2016年開館以來專注當代寫實藝術策展，南投毓繡美術館今年度預定藉兩大檔期，標記此一軸線上的10年里程碑。上半年《我們走了十年》現正進行中，下半年《想像的質地》已悄然啟動；從紐西蘭、美國、英國、比利時遠道而來的4位藝術家，以及台灣在地藝術家暨策展人宋曉明，將在寫實脈絡下翻攪甚至顛覆寫實，同場揭示多元美學觀點。秋涼之前，本文帶你率先掌握展覽主題，一併揭曉交融聲音與表演的跨域計畫。

走了十年，國際聯展《想像的質地》挑戰寫實底線

毓繡美術館10週年典藏與行動回顧展《我們走了十年》即日起至2026年8月23日結束後，國際聯展《想像的質地》接續在9月19日開展。

延伸閱讀：翻頁前，回望當代寫實這一路：毓繡美術館《我們走了十年》匯聚日本、義大利等48件典藏作，在南投山中編織光影與藝術

作為10週年計畫的下半年環節，館方特別邀請目前執教於台師大美術系、專精現代與後現代寫實繪畫研究的藝術家宋曉明擔任客座策展人，以展覽題名「想像的質地（Imaginative Reality）」回應毓繡美術館長期著眼的當代寫實藝術本質，亦隨之丟出挑戰與質疑：當衝突和變動已成現下社會之常態，創作者如何用作品持續翻攪寫實概念？

策展脈絡故圍繞「當代繪畫的不確定性」核心題旨，由館方攜手5位坐擁不同文化背景的藝術家，透過約60件風格迥異的創作實踐，反思視覺圖像的深層意涵，進而形塑廣義寫實範疇內各有詮釋的多樣時代面紗，涵養偏鄉地區美學底蘊。以下逐一爬梳參展藝術家創作軌跡及作品特徵。

▍紐西蘭藝術家Emily Wolfe

現往返居住牛津、倫敦兩地。善用拼貼手法描摹既熟悉又超現實的古典風景，同時寄寓情緒與記憶的流動性於具體畫面，使圖像不僅僅指涉單一想像。

▍美國藝術家Cameron Martin

早期多融合照相機和印刷特質，其中奠基高明度、低對比等強烈調性構築風景的壓克力作品，尤顯露他始終關注的圖像構成及邊界問題：根據繪畫的不確定性，「完整再現」非唯一的創作途徑和訴求。

▍英國藝術家Nicholas Middleton

擅於採取單色調，轉化影像的三維現實為畫布的二維平面，並經由暗示圖像無法完全類比真實視覺經驗，強調繪畫形式的再思考。

▍比利時藝術家Greet Van Autgaerden

片段性的多彩畫面處理，將視覺現實抽離至斷裂的畫布平面，企圖讓觀者在其營造的畫面張力中，拓展風景圖像的感知可能，從而思索人類文化與當代自然景觀的關係。

▍台灣藝術家暨本展策展人宋曉明

創作始於圖像過剩時代下對圖像本質的深刻探問，結構布局理性，常以極其逼真的紙膠帶為視覺符號，斟量寫實繪畫風格的定義與平面物質在繪畫中的價值。

圖像的價值不再是提供答案，而是促發想像

身處當代藝術環境，人們已經難以賦予視覺圖像和平面繪畫簡單清楚的定義。然有賴此次邀展作品紛呈的觀點，《想像的質地》正帶領觀者進入繪畫形式所衍生出更廣袤的想像境地；這無疑是毓繡美術館身為當代寫實藝術展館亟欲審視的議題。9月正式開幕之際，4位海外藝術家預計親自來台，館方同步規劃後續講座等相關活動，致力促成創作者與觀者間更深層的交流。

▼ 2025年，美國藝術家Tony Matelli至毓繡美術館舉辦台灣首展《佈局》期間，館方亦邀請藝術家座談分享

展前預熱：跨域計畫遊走空間，在「對稱破缺」中尋找詩性失序

聯展正式開幕前，深耕國際網絡的台灣當代音樂團隊捌號會所（Studio Acht）創辦人林芳宜，將聯手柏林新音樂室內樂團（Ensemble KNM Berlin）發起為期13天的多國共製計畫《殘缺的對稱》，向場館空間汲取創作材料，實現聽覺與視覺藝術的互文效應，開啟觀展新視界。

