在19世紀建築打造「探險家遺居」！英國設計師Lee Broom回顧展登丹麥設計節，新作以霧面、透明玻璃重塑便攜燈具美感

英國設計師Lee Broom今年偕同名品牌首度參與甫於6月20日落幕的丹麥設計盛會3daysofdesign，進駐19世紀古建築Asia House呈獻10年回顧展《From Here Now》，同步發表全新可攜式燈具作品「Chant」。此展不僅是Lee Broom初亮相北歐設計界指標性平台，亦為Asia House第一次在設計節期間對外開放，蘊含著設計和策展歷史上的雙重意義。

自2007年創立同名個人品牌以來，Lee Broom即以具戲劇性的照明設計風格馳名國際。其創作多融匯建築語彙、宗教意象與詩意形式，將光化為富有敘事感的空間體驗，如2022年發表的「Divine Inspiration」系列作品如神聖裝置般浮現空間，致敬宗教建築；2023年推出的「Alchemist」探討光與材質的微妙化學變化，顯露高度雕塑性與情感張力——總取平衡於功能與情感之間的獨特設計，尤其鞏固了這位年輕設計師在當代照明設計領域的藝術地位。

而此次《From Here Now》回顧展則聚焦回顧Lee Broom過去10年間的代表性燈具作品，將「Orion」、「Vesper」、「Carousel」、「Crescent Light」等多款設計通過全新材質與形式重新演繹，加以最新作品「Chant Portable Table Lamp」，於歷史空間Asia House內開展一場神祕敘事。

與此同時，自2013年創立以來迅速崛起為歐洲設計行事曆關鍵盛事的丹麥設計節3daysofdesign，每年吸引眾多國際設計師、策展人、品牌和媒體聚集哥本哈根，透過展覽、對談與城市空間轉化，激發跨領域創意。2025年主題「KEEP IT REAL」呼應當代設計對真誠與本質的重視，《From Here Now》整體著眼回顧、反思與未來想像的策展脈絡恰與之深刻共鳴。

打造「探險家遺居」概念性展場，揭開塵封的航海故事

Asia House建於1897年，原為東方亞洲公司（East Asiatic Company）總部，由航海家H.N. Andersen創立。Lee Broom便以此歷史為靈感，將展場打造成一位探險家遺留的住所，陳設世界各地典藏並營造自家品牌獨有的燈光氛圍。由倫敦運抵哥本哈根的木箱散布於空間各處，每只都藏有歷史物件、雕塑與燈具的組合等待觀者探索和發掘；覆蓋其上的布幔猶如塵封的帷幕緩緩揭開對珍寶的記憶，悄然向此建築背後的航運歷史表示敬意。

全新可攜式燈具「Chant」3大亮點

▍以70年代玻璃磚為靈感，交織古典與現代

「Chant」燈具是Lee Broom推出的第一款可攜式照明作品。此次全新Chant桌燈款式在延續其2022年於米蘭設計週首度亮相並屢獲讚譽的Chant吊燈概念下，進一步汲取靈感自1970年代建築中常見的玻璃磚，以手工吹製玻璃構造出雕塑般的立體外型，藉方形幾何結構與圓形凹槽圖案的視覺對比，交織懷舊情調與現代主義風格。

▍外型與功能並重：四段式調光、室內外適用

全系列於品牌倫敦工坊生產，款式提供霧面或透明玻璃，搭配拉絲金、拉絲銀、拉絲古銅3種精緻金屬底座。除外觀富設計感，Chant桌燈在功能上也配備到位，包括四段式調光、單次充電可供使用時間長達40小時、能因應室內外環境無縫轉換的完整防水設計，無疑為當前可攜式照明市場提供極具工藝美學的替代方案。

▍有別於傳統塑料產品

與傳統以塑料為主的同類型產品不同，Chant桌燈強調玻璃材質的觸感與純粹性，重新定義了便攜燈具的溫雅格調。

透過《From Here Now》這場兼有歷史感與未來視野的展覽，Lee Broom既帶領觀者回顧其創作歷程，亦再次對照明設計能成為文化連結核心語言做出了最佳示範和證明。

