日本女性抽象藝術群展《纏繞》！從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像

亞紀畫廊群展《纏 繞 － 日本女性抽象》將於2025年2月28日揭幕，展出自20世紀初至今6位日本藝術家的創作，聚焦跨時代女性在抽象藝術中的不同嘗試，窺見女性在社會中的角色與經驗轉變。

從百年藝術窺見日本女性群像

在日本的社會氛圍下，藝術流派長期由男性主導，而現實主義更是其中的主流，導致女性抽象藝術家直至近年才逐漸獲得重視。儘管面臨多重挑戰與偏見，這些女性藝術家們或引領藝術革命、或自絕於流派之外，致力創造超越時代的視覺語言，推動抽象藝術形式與概念的轉變。

《纏    繞 － 日本女性抽象》展覽圍繞6位不同時代的日本女性藝術家展開，引用俳句中的「纏繞」意象命名，並著重於女性藝術家的二元性，凸顯他們如何表達藝術與自我獨立的理念。從20世紀早期藝術家至當代備受歡迎的年輕藝術家，觀眾能看見女性逐步擺脫男性視角的審視與規範，為觀眾、也為自己的身體留下空白的思考空間，並藉由藝術表達探索女性經驗。

山沢栄子

展覽從日本第一位女性攝影家山沢栄子（Yamazawa Eiko, 1899-1995）的作品開始，其融合幾何抽象和日常風景，將物件、布料、紙材、植物等組成如繪畫般的表面，開拓出與彼時日本男性攝影家相距極大的獨特領域。

1920至30年代巴黎和紐約等地的藝術家，以「非具象」為創作特色，透過線條、形狀與顏色作為共同語言，發展出趨近於形而上的美學風格。而山沢栄子在攝影中所追求的多材質共存、繪畫性與深度兼具，正是反映出了他所經歷的時代背景。

時代終於跟上我了。即使跟不上也無所謂。——山沢栄子《朝日新聞》夕刊1992年9月12日

田中敦子

作為具體派早期成員的田中敦子（Tanaka Atsuko, 1932-2005），是日本少數與男性共同成立流派組織的女性藝術家，其作品為有機型態、抽象線條藝術開闢了新的道路。田中敦子的藝術受到戰後物質富裕與科技衝擊帶來的城市生活，僅僅透過圓形的排列變化、膨脹與脈動，其作品就能傳遞出奔騰、狂暴的活力。正如他於具體派展覽上推出的《電器服Electric Dress》（1956），田中敦子將表達的渴望以嶄新的實驗形式呈現，透過直接的身體性反應當時的物質文化，如同一座概念化的城市網絡。

木下佳通代

時間來到1980年代，木下佳通代（Kinoshita Kazuyo, 1939-1994）在德國舉辦完備受矚目的觀念攝影個展後，摒棄了攝影這個媒介，轉而開始創作粉彩繪畫。他探索線條與顏色的微妙關係，在不斷的創作與重組中找到新的表達方式；在後期的繪畫中，木下佳通代的作品趨向自由與神秘，強調空間感在平面上的重要性與身體的垂直運動，引領觀眾進入更深遠的意識境界。

木下佳通代橫跨攝影和繪畫的實踐，否定空間的主觀與客觀界限，持續探究自我、存在與虛無間的關係。1990年代，木下佳通代被診斷出乳癌，他拒絕手術並持續創作、辦展，最終於1994年離世。

水上愛美

在年輕一代的藝術家中，水上愛美（Mizukami Emi, b. 1992）以塗抹與抹去的創作方式，塑造鮮明的個人風格。他的畫作雖然被層層顏料覆蓋，但仍能辨別最底層的繪畫主題，讓每幅作品都擁有多重解讀的可能性。在水上愛美的作品中，被抹去的筆畫與畫面裡的時空都是創作的一部分，也是無限的存在。