計畫主題發想自物理學的「對稱破缺（Symmetry Breaking）」理論，指完美對稱的系統受到擾動後產生的結構性偏移——「失衡」恰為動態生命的起點。林芳宜以此對應美國作曲大師莫頓費爾德曼（Morton Feldman）經典作品《Crippled Symmetries》，視毓繡美術館清水模建築為「聲場」、聲音為「展品」，並打破舞台限制，憑多重空間同步、全場域移動式演出型態，讓觀眾參與不限於靜坐同一位置聆聽，更被引導起身行走，而自主意識空間的存在、重新辨識空間中潛藏的節奏變異。演奏家甚會在小型場域進行一對一展演，內容由雙方即時決定，造就不可複製的聲音互動經驗。整體通過不穩定空間的建構，挑戰人們對穩定結構的預期，感受藝術如何在不同步的交錯作用中變幻與迴響。

毓繡美術館

南投縣草屯鎮健行路150巷26號

• 開放時間：10:00-17:00，週一及國定假日休館、週四15:00閉館
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• 下期展覽：

跨域計畫《殘缺的對稱》

- 展期：2026年9月1日至13日

- 地點：園區各處

國際聯展《想像的質地》

- 展期：2026年9月19日至2027年1月31日

- 地點：展覽館

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從長居花蓮、對地震的感知記憶出發，台灣藝術家邱承宏用403花蓮大地震的斷垣殘壁，及其他震災後留下的建築遺構為材料，重構了書櫃、螺旋樓梯等生活物件，試圖在崩壞後，以物質材料為媒介、自身經驗為見證，建構一種生活新秩序。這片由災後廢墟重生的風景，現正於台北耿畫廊旗下藝術空間TKG+《柔韌之餘》展覽展出中。

為何以震災遺構為材？

台灣島位處環太平洋火山帶，地震等天災對生活在這座島上的人們並不陌生——從經歷震盪時的不安、面對生死的苦痛，到災後如何面對、感受、記憶那破碎後的日常，是伴隨台灣人成長經歷的個人和集體經驗。《柔韌之餘》主角藝術家——邱承宏，生於花蓮，現也在花蓮居住和工作，對此感受尤為深刻。

考古藝術家的記憶修補術

邱承宏的創作過程，如一場又一場「修補記憶」的歷程。他常以「考古探險」般的姿態，潛入時空縫隙，挖掘那些曾經存在的身影和軌跡，並將這些細膩觀察，透過裝置、雕塑生動地重塑，藉此發展一套獨到的「記憶修補術」。在《柔韌之餘》展覽中，邱承宏從長居花蓮的經驗出發，以地震倒塌建築中回收的鋼筋、磚瓦與混凝土為材料，重構出旋轉樓梯、櫃體結構、燈具等雕塑，這些作品悄然佇立展間，彷彿在災難崩壞後形成一種生活新秩序。

斷垣殘壁重生後的生活場景

展間內，〈失衡的螺旋〉像是一座扭曲的螺旋階梯，其造型取法自然界生命生成與自我複製的基本法則——以0、1、1、2、3、5、8……為節奏的費波那契數列，以及DNA雙螺旋結構。然而在此，螺旋不再穩定向上、循環不息，而是帶著偏斜與裂縫，顯露出斷裂、錯置與再生的痕跡。每一階梯面承載來自不同災難場域的殘片，表面以磨石子封存時間與磨損的痕跡，像是將強烈的地質運動，凝結為一種看似建構、實則失衡的螺旋結構。

而在作品〈夜與靈魂〉中，邱承宏將地震災後遺留的鋼筋與混凝土，轉化為書櫃與書本雕塑，構築出一座承載記憶的微型圖書館。邱承宏提及，這件作品揉合了他在高壓狀態下反覆出現的夢魘，以及2024年403花蓮大地震中倒塌建築所留下的斷垣殘壁。他將扭曲的鋼筋，重構成書櫃的骨架，把碎裂的混凝土、混合水泥重新鑄造成書本的形體，交織創傷、夢境、物質，與工作燈投射出的微光，讓空間迷漫著一股幽謐、近乎潮濕的氣息，彷彿某段被覆於瓦礫之下的時間重新滲出表層。