Lee Broom

同名品牌創辦人、英國領先設計師Lee Broom，自2007年成立個人工作室以來，親自設計超過100件燈具、家具與家飾銷售全球。集工藝、精選材質與創新思維於一體，品牌堅持英國製造，全數產品於倫敦東區的Lee Broom工廠手工製作而成。Lee Broom尤擅創造充滿超現實感的沉浸式體驗空間，為觀者帶來驚喜、進而引發共鳴。兼展古典與現代風格的別致設計為其贏得超過40項國際設計大獎，包括英國「年度設計師獎（Designer of the Year）」及由女王親自於白金漢宮頒發的「企業女王獎（The Queen’s Award for Enterprise）」等獎項。

走進專營歐洲繪本的童里繪本洋行，adj. everything 形容事物所共同創辦人蔡東宏與許琇鈞，以設計師與父母的雙重視角，重新看待繪本與閱讀的意義。他們會挑選什麼書？作為大人，他們自己也愛繪本？從親子共讀的日常出發，分享閱讀的喜悅，也從孩子與大人的角度，選出親子共樂的繪本。

➣本文選自La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》，更多精彩內容請點此

「書其實很平易近人，每個人都可以用自己的方式閱讀，不管是坐著、站著或蹲著，在這裡，看書是很自由的一件事。」許琇鈞說。身為形容事物所共同創辦人，她與蔡東宏長期以設計作為連結人與世界的方式，關注閱讀、城市與生活等議題；2016 年迎來女兒後，這樣的關注，也自然延伸到「孩子如何理解世界」的提問之中。在他們位於空軍三重一村的工作室裡，兩人將閱讀轉化為一種可被共享的日常實踐——從為國小、國中等不同年齡層發想的「城市教室」，到結合選書與共讀的「閱眷室」，邀請人們與孩子自由進入、停留與閱讀。

對他們而言，與孩子一起閱讀，不只是自我興趣的延伸，更是一種價值觀與世界觀的傳承。

從陪伴到對話的共讀歷程

談起與女兒的共讀時光，許琇鈞分享，她會依孩子的成長將閱讀分為不同階段。在 0～1 歲的嬰兒時期，孩子尚未理解圖像，但閱讀早已融入日常之中，常常在她清醒或玩耍的零散時段，從繪本延伸出各種互動與遊戲。蔡東宏形容，那段共讀時光彷彿一種喝牛奶的睡前儀式。「透過童書，小朋友其實真的會有被療癒的感覺，也就更容易入睡。」

而在 1~6 歲的階段，孩子雖尚未識字，但已能理解圖像，也開始在幼稚園累積閱讀經驗，因此回到家後，兩人則透過 1~3 小時的睡前共讀，或在週末走進圖書館、書店，讓閱讀在不同場域間展開。如今，隨著孩子逐漸長大、識字，他們也不再全然陪伴閱讀，更多是從生活經驗出發，依照孩子當下的心情與處境挑選書籍，讓她慢慢建立自主閱讀的習慣。 許琇鈞舉例：「像遇到人際關係的問題時，我會找相關的讀物給她。當再次面對現實情境時，我就會問：『你記不記得那本書寫了什麼？那你覺得你會怎麼做呢？』」

一本好繪本的標準與重量

事實上，早在女兒出生前，兩人便已有閱讀、收藏繪本的習慣。蔡東宏説，平常逛書店時，他往往會被建築、藝術、 插畫相關的圖像書或繪本吸引；大學剛畢業的那段時間，更曾密集地探索與購買這類書籍。許琇鈞則指出，繪本需要以極為簡練的手法敘事，這樣的特質不僅體現在圖像與裝幀上，也延伸至整體的完成度與美感。這樣的形式，從她國、高中時期就深深吸引著她。「繪本最美好的地方，就是可以透過圖像閱讀內容。」即使面對外文書，也能以自己的方式理解、轉譯，而父母在其中的參與和再詮釋，也讓同一本書在不同時刻展開全然不同的閱讀經驗。

