2024臺北美術獎結果公佈，本屆342件徵件中共有10組入選，由邱子晏《曼德拉記憶》獲頒首獎，入選作品展覽也同步於臺北市立美術館開幕，即日起展至2025年3月2日。

臺北美術獎長年以來持續觀察展覽趨勢觀點，提供當代創作者具能見度的發聲平台，進而促動藝術生態開展多元向度。今年，評審團由館內外委員組成，分別為胡永芬、徐文瑞、姚瑞中、游崴、蔡明君、簡正怡、余思穎，評審團主席胡永芬表示，從投稿作品中，能明顯地看見青年創作者們多元多樣的關注方向，以及越見鮮明強烈的風格面貌，從形式到議題，都極其豐富；並可從中觀察出，藝術家們明顯地以大量的影像流動作為敘事主軸。

2024臺北美術獎 首獎作品

邱子晏《曼德拉記憶》

《曼德拉記憶》以藝術家在臺南認識的一名老翁鄭添文的口述歷史為背景，探討大眾對戒嚴時期的虛構集體記憶。邱子晏在展間中製作了一座鏡面騎樓，試圖在美術館的白盒子內搭建出額外的空間，搭配刻意的聲光設計，將鄭添文的曼德拉記憶（聲稱與其兄為1947年臺北私菸查緝事件的現場見證者）與黃榮燦的版畫《恐怖的檢查──臺灣二二八事件》相互交織，呈現一段表面上符合畫中場景的虛構情節，試圖在歷史與個人記憶之間進行辯證和相互註解。

2024臺北美術獎 優選作品

何彥諺《睡眠大廈》

在社運與疫情期間，何彥諺感受到社會上總是存在者一股無形的集體潛意識。研究過程中，藝術家意外發現基隆港潮位與人腦深層睡眠擁有相似的波形圖，也因此逐步串起神經生理與海洋科學兩種尺度落差極大的現象，並進一步援引自己兒時的居住空間，將之視為群體精神意志的延伸，提出「以人體腦波解讀潮汐規律」的假設，透過兒童至青少年階段好發的「夢遊病症」，將微小的個人意識和社會氛圍連結起來。

林彥翔《迫降》

從小在桃園機場旁長大的林彥翔，對於航空城徵收一案印象深刻。面對整片即將消逝的風景，他蒐集居民在搬遷過程遺留下的老家具、磚瓦，試圖續存居民對於土地的共感記憶。藝術家將這些物件拆解、組裝成一台飛機，帶它走過尚未成形的桃園機場第三跑道，再帶它來到展場，以歪歪斜斜的降落姿態呈現；另一方面，也透過重新堆砌牆面、攝影等行動，紀錄下因開發而驟變的農村地貌、居民的離所，以及信仰的遷移。

梁廷毓《斷頭河計畫（2019-2023）》

《斷頭河計畫》以族群衝突歷史中因「獵首」而生的無頭鬼魅為引，將「靈」貫穿作品之中。該計畫一方面以北臺灣淺山地帶的原漢人群交界帶及地域社群作為連結、調查與文化實踐的場域，透過影像、製圖與通靈等方式，關注不同歷史記憶及宇宙觀底下的非人之物；另一方面，則以學術場域的論述生產與研究發表機制作為田野地，以期刊、講述與研討會等形式，試圖回應及反思「藝術研究」在實踐上如何介入學術對於不可知的界限。

張哲榕《父親的有機收藏：天地為棟宇，屋室為㡓衣，諸君何為入我㡓中？》

創作靈感來自於張哲榕自宅、經營舊書店的父親，以及自身病症的關係轉化，透過影像及饒舌創作，將父親的囤積行為、藝術家如何以創作自我治癒，與舊街區的回憶與口述歷史娓娓道來。在創作過程中，藝術家逐漸修復與父親的關係，了解「囤積」是父親維持自在健康的方式，展間中以父親二手書店的書堆疊成書牆，搭配影像、錄像如實呈現父親舒適閱讀的三度空間；同時也隨著藝術家患病時書寫的日記，呈現「有機生長」的創作樣貌。

謝佳瑜《露露藝品社》

早期臺灣代工產業發達，曾經量產過一批外銷歐美的卡通造型的動物擺飾，這些瓷偶多半有著浮誇的妝容，材質以陶瓷及石膏為主。隨著產業型態的轉變，盛極一時的外銷產業也隨之沒落，留下一段破碎的陶瓷藝品歷史。謝佳瑜透過假想《露露藝品社》藝品公司，建構出一條虛擬的生產線，透過幽默詼諧的口吻，從如何生產、精煉最優秀的動物擺飾、報章雜誌的廣告文宣等，企圖在這些無法追溯原型的陶瓷玩偶中，挖掘物件所透露出當時的價值觀點，闡述一段無法被驗證的想像。