回到《柔韌之餘》這一題目，邱承宏作品之「柔韌」不只是以人本出發所展現的堅韌，更是關於材料作為一種見證，也關於雕塑作為一種當代紀錄，側寫下了這個時代人類、物質與自然之間依存又緊繃的關係。

回顧更多邱承宏的「記憶修補術」

《柔韌之餘》是一場邱承宏對於災難的「記憶修補」，再回溯他的其他作品，主題更為廣泛。如雕塑作品〈繡燕〉，源自2020年他在花蓮找到一批老舊的水泥動物雕塑，這些斑馬、豹、老虎……出自不知名工匠之手，外表粗糙滑稽，用料和比例缺乏考究，在70年代的台灣蔚為流行，常見於校園或遊樂空間。

邱承宏對這些動物雕塑的缺口、風蝕痕跡等「傷口」進行掃描，並利用3D列印將其放大200倍，做成磨石子雕塑，表面以混凝土、礦物、銅線縫補點綴，讓缺陷再次豐盈，令人工雕塑以「石」的形態回歸自然。在〈繡燕〉當中，邱承宏是穿梭回70年代台灣搬運記憶的時空行者，也是用雕塑重構記憶的工藝家。

雕塑是「經修補後的圓滿」

隨時代演變，雕塑早已不像在古典藝術中，單純作為紀念碑或宗教、英雄史觀的載體，而從「崇高」象徵逐漸轉向對現實處境的回應，開始觸及勞動、性別、族群與記憶等具體而微的生命經驗；媒材也從講求「永恆」的大理石、不鏽鋼等，擴延至工業材料、現成物等，甚至引入聲音和行動。

邱承宏的雕塑也是如此，他不用雕塑重現某種形體、指涉特定事件，並將金屬工具、災難遺跡、吊車等素材融入創作，以作品作為回應時間、空間、身體的媒介，具象化自身抽象意念的視野。對他而言，雕塑是「經由修補後的圓滿」，無論是將缺口與殘片重新修復，或是讓缺口透過藝術的形式獲得美學上的新生——這樣如日本「金繼」工藝中對「碎片與缺失的關懷」，貫穿了邱承宏的創作價值觀。

《柔韌之餘 — 邱承宏個展》

展期 | 2026.03.07－04.25

地點 | TKG+（台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）

由臺北市立美術館策劃之台灣館「鬱卒的平面：李亦凡」，即將在2026第61屆威尼斯國際美術雙年展於義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）展出，展期為2026年5月9日至11月22日，其中5月7日至5月9日開幕當週的下午將舉辦多場公眾活動，並於5月7日晚間舉辦台灣館開幕儀式。

藝術家李亦凡 × 策展人Raphael  Fonseca

本屆威尼斯雙年展台灣館由成長於網路技術萌芽期的藝術家李亦凡與策展人哈法艾爾・馮希卡（Raphael  Fonseca）組成，在數位轉型世代的背景下，同為見證者與觀察者，透過幽默與荒誕的敘事語境，提出不同於以往的觀看視角與當代觀點。展覽最初以葡萄牙語「Melancolia de tela」構思，指涉長期使用螢幕所產生的鬱卒狀態；隨著轉譯為中英文「鬱卒的平面（Screen Melancholy）」，在不同語境中展開新的意涵。「鬱卒」回應數位時代資訊過載與人工智慧快速發展所帶來的焦慮，同時映照人在螢幕介面中逐漸被扁平化的感知經驗與情緒狀態。

策展概念從李亦凡影像創作的發展脈絡抽絲剝繭，馮希卡追溯自第一件作品《海邊散步》（2011）至本屆威尼斯雙年展新作《鬱卒的平面》（2026）的創作軌跡，觀察其影像技術的演變與敘事節奏的轉變，並延伸至對當代數位文化的思考。他亦以西方藝術史視角加以詮釋，借鑑德國藝術家阿爾布雷希特．杜勒（Albrecht Dürer）1514年的版畫《憂鬱 I》（Melencolia I），將文藝復興時期對人類處境的思考延伸至當代科技與影像焦慮的探討。