水上愛美曾入選2022年上野之森美術館的「VOCA」，其後參加多次國際展覽，包括亞紀畫廊群展「盜夢者Paprika」、Nowhere NYC群展「Letters, Lights, Travels on the Street」、維也納PINA群展「4649 at Pina」、倫敦Herald St群展「Condo」、Ehrlich Steinberg個展「Million Bubbles」、King’s Leap個展「Pale Phantom」等。

土取郁香

土取郁香（Tsuchitori Fumika, b. 1995）則將作品分為「我與你」和「場景」兩大系列，前者探討親密關係，後者從風景中提取元素。其畫作的主體與對象互相交織，彷彿溶解於顫動的線條與斑駁的顏色中，兩者既融合又孤獨、濃烈卻又短暫，暗示著界線模糊的關係。創作媒材上，土取郁香使用噴霧和油畫顏料進行實驗性堆疊，塑造出具有感官性的畫面，比喻人類互動中的雙重性。

土取郁香至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Frames and Breath」、東京WAITINGROOM「Sleeping with me holding in my arms, Silence」，也參與過福岡美術館「Collectors III -Turning the World-」、東京國立現代美術館「日本現代美術私観：高橋龍太郎收藏」、京都美術館「Kyoto Art for Tomorrow」等聯展。

大久保紗也

同樣從具象的人出發，大久保紗也（Okubo Saya, b. 1992）的作品經常描繪來自神話、音樂、戲劇中的定格人體與部位，或是日常生活中的各種人體姿勢畫作。多年前一場嚴重車禍，讓大久保紗也在恢復過程中重新思考理解與被理解的困難，並圍繞自我故事展開創作。大久保紗也將自己的創作描述為「探索事物的存在和現實的行為」，透過層層堆疊、磨研、剝離，使畫面同時具有鮮明強烈的線條與流動豐富的塊面，以及前後快慢的視覺對比。

2017年，大久保紗也獲得第四屆CAF大獎白石正美獎。至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Leimotiv」、京都蔦屋書店畫廊「Replicas that tell a story」、東京WAITINGROOM「月光之盒」 ，以及東京WALL_alternative「RE:FACTORY_2」、東京WHAT MUSEUM「TAKEUCHI COLLECTION」等聯展。

纏    繞 － 日本女性抽象

展覽日期｜2025/2/28–2025/4/2
展覽地點｜Each Modern亞紀畫廊（台北市大安區敦化南路二段97號3樓）

臺北市立美術館（北美館）自2026年5月9日至9月20日於一樓推出「共感：存在的節奏」，由館內策展人余思穎策劃，展出 11位/組臺灣與國際藝術家作品。展覽從當代博物學的概念出發，在自然、技術與行動實踐的層面上，探討人類應如何理解自身與物種、環境與世界的關係。

數位網路與人工智慧快速發展的時代，訊息流通的方式經歷多次轉變，自我、他者與環境的關係，逐漸轉為更有機的感知網絡。本展以「共感」為題，意指一種理解自己與他者彼此牽動、共同生成的能力。策展人余思穎表示，法國哲學家布魯諾．拉圖（Bruno Latour）曾以地質學的臨界區（Critical Zone）的概念，探究關於自然、技術與人類行動相互作用的地表環境，藉此重新思考人類與萬物共存的關係。

「臨界區」原指自樹冠至地下水層之間的地表薄層，在此空間中，空氣、水、土壤、岩石與各種生命持續相互作用，形成地球維持生命的條件。策展人進一步援引美國物理學家暨理論學者凱倫．巴拉德（Karen Barad）回應量子物理中的「量子糾纏」（entanglement）概念，指出萬物並非彼此獨立存在，而是在持續互動與相互作用中生成關係，提示「存在」或許更接近一種關係性的整體。人與微生物、多物種，甚至與土地、技術感知、生物與環境等，並非單向支配，而更像是共同構成彼此、相互依存的網絡。

本展從「人與非人共同演繹世界」（自然）、「擴增人類五感與時空觀」（技術）與成為「互利共生的行動者」（行動實踐）三個面向出發，引領觀者感知原本難以觸及的其他物種世界，並重新思考生命倫理與共生關係。展場則透過不同作品的感知經驗與觀看狀態，開啟對共享、互助與共存價值的想像。