從設計師到父母，兩人在挑選繪本時，也逐漸發展出一套屬於自己的標準。許琇鈞將選書邏輯歸納為兩個面向：「概念」與「風格」。前者關注繪本是否具有獨特的世界觀與思考深度，後者則回到色彩、造型和整體視覺的成熟度與完整性。相較之下，蔡東宏則更傾向從直覺出發，著重繪本是否在美感上打中自己。「有些書放在書架上，你就是會想把它拿起來，有些則會略過。」不過他也認為，繪本最關鍵的並非形式，而是更根本的內容與價值。「其實長大後會發現，繪本畫得再好，都比不過它的內容，也就是它背後的人文精神。」

在兩人眼中，繪本所具有的「物理真實」，亦是其難以被取代的珍貴之處。「繪本有很多特別的形式和紙質，例如一些手工書或立體書，這些都是在 3C 世界裡無法體驗到的樂趣。」許琇鈞笑說，如今小孩子仍會主動翻閱的紙本書，很大一部分正是繪本，也因此成為少數能讓孩子暫時離開 3C 的媒介。「不管是在過去還是現在這個數位媒體爆炸的時代，這樣的形式都顯得相當難得。」閱讀繪本時，理解內容之外，更能透過觸摸、翻頁與操作，讓人感受一種存在於真實世界裡的重量。

大人也有讀繪本的理由

「跟小孩子一起看繪本或閱讀的過程，會讓你突然意識到：我曾經也是這樣、原來小孩子是這樣在思考的。」許琇鈞說。對兩人而言，與孩子共讀的經驗就像是一種反向的提醒，讓自己重新找回曾經的直覺與童趣想像，也逐漸鬆動那些早已被日常與理性覆蓋的感知。

蔡東宏則分享，當了父母之後，會帶小朋友去共融公園、玩溜滑梯，也讓他像是突然被打醒，發現快樂原來可以很簡單。「就溜個滑梯下去，那種舒暢感、微微地心跳要跳出來的那種刺激感，好像就能讓人忘記煩惱。」他也進一步提到，「滑梯、遊樂場或繪本，常常被貼上『給小孩的東西』這樣的標籤，但其實不一定，因為我們內心都還保有一個孩子。」在他看來，繪本就像是在邀請人們再次當一回小孩。「現在很多人好像已經忘記怎麼做夢、怎麼去想像了，而繪本可能就是重新點燃赤子之心的助燃劑。」

童里小萩店長推薦！給大人的繪本2 選

《Little tree》

已故日本平面設計師、繪本大師駒形克己在家人過世之際，有感而發所創作的作品。書從一棵樹的一生出發，透過圖像與剪影，對照人類漫步的過程，也隱喻生命從誕生、消逝到再生的循環。駒形克己對紙張的材質也極為講究，每一頁不同的質地都呼應著故事內容。大人們多少都經歷過一些生離死別，但這本書可以讓你用更沉穩的心去面對，並重新開始、如同樹一般再生。

《女人》朴允政（Park Yoon jung）

透過抽象的圖像，描繪女性在不同狀態下，無論是痛苦、喜悅或孕育生命時的身體姿態。在韓國女性意識逐漸抬頭，卻仍被受限、打壓的社會背景下，許多創作者透過這種較為軟性的手法，提出關於尊重女性的訴求。我覺得這本很適合獻給正在尋找自我的年輕女性閱讀。

形容事物所推薦！給孩子的繪本 2 選

《想像力大考驗》 諾門．麥森爾

沒有階梯的梯子，沒有鑰匙孔的鎖，能否有一 段沒有序言的推薦序？孩子繼續「想像」，大人卻要「正確」答案，而答案背後或許還有另 類可能！允許孩子想像的應許地，也是大人短暫的棲息地，給孩子就是給自己。

