繼《顫動的靈魂》從東京森美術館巡展各地，今年4月份方才於巴黎大皇宮落幕，塩田千春全新個展《靜寂之空》已在北京紅磚美術館領觀者另闢一段悟化旅程。與空間有著強烈互動性的「塩田式創作」，終以時而像擁抱、時而似拉扯、時而張力平衡的姿態，應場館本身環境蓬勃生長。而那兩綑至今不斷探問「缺席的存在」的黑紅絲線，此次更剝開東方哲學，化「空」為視覺沉思，在流瀉禪意的靜寂場館裡綻現生命力。

日本藝術家塩田千春（Chiharu Shiota）大型個展即日起至2025年8月31日於北京紅磚美術館展出。紅磚美術館館長閆士傑親力策劃，由藝術家根據館內環境，深度挖掘東方元素、充分調度在地材料，創作出一系列全新特定場域裝置。

《靜寂之空（Silent Emptiness）》籌備始於2018年，中間歷經5年的反覆調整與碰撞，完成了藝術家本人看來近年最好的一次展覽。不僅是對塩田千春「缺席的存在」這一核心命題的深化，更以她獨特的東方哲思與跨文化經驗為脈絡，將東方哲學中的「空」轉化為可觸可感的視覺沉思，亦在其創作生涯中尋找新坐標。再者，透過早期行為影像、為本展特別繪製的手稿等檔案資料的同步公開，觀者更可循跡回溯她「流離」之下獨特的藝術實踐歷程：作為日本人，如何從柏林一步步走入全球當代藝術視野，從方寸間的繪畫走向沉浸式大型空間裝置。

鹽的結晶，流離中的自我覺醒

作為長居柏林的藝術家，塩田千春的創作始終遊走於「東方基因」與「全球經驗」之間。她曾以「鹽的結晶」精準捕捉自己跨國身分的流動與凝結，而這種流離中的覺醒亦始終貫穿其創作。「在德國，我覺得自己學會了看到更多在日本時無法察覺的自我。例如，當妳把鹽水留在盤子裡，水分蒸發後，只剩下鹽。原本溶於水中、不可見的鹽開始結晶。我在日本時，作為個體是不可見的。在那片「水」中，我不知道自己是誰，不知道自己想做什麼，也不知道什麼是必要的。而來到德國後，我覺得自己終於成為了一個獨立的個體，如同結晶般清晰可見，並第一次真正理解了這些。」

生成於場館空間，6大作品重構「空」的詩學

自開放空間與流動氣韻凝塑出的「靜寂」精神，構建起了此次《靜寂之空》充滿詩意的場域。塩田千春特別強調紅磚美術館的空間特質，「它融合了東方園林的靜謐禪意與西方建築的秩序感，與我的文化背景產生難以言喻的共鳴。」再加上在其他場館難以實施的大膽手法（包括用水鋪滿主展廳、把兩面牆體鑿開巨大的洞等），愈發體現創作者本身對「空」的深刻理解。恰如策展人閆士傑所述，「塩田的每件作品都將充分與紅磚的建築空間完美融合，轉化為深邃的場域空間，共同構建了一個關於『存在』的終極追問，導向東方哲學中對『空』的悟化。」

▍空間裝置

#01〈多重現實〉

以7件連衣裙為載體，既是對「第二層皮膚」的隱喻，亦是對「肉身消逝後靈魂起舞」的追問。藝術家落下註解：「衣服承載個體的記憶、情感與經歷，是自我的延伸。」當空蕩的衣裙在昏暗的房間裡緩緩旋轉，倒影在平靜的水面上，像一場缺席之舞；肉身消失，但仍能從裙擺的運動中感受到其存在。正呼應藝術家自己對「缺席的存在」的詮釋——事物的缺席並非消亡，而是融入更遼闊的宇宙，重新參與時間的流轉，與萬物相連。

#02〈意識的蛻變〉

水面上一條蜿蜒的石墩小徑通向一個柔光絲滑下墜的黑暗房間，蝴蝶正從軀殼般的身體中剝離，引入莊周夢蝶的哲思；並通過懸浮的蝶翼與殘留體溫的床鋪，挑戰肉身與意識的二元對立。承藝術家之言，「每一次入睡都是死亡的預演——一次超越身體的旅程。」在這裡，「空」恰似生死界限的消融。

#03〈通往靜寂之門〉

以藏傳佛教一座古老的門庭建築為主體，無數紅線穿越其中，衝破牆壁，撕裂物理空間的邊界，輾轉延伸至天際，彷彿一股無形的能量突破了物質空間的束縛，構建出一個超越現實的精神通道——紅線既是聯結的紐帶，亦是斷裂的痕跡。挑戰物質與精神的界限，邀請觀者進入一個沉思與悟化的空間。

塩田千春的紅線在此是依緣而顯、隨緣應物的當下覺知。——策展人閆士傑

#04〈時間的回響〉

取北京當地的天然洞石，賦予「時間」以物質形態。從巖石孔洞中冒出的黑線如波浪般在空間中翻湧成無垠的夜空、黑暗而炙熱的遠古大地——塩田千春以「線」隱喻時間對物質的侵蝕與重塑。而在東方文化中，石頭更關乎哲學與信仰，是人們理解宇宙、建構意義的載體。當3塊石頭佇立於同一空間時，便彷彿形成了一處小型遺跡，觀者能夠感知那席捲一切的時間洪流在空間中激蕩起的回響。

#05〈生根的記憶〉

再沿隱祕小徑入一溫熱空間，一艘來自河北邢台朱莊水庫的廢棄木船占據核心，船體裂縫中生長出一棵樹，紅色繩索如雨絲般垂落，滋養根系。塩田千春通過「樹從船中生」的意象，構建自然與人類活動的共生循環：樹是船的起源，船又是樹的搖籃，孕育出新的生命——物質的消亡恰是生命輪迴的起點。