生命演化所呈現的繁茂形態與生態關係，映現人與非人共同演繹世界的多重面向。盧明德《生態圖鑑》透過多樣物種圖像符號，包括具生命初始寓意的蛋、隱含演化意象的貝殼、象徵死亡與遺骸的動物頭骨，以及動物肢體、皮毛等局部身體意象的複合與並置，以虛實交錯的擬態哲學觀，探討數位時代中自然真實與虛假之間的關係。瑟琳．克拉內《接地雜訊》系列，藝術家並置黑白膠捲拍攝的森林地貌、電子顯微鏡下的微觀圖像，藉由不同尺度的影像轉換，拓展肉眼觀看的視角，開啟對既有森林地景的新感知。

蔡咅璟《山麻雀之歌》連結傳說與當代的保育行動，透過燒製曾文溪水庫淤泥為人工鳥巢，尋找人與動物共生的契機，影像紀錄文化記憶與當代行動，呈現環境變遷下人類與動物的互助關係。桑佳．鮑梅爾將創作視為身體、生物與環境共同演進的過程，以《活體藝術品》等三件作品，透過培養菌落、知識研究與行動創作等方式，使不可見的微生物被人所感知與想像，探索人體內外由多物種共構的生態關係，開啟界定人類主體性的重新理解。

科技、演算法與網際網路所生成的影像，正在重塑人們對世界的理解，並進一步影響其思考方式。吳其育+陳普《零點溫室》以跨洋運輸植物的「沃德箱」為靈感。這種可承載微型生態系統的容器，曾促成19世紀的蕨類與蘭花熱潮，也讓中國茶樹得以移植至印度。作品進一步延伸思考由生成式人工智慧資料庫主導的未來，如同人類過往藉由移植物種對自然進行收藏，以另一種形式延續人類對自然的想像。

陽春麵研究舍《潛像描繪儀》探討人工智慧如何透過雜訊、隨機性與資料運算生成影像，作品模擬18世紀側面描繪儀裝置的運作，對照影像從手工描繪、機械標準化到演算法生成的歷史轉變，呈現人工智慧如何以真實世界為基礎，持續產生難以預測的視覺結果，探問人類對創造力與影像真實性的認知邊界。

NOIZ Architects《待機休眠中》（Lazy House）為布料、張拉結構與感測系統構成的建築軟雕塑，作品透過電腦演算與參數設定，感應觀眾的注視，並產生相應的形變與回饋，邀請觀者於雕塑物件與空間的律動中感受人與環境的互動關係。

透過行動實踐，我們得以理解過往與當下的連結，並意識到事物關係在時空中並非恆定，而是在流動中形構其節奏。山城知佳子《土之民》三頻道錄像，以沖繩與濟州島的歷史為背景，敘述在地之民因候鳥落下的「詩句種子」自泥沼中甦醒，並在墜入時空洞底後目睹過往的戰爭殘影，作品透過影像、低語與環境聲響推動敘事，使觀者思考人與土地，如何共同承載那些尚未消散的歷史記憶。

希朵．史戴爾《使命完成: Belanciege》結合錄影與資料分析的講述表演錄像，從品牌如何挪用特定社會處境下的文化符碼與街頭文化，轉化為時尚美學的過程，揭示品味與身份如何被品牌私有化，並進一步指出當代消費文化、社群媒體與演算法機制，如何共同介入人們對階級、認同與政治現實的想像。

彭弘智《面對面》曾於多國雙年展與三年展展出，並為北美館典藏作品。藝術家以犬的第一視角記錄動物日常活動，並將影像螢幕嵌入動物雕塑頭部之中，觀者需貼近並模仿其姿態，方能進入觀看位置，作品透過身體姿態與觀看方式的轉換，引導觀者想像動物的感知經驗，進而思考人與動物相互依存的關係。

