躍動、伸展於空間中，感受結構隨行進而律動，更成為作品的一部分。

《String Taichung》：立體且沉浸式的極簡藝術

《String Taichung》的靈感則源自勤美術館屋頂的斜線格柵，平行輪廓的反覆出現，正好啟發了編織繩線的三維線性空間。緊繃的繩索穿越空間，如同一座可穿越的社會雕塑。坐落於勤美術館地下1樓層空間，張力繩索結構創造出一種懸浮、輕盈卻又極具力量的體驗。

《String Taichung》的線條是一組立體且沉浸式的極簡藝術；觀者可實際在被繃緊的繩索網旁探索，猶如置身於未定義尺度的空間迷宮。身體位置與方向感變得模糊，觀者將產生「它是虛擬的」的感覺，又因是質材創作而帶出真實感，體驗的雙重情境，如同超現實主義的夢境拼貼。

展場音樂設計加深沉浸感

而為深化展覽的沉浸感，本展特別委託蔡瑋德(Nick Tsai)原創音樂設計。創作以模組合成器製作聲響，融入「頻率組成」與「空間分佈」兩大聲音元素，分別對應作品的有機流動與張力線構。觀眾先行聽見開放明亮的環境音，引導出對結構與空間的想像後；音樂再轉為多層次的頻率律動與留白長音，建構出如置身生命體或結構網格間的聽覺場域，讓身體與聲音同步遊走於裝置之中。

0km美術館商店選品呼應編織主題

另外，0km美術館商店也推出「Weaving the Future 編織未來」選品企劃，聚焦於編織結構與材質創新的多元可能。集結國內外設計品牌與藝術創作者，從織品工藝出發，探索編織作為建構空間與觀點的媒介。nafl設計品牌「＋10・加拾」以《葛飾北齋》為主題的限量襪品系列，結合和紙纖維與墨染技法，演繹經典波紋；針織藝術家黃郁媚則透過手工Plisse Knit Bag，展現織品與身體、空間的深層連結；克羅埃西亞家具品牌Prostoria精選Numen/For Use經典家具作品，如Buffa、Toggle 與 Polygon 等桌椅；更與ohnoki設計品牌聯名推出0km限定黑白雙色展覽飲料杯掛繩，作為參與者與展覽之間的記憶編織物件。

小小樹食推出本展限定新品

小小樹食美術館店也特別推出本展限定新品，將展覽空間與結構意象延伸至味覺體驗。甜點「浮影」透過焙茶白巧甘那許、黑芝麻杏仁蛋糕與竹炭奶油霜層層堆疊，再以桂花清酒凍創造晶透視覺，呼應展中光影與結構交織的空間體驗。飲品「南國博士」則以博士茶與紅豆、豆乳、藍莓調製，象徵人與人之間流動與交織的網絡，呼應展覽以身體作為介質參與空間的精神，體現藝術、食物與感官的共鳴連結。

《Net & String Taichung》
展覽日期：2025/06/20(五)～11/2(日)
地點：勤美術館（台中市西區館前路79號）
展覽場次（須線上預約場次及購票）

_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}