#06〈灰燼中的聯繫〉

作為展覽最後一件作品，燒焦的椅子全被紅線連接起來，象徵人與人的關係看似分離卻仍保有看不見的聯繫，彷彿訴說著：即使缺席，依然能被感知；即使毀滅，痕跡依然存留。

▍行為影像

展覽還將展出塩田千春早期的行為影像，包括1999年的〈浴室〉與2010年的〈牆〉皆以身體為媒介探討跨國身分的認同。〈浴室〉中，清洗的徒勞揭示了記憶的頑固性，如同皮膚上的烙印，既是個體歷史的見證，也是無法剝離的身分存在；〈牆〉中，身體既是牆本身，又是被牆禁錮的對象，如紅線般密布身體表面正在流動的「血管」則揭示了界限的虛妄——牆可倒塌、線可斷裂，但生命的力量永遠在禁錮的裂隙中湧動。

答案在每一根絲線的震顫中

從行為到裝置，塩田千春大量使用纖維、舊物、泥土等超越地域標籤的媒材，表達記憶、焦慮、夢想、沉默等無形的事物，通過對身分、界限和存在等普遍概念的質疑，巧妙地將個體焦慮轉化為集體記憶，將文化疏離昇華為對人類存在困境的叩問。策展人閆士傑強調，「塩田千春的『空』不屬於任何地域，而是對人類存在困境的終極回應。這正源於她在流離中的自我覺醒，在覺醒與疼痛間爆發出驚人的能量。」

進入紅磚美術館《塩田千春：靜寂之空》，如入一場「悟空」的旅程——當物質消逝、軀體消亡、時間流逝，人類如何通過記憶、藝術與信仰，在無我的宇宙重構存在之錨？塩田千春的答案藏在每一根絲線的震顫中——斷裂與聯結本是一體，廢墟中亦可生長新生。

這不僅是一場展覽，更是一場哲學宣言。塩田千春以纖維為經、舊物為緯，編織出「空」的當代詮釋：

它非虛無，而是緣起性空的自由，直面生死後的慈悲。

空性如如，不礙萬法紛然。

塩田千春

1972年生於日本大阪，現居德國柏林。2015年代表日本參加第56屆威尼斯雙年展，2025年被授予日本藝術選獎文部科學大臣獎。其創作靈感往往來自個人經歷或情感，進而擴展為生命、死亡和關係等人類普遍關注的議題。她通過收集既存的日常物件，如鞋子、鑰匙、床、椅子和裙子，使它們被吞沒在巨大的線織結構中，重新定義了記憶和意識的概念；並藉裝置、雕塑、繪畫、照片、行為影像等多元媒材深刻探索「缺席的存在」命題，2001至今在日本及世界各地場館多有展出。

紅磚VOICE｜對話塩田千春

以下內容由紅磚美術館製作，本平台經館方授權轉載

文字採訪：李彥瑾

Q1 請用你自己的語言向觀眾闡釋展覽《靜寂之空》？

A：展覽《靜寂之空》延續了我一直以來的創作理念——缺席的存在。在紅磚美術館這樣一個空曠而沉靜的空間中，我試圖喚起種種「存在」的感知：石頭承載的記憶、船體積累的時間、藏地古門的歷史、旋轉的巨大裙子汲取的能量，還有作品〈意識的蛻變〉中夢境與現實交織的邊界。展覽最後一件作品〈灰燼中的聯繫〉中，所有的椅子都被紅線連接起來，象徵著人和人之間即使看似分離，也仍保有看不見的聯繫。這些作品共同編織出一個關於「空」與「存在」的完整敘事。

Q2 在展覽《靜寂之空》中，你的作品如何與紅磚的空間對話？

A：這次展覽的策展人是紅磚美術館的館長閆士傑，籌備初期，我們就進行了多次深入的溝通。比如說他會提供大量可用於創作的材料和空間資料，我會根據材料分享我希望探索的方向。我們就這樣反覆溝通、碰撞、提煉，最後形成了如今的展覽。這次的作品確實是根據紅磚美術館的空間關係因地制宜進行在地創作。比如，〈多重現實〉的展廳設有一方水池，盡頭是一扇小門，觀眾通過它可以看到旁邊〈通往靜寂之門〉的門庭。這個視角製造出一種奇異的錯覺：入口與出口似乎共存於同一時空，引導人通往一個未知的世界。

Q3 今年你有多個展覽同開，比如巴黎大皇宮的展覽《顫動的靈魂》，與《靜寂之空》有什麼區別？

A：巴黎大皇宮的展覽在4月19日剛剛結束，是我之前在日本森美術館《顫動的靈魂》巡展，這個展覽圍繞「靈魂將前往何處」展開。展覽《靜寂之空》更側重於對東方文化基因的挖掘與植根，不僅是對紅磚美術館空間特質的呼應，也是我時至今日創作理念的延伸。我的作品中「缺席的存在」與東方哲學中的「空」相通，缺席並非消亡，而是融入更遼闊的宇宙，重新參與時間的流轉，與萬物相連。

Q4 這次在紅磚布展你親自參與長達半個多月，與以往展覽有什麼不同的體驗？

A：其實在日本和歐洲做展覽會比較像，展覽往往早早規劃好，按部就班推進，一切似乎都在可控範圍內。但這次在紅磚的布展節奏非常不同，時間緊湊，挑戰很多，大家的力量凝聚在一起，把不可能的事變成現實，這是非常不可思議的。雖然很辛苦，但我覺得特別有意思。