《霧中的馬戲團》 布魯諾．莫那

出自義大利藝術家、設計師 Bruno Munari 的經典出版，雖過半世紀依舊令人玩味。將紙藝發揮得淋漓盡致、透過描圖紙一起穿越層層濃 霧，在多彩挖空紙張中幽默地參觀馬戲團，與孩子一起閱讀、一同遊玩。

adj. everything 形容事物所
由蔡東宏與許琇鈞於2016年成立的設計工作室，以「為人事物找出貼切的形容詞」為核心，關注人與閱讀、城市與生活等議題。從出版形式、閱讀空間到社區與文化實踐，持續在理性結構與感性經驗之間，探索設計的可能。

童里繪本洋行
地址：台北市大安區潮州街15號

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》

_{文｜葉欣昀　攝影｜蔡耀徵　場地協力｜童里繪本洋行}

在快速變動、被不斷更新的物件與技術填滿的時代裡，設計是否仍能回到感知本身，重新回應時間、人，以及我們所處的世界？今年春季，Maison&Objet 巴黎時尚家居設計展（簡稱M&O）以「過去揭示未來」為題，試圖在歷史與當代之間，尋找設計的另一種觀看方式。而對年度設計師Harry Nuriev 來說，這樣的「重新觀看」，也早已融入他日常的創作實踐裡。

➣本文選自La Vie 2026／2月號《走廟創意日常》，更多精彩內容請點此

「如果一件作品合乎邏輯，它自然會是美的；如果它不夠美，那就代表哪裡做錯了，只能重來。」自2014年創立Crosby Studios以來，Harry Nuriev以紐約與巴黎為據點，逐步展開一項項難以被單一領域框限的創作實踐。從Balenciaga、Dover Street Market、Jimmy Choo等時尚品牌，到法國國家家具中心與羅浮宮，他的作品遊走於藝術、時尚、室內與公共空間之間，卻始終保留建築思維中那份近乎嚴苛的自律。受過完整建築訓練的他，無論面對的是高度概念化的展覽、品牌空間，或看似日常的物件轉化，關心的從來不只是「好不好看」，而是這個選擇能否真誠地回應所處的現實與脈絡。

在過度填滿的世界裡，重新感知

「過去學建築時，我便經常質疑：如果可以想辦法修復這座建築，為什麼還要在旁邊蓋一座新的？」在一個早已被物件、資訊與既有觀念過度填滿的世界裡，Harry不想試圖「發明」什麼，而是希望讓那些已經存在、卻被忽略或失去位置的事物，再次被聽見、看見，並重新被賦予意義。在他所打造的裝置作品系列《Rock》中，CD被轉化為雕塑性的存在，鏡面則嵌入鼓棒與彈片等元素，映照出他對聲音、節奏與懷舊記憶的連結；又如《Window Shopping》展覽中，他將目光投向消費時代裡被快速淘汰的美妝用品，透過極為克制的陳列方式，讓那些原本註定被丟棄的殘留物，得以被重新觀看與理解。

Harry將這樣的創作哲學稱為「變形主義」（Transformism）。在他看來，變形並不意味著增加，而往往始於刪減——極簡與單色不再只是視覺選擇，而是一種放大感知的方式，讓空間與物件回到能被身體與情緒真實感受的層次。這樣的減法思維，也具體體現在他於巴黎瑪黑區打造的Café Nuances之中：空間以溫暖的橘色光暈為基調，僅保留覆以碎銀金屬、受法國雕塑家César Baldaccini啟發的吧台作為視覺核心，將注意力收斂回「喝咖啡」這件事本身。「在當代，我們的注意力其實非常有限，甚至必須為『專注』這件事奮力抵抗。因此，這裡刻意不設置螢幕，也加入了一些小小的設計策略，希望人們能暫時遠離干擾，聽見自己內在的聲音——因為這個世界實在太吵了。」

