亞紀畫廊群展《纏 繞 － 日本女性抽象》將於2025年2月28日揭幕，展出自20世紀初至今6位日本藝術家的創作，聚焦跨時代女性在抽象藝術中的不同嘗試，窺見女性在社會中的角色與經驗轉變。

從百年藝術窺見日本女性群像

在日本的社會氛圍下，藝術流派長期由男性主導，而現實主義更是其中的主流，導致女性抽象藝術家直至近年才逐漸獲得重視。儘管面臨多重挑戰與偏見，這些女性藝術家們或引領藝術革命、或自絕於流派之外，致力創造超越時代的視覺語言，推動抽象藝術形式與概念的轉變。

《纏    繞 － 日本女性抽象》展覽圍繞6位不同時代的日本女性藝術家展開，引用俳句中的「纏繞」意象命名，並著重於女性藝術家的二元性，凸顯他們如何表達藝術與自我獨立的理念。從20世紀早期藝術家至當代備受歡迎的年輕藝術家，觀眾能看見女性逐步擺脫男性視角的審視與規範，為觀眾、也為自己的身體留下空白的思考空間，並藉由藝術表達探索女性經驗。

山沢栄子

展覽從日本第一位女性攝影家山沢栄子（Yamazawa Eiko, 1899-1995）的作品開始，其融合幾何抽象和日常風景，將物件、布料、紙材、植物等組成如繪畫般的表面，開拓出與彼時日本男性攝影家相距極大的獨特領域。

1920至30年代巴黎和紐約等地的藝術家，以「非具象」為創作特色，透過線條、形狀與顏色作為共同語言，發展出趨近於形而上的美學風格。而山沢栄子在攝影中所追求的多材質共存、繪畫性與深度兼具，正是反映出了他所經歷的時代背景。

時代終於跟上我了。即使跟不上也無所謂。——山沢栄子《朝日新聞》夕刊1992年9月12日

田中敦子

作為具體派早期成員的田中敦子（Tanaka Atsuko, 1932-2005），是日本少數與男性共同成立流派組織的女性藝術家，其作品為有機型態、抽象線條藝術開闢了新的道路。田中敦子的藝術受到戰後物質富裕與科技衝擊帶來的城市生活，僅僅透過圓形的排列變化、膨脹與脈動，其作品就能傳遞出奔騰、狂暴的活力。正如他於具體派展覽上推出的《電器服Electric Dress》（1956），田中敦子將表達的渴望以嶄新的實驗形式呈現，透過直接的身體性反應當時的物質文化，如同一座概念化的城市網絡。

木下佳通代

時間來到1980年代，木下佳通代（Kinoshita Kazuyo, 1939-1994）在德國舉辦完備受矚目的觀念攝影個展後，摒棄了攝影這個媒介，轉而開始創作粉彩繪畫。他探索線條與顏色的微妙關係，在不斷的創作與重組中找到新的表達方式；在後期的繪畫中，木下佳通代的作品趨向自由與神秘，強調空間感在平面上的重要性與身體的垂直運動，引領觀眾進入更深遠的意識境界。

木下佳通代橫跨攝影和繪畫的實踐，否定空間的主觀與客觀界限，持續探究自我、存在與虛無間的關係。1990年代，木下佳通代被診斷出乳癌，他拒絕手術並持續創作、辦展，最終於1994年離世。

水上愛美

在年輕一代的藝術家中，水上愛美（Mizukami Emi, b. 1992）以塗抹與抹去的創作方式，塑造鮮明的個人風格。他的畫作雖然被層層顏料覆蓋，但仍能辨別最底層的繪畫主題，讓每幅作品都擁有多重解讀的可能性。在水上愛美的作品中，被抹去的筆畫與畫面裡的時空都是創作的一部分，也是無限的存在。

水上愛美曾入選2022年上野之森美術館的「VOCA」，其後參加多次國際展覽，包括亞紀畫廊群展「盜夢者Paprika」、Nowhere NYC群展「Letters, Lights, Travels on the Street」、維也納PINA群展「4649 at Pina」、倫敦Herald St群展「Condo」、Ehrlich Steinberg個展「Million Bubbles」、King’s Leap個展「Pale Phantom」等。

土取郁香

土取郁香（Tsuchitori Fumika, b. 1995）則將作品分為「我與你」和「場景」兩大系列，前者探討親密關係，後者從風景中提取元素。其畫作的主體與對象互相交織，彷彿溶解於顫動的線條與斑駁的顏色中，兩者既融合又孤獨、濃烈卻又短暫，暗示著界線模糊的關係。創作媒材上，土取郁香使用噴霧和油畫顏料進行實驗性堆疊，塑造出具有感官性的畫面，比喻人類互動中的雙重性。

土取郁香至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Frames and Breath」、東京WAITINGROOM「Sleeping with me holding in my arms, Silence」，也參與過福岡美術館「Collectors III -Turning the World-」、東京國立現代美術館「日本現代美術私観：高橋龍太郎收藏」、京都美術館「Kyoto Art for Tomorrow」等聯展。