2024臺北美術獎 入選作品

阮柏遠《Yes, I’m a Simp. Simply in Love With…》

系列作品借用網路情感關係的另類狀態，從虛擬主播與直播文化，探問當代社會中，人與虛擬形象之間的特殊關係鏈結。藝術家使用社群媒體上帶有憂鬱傾向的「Dreamcore」影像與AI編制而成的文本，關注網路生活中的情感與情緒狀態；同時也運用線上遊戲、VRchat、3D模型、虛擬實境結合網路愛情、虛擬性戀與替身性愛，探索人與數位技術、數位物的關 ，思考流動狀態的網路酷兒與感官身體。

林哲志《一種無重力的地緣想像》

本計畫始於2020年，從那時起，大量和戰爭有關的影像不斷地流傳，戰爭的尺度越拉越高。林哲志認為，人們對於戰爭的感知及理解，都是來自「影像」這個媒介，而他也開始反思，我們是否還有其它路徑可以重新認識戰爭？《一種無重力的地緣想像》是一個從合作走向毀滅的觀展體驗，一開始的錄像，虛構出兩個國家之間的合作關係；〈2024太空漫遊:衛星科幻小史〉以生成式AI的模型來解讀、生成與再次串連衛星發展的歷史圖像，並對「檔案」的建立提出質疑；展場中的三顆衛星裝置，則透過轉譯與再現，重新詮釋歷史上一段太空戰爭。

張辰申《肉身計畫：偏差愛好者》

張辰申形容，自己的展場總是像鬼片場景一樣、很獵奇，《肉身計畫：偏差愛好者》將生理構造與人類相近的家豬骨骸、外皮、頭部、心臟、 血管組織等器官標本，以類醫學博物館的展呈方式，懸吊、擺置於展櫃中，構圖分別汲取《聖經》繪畫中常見的手持剝皮刀使徒圖像，以及傳統山水畫蘊含的身體五行概念，展現出東西方對人類身體觀的思考差異；一旁併置播放豬隻植入人類牙齒的手術紀錄影像，以多重手法探討人豬之間的依存關係、去人類視角完成豬的聖物化與救贖。

張靜雯《容器》

《容器》系列作品以臺灣與東京的公寓風景為主題，以整齊排列的窗戶表達城市中的孤獨與記憶，與疫情時期的不安情緒。其創作契機來自於日本哲學家三木清在《人生論筆記》一書中對於孤獨的詮釋：「孤獨不是在山上而是在街上，不在一個人裡面，而在許多人中間」。城市中窗戶簡潔的排列如同一幅幅特殊的平面繪畫，同時象徵著人們感情的出口與入口，並且在窗戶裡訴說著一個個故事，記憶、孤獨、不安的感情也凝縮在一個個窗戶中。

2024臺北美術獎Taipei Art Awards

展期｜2024/11/14 - 2025/03/02
地點｜臺北市立美術館3A、3B展覽室

公園是大眾熟悉的日常場域，當園區樣式漸成某種模板，我們還能如何重新想像這與城市生活密不可分的「日常樂園」？公園還能怎麼綻放出如樂園般令人感到驚奇、心生嚮往的魅力？

臺北市立美術館（北美館）兒藝中心推出《造公園》特展，以「公園的奇想」為出發點，邀集9組藝術家在館內造了一座「公園」——透過錄像、聲音裝置、立體、複合媒材等多元形式的創作，邀請大小朋友打開想像和體驗「公園」的多重路徑，透過藝術重新凝視這日常生活中熟悉的場域！

親臨展場，除了會看見路燈、涼亭、遊樂器材等熟悉元素的新樣貌，還會挖掘那些過去可能不曾知曉的台灣公園趣事——游泳池常見於20世紀初的台灣公園？台北市區竟有座存有史前遺址的公園？更多有趣的新知和舊事，待你到現場解鎖。

北美館兒藝中心《造公園》陣容

策展人｜王瑋婷

參展藝術家｜石孟鑫、李鈺淇、吳燦政、明白實驗所（李明潔、李欣穎）、倪祥、陳姿尹、陳萬仁、楊雨樵與蕭聖健

從台灣第一座近代公園「圓山園區」出發

北美館地理位置鄰近花博公園，隔著中山北路的圓山園區過去即是台灣第一座近代公園——圓山公園，於1897年對外開放。園區內不僅保存著台灣重要的史前遺址——圓山文化層遺址，亦曾於1915年與1938年先後設立動物園與遊樂園。1977年，台北廣播電台遷入，此地長期作為台北重要的休憩、教育與娛樂場域，在不同歷史階段承載著城市記憶與公共角色。

