英國泰特現代美術館（Tate Modern）自2025年5月1日起至10月19日推出韓國藝術家徐道獲的大型個展，透過繽紛布料搭建而成的等比例住宅建築模型，邀請觀眾走入藝術家曾經的居所，思考關於家、記憶、身份，以及建築與個體、個體與群體的關係。

韓國藝術家徐道獲（Do Ho Suh）為抽象水墨畫家徐世鈺之子，學生時代於首爾大學主修韓國畫，後於羅德島設計學院（RISD）取得繪畫學士學位，再於耶魯大學獲得雕塑碩士學位。徐道獲擅長以裝置作品探索文化認同，曾於世界各地指標場館舉辦個展，亦曾於2001年代表韓國出展第49屆威尼斯雙年展。

「空間」是物理的場域，也是心靈的存在

展名《Walk the House》源於韓國傳統住宅「Hanok」（韓屋）。徐道獲觀察，在拆解、搬遷並重組韓屋的過程中，房子就像是在「行走」一般，而這樣的概念也體現於藝術家的作品之中。徐道獲藉由大型沉浸式裝置深入建築、個體與記憶的關係，以及曾居住過的家園如何隨著生命歷程持續前行。對藝術家而言，「空間」是包羅萬象的概念，除了物理的場域外，也代表著一種無形的心理性存在。

這場展覽邀請觀眾將身心一同注入其中，走進徐道獲精心編織而成、1:1等比例複製出過往的居所和工作場域。

穿越城市之間的居所《Nest/s 2024》首度亮相

於展場入口迎接觀眾的，是由數萬張肖像照組成壁紙的作品《Who Am We? 2000》，以徐道獲早期對於「個體與群體身份」的關係探索，為展覽掀開序幕。

本次展覽中，全新作品《Nest/s 2024》為首度亮相，串連首爾、紐約、倫敦與柏林的房間、走廊與玄關，以繽紛色彩交織出一座彷彿綿延不絕的建築，是本次展覽的一大看點；另一新作《Perfect Home: London, Horsham, New York, Berlin, Providence, Seoul 2024》則描繪徐道獲現居倫敦的家，並在牆面縫製門把、插座、電燈開關等物件，而這些物件皆來自於藝術家曾經的住所。

展覽也呈現《Rubbing/Loving: Seoul Home 2013–22》等重要作品，以鉛筆或彩色筆拓印於建築表面，傳遞藝術家個人與集體記憶；而重新佈置的《Rubbing/Loving: Company Housing of Gwangju Theater 2012》則以同樣手法回應1980年韓國光州民主化運動的創傷歷史，探問空間如何承載被官方歷史所忽略的記憶。

平面與錄像作品同步展出

除此之外，展覽也彙集徐道獲的紙上作品與錄像作品，例如平面樓梯模型《Staircase 2016》、探索無常與時間循環性的繡線畫，以及紀錄即將拆除的老宅建築的影片《Robin Hood Gardens 2018》、《Dong In Apartments 2022》，凸顯建築與「家」之間的關係，與城市發展帶來的急遽變遷。

展覽最終以《Home Within Home 2025》作結，在這件作品中，藝術家運用建築建模軟體與3D列印技術，融合自身過去在美國與韓國的兩處住所，探討文化差異與遷徙經驗。

The Genesis Exhibition: Do Ho Suh: Walk the House

展覽日期｜2025.05.01–2025.10.19
展覽地點｜Tate Modern
開放時間｜每日10:00–18:00

2025台東光祭《沐光泉》即日起至7月27日展出，點亮知本夏夜。《沐光泉》邀集12組台灣及國際藝術家，以水為靈感、光為媒材，在山林與溫泉水霧交織的知本，創作12組燈光藝術裝置，演繹在地自然景觀及人文風貌。

《沐光泉》分為3大展區：「泉湧」呼應知本溫泉的自然能量、「光現」聚焦感官與光的交會、「永續」探討社區的記憶與未來，織就一場以光為引、跨越時間的探索旅程。今年台東光祭也特別規劃「回溫・知本」微型展，交織歷史照片與居民故事，回顧知本從部落秘境轉變為溫泉觀光勝地的過程，訴說土地與居民之間的情感記憶。

現實 vs. 虛擬，兩種截然不同的「光橋」體驗

由胡縉祥、郭彥宏、韓承燁共創的《光湧·界》，以「水」與「光」為創作語彙，藉橋為載體，揉合自然流動與數位光影，將知本溫泉蘊藏的生命能量，轉化為一場動態展演。置身橋下，沐浴在瀑流之中，身心逐漸被水氣與光粒喚醒，與自然展開對話。

與《光湧·界》以現實世界中的「橋」為展場相對，大岩奧斯卡的《光之橋》是一座看得見、摸不著的虛擬橋樑，藝術家利用光線串起河岸兩側，寓意超越功能性、精神及情感層面上的團結與交流。