Q5 你剛提到不可思議的事情，可以展開聊聊嗎？

A：作品〈生根的記憶〉最令我動容，我從沒有想像過一艘長出樹的船可以被「活著」搬到展廳；還有作品〈多重現實〉的展廳中引入了一方池水，這對我來說也是不可思議的。所以說，《靜寂之空》只有在紅磚美術館，才得以實現。

Q6 你之前的作品如〈內與外〉曾探討東、西柏林的分隔與連接，《靜寂之空》展覽中是否也有類似的文化或社區性？

A：在這次展覽中，〈時間的回響〉與中國文化有很深的連接。中國人對「石頭」的理解和情感投射是非常獨特的，比如人們會將精神、審美、情感寄託於一塊石頭上，再贈予他人，這種行為本身就富含文化性和地域性。在這件作品中，我嘗試捕捉這種文化情緒與物之間的隱祕共鳴。

Q7 你提到過很多藝術家都是在工作室完成作品，但你是在展廳中完成作品。對你來說，你通常會在工作室中做些什麼？

A：我的工作室基本上就是存放材料的地方。我會在裡面選擇我作品的材料，做小範圍的試驗。如果試驗成功了，這個模型就會成為之後在美術館空間中展出的範式。我的作品與空間本身密不可分，或者可以說是在現場「生成」的。

Q8 你從上世紀90年代末就一直在柏林生活、創作，為什麽選擇定居柏林？

A：我在德國生活，因為語言不通，反而讓我感覺藝術環境更加自由與放鬆。而且德國經歷二戰後長期在反思歷史，這種文化氛圍會讓大家更能接受真實的自己和彼此的差異。在這樣一個文化背景下，我可以更坦然地理解差異，更清晰地認識自己，也更本真地回應周遭。

Q9 你說過不願自己被貼上「女性藝術家」的標籤，為什麼？

A：我不想被任何標籤限制。現在全球有很多專為女性藝術家舉辦的展覽，但我不太願意參與。我還在日本生活的時候，對於自己是一位女性常常感到自卑，但當我去到柏林生活後，這種自卑感漸漸消失了。我並不是在否定女性主義，而是希望藝術家被看見是因為作品本身，而不是因為性別身分。

Q10 你希望觀眾在看完《靜寂之空》後有何所思所想？

A：我的願望非常單純，希望所有來看展覽的觀眾都會喜歡上藝術。讓他們覺得藝術是很簡單、很有趣的一件事，如果這個展覽能讓觀眾想要去看更多當代藝術，對我來說這就足夠了。

>> 更多展覽相關訊息可點此至紅磚美術館官方網站了解。

香港，作為全球當代藝術交易的 3 大樞紐之一，始終是亞洲藝術生態的風向標。2026 年巴塞爾藝術展香港展會（Art Basel Hong Kong）即將於3月27日至29日登陸香港會議展覽中心，匯聚來自 41 個國家及地區、240 間頂尖藝廊參與。今年不僅首創聚焦藝術家近5年新作的全新展區「藝路迴聲」（Echoes），專為數位時代藝術而設的「Zero 10」展區也將迎來亞洲首展。迎向近年最大改版，總監樂思洋（Angelle Siyang-Le）在此解密這場深度布局，以及下一步的發展展望。

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從首屆便參與香港展會團隊的樂思洋，親歷了亞洲藝術生態翻天覆地的改變。她時常分享一個故事：2012 年她剛從杜拜移居香港，在的士車（計程車）上提到自己從事藝術產業，司機卻笑說香港是「文化沙漠」，哪來的藝術？如今，M+、大館等藝文地標相繼就位，但硬體之外，改變最多的是大眾認知。「人們不再認為只有那 1% 的人才會接觸藝術，現在大眾認識到了文化的重要性，對經濟、教育等各行業的影響力也大了許多。」接任總監第 4 年，歷經了疫情後的重新洗牌與連結，展會也蓄積起足夠能量，帶來近年來最大變革。

樂思洋（Angelle Siyang-Le）

Art Basel Hong Kong總監。成長於英、中兩地，擁有倫敦大學學院巴特萊特建築環境學院學位及佳士得美術學院碩士。曾於杜拜擔任非營利藝術空間Traffic總監，並負責管理中東重要收藏機構The Farook Collection，亦曾共同創辦Mobile Art Gallery。自2012年加入Art Basel後，長期深耕大中華區藝廊關係與發展策略，於2022年正式接掌香港展會。致力於將展會作為連結亞洲藝術生態的橋梁，並在後疫情時代帶領香港展會重回國際規模，推動跨區域的文化對話與藝術市場成長。

面向藝術中生代與年輕藏家

這屆最大的更新， 必須看向主題策展單元「藝術迴聲」（Echoes），該單元限定展出中生代藝術家 5 年內的新作。樂思洋解釋，藍籌畫廊與資深藝術家向來是主展位「藝廊薈萃」（Galleries）的亮點，而「藝術探新」（Discoveries）與去年推出的美高梅藝術獎，則負責扶持新生代。然而她觀察到：「中生代藝術家在整個生態圈裡占據多數，卻很難從既有展區中挑出適合的亮點，因此我們想獨立出這個單元。」

實際上，根據2025 年《巴塞爾藝術展與瑞銀集團環球藝術市場報告》，市場正呈現兩極化：年營收千萬美元以上的大型畫廊緩步回溫，成為安全投資標的；規模 25 萬美元以下的小型畫廊，則憑藉新銳作品逆勢成長 17%。相較之下，中端市場成了當前的缺口，亟需資助。「中型畫廊的支出比年輕畫廊大，資金卻不像藍籌畫廊那樣雄厚，所以『藝術迴聲』的租金不會像主展位那麼高，並以推廣與宣傳為出發點，希望能照顧到他們。」