當創作成為人的延伸

「我喜歡看見自己的作品如何與街道、與人群一起演變，看看它們如何改變生活、改變城市，也改變產業。我從來不想為了一張好看的照片而創作。」在Harry眼裡，空間一旦完成，便永遠屬於大眾。人們會走進其中、使用它，將它視為日常的一部分，甚至成為家中客廳的延伸。也因此，創作不再只是關於自我表達，而是必須為他人預留位置，讓人們能從中帶走一些東西，回到各自的生活裡。他相信環境始終以極其細微的方式與人互動，如同一隻看不見的手，悄悄地影響著我們的情緒與狀態。「當然，幸福本來就存在於我們內心，但正是與環境之間的對話，才能將那份感受真正喚起。」他補充道。

對Harry而言，每一次合作都是一段關於「人」的相遇。他形容Crosby Studios是一個由社群驅動的工作室，那些與人的連結、真實且具體的生命經驗，遠比任何材質、形式或風格來得重要。「當與大型品牌合作時，他們的規模和力量有時會讓人感到極度緊繃，甚至『麻痺』。這時，你就必須抽離，將目光重新回到人的身上。」他從不以商業客戶或文化機構來區分合作對象；真正重要的，是與對方坐下來聊天、提問、交換想法，並在反覆對話中慢慢形成共識。「靈感正是從那裡誕生的，也是我所珍視並堅持的價值。」

在實踐之前，別急著定義未來

2023年，Harry曾與法國國家家具中心展開合作，運用AI重新閱讀17世紀王室掛毯的古老紋樣，並將其轉化為符合當代視覺語境的圖像，回應這項歷史悠久的織品傳統。儘管如此，談及AI科技與當代創作環境的變化，他顯得相當從容。「這幾年我生活與工作的重心都在法國，這裡有太多歷史、太多神聖卻隱密的珍寶，以及層層堆疊的美學語境，一輩子都不足以完全理解它們，為什麼還要急著去思考AI呢？」相較於追逐工具與技術，他更傾向簡化一切——一張紙、一支筆，足以承載最重要的想法。「我喜歡用一支很普通、很便宜、就算不見了也不會心痛的筆，在紙上寫下真正的筆記；我所有最成功的作品，都是這樣畫出來的。事實上，這支筆我已經好多年沒有弄丟過了。」

回顧自己的創作歷程，從最初的建築訓練，到如今橫跨藝術、時尚、家具與室內設計，Harry形容這條路從未真正改變，卻又每天都在改變一切。「我很年輕的時候，什麼都想要嘗試，從平面設計到景觀建築，沒有一個想錯過。創作的世界非常寬廣，你必須盡可能去走過不同的路。有時候，在你真正把所有的可能性都試過以前，不需要急著緊抓某一個夢想，因為你最擅長的地方，可能正是你從未意識到的那一塊；而有時候，你所謂的『夢想』，其實只是一種浪漫的想像而已。不要讓內在的創作障礙，壓過你真正的實踐。去做就對了。」

《變形主義宣言》

變形主義是一種觀看、感受與行動的方式。
這不是一個追求創新的時代，而是一個需要敏感度、同理心與真誠回應的時代；一個必須重新思考、重新塑造那些我們早已做得太多的事物的時代。
我的創作不是從一張空白畫布開始，而是從這個世界本身開始。
我走進一個空間、一個脈絡、一個現實，然後我選擇。
變形主義，是將某物轉化為另一種存在——不是抹去它的起源，而是放大它的本質。

Harry Nuriev
設計師、藝術家，Crosby Studios創辦人暨創意總監。出身於建築背景，創作橫跨藝術、時尚、空間與物件設計，並提出「變形主義」作為核心哲學。透過刪減與轉化，重新回應既有事物、空間與文化語境，使創作回到感知、情緒與人之間的真實連結。 IG @harrynuriev

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