用光視覺化溫泉能量

詹維欣《地脈》從一棟閒置的屋房牆壁長出，透過垂直延伸、微微彎曲的線條，呼應知本地熱溫泉自地底向上流動的能量。無獨有偶，陳豪毅《噴發temapesi’》靈感同樣來自地熱能量，藝術家讓彎曲的藤條由地面「竄出」，象徵地底水分子的活動與能量釋放。

與自然親密無間的沈思之境

路瓦・里維拉的《沐光耀》靜謐懸浮於天然溫泉上方的棕櫚樹之間，場景十分夢幻——藝術家從溫泉旁的礦石色澤汲取靈感，利用金屬和透明織物，編織出一塊塊青綠色的「漂浮玉石」，邀觀者在玉石下的小徑感知大地節奏。

另一邊的臨山之境，李蕢至《氣鏡之門》以竹材交疊出山峰意象，藉中央圓窗框出遠方山脈，邀觀者步如其中，在光影與霧氣繚繞之間，感受「雙層自然」。

取材在地記憶，水、山豬、花環……融入療癒之作

排灣族藝術家峇岦嵐偲・旮札涅灆以「水」之於部落的意義為靈感，利用樹皮、竹片等自然材質與光交織，創作出《似水的記憶》。排灣族人稱水為「Zaljum」，常藉水形容人事物、包裹生命哲思。藝術家分享部落長者常說：「水會記得祂曾經走過的路。」遭逢天災時則言：「是我們佔了水的路，不是自然的錯。」此外，水也在族人出生與死亡之時，扮演重要角色——出生時藉水讓族人記住家中味道，死亡時用水替族人送塵——象徵著生命循環。

出自吉井宏的《野豬寶寶爬上來了》呈現小野豬泡在溫泉中的可愛形象，靈感來自他與在地居民交流過程中聽到的山豬趣聞。國吉滿《花憩所》則融入卑南族的花環文化，以菊花與在地植物構築花環造型的泡腳空間，邀人們在此歇息，同時感受卑南族花環傳遞的祝福寓意。

夏天的知本這樣玩！溫泉延長開放，光雕秀、市集接連登場

台東光祭也規劃一系列特別活動，邀人們體驗夏季的知本，像是每晚於勇男橋上演的光雕秀、每週六傍晚的音樂及舞蹈表演，每週日則有親子工作坊、市集登場，7/26～7/27還將迎來盛大的「沐光市集」，匯聚台東在地美食與手作選品。另外，來到知本怎能錯過溫泉？為響應光祭，知本多處溫泉設施延長開放時間，邀旅客賞燈後泡湯放鬆身心。

2025台東光祭《沐光泉》

展出期間｜2025.06.13－07.27

亮燈時間｜17:30－22:00

羅馬博爾蓋塞美術館即日起至2025年9月14日舉辦肯亞藝術家Wangechi Mutu個展《Black Soil Poems》。隨「特定場域創作」成人類互動虛擬化下更為有力的當代表達，Mutu以首位進駐該館的在世女性藝術家之姿，藉懸浮布展形式、大膽空間語彙及嶄新神話故事重新詮釋這座具權威象徵性的場館。各色作品從展廳延伸至戶外祕密花園，在形塑跨場域對話的同時，更強化了藝術作為所有既定觀念「轉換、衝破」地帶的深刻意義。

博爾蓋塞美術館（Galleria Borghese）首度在紅衣主教西皮奧內博爾蓋塞（Cardinal Scipione Borghese）故居內舉辦的《Black Soil Poems》展覽，由義大利品牌Fendi贊助、獨立策展人Cloé Perrone策劃，並一脈相承自先前致敬巴洛克詩人Giovan Battista Marino的展覽，延續該館近期對詩意表達的關注。

展覽名稱由來於Wangechi Mutu創作上二元性：既富有詩意與神話色彩，又與當代社會和物質背景緊密相連。「Black Soil」，黑土，在雨水的滋潤下如黏土一般豐饒而可塑，出現在包括博爾蓋塞美術館祕密花園在內的諸多地理場域，恰和這位藝術家的想像力共鳴——從這片黑土中，雕塑彷彿被一股原始力量自然捏塑而成，具象化為故事、神話、回憶和詩篇。而此意象也愈加強調出Mutu作品的孕育性和轉化性：根植於物質本身，又向未來開放，邀請人們給予多重詮釋。

在特定「權威空間」完成當代表達

作為一次特定場域創作，《Black Soil Poems》的各色作品遍布於展廳、美術館外牆和祕密花園。藝術家透過懸浮和流動形式的運用、物質碎片和神話語彙的重構等創作策略，對古典傳統和館藏本身的視覺重量提出質疑，進而與這座具制度權威象徵性的空間進行一場層層交織的對話。同時更以雕塑、裝置和動態影像等手法，為博物館空間提出一種創新的觀看方式，挑戰既定意義、階級秩序觀念和所謂的永恆性。在其創作力渲染下，美術館空間不再只是靜態展示物品的容器，而是一個不斷變動的有機體，在失去、適應和再建構中持續轉換和重新被定義。