去年在邁阿密海灘展會反應極佳的全新數位藝術單元「ZERO 10」，也將首度登陸香港，匯聚14個參展單位。她強調：「我特別確保這項單元在亞洲的第一次亮相，必須包含充足的亞洲藝術家內容。」

在各類報告中，都顯示全球藝術生態正在「減齡」，這在亞洲尤其明顯。樂思洋觀察到，懷有開放心態的年輕一代善於做足功課、消費理性且有耐心，更擁有一套自己的見解。「特別是對當代藝術來說，他們認為收藏藝術品不僅僅是買下一件作品，更必須與藝術家、與畫廊建立一定的關係，這種個人連結正得到更多的重視，對培養未來的生態也非常有幫助。」她補充，儘管「藝術探新」、新單元「藝術迴聲」與「ZERO 10」的受眾未必只針對年輕藏家，但確實更符合他們的胃口——這場改版的時機來得正是時候。

由中堅世代串聯起亞洲

以大型裝置、雕塑及行為藝術為核心的「藝聚空間」（Encounters），今年首度邀請 4 位駐洲策展人共同操刀。樂思洋曾與該單元主策展人、東京森美術館館長片岡真實（Mami Kataoka），深入探討過藝博會在買賣之外的角色。她解釋，「大多人只會去看頂尖策展人的策劃，時常忽略中堅世代的成果，所以片岡真實透過自己的經驗與影響力，帶領另外3位中堅策展人——M+的譚雪凝（Isabella Tam）、雅加達的Alia Swastika與森美術館的德山拓一（Hirokazu Tokuyama）——共同策展，並給出更具體的主題，令場內場外能相互呼應。」

這變動除了給予未來世代更多發揮空間，同樣也關乎銷售。大型裝置作品購入門檻與後續維護成本較高，且占地廣闊，其公眾渲染力更延伸至展場之外，因此需要更清晰的主題性、更多元的推廣觸角。「這次增加了策展團隊規模，便是想透過他們的人際網絡，持續為藝術作品爭取更多曝光。」

而在遍布全城的公眾項目（Public Program）中，除了延續與 M+ 幕牆、大館的合作，免費開放的「光映現場」（Film）電影放映，邀請了香港錄像藝術先驅鮑藹倫擔綱策劃。她說明，「邀請香港在地策展人一直是我努力的方向，但香港人很不同的特質是，他們不一定都居住在本地。」也正是這種流動的氣質，讓他們得以連結向世界各地。

如同長年深具人氣的座談環節「與巴塞爾藝術展對話」（Conversations），其中一日便是由雅加達MACAN美術館總監劉秀儀擔任客席策展人，便能透過她觸及東南亞生態與年輕世代。除了香港在地的「文化合作夥伴」之外， 展會今年也首次推出「文化之友」（Friends of Art Basel Hong Kong），連結包含同在大灣區的廣東和美術館、上海外灘美術館等更多亞洲機構，在未來一年的不同時段聯合舉辦活動，樂思洋表示，「這能在展會以外聯繫起貴賓和藝術愛好者們，延續彼此之間的藝術討論。」

作為對話世界的藝術引擎

訪談前，樂思洋才造訪Art Basel Qatar首屆開幕，隨後又經新德里返回香港。她表示，「接下來幾年，我們會更聚焦發掘阿拉伯世界、西亞與南亞的藝術內容， 將其納入我們的平台。」擁有在杜拜從業經驗的她，觀察到這些亞洲地區在文化背景與藝術欣賞上，存在著許多相互親近與學習的共鳴。面對韓國與新加坡的崛起，樂思洋對香港依然充滿信心。她分析，香港的稅務優惠、成熟的物流與專業環境，是大型藝術交易無可取代的優勢；此外，香港作為文化熔爐的歷史與開放性格，使這裡成為當代藝術生長的絕佳沃土，更能扮演串聯亞洲藝術生態圈、推廣文化價值的戰略中樞。

然而，樂思洋也坦言，在藝術活動趨於飽和的當下，挑戰在於如何打造更能凝聚關注、讓民眾「有感」的體驗，帶動人們與藝術圈共同成長。她的最終目標是「從香港啟動整個亞洲」，就像透過如「文化之友」踏出聯合深耕藝術的首步，「我們最終極的目標就是推廣，讓更多亞洲以外的人，認識我們的當代藝術和文化。」

2026《Art Basel Hong Kong》

地點｜香港會議展覽中心（香港灣仔博覽道1號）

時間｜
貴賓預展（憑邀出席）
3月25日（三）12:00-20:00
3月26日（四）12:00-20:00
3月27日（五）12:00-14:00
3月28日（六）12:00-14:00
3月29日（日）11:00-12:00

開幕之夜
3月26日（四）16:00-20:00

公眾開放日
3月27日（五）14:00-20:00
3月28日（六）14:00-20:00
3月29日（日）12:00-18:00

▐ 展會7大區塊——亮點一次盤點

_{＊參展藝術家及藝廊的完整名單：artbasel.com/hongkong/encounters}

_{藝廊薈萃（Galleries） 
策展角落（Kabinett）
亞洲視野（Insights）
藝術探新（Discoveries）
藝路迴聲（Echoes）
藝聚空間（Encounters）
Zero 10}

❶ 藝廊薈萃 Galleries

作為展會的重頭戲，主展區一口氣匯聚了182間世界頂尖藝廊，從20世紀的經典大師、當代藍籌藝術家，到中生代與新銳創作者的作品通通涵蓋。今年更有9間藝廊是首度登陸Art Basel香港展會，為大家帶來耳目一新的跨世代對話。