周東彥/狠劇場《變動的連結》是一場需與他人共同完成的集體延展實境（XR），觀者從非敘事的空間中展開探索，隨著虛擬線條在角色之間生成，無形的關係變得清晰可見，個體經驗轉化為群體感知的流動，最終呈現由眾人共構、以線條交織而生的「我們」之形態。

共感：存在的節奏
展期：2026.05.09-2026.09.20
地點：臺北市立美術館 1A、1B展覽室 

參展藝術家（依英文姓氏排列）：桑佳．鮑梅爾（奧地利）、周東彥/狠劇場、瑟琳．克拉內（法國）、盧明德、NOIZ  Architects（日本）、彭弘智、陽春麵研究舍、希朵‧史戴爾（德國）、蔡咅璟、吳其育+陳普、山城知佳子（日本）

2026北美館X-site計畫由「做白工作室」作品《鏡・亭・山：相看兩不厭》獲得首獎，即日起至7月26日展出。本作結合鏡面、涼亭、山形3大元素，以「掀起地表」為核心意象，利用鋼板和懸索結構，在北美館廣場創造出一片完全穿透、不靠柱和牆支撐的自由場域，邀訪客在此停留、感知和參與，讓藝術之旅在入館前就啟程。

把「經過」轉化成一種參與行動

「廣場」如城市裡的留白，為人們提供歇息之處，也在訪客抵達目的地之前，有片過渡地帶得以轉換情緒——但除了「經過」，我們還可以從廣場中獲得什麼樣的感知體驗？臺北市立美術館（北美館）邁入第13屆的「X-site計畫」，正是從這道提問出發，以館前廣場為基地，每年透過公開徵件，邀不同創意團隊透過建築、藝術、設計等方式介入，為人們開啟體驗北美館廣場的新路徑。

在北美館廣場掀起一座鏡面小山

2026 X-site計畫首獎得主——做白工作室，是以「創造有意義的空白」為核心概念的跨領域設計團隊，這次他們透過對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深入研究，將《鏡・亭・山》視為一種介入環境、重構人與廣場關係的行動實踐。

做白工作室以鋼板和懸索結構為主要材料，在廣場創造一片不靠樑柱和牆支撐的穿透場域，且作品未錨定於既有地坪，巧妙形成地表被「掀起」的視覺效果。像這樣透明而公開的結構，不僅讓訪客得以一覽作品結構組件之間的相互關係，也為人們在廣場上的停留時光注入更多遊逛、探索的趣味。

「鏡・亭・山」各有何涵義？

《鏡・亭・山》具有3種不同層面的解讀意涵，各個層面都讓「經過」成為一種參與：「鏡」反射空間下的動態互動，更在特定角度中映照出周遭自然、北美館建築等環境現況；「亭」意指傳統上遮蔽或供人停留的空間，也代表「從地表拉起的結構」所形成的新空間；「山」則可連結至雙向掀起的屋頂與地板共同構成的休憩空間，訪客可在此歇息，也能自由穿梭其中。

聲音裝置、蛇紋磚片藏彩蛋

本作更有由環境發想延伸的「可觸碰發聲互動裝置」與「蛇紋磚板片」。團隊將抵抗風浮力的鋼纜，進一步結合為互動裝置，其猶如樂器中被繃緊的琴弦，當「弦」被觸碰時，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，包含展間中的低聲交談、觀者行走於建築內的腳步聲，揭露潛藏在美術館之中、平時不易被察覺的細微聲音。

而對於蛇紋磚板片，團隊表示：「塞尚晚年反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是一種追索真理的實踐。此次作品屋頂上的蛇紋磚板片，便是以此為靈感，並將自第1屆X-site舉辦以來的廣場衛星空拍圖作為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。」北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域的重要視覺特徵，也承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。

《鏡・亭・山》展出期間，亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等，邀請觀眾在人與環境、內與外之間，與環境共同感受那片「有意義的空白」。

2026 X-site《鏡・亭・山：相看兩不厭》

展期｜2026.05.16－07.26

地點｜臺北市立美術館 戶外廣場