《造公園》以圓山公園的歷史脈絡為前期研究基礎，透過3個子題：「形狀與感知」、「自然與建構」及「公共性與再想像」，以展覽內容包裹公園所蘊含的多重面向，引導觀眾重新思考人與自然、人與人之間的關係，並在參與及觀看之中，開啟一場與歷史之間的對話。

探索路燈、涼亭、翹翹板的有趣新貌

藝術家將公園中的路燈、遊具、涼亭、球場等元素，凝聚為「形狀與感知」，重新放大那些細微而常被忽略的片刻。石孟鑫的《 （ ） 》與《門燈柱》，將公園常見的黃色圓球柱燈擬人化，讓原本直立的柱體展現出不同姿態，賦予日常物件新的生命與空間意義。作品位於展場入口，散發溫暖的黃光，引導觀眾進入展覽空間，如同踏進公園。

陳姿尹的作品《Light up and down》以翹翹板為意象，隨著光線明暗的變化而產生傾斜，藉此向觀眾提出「光是否具有重量」的提問，喚起人們對城市生活中晝夜節奏，以及光對於身體與情緒所產生牽引的感知。

來自香港的李鈺淇將香港城市的記憶轉化為錄像裝置《遊、樂、園》，透過手繪動畫帶領觀眾穿梭於結合想像的遊樂場、行人隧道與城市角落。

從公園裡的人造自然，尋訪台灣公園往事

公園的設計規劃經常涉及人造自然，「自然與建構」子題探討其中人與自然的關係。陳萬仁的錄像作品《深邃而璀璨的憂鬱》以空拍機視角俯瞰水面，在策展脈絡上呼應1920至1930年代台灣公園相繼設置游泳池的歷史背景。作品在此成為泳者身體與時間交會的場域，重複性的動作亦為觀眾帶來平靜或不安的矛盾感受。

蕭聖健之作《月夜》以機械結構模擬自然聲響，回應科技文明與城市進程對感知經驗的改寫，使觀眾重新意識到自然如何被「重新製造」。

聲音影像裝置《公園》延續吳燦政對城市聲景的長期觀察，透過拍攝公園中不同的樹種，並結合多年累積的聲音地圖，作品中收錄風吹樹葉、蟲鳴、鳥叫與人群交談的聲音，既屬於城市，也承載個體記憶，揭示公園「存於公私領域之界」的空間特質。

在公園裡考古城市歷史

互動區及工作坊的內容，回應了圓山公園的歷史脈絡與史前文化遺址，探討了城市在文化保存與現代化之間的調適與變遷。明白實驗所的《13號兒童樂園》系列作品，以旋轉木馬意象與公園流傳的故事為起點，將舊兒童樂園與其前身「圓山動物園」的文本史料轉譯為影像裝置、身體展演與聲響物件，喚起觀眾心中跨越時間的共同記憶。

言說藝術表演者楊雨樵的《塚》以考古遺跡為靈感，觀眾可將粉筆塊投擲到特製的斜坡屋頂，粉筆在滾動與掉落的過程中發出各種聲響，藝術家將於展期間的演出活動中，如同考古學家般「挖掘」堆積的粉筆，透過遊戲、聲音與歷史的結合，引導觀眾重新感受城市與歷史，以及物質與聲響之間的微妙關聯。

倪祥的《很久以前之後》則以圓山公園的歷史為靈感，邀請觀眾參與互動，將公園常見的元素，如雕像檯座、紀念碑、樹幹轉化為意象不到的體驗方式，讓觀眾重新體驗日常空間中潛藏的奇幻與開放性。

一起想像北美館的未來樣貌！

本展特別設置「靈感草稿：公園設計」與「地底下的美術館，上面的公園」2個創作區域，邀請觀眾發揮想像力，描繪心中理想的公園樣貌。以此回應北美館正以「花博公園美術園區」為基地擴建新館的當下情境——新館的主建築位於地下層，地面則規劃為開放的公園綠地，未來將成為台北都會北區的文化綠色廊帶。透過觀眾參與，展覽得以從展場延伸至對美術館、圓山園區以及城市未來的思考與想像。

《造公園》Imagining a Park

展期｜2026.03.28－08.30

地點｜臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

更多展期間活動與工作坊資訊請見此

3/30更新：去年倫敦 V&A 博物館推出《瑪麗・安東妮風格》（Marie Antoinette Style）展覽，向這位傳奇時尚偶像致敬。如今，該世界巡迴展在日本的唯一一站，也將於今（2026）年8月1日至11月23日於坐落神奈川縣的橫濱美術館登場。

