2024臺北美術獎結果公佈，本屆342件徵件中共有10組入選，由邱子晏《曼德拉記憶》獲頒首獎，入選作品展覽也同步於臺北市立美術館開幕，即日起展至2025年3月2日。

臺北美術獎長年以來持續觀察展覽趨勢觀點，提供當代創作者具能見度的發聲平台，進而促動藝術生態開展多元向度。今年，評審團由館內外委員組成，分別為胡永芬、徐文瑞、姚瑞中、游崴、蔡明君、簡正怡、余思穎，評審團主席胡永芬表示，從投稿作品中，能明顯地看見青年創作者們多元多樣的關注方向，以及越見鮮明強烈的風格面貌，從形式到議題，都極其豐富；並可從中觀察出，藝術家們明顯地以大量的影像流動作為敘事主軸。

2024臺北美術獎 首獎作品

邱子晏《曼德拉記憶》

《曼德拉記憶》以藝術家在臺南認識的一名老翁鄭添文的口述歷史為背景，探討大眾對戒嚴時期的虛構集體記憶。邱子晏在展間中製作了一座鏡面騎樓，試圖在美術館的白盒子內搭建出額外的空間，搭配刻意的聲光設計，將鄭添文的曼德拉記憶（聲稱與其兄為1947年臺北私菸查緝事件的現場見證者）與黃榮燦的版畫《恐怖的檢查──臺灣二二八事件》相互交織，呈現一段表面上符合畫中場景的虛構情節，試圖在歷史與個人記憶之間進行辯證和相互註解。

2024臺北美術獎 優選作品

何彥諺《睡眠大廈》

在社運與疫情期間，何彥諺感受到社會上總是存在者一股無形的集體潛意識。研究過程中，藝術家意外發現基隆港潮位與人腦深層睡眠擁有相似的波形圖，也因此逐步串起神經生理與海洋科學兩種尺度落差極大的現象，並進一步援引自己兒時的居住空間，將之視為群體精神意志的延伸，提出「以人體腦波解讀潮汐規律」的假設，透過兒童至青少年階段好發的「夢遊病症」，將微小的個人意識和社會氛圍連結起來。

林彥翔《迫降》

從小在桃園機場旁長大的林彥翔，對於航空城徵收一案印象深刻。面對整片即將消逝的風景，他蒐集居民在搬遷過程遺留下的老家具、磚瓦，試圖續存居民對於土地的共感記憶。藝術家將這些物件拆解、組裝成一台飛機，帶它走過尚未成形的桃園機場第三跑道，再帶它來到展場，以歪歪斜斜的降落姿態呈現；另一方面，也透過重新堆砌牆面、攝影等行動，紀錄下因開發而驟變的農村地貌、居民的離所，以及信仰的遷移。

梁廷毓《斷頭河計畫（2019-2023）》

《斷頭河計畫》以族群衝突歷史中因「獵首」而生的無頭鬼魅為引，將「靈」貫穿作品之中。該計畫一方面以北臺灣淺山地帶的原漢人群交界帶及地域社群作為連結、調查與文化實踐的場域，透過影像、製圖與通靈等方式，關注不同歷史記憶及宇宙觀底下的非人之物；另一方面，則以學術場域的論述生產與研究發表機制作為田野地，以期刊、講述與研討會等形式，試圖回應及反思「藝術研究」在實踐上如何介入學術對於不可知的界限。

張哲榕《父親的有機收藏：天地為棟宇，屋室為㡓衣，諸君何為入我㡓中？》

創作靈感來自於張哲榕自宅、經營舊書店的父親，以及自身病症的關係轉化，透過影像及饒舌創作，將父親的囤積行為、藝術家如何以創作自我治癒，與舊街區的回憶與口述歷史娓娓道來。在創作過程中，藝術家逐漸修復與父親的關係，了解「囤積」是父親維持自在健康的方式，展間中以父親二手書店的書堆疊成書牆，搭配影像、錄像如實呈現父親舒適閱讀的三度空間；同時也隨著藝術家患病時書寫的日記，呈現「有機生長」的創作樣貌。