反思知識的廣度與科技焦慮的當代處境

李亦凡生於臺北，目前正於荷蘭皇家視覺藝術學院（Rijksakademie van Beeldende Kunsten）駐村。長期自製影像開發工具，發展「數位操偶」創作方法，自2021年透過即時遊戲引擎進行創作，將動畫生產轉化為更具直覺性的過程，使影像成為個人且私密的探索與後設反思；李亦凡不僅在創作中檢視自身，也揭示影像背後的權力結構，重新檢視人與影像技術之間的關係，探討影像如何形塑人類感知。新作《鬱卒的平面》呈現藝術家創作實踐的關鍵新階段，集結多年鑽研的影像技術，在機械學習生成式人工智慧的細縫中尋求人性的本質，引導觀者反思知識的廣度與科技焦慮的當代處境。

作品回應普里奇歐尼宮邸的歷史與建築脈絡

台灣館自1995年設於威尼斯普里奇歐尼宮邸，這棟建於17世紀初與總督宮相連的監獄，是過往囚犯走向即將終生囚禁的牢房前的必經之路。李亦凡試圖回應普里奇歐尼宮邸的歷史與建築脈絡，將實體場域融入影像敘事，創作出前所未見之作。當觀者觀看作品時，承載著影像、聲響與雕塑的空間容器，彷彿重新召喚身體記憶，在虛實交錯的感知之中，讓觀者體驗「既觀看、亦被觀看」的親密且具臨場感的觀看經驗。

映照千禧世代與科技之間的緊密關係

隨著步入展間，以一件長達60分鐘的全新影像裝置為核心，搭配兩件新作短影片，訴說一顆「眼球」返家的故事，探索眼球世代中個人與「影像」的層層關係，沉浸在藝術家私密的後設反思。李亦凡以一人即興讀白的口吻摻雜著教學影片的形式，提出對電腦動畫的講解與AI生成影像的思考，再延伸至「高雅」與「低俗」文化影像差異的討論，更透過不同人體器官重逢的對話，探討人工智能對人的影響。隨著劇情推進，場景不斷變換，在影片中普宮化為戲劇性的動力舞臺，交織慾望與恐懼，映照千禧世代與科技之間的緊密關係。

逐漸模糊「真實」與「數位」之間的界線

延續李亦凡長期對模型、數位操偶與模擬佈景構圖的興趣，他在實體展場內陳列著手掌、腳、頭、局部的腿與手臂等大型3D列印雕塑，與影像中角色的身體相互呼應。觀者在觀看影像的同時，也被這些誇張比例的身體碎片包圍，將空間轉化為戲劇性的後設舞台，營造出呼應著電腦生成影像的戲劇性解構場景，並可供觀眾坐下休憩，使「真實」與「數位」之間的界線逐漸模糊，展現台灣館不同以往的全新力度。

李亦凡表示：「我的創作始終源於個人情感，但這次我思考的是，這些私密情緒如何與同世代的人產生共鳴。我希望觀眾在《鬱卒的平面》中既展開一段孤獨的旅程，也共同面對這個由科技重塑、由演算法主導的世界。影像曾是如此重要，曾像是連接世界的窗戶，如今卻發現這個窗戶其實僅是一塊平面時，我們又該如何回應。」

馮希卡指出：「李亦凡透過即時引擎與建模系統等工具，解構影像生產技術的結構。當這條創作軌跡與他慣用的黑色幽默交織時，便揭示出一種在扁平螢幕前共享的憂鬱狀態。在身處於21世紀的四分之一末端，面對日益狹隘化的後虛構與數位自戀，李亦凡並未提供神奇的解方或道德化的回應，而是暗示每個人都兼具囚徒、操控者與偶的三重身分。就讓我們欣然接受這種處境的鬱卒，準備迎接如螢幕般扁平化的存在。一切才剛開始而已。」

另外，開幕當日下午將舉辦藝術家與策展人對談，分享展覽創作歷程。隨後，韓國藝術家洪銀珠（Eunju Hong）將帶來現場演出《She seemed devastated, when I was weeping with joy》，透過編舞探討憂鬱與身體動態的主題。

2026「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館 「鬱卒的平面：李亦凡」
展期：2026年5月9日至11月22日
2026年5月09日至9月30日，每週二至週日上午11 時至下午7時
2026年10月1日至11月22日，每週二至週日上午10時至下午6時
週一休館， 5/11、11/16特別開放
地點：義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni, Venice, Italy）
主題網頁：www.taiwaninvenice.org/2026