在長達20年的統治期間，儘管最終命運被斷送，但法國皇后瑪麗·安東妮（Marie-Antoinette）其獨特鮮明的個人風格，徹底革新了18世紀的時尚與設計界。華麗粉彩色禮服、高聳假髮，到璀璨珠寶和鍍金家具，奢華優雅風格為皇室氣派賦予全新定義。倫敦 V&A 博物館（Victoria and Albert Museum, V&A）於2025年9月20日至2026年3月22日，推出《瑪麗·安東妮風格》（Marie Antoinette Style）展覽，向這位傳奇時尚偶像致敬。

250件展品看見18世紀宮廷時尚與延伸

瑪麗·安東妮的一生雖短暫，然而其時尚精神卻渲染了好幾個世紀，時至今日依舊是人們津津樂道的話題與靈感，像是已逝設計師亞歷山大．麥昆（Alexander McQueen）的服裝設計，到電影導演蘇菲亞．柯波拉（Sofia Coppola）執導的《凡爾賽拜金女》，無數藝術家都為她所著迷。

《瑪麗·安東妮風格》展覽是英國首度以這位法國皇后為主題的大型展覽，將追溯其風格起源，並探討她如何成為時尚偶像，以及在 18 世紀末所塑造的美學如何影響後世超過 250 年的設計、時尚、影視與裝飾藝術。

展覽預計展出超過 250 件珍貴文物，包含瑪麗・安東妮親自擁有及穿戴的稀有物品，如絲質拖鞋、私人珠寶收藏，以及她生前最後寫下的手札，其中有些更是首次離開凡爾賽宮及法國的珍稀展品。

四大主題，從皇后到時尚傳奇的美學探索

《瑪麗·安東妮風格》依照年份分為四大主題，第一主題「瑪麗．安東妮的風格起源」（Marie Antoinette: The Origins of a Style）將呈現瑪麗・安東妮的生平，展出傢俱、珠寶、服飾、樂器，並揭示她作為王后在啟蒙思想、母職與新科技上的影響。同時也探討「沒麵包吃，那就給他們吃蛋糕」等流傳至今的迷思；展品包括Boehmer and Bassenge鑽石項鍊複製品、皇后專屬字母刺繡扶手椅，以及她在行刑前於祈禱書空白頁上留下的最後字條。

第二部分「瑪麗．安東妮的永恆紀念：一個風格崇拜的誕生」（Marie Antoinette Memorialised: The Birth of a Style Cult）則聚焦其在19世紀掀起的時尚熱潮。19 世紀中葉，在拿破崙三世皇后歐仁妮推動下，掀起大眾對瑪麗・安東妮的浪漫化再詮釋，這一時期，人們將她視為優雅、自由與悲劇的象徵，她的生活被小說、繪畫與戲劇重新演繹，逐漸轉化為藝術與文化的靈感來源。將展出Worth設計的華麗晚禮服，以及攝影師Atget的巴黎影像，展示其形象如何被浪漫化，並衍生出「法式復興風格」在歐美流行。

第三部分「瑪麗·安東妮的魅惑與幻象」（Marie Antoinette: Enchantment and Illusion），聚焦19世紀後期其形象進入奇幻與神話化階段，象徵逃避現實與美感。展出新藝術與裝飾藝術時期的晚禮服，以及 Erté、George Barbier、Edmund Dulac的插畫。

第四部分：「再造的瑪麗・安東妮風格」（Marie Antoinette Re-Styled） 則描述她如何影響當代時尚與流行文化，包括 Moschino、Dior、Chanel、Vivienne Westwood、Valentino 的高級訂製服作品；以及獲得奧斯卡獎肯定，由導演蘇菲亞・柯波拉執導的《凡爾賽拜金女》，電影裡由 Manolo Blahnik 親自操刀設計的戲服與鞋履。

此外，還包括攝影師Tim Walker 與 Robert Polidori 的奇幻攝影作品，以及 Beth Katleman、Victor Glemaud 等當代藝術家的再詮釋，體現瑪麗・安東妮如何持續啟發跨領域創作。

對於本次時尚大展，策展人Sarah Grant表示：「瑪麗．安東妮是歷史上最時尚、備受關注且充滿爭議的皇后，她的名字同時代表著極度奢靡，也象徵著無與倫比的美麗物件與室內設計。本次展覽將探索她的個人風格與核心人物，藉由一系列專屬她的精緻物品，以及受其遺產啟發而創作的華美藝術品與裝飾品。」

重現香水氣味，展開跨時空沉浸式體驗

展覽不僅是靜態展示，也將透過沉浸式舞台設計、多感官體驗再現宮廷氛圍。觀眾可在展廳中聞到根據皇后最愛香氣重現的香水，或近距離觀察她生活日常的小物，從而貼近她的個人世界。當然，紀念品也是不容錯過的部分，目前已可在V&A官網購買查看。