謝佳瑜《露露藝品社》

早期臺灣代工產業發達，曾經量產過一批外銷歐美的卡通造型的動物擺飾，這些瓷偶多半有著浮誇的妝容，材質以陶瓷及石膏為主。隨著產業型態的轉變，盛極一時的外銷產業也隨之沒落，留下一段破碎的陶瓷藝品歷史。謝佳瑜透過假想《露露藝品社》藝品公司，建構出一條虛擬的生產線，透過幽默詼諧的口吻，從如何生產、精煉最優秀的動物擺飾、報章雜誌的廣告文宣等，企圖在這些無法追溯原型的陶瓷玩偶中，挖掘物件所透露出當時的價值觀點，闡述一段無法被驗證的想像。

2024臺北美術獎 入選作品

阮柏遠《Yes, I’m a Simp. Simply in Love With…》

系列作品借用網路情感關係的另類狀態，從虛擬主播與直播文化，探問當代社會中，人與虛擬形象之間的特殊關係鏈結。藝術家使用社群媒體上帶有憂鬱傾向的「Dreamcore」影像與AI編制而成的文本，關注網路生活中的情感與情緒狀態；同時也運用線上遊戲、VRchat、3D模型、虛擬實境結合網路愛情、虛擬性戀與替身性愛，探索人與數位技術、數位物的關 ，思考流動狀態的網路酷兒與感官身體。

林哲志《一種無重力的地緣想像》

本計畫始於2020年，從那時起，大量和戰爭有關的影像不斷地流傳，戰爭的尺度越拉越高。林哲志認為，人們對於戰爭的感知及理解，都是來自「影像」這個媒介，而他也開始反思，我們是否還有其它路徑可以重新認識戰爭？《一種無重力的地緣想像》是一個從合作走向毀滅的觀展體驗，一開始的錄像，虛構出兩個國家之間的合作關係；〈2024太空漫遊:衛星科幻小史〉以生成式AI的模型來解讀、生成與再次串連衛星發展的歷史圖像，並對「檔案」的建立提出質疑；展場中的三顆衛星裝置，則透過轉譯與再現，重新詮釋歷史上一段太空戰爭。

張辰申《肉身計畫：偏差愛好者》

張辰申形容，自己的展場總是像鬼片場景一樣、很獵奇，《肉身計畫：偏差愛好者》將生理構造與人類相近的家豬骨骸、外皮、頭部、心臟、 血管組織等器官標本，以類醫學博物館的展呈方式，懸吊、擺置於展櫃中，構圖分別汲取《聖經》繪畫中常見的手持剝皮刀使徒圖像，以及傳統山水畫蘊含的身體五行概念，展現出東西方對人類身體觀的思考差異；一旁併置播放豬隻植入人類牙齒的手術紀錄影像，以多重手法探討人豬之間的依存關係、去人類視角完成豬的聖物化與救贖。

張靜雯《容器》

《容器》系列作品以臺灣與東京的公寓風景為主題，以整齊排列的窗戶表達城市中的孤獨與記憶，與疫情時期的不安情緒。其創作契機來自於日本哲學家三木清在《人生論筆記》一書中對於孤獨的詮釋：「孤獨不是在山上而是在街上，不在一個人裡面，而在許多人中間」。城市中窗戶簡潔的排列如同一幅幅特殊的平面繪畫，同時象徵著人們感情的出口與入口，並且在窗戶裡訴說著一個個故事，記憶、孤獨、不安的感情也凝縮在一個個窗戶中。

2024臺北美術獎Taipei Art Awards

展期｜2024/11/14 - 2025/03/02
地點｜臺北市立美術館3A、3B展覽室

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
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_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}