↑林建榮作品〈靈光‧閃耀〉進駐在圖書館周邊，或站或臥的燈泡人偶手持著漂浮物，象徵著靈光乍現的創意。
 
這是一場新世代的閱讀行動，結合了閱讀與藝術的夏日盛宴，正於國立臺中圖書館盛大展出的《讀．樂—公共藝術節》，3件永久作品、15件臨時藝術計畫，要在這座閱讀新園地中綻放知識。現在就讓我們悄聲潛入，安靜地，與藝術來場知識的對話。

↑向來以觀察社會現象、幽默方式創作的王艾莉，〈句子販賣機〉販售的不是零食，而是一個個極具涵義的經典詩句。

城市是個巨大的畫布，總隱藏了無數可供探尋的小細節。有別於台北快速繁忙與擁擠的景致，都市紋理隨著藝術生活化的推廣，屬於台中的精神向度與氣質慢慢成型。
年初落成喬遷的新國立臺中圖書館，以朝向數位圖書化的概念發展，獨特建築手法成為台中街廓中美麗的地景，成為市民另一處休閒之地。落成之初即舉辦了大型公共藝術展覽計畫徵件活動，由麻粒國際文化試驗負責策劃，以3件永久公共作品、15件臨時性公共藝術計畫、藝術體驗活動與工作坊，讓熱鬧的夏日活動形成一個藝術漣漪，深入市民生活之中。

 

↑崔永嬿作品〈一本書，一朵雲〉，猶如雲朵般的填充具設置於大廳周邊，民眾可自由拆組，就像是雲朵般的自由。

閱讀的無限可能性
所有的活動圍繞在「全民好讀‧樂活無限」之中，以回應「豐富人文景觀，享受閱讀生活」之訴求，並且在著重閱讀與數位化的國立臺中圖書館中，「讓閱讀深入生活」、「讓藝術塑造參與」、「讓交流啟發想像」、「讓學習增添樂趣」，主題上著重在知識與閱讀的關係，卻又能夠貼近民眾的生活，親民的方式，要讓民眾感受一場藝術、生活、文化所交織的「樂讀饗宴」。永久藝術作品回扣著圖書館意象之型塑功能；臨時性藝術作品與民眾參與計畫則分別以空間裝置、城市藝術計畫、互動藝術、藝術擾動事件、集體創作參與、藝術美學教育等多樣形態詮釋出「閱讀與當代生活場景、知識分享經驗、共感記憶、行為隱喻」。

 

↑黃子欽作品〈非書。非椅。〉運用書本舊刊及具有文化象徵的物件、影像，鑲嵌於座具表面，透過書本封存於透明結晶中的手法，傳達出知識不會消失的概念。

 La Vie特邀麻粒國際文化試驗執行長江洋輝為我們導覽這場閱讀藝旅，在藝術導聆中，以另一種閱讀方式享受知識洗禮。走進充滿流線型的建築地景中，三件永久性的公共藝術作品分置於圖書館周邊與大廳：林家祺的〈璀璨之書〉，將散落周邊的花崗岩座椅打造成一本本書籍，等待路過的民眾停駐、閱讀；位在廣場的大型雕塑作品，是楊尊智以「閱讀無限」的想像概念出發，不鏽鋼與大理石材質以極具未來感的書寫線條，塑造出國立臺中圖書館廣場中央的指標性視覺形象。

 

↑林玉婷作品〈關於閱讀， 我想吃的其實是⋯〉，擁有甜點執照的藝術家，以各種虛擬的美食造型打造出圖書館的閱讀裝置。

若隱若現的閱讀意象，展現著藝術家腦海裡閱讀生活的視覺想像，也呼應著圖書館的本質。透過多元化的活動與民眾真正融入藝術，多重視角的觀察，讓各種閱藝行動在此凝聚。當圖書館真正成為人們生活的一部分時，總有些意想不到的驚喜在城市中發生，如同林建榮的燈泡人，就這樣閃耀了周邊綠地，溫暖、光亮的視覺也象徵著靈光乍現，這樣不經意卻深具親和力的展覽，也拉近了台中市民對於圖書館的傳統印象。

 

↑許宗傑於大廳入口天花的永久性作品〈觸‧CONTACT〉，作品以名畫「創世紀」的概念為發想。

生活中還有什麼閱讀的可能？
撇除對圖書館既有的想像，本次計畫讓人們對於圖書館制式的陳設多了想像與挖掘的期待，更有許多寓教於樂的互動；在大廳中遇見王艾莉的〈句子販賣機〉，經典的文句藉由趣味性、生活化的方式植入腦袋，藉此誘發更多閱讀知識的可能；一層一層的向上爬，不同樓層的各個角落都有不同的驚喜，在〈關於閱讀，我想吃的其實是⋯〉作品中，擁有甜點執照的林玉婷結合文字、食物與閱讀文本的造型意象，創造各式各樣美味的閱讀裝置，甚至在每日店長的閱讀分享機制和民眾的感想回饋中，讓味覺在文字中轉換。
 

↑楊尊智運用不鏽鋼與花崗岩創造出〈讀樂‧無限‧大未來〉。

當見到各種自發性、各種閱讀後的內化知識，串聯起藝術家、作品與觀者間的閱讀共感經驗，更具互動且讓藝術更具可讀性。每位藝術家對於閱讀不同的觀察，更不侷限在文本或閱讀書本上的詮釋，如都市酵母工作室以細膩的觀察力，〈圖書街景〉取材於台灣街道上隨處可見的各式招牌，以簡單有趣的參與行為邀請民眾共同將都市街景帶進圖書館內，創作成可愛的書籤藝術裝置，置放於書架上，獨特的觀看書籍方式，也導引了人們想像的可能性；抑或是來自法藉聲音藝術家Yannick與蔡宛璇共同組織的「回看工作室」，帶領民眾分別至市區、城市邊緣、市區周邊自然環境區域等地進行音景採集，最終集結各種聲音打造出可聆聽、觀察、體驗、閱讀城市的聲音。
 

關於閱讀的想像有很多可能性，也讓人反思在數位化浪潮下，閱讀在我們生活中究竟佔了多少比例？這些當代藝術作品把圖書館打造成具有美術館的可能性，所有的作品像是實驗一般，挑戰了人們、甚至是館方對於圖書館經營的角度。究竟追求知識的愉悅感、閱讀與生活的連結是什麼，在《讀．樂—公共藝術節》中，似乎有了更開闊的想像。台中所獨有的城市氛圍、良好的空間腹地，讓我們看到各種美學漸漸滲透在城市每個角落中，透過此展，也期待開拓出更多嶄新藝術生活能量。

About 江洋輝
畢業於臺北國立藝術大學美術系，現任麻粒國際文化試驗藝術總監，2003年成立的麻粒試驗所（VERYexperisite）為透過後八（P8）藝術團體的理念宣言所擴張的實踐性團隊，目前成員由藝術家、設計師、企劃工作者、技術工作者所共同組成。曾策劃2010好時光公共藝術節，並曾以捷運新店線小碧潭站公共藝術設置計劃「幸福知道」獲得第一屆公共藝術獎最佳策劃獎。
 

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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