大久保紗也

同樣從具象的人出發，大久保紗也（Okubo Saya, b. 1992）的作品經常描繪來自神話、音樂、戲劇中的定格人體與部位，或是日常生活中的各種人體姿勢畫作。多年前一場嚴重車禍，讓大久保紗也在恢復過程中重新思考理解與被理解的困難，並圍繞自我故事展開創作。大久保紗也將自己的創作描述為「探索事物的存在和現實的行為」，透過層層堆疊、磨研、剝離，使畫面同時具有鮮明強烈的線條與流動豐富的塊面，以及前後快慢的視覺對比。

2017年，大久保紗也獲得第四屆CAF大獎白石正美獎。至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Leimotiv」、京都蔦屋書店畫廊「Replicas that tell a story」、東京WAITINGROOM「月光之盒」 ，以及東京WALL_alternative「RE:FACTORY_2」、東京WHAT MUSEUM「TAKEUCHI COLLECTION」等聯展。

纏    繞 － 日本女性抽象

展覽日期｜2025/2/28–2025/4/2
展覽地點｜Each Modern亞紀畫廊（台北市大安區敦化南路二段97號3樓）

2025台北雙年展《地平線上的低吟》（Whispers on the Horizon）以臺灣錯綜複雜的歷史為背景，透過多元當代的創作語彙，探究「思慕」（yearning）這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特（Sam Bardaouil and Till Fellrath）共同策劃，匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品，將於2025年11月1日至2026年3月29日展出。

從臺灣歷史切入，藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層：它不僅是欲望，更是一種灼燒於心的渴求；它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞，也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪；它是一種難以捉摸的引力，驅使著人們盡力前行、奮力邁進，卻終將是個永難企及的追尋。

《地平線上的低吟》以臺灣為起點，其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行，是遷徙的痛、是思念的家；是身份與認同的追尋，是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇，也難以抹煞；飄忽無形、游移不定，卻又頑強真切地深植人心。

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車，來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔，活在侯孝賢的電影《戲夢人生》（1993）的世界裡，呼應著李天祿動蕩不安的生命；日記，來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》（1960），記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望；單車，存在於吳明益的作品《單車失竊記》（2015），追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場，卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語，提醒著人們：「思慕」雖關乎失落，亦是擁有，它不只是嚮往追尋，更包含我們所承載背負的信念。

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品，讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作，包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作，以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感，為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪，這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑，以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中，或隨筆觸與器物流轉。

青壯年藝術家齊聚，跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置，曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是，近半數參展藝術家出生於1984年後，透過不同世代，帶著當代語境的思考，展現對於現今世界的即時視角，並以不同形式，回應過去與未來的連結，展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式，作品風格多變，從視覺上的奇想，到結構上的重組，從親密細膩的個人體驗，到集體記憶的碰撞反思，讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入，又能持續尋找、期待與探究的存在。

「唯有在不斷追尋之中，我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像，遊走在遺落與將成的各種時態之間，作品挖掘個人事件或構築虛擬世界，映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感，更是探尋自身定位的關鍵線索。於此，《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相：唯有在不斷追尋之中，我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方，唯有「低吟」。

2025第14屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期｜2025.11.01－2026.03.29

地點｜臺北市立美術館

 

參展藝術家｜按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪 （1988年生於利雅德，現居工作於利雅德）

阿夫拉・阿達希里（1988年生於阿布達比，現居工作於阿布達比）

穆罕默德・阿法拉傑（1993年生於阿哈薩，現居工作於阿哈薩）

寇拉克里・阿讓諾度才（1986年生於曼谷，現居工作於紐約及曼谷）

伊凡娜・巴希奇（1986年生於貝爾格勒，現居工作於紐約）

拉納・貝古姆（1977年生於錫爾赫特，現居工作於倫敦）

莫尼亞・班・哈穆達（1991年生於米蘭，現居工作於開羅安及米蘭）

雅各波・貝納西（1970年生於拉斯佩齊亞，現居工作於拉斯佩齊亞）

赫拉・比于塔詹（1984年生於伊斯坦堡，現居工作於伊斯坦堡）

陳澄波（1895-1947，出生於嘉義）

陳植棋（1906-1931，出生於臺北廳，今新北市）

陳進（1907-1998，出生於新竹）

艾德加・卡萊爾（1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特，現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特）