「觀看方向性」的再定義：重繪視覺場域，開啟全新感知

展覽分為相輔相成的兩部分。首先Mutu在館內徹底重新思考空間的方向性：她的雕塑作品並未遮擋住原來的收藏品，比起「占據」更像「點綴」；那些輕盈懸置於空中，抑或無聲安放於平面上的作品，都如虛無的幽靈般存在。數件裝置〈Ndege〉、〈Suspended Playtime〉、〈First Weeping Head〉、〈Second Weeping Head〉彷彿不顧重力邏輯地掛在天花板上，構築出有別過往的觀看視線——深層意義上，此形式亦引發對歷史敘事和物質階級秩序的轉換。Mutu重新繪製了博爾蓋塞美術館的整體視覺場域，引導觀者用各種角度與意識重新審視這座空間，讓多重敘事方式共存，並且告訴人們美術館不僅是一個記憶空間，也是想像與轉換的場所。

青銅、木材、羽毛、土壤、紙張、水和蠟同是本展核心精神。其中尤以青銅為重，它褪去傳統賦予它的象徵意義，成了承載先人記憶、復原和多元性的容器。當藝術家將有機、流動和可變的材質，帶入這個隨處都是大理石、灰泥和鍍金表面的空間時，更重申了一種轉換的詩學。

Wangechi Mutu的作品促請人們以不同方式參觀美術館——不只看那些展示的東西，也要凝視曾經被移除、被壓抑或被隱藏起來的東西。

人類 X 神話 X 容器，混合創作形態呼應全球宇宙觀

來到館外，即見多座青銅雕塑散落於優美風景中。〈The Seated I〉和〈The Seated IV〉兩座當代女像柱，標誌著藝術家與重要公共機構之間一次意義深遠的合作時刻（詳見下方圖說）；〈Nyoka〉、〈Heads in a Basket〉、〈Musa〉和〈Water Woman〉等青銅作品，將原型容器詮釋為轉換場所；〈The End of Eating Everything〉則將Mutu的雕塑語彙延伸至影像，為她對神話的持續探索增添了時間性與沉浸感。

一部分人類，一部分神話，一部分容器，彷彿從一片象徵性的土壤中浮現，呼應東非傳統和全球宇宙觀。這些作品靜靜擺置於花園和建築的入口處，與場地的古典秩序達成微妙平衡，挑戰理想化的形式和線性敘事，轉而追求模糊性、差異性與精神存在感。

《Black Soil Poems》的最後一件名為〈Shavasana I〉的青銅像在羅馬美國學院展出。其名取自瑜伽體式「攤屍式（Shavasana）」，以真實事件為靈感呈現一具仰臥的身體蓋著編織草蓆；雕塑放置於學院中庭，四周環繞古羅馬墓誌銘，凸顯出死亡、臣服和生命尊嚴的主題。

而博爾蓋塞美術館繼2023年推出《Giuseppe Penone: Universal Gestures》（吉塞普佩諾內）、2024年籌辦《Louise Bourgeois: Unconscious Memories》（路易絲布爾喬亞）展覽後，今年通過本展再次延續推廣當代藝術的承諾，藉由重量級國際藝術家的視野，激發觀者以嶄新視角觀看空間，創造出嶄新連結與對話。

Wangechi Mutu《Black Soil Poems》個展

• 時間：即日起至2025年9月14日
• 地點：義大利羅馬博爾蓋塞美術館

同場加映：Wangechi Mutu x Fendi Peekaboo特別包款

同時，為歡慶這項Fendi與美術館長期合作計畫的其中一環盛事，藝術家亦攜手品牌創作獨一無二的Peekaboo包款。Mutu表示：「Fendi的Peekaboo包幾何俐落，結構堅挺，而我當下就想讓它變得有機、夢幻、富有生命力。一邊是恩貢山丘，另一邊是美麗的肯亞山峰。這兩座山把袋子撐在一起。而內部的枝枒，就像生命在縫隙中竄生而出。這不只是一個包包，它是一件雕塑。」

呼應著Mutu詩意且充滿神話想像的創作視角、同時深深扎根於當代社會與物質脈絡，此特別包款融合多種技法打造，甚運用包括金箔在內的媒材裝飾包身，營造出層次豐富的視覺和觸感；不僅可見對藝術家本人別具意義的「恩貢山丘」和「肯亞山峰」兩處風景躍然其上，更有一組雕塑感木枝構成的裝置，如富生命般破袋而出。

Fendi Peekaboo藝術合作系列

Fendi長期深耕藝術與文化領域的精神，自2014年展開的Peekaboo藝術合作系列多年來與各界知名人士共同打造特別包款，包括建築大師Zaha Hadid、設計師Sabine Marcelis、雕塑藝術家Arnaldo Pomodoro和Giuseppe Penone乃至歌手Adele都曾參與。