➤ The Commercial（雪梨）｜5位澳洲跨世代藝術家的作品，包含Archie Moore充滿概念性的自畫像、Mitch Cairns的全新油畫，以及Augusta Vinall Richardson極具份量的雕塑。
➤ Pilevneli（伊斯坦堡）｜一口氣集結Refik Anadol、Hüseyin Çağlayan、Kevin Francis Gray與:mentalKLINIK等人的作品，媒材跨足人工智慧生成藝術、陶瓷雕塑與混合媒介裝置，科技感十足。
➤ Uffner & Liu（紐約）｜9位藝術家的繪畫、雕塑與紡織創作，用扭曲、轉化和偽裝的有趣視角來重新探討具象題材。
➤ Galería Casado Santapau（馬德里）與Kalfayan Galleries（雅典）｜聯合展出Antonis Donef、Farida El Gazzar與Harm Gerdes等5位藝術家的繪畫、素描與拼貼。
➤ Tabula Rasa 三米畫廊（北京、倫敦）｜8位中國與歐洲跨世代藝術家的作品，完美展現畫廊長期深耕的跨文化對話。
➤ 美術文獻藝術中心（Fine Arts Literature Art Center，武漢）｜帶來7位中國藝術家的創作，用當代手法重新詮釋「石頭」這個在東方文化中極具份量的意象。
➤ HdM畫廊（北京）｜Manuel Mathieu近期的陶瓷作品、李鎮雨（Lee Jin-woo）的火山灰畫板、趙銀鷗的彩繪木刻，以及胡為一亮眼的金箔作品。
➤ Jason Haam（首爾）｜把韓國新興藝術家與國際同代創作者的作品並置，深入探討身分認同、科技與全球文化等熱門議題。
➤ Yutaka Kikutake Gallery（東京）｜楊沛鏗（Trevor Yeung）、毛利悠子（Yuko Mohri）及鈴木展等6位東亞藝術家的雕塑、裝置和繪畫。
➤ 1 Mira Madrid / 2 Mira Archiv（馬德里）｜觀眾探索精神與物理景觀，展出Teresa Lanceta、Maria Lai與Hamish Fulton細膩的縫紉紡織品與紙本作品。
➤ carlier gebauer（柏林、馬德里）｜Paul Pfeiffer帶有神話色彩的體育影像、咸京我（Kyungah Ham）極具政治隱喻的刺繡，以及谷口瑪麗亞（Maria Taniguchi）的全新大型創作。
➤ 誠品畫廊（Eslite Gallery，北京、台北）｜熊秉明沉穩的青銅動物雕塑，以及展望經典的不銹鋼鏡面作品。
➤ Galerie Christophe Gaillard（布魯塞爾、巴黎）｜Hélène Delprat個展，包含一系列精巧的小尺幅雙聯畫及鎏金陶瓷作品。
➤ Waddington Custot（倫敦、巴黎、杜拜）｜Robert Indiana、Barry Flanagan、Jean Dubuffet及Fabienne Verdier的戰後與當代經典，同時也能欣賞到朱德群與趙無極的迷人畫作。

❷ 策展角落 Kabinett

這個展區就像是畫廊展位裡的小型主題特展，今年共有35個精彩項目，其中高達23個都特別聚焦在亞太地區的歷史與當代創作。

➤ Jessica Silverman（舊金山）｜女性主義藝術先鋒Judy Chicago的一系列手繪發光玻璃燈箱，視覺效果非常吸睛。
➤ P.P.O.W（紐約）｜黎光定（Dinh Q. Lê）在1998年創作的知名裝置〈Damaged Gene〉，用兒童衣物和奶嘴當作媒介，深刻探討戰爭留下的長遠影響。
➤ 北京公社（Beijing Commune，北京）｜馬秋莎（Ma Qiusha）帶有冥想氛圍的建築裝置，巧妙結合了她最近的兩個創作系列。
➤ Annely Juda Fine Art（倫敦）｜地景藝術大師Christo的早期精選作品，見證了畫廊與藝術家之間長達數十年的深厚情誼。
➤ 爍樂畫廊（gdm，香港）｜泰國現代藝術先驅陳壯（Tang Chang）一系列充滿爆發力的抽象繪畫。
➤ Meyer Riegger Wolff｜帶來李潔薇（Jeewi Lee）與Francisco Tropa的雕塑聯展，一起探討遺蹟與物質轉化如何成為時間的標記。

❸ 亞洲視野 Insights

想深入了解亞洲藝術脈絡，絕對不能錯過這裡。20個策展項目帶你從藝術家生涯、特定主題或1900年至今的藝術史切入，回顧亞洲現代與戰後藝術的演變，並看見跨世代的精彩對話。

➤ G Gallery（首爾）｜透過Yang Juhae的紡織抽象作品與禹漢娜（Hanna Woo）的可穿戴軟雕塑，巧妙串起韓國不同世代的女性主義藝術實踐。
➤ Mizoe Art Gallery（福岡、東京）｜為了紀念雕塑家豐福知德（Toshinori Toyofuku）百年誕辰，特別舉辦他的抽象木雕與青銅回顧展。
➤ Gallery Kogure（金澤、京都、東京）｜精選鶴岡政男在1960年代的繪畫與雕塑，反映出藝術家在戰後對人類處境的深刻省思。
➤ Sun Gallery（首爾）｜首度參展就帶來韓國單色畫先驅、也是該流派少數女性代表李正枝（Lee Chung-ji）的珍貴作品。
➤ 德玉堂畫廊（Matthew Liu Fine Arts，上海）｜中國當代抽象先鋒沈忱與黃銳在1980年代大膽突破的實驗性水墨畫。
➤ MtK Contemporary Art（京都）｜攝影藝術家川內倫子（Rinko Kawauchi）的個展，用她招牌的空靈光影，精準捕捉日常裡的微光瞬間。

❹ 藝術探新 Discoveries

這裡是尋找潛力新星的最佳尋寶地！參展的25間藝廊中，有超過一半都是成立不到10年的年輕畫廊。今年的展覽特別側重在藝術材料的實驗與轉化，藝術家們用非常新鮮的手法來說故事。此外，備受矚目的美高梅藝術探新獎（MGM Discoveries Art Prize）也會在2026年再度頒發，給予年輕創作者實質的支持，獲獎者還有機會到澳門交流展出。

➤ Phillida Reid（倫敦）｜首度展出Cayetano Ferrer的裝置作品，他把人工智慧對博物館藏品的虛幻想像，變成了沉甸甸的石刻文物。
➤ PTT Space（台北）｜林安琪（Anchi Lin）的混合媒介裝置，透過錄像與行為藝術，深入探索原住民與酷兒社群間的親屬關係。
➤ Shrine Empire（新德里）｜Neerja Kothari的51幅擦除畫，創作靈感來自她神經損傷後、重新學習走路的艱辛過程。
➤ Property Holdings Development Group（PHD Group，香港）｜陳庭（Virgil Wong）的裝置作品，用石膏與顏料層層覆蓋現成物，藉此探討歷史、遷徙與身分重塑。
➤ Vin Gallery（胡志明市）｜後藤亞子（Ako Goto）的沉浸式裝置，利用陶瓷和光影的交錯，重新詮釋亞洲傳統偶戲的魅力。
➤ 馬刺畫廊（SPURS Gallery，北京）｜Roksana Pirouzmand的粘土與金屬牆雕，作品中滿載了她從伊朗移民美國的複雜心情。
➤ Cylinder（首爾）｜Hyun Bhin Kwon巧妙融合了實體雕塑與無形聲音元素的空間裝置。
➤ N/A（首爾）｜禹廷秀（Jeongsu Woo）結合版畫與繪畫技法的層疊拼貼，用當代視角重新轉譯世紀中期的圖像學與次文化符號。

❺ 藝路迴聲 Echoes

2026年全新登場的展區！這裡專門精選中生代藝術家近5年內的最新創作，10個展位中每間最多只展出3位藝術家，讓觀眾能更聚焦、更深入地看見當代藝術最前沿的發展樣貌。

➤ Arcadia Missa（倫敦）與Christian Andersen（哥本哈根）｜Anton Munar的抽象風景、Brad Kronz的物質雕塑，以及Lewis Hammond的繪畫作品，三者形成有趣的對話。
➤ 膠囊上海（Capsule Shanghai，上海）與Klemm's（柏林）｜聯手呈現陳麗同（Alice Chen）、Elizabeth Jaeger及欣悅（Xin Yue）的雕塑新作，一起探討地點與歸屬感的概念。
➤ 弗勞爾斯畫廊（Flowers Gallery，香港、倫敦）｜陳麗雲（Movana Chen）、Jakkai Siributr與楊圓圓（Yuan Yuan Yang）的新作，他們把地圖、舊衣物和檔案照片解構，重塑成探討集體記憶的紡織與拼貼。
➤ Double Q Gallery（香港）｜Natalia Załuska的沉浸式裝置，直接把整個展位變成一個充滿幾何抽象語彙的3D空間。
➤ Max Estrella（馬德里）｜Tiffany Chung細緻探討香料路線的刺繡地圖，以及Miler Lagos巧奪天工的書本雕刻。

❻ 藝聚空間 Encounters

覺得一般畫廊展位看不夠過癮？來這裡就對了。專為大型藝術裝置而設的展區，今年首次找來4位駐亞洲策展人，由東京森美術館（Mori Art Museum）館長片岡真實軍，攜手M+的譚雪凝、雅加達的Alia Swastika與森美術館的德山拓一共同策劃。這次展出的12件巨型作品，概念全都圍繞著亞洲文化裡的宇宙觀五大元素：空、水、火、風、地。

➤ Kukje Gallery（首爾、釜山）｜康瑞環（Kyungah Ham）龐大的多媒體紡織裝置景觀，象徵著「空」元素。
➤ TARQ（孟買）｜Parag Tandel以紗線構築的裝置，梳理祖先與海洋間深厚的文化連結，代表著「水」元素。
➤ 里森畫廊（Lisson Gallery）｜安永正臣（Masaomi Yasunaga）的釉面陶瓷造型，透過窯燒的物質轉化來象徵「火」元素。
➤ Silverlens（馬尼拉、紐約）｜Geraldine Javier宛如巍峨樹木般的巨型生態印花織物柱，以此厚重質地象徵「土」元素。
➤ 空白空間（White Space，北京）｜作品搬到了太古廣場（Pacific Place）！Christine Sun Kim的場域特定數位動畫裝置《A String of Echo Traps》，深入探討聲音、迴響與轉譯的微妙關係。

❼ Zero 10

繼在邁阿密海灘展會大受好評後，這個專注於數位時代藝術的計畫終於首度登陸亞洲！由Eli Scheinman策展，名稱致敬了Kazimir Malevich在1915年那場打破常規的「0,10」展覽。這次匯聚了14間參展單位，就是要重新定義我們在當代該如何展示與收藏數位藝術。