陳柏豪（1982年生於高雄，現居工作於鹿特丹）

致穎（1985年生於臺北，現居工作於臺北及柏林）
加埃爾・肖瓦內（1985年生於瑟堡，現居工作於巴黎）
莊偉（1990年生於廣東，現居工作於柏林及香港）

邱子晏（1985年生於苗栗三義，現居工作於臺南）

傑基・康諾利（1990年生於紐約下哈德遜河谷，現居工作於紐約）

羅希尼・德瓦夏爾（1978年生於新德里，現居工作於新德里）

西蒙・迪布羅・莫勒（1976年生於奧胡斯，現居工作於哥本哈根）

莫娜・哈透姆（1952年生於貝魯特，現居工作於倫敦）

賀子珂（1990年生於貴陽，現居工作於北京及貴陽）

何彥諺（1993年生於臺北，現居工作於臺北）

安娜・葉爾莫萊娃（1970年生於列寧格勒，今聖彼得堡，現居工作於維也納及林茲）

伊娃・喬瑟邦（1975年生於巴黎，現居工作於巴黎）

金玟廷（1962年生於光州，現居工作於紐約及南法地區）

雅浸・金朝恩（1989年生於韓國，現居工作於紐約）

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯（1979年生於倫敦，現居工作於柏林及倫敦）

麗娜．拉蓓利代（1984年生於考納斯，現居工作於倫敦及維爾紐斯）

歐馬爾・米斯馬爾（1986年生於貝卡谷地，現居工作於貝魯特）

倪灝（1989年生於新竹，現居工作於新竹）

卡蜜兒・諾門（1970年生於馬里蘭銀泉，現居工作於奧斯陸）

亨里克・奧利維拉（1973年生於聖保羅歐里尼奧斯，現居工作於倫敦）

帕梅拉・法提莫・桑斯川（1980年生於莫楚迪，現居工作於海牙）

邦尼・羅傑斯（1990年生於休士頓，現居工作於紐約）

澤拓（1977年生於石川縣，現居工作於倫敦及金澤市）

西爾維・塞利格（1941年生於尼斯，現居工作於巴黎）

傑瑞米・蕭（1977年生於北溫哥華，現居工作於柏林）

皮・斯塔夫（1987年生於伯格諾里吉斯，現居工作於洛杉磯及倫敦）

卓永俊（1989年生於首爾，現居工作於柏林）

高田冬彦（1987年生於廣島縣，現居工作於千葉）

蕭崇（1987年生於海陽，現居工作於柏林）

基里亞科斯・托波利迪斯（1997年生於埃森，現居工作於柏林）

阿瓦羅・烏爾巴諾（1983年生於馬德里，現居工作於柏林及巴黎）

王湘靈（1984年生於臺北，現居工作於臺北）

王耀億（1987年生於臺南，現居工作於臺北）

納里・沃德（1963年生於聖安德魯，現居工作於紐約）

吳家昀（1988年生於臺灣，現居工作於紐約）

李受俓（1963年生於首爾，現居工作於首爾）

橫溝靜（1966年生於東京，現居工作於倫敦）

于吉（1985年生於上海，現居工作於紐約及當地）

張如怡（1985年生於上海，現居工作於上海）

托比亞斯・茲耶羅尼（1973年生於烏帕塔，現居工作於柏林）

菲董（Pharrell Williams）從音樂人跨界LV男裝創意總監、2024年擔任巴黎奧運開幕式火炬手、年底宣布成為2025 Met Gala聯合主席，近期還為巴黎貝浩登畫廊（Galerie Perrotin）策劃以非裔女性為題的展覽《Femmes》，將於2025年3月20日登場。

巴黎貝浩登畫廊攜手菲董策展

菲董與貝浩登畫廊創辦人Emmanuel Perrotin早在多年前便已相識，兩人因對於村上隆的喜愛而成為好友，促成後續多次展覽合作。2014年，巴黎貝浩登畫廊舉辦《GIRL》群展，以菲董當時推出新專輯為策展靈感。如今兩人再度攜手策劃《Femmes》，聚焦非裔藝術家的多元視角與詮釋，共將展出40位藝術家的作品。

挑戰「什麼是女性特質？」

在《Femmes》展覽中，菲董以藝術呈現為自己帶來深遠影響的女性，包含其妻子、母親、姐妹、女兒、好友等人，並藉此凸顯女性特質的多樣性。參展藝術家橫跨不同世代，包含美國藝術家Betye Saar、Mickalene Thomas、南非藝術家Esther Mahlangu、迦納藝術家Prince Gyasi，以及新銳創作者如肯亞攝影師Thandiwe Muriu、英國-迦納-聖文森畫家Emma Prempeh等人。

展出作品媒材涵蓋繪畫、攝影、裝置等不同形式，其中許多作品為首次展出；探討主題廣泛，從身體、時尚、母職、社會運動、酷兒身份到靈性等，期望挑戰社會對於「女性特質」的刻板印象。

在Wallpaper的專訪中，Emmanuel Perrotin形容《Femmes》的每件作品都是對於「Black Joy」的讚頌，並強調藝術的創造力、韌性與力量。他也提及，菲董的開放思維不受到藝術界傳統標準束縛，為展覽帶來與眾不同的自由調性：「他提出的藝術家名單令我十分驚喜，這就是策展的價值——開拓人們的視野。」

資料來源｜Galerie Perrotin、Wallpapaer