➤ AOTM（Art of This Millenium）｜展出DeeKay的數位動畫，用大家熟悉的早期電子遊戲視覺語言，來幽默拆解現代人的心理狀態。
➤ Asprey Studio（倫敦）｜集結了Seneca、曲磊磊與葉錦添（Tim Yip）跨越維度的創作，讓人工智慧、雕塑裝置跟傳統水墨在這裡碰撞對話。
➤ Silk Art House｜呈現Jack Butcher極具標誌性的銀質雕塑計畫，帶大家對現有的價值體系展開深刻思考。
➤ Onkaos｜帶來Robert Alice的參與式區塊鏈作品，特別借用了東亞悠久的印章傳統，來重新詮釋數位溯源的概念。

▐ 公眾項目 Public Program

▣ 光映現場 Film

_{活動地點｜香港會議展覽中心（HKCEC） 
參加資訊｜免費入場}

本次由香港媒體藝術先鋒、錄映太奇（Videotage）聯席創辦人鮑藹倫（Ellen Pau）親自操刀策展。展覽以《在魔法與現實之間》（In Between Magic and Reality）為主題，探討想像力如何作為抵抗、記憶與生存的策略，邀請大眾免費入場觀賞一系列回應時代脈搏的動態影像。

➤ KAMS與ArtReview特別放映｜2026年3月26日（四）14:00-17:30
雙方攜手呈獻放映與藝術家對談，包含金雅瑛（Ayoung Kim）挖掘利雅得（Riyadh）地緣政治的《I Al-Mather Plot 1991》（2025），以及ikkibawiKrrr建構後人類世界的《Dances with Trash》（2024）。
➤ 畫廊精選展映作品： 刺點畫廊（Blindspot Gallery）｜2026年3月28日（六）15:00
單慧乾（Sin Wai Kin）短片《The Fortress》（2024），探討原型如何證明權力與控制體系的合理性。
➤ NOWNESS ASIA｜2026年3月27日（五）及3月29日（日）
Andrew Thomas Huang科幻改編作品《The Deer of Nine Colors》（2025），重新演繹佛教經典故事。
➤ 錄映太奇（Videotage）｜2026年3月28日（六）12:30
袁廣鳴、馮偉（Ernest Fung）等多位藝術家的精選影像作品。
➤ 膠囊上海（Capsule Shanghai）｜展會期間
Lucy McRae影片《Delicate Spells of Mind》（2022），透過動作與儀式探索集體經驗。

▣ 與巴塞爾藝術展對話 Conversations

_{活動地點｜香港會議展覽中心1樓演講廳（Auditorium,N101B,Level 1）
參加資訊｜免費入場。講座將以英語、粵語及華語進行，並提供同步口譯。}

巴塞爾藝術展的重要交流項目「與巴塞爾藝術展對話」本次將延長至4天，匯聚藝術、文化與科技領域的領袖，深入探討視覺藝術如何與更廣闊的文化、社會及科技領域相互交織。

➤ M+幕牆委約作品專題｜2026年3月25日（三）15:00-15:45
由M+藝術總監鄭道煉（Doryun Chong）對談藝術家莎茲亞・西坎達（Shahzia Sikander），解析今年備受矚目的M+巨型幕牆創作。
➤ 藝術市場報告專題座談｜2026年3月25日（三）16:15-17:00
由市場專家Clare McAndrew博士對談香港展會總監樂思洋，回顧過去10年的市場變遷並展望未來。
➤ 客席策展人深度對談｜2026年3月26日（四）11:00-18:00系列座談
客席策展人劉秀儀（Venus Lau）主持3場座談，邀請坎迪斯·威廉姆斯（Kandis Williams）、徐世琪（Angela Su）、黃麗音（Steph Huang）及宋祖承（Joshua Serafin）探討數位世界與身體流動。
➤ 收藏家的文化外交｜2026年3月27日（五）15:00-15:45
巴塞爾藝術展全球贊助人委員會成員Uli Sigg將與Saeb Eigner對談，探討收藏家作為文化外交官的角色。

▣ 藝群匯集 Exchange Circle

_{活動地點：香港會議展覽中心1樓大堂（Level 1 Concourse，近1A入口）
參加資訊：免費入場}

以開放式平台的形式強勢回歸，提供簡短的實驗性演講和討論，匯聚巴塞爾藝術展的文化及媒體夥伴，共同探討塑造香港藝術與文化發展的關鍵趨勢。活動形式包括藝術家對談、專題討論、新書推介及分享會。

➤ Serakai Studio｜2026年3月26日（四）14:00-14:45
執行總監Tobias Berger與Lars Nittve深入探討藝術如何突破傳統機構框架。
➤ 號外｜2026年3月27日（五）16:00-16:45
藏家兼策展人Matt Chung、音樂人Tyson Yoshi與Ryan Kwok圍繞人生第一件藏品展開分享。
➤ 香港大學美術博物館（University Museum and Art Gallery,HKU）｜2026年3月29日（日）16:00-17:00
深圳灣文化廣場首席創意官兼副總監郭東杰（Felix Kwok）與館長Florian Knothe，將圍繞粵港澳大灣區當代藝術與文化的發展脈絡展開深度對話。
➤ 大館當代美術館（Tai Kwun Contemporary）｜2026年3月27日（五）14:00-14:45
《保持在線：2008年後的藝術與中國》（Stay Connected: Art and China Since 2008）新書發佈。同名系列展覽策展人皮力博士（Dr Pi Li）、大館資深策展人郭瑛（Ying Kwok）、亞洲藝術文獻庫研究總監翁子健（Anthony Yung）將齊聚一堂，由何思衍（Daniel Szehin Ho）擔任主持人。
➤ CHAT六廠（Centre for Heritage, Arts and Textile）｜2026年3月28日（六）14:00-14:45
藝術家胡尹萍、Marcos Kueh將與策展人Eugene Hannah Park、王歡展開創作對話，並由王慰慰擔任主持。
➤ 香港芭蕾舞團（Hong Kong Ballet）｜2026年3月28日（六）15:45-16:15
藝術總監衛承天（Septime Webre）將主持一場30分鐘的講座，探討芭蕾在當代社會中不斷演變的角色。

▐ 全城項目 City-wide Projects

2026年巴塞爾藝術展香港展會將聯手香港兩大文化地標大館（Tai Kwun）與M+，推出一系列橫跨晝夜的藝術體驗，並與全城多個文化機構與品牌展開跨界合作，將藝術能量輻射至整座城市。

▣ 大館不眠夜與維港視覺盛宴

➤ M+幕牆委約新作（M+ Facade）｜2026年3月23日～6月21日（每晚放映）｜M+幕牆
由瑞銀集團呈獻，藝術家莎茲亞·西坎達（Shahzia Sikander）的電影式手繪動畫《領海游移》（3 to 12 Nautical Miles），細膩勾勒出19世紀至今全球權力與貿易交織的脈絡。
➤ 藝術家之夜（Artists' Night）｜2026年3月27日（五）19:00-23:00（僅限受邀貴賓）｜大館（Tai Kwun）
匯聚Justin Talplacido Shoulder、鄭錦衡、天聲、DAVID BORING及Lydo等前衛藝術家呈獻現場表演、裝置藝術與音樂演出。
➤ 藝術不夜館：存在進行中｜2026年3月28日（六）18:00-21:00｜大館（Tai Kwun）
3位焦點藝術家Justin Talplacido Shoulder、鄭錦衡與天聲再度登場。大館展覽「保持在線：全球供應」亦將延長開放時間。

▣ 跨界聯動與區域深耕

➤ 香港芭蕾舞團表演｜2026年3月28日（六）15:45-16:15｜香港會議展覽中心現場
首度聯袂呈獻《State of Wonder》系列舞蹈片段。編舞作品將身體語彙融入展覽空間脈絡，打破視覺藝術與表演藝術的界限。
➤ 領賢慈善基金（First Initiative Foundation）｜2026年3月27日～3月29日
挑選音樂家與光映現場藝術家合作原創配樂，豐富動態影像的感官維度。
➤ 文化之友（Friends of Art Basel Hong Kong）｜2026年3月25日～3月29日
全新啟動的舉措，深化與亞洲區域內博物館年度合作，包含和美術館（HEM）及上海外灘美術館（RAM）。
➤ 寶馬藝術車（BMW Art Car）｜2026年3月25日～3月29日｜香港會議展覽中心現場
展出由羅伯特・勞森伯格（Robert Rauschenberg）於1986年創作的標誌性BMW 635CSi藝術車。
➤ 巴塞爾藝術商店（Art Basel Shop）｜2026年3月25日～3月29日｜香港會議展覽中心1樓
推出為香港展會量身設計的限量版及聯名產品。

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

_{＊ 編按：本文原載於《La Vie》2026年3月號，網路版經編輯部重新整編與擴充}

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》

在1970年代的龐克氣息中誕生，紐約「New Museum」始終是城裡最前衛、反骨的藝術場景之一。這裡不像傳統美術館強調保存經典，更著眼於「捕捉當下」，透過最「著時」的當代藝術反映時代脈動和藝術趨勢。歷經擴建工程，這座曼哈頓下城藝術地標將於3/21正式重啟，原SANAA操刀的「錯位白盒」館舍，多了OMA設計的新館與其共生，不僅全館面積與容量翻倍，新設的中庭樓梯、公共廣場也讓藝術從白盒子延伸至城市街區，邀請更多人前來遇見那些尚未被體制關注、定義的未來藝術新星。

擁抱還未被體制看見的藝術靈魂

1970年代的紐約曼哈頓下城（Lower Manhattan），洋溢著反叛不羈的氣息，那時龐克文化正孵化，塗鴉逐漸攻佔城市角落，藝術家聚集於此追夢——New Museum正是在這樣的背景下誕生。1977年，曾任惠特尼美術館（Whitney Museum）策展人的Marcia Tucker，著手創辦New Museum，這是二戰後紐約首個專注於當代藝術的藝文機構。

「新藝術與新思想」貫穿New Museum收藏與策展核心，這源自Marcia Tucker對七〇年代紐約藝術圖景的長期觀察，她認為這座城市還需要一種全新類型的美術館，一個能夠放大當代藝術家之聲的空間，且它必須能夠涵納那些還未被體制所擁抱的創作——在當時，出自女性、酷兒、非裔、亞裔、拉美等社群的藝術實踐都在此列。

專注當下的藝術實驗室

New Museum最特別之處在於不特別強調「永久館藏」，館方不像傳統博物館致力於保存經典，而是將自家定義為「實驗室」，更專注於「現正發生」的藝術。不過，New Museum並非全無館藏，只是在選品時自有一套規範——以過去10年內的藝術作品為核心，這樣的收藏策略得以迅速反應時下的社會議題、藝術趨勢。

SANAA設計首座館舍，工業街區裡的「扭動白盒」

自1977年創立至今，New Museum從哈德遜街（Hudson Street）上小小的臨時空間、僅有3人的迷你團隊，逐步成長為紐約指標性當代藝術場館，且在城中擁有2座寬敞的實體展演空間。

館方首座建築位於紐約Bowery，由普立茲克建築獎得主SANAA妹島和世、西澤立衛操刀，於2007年落成。在這工業之粗獷、時尚與藝術之精緻交織的「拼接感」街區，SANAA利用6個白色方盒，垂直堆疊成建築外觀，這些盒子不僅大小不一，排列時邊線還沒對齊，因此有了看似扭轉、錯位的有趣視覺效果，打破周邊傳統公寓的制式沉悶；建築立面覆上質地粗糙的金屬網，而非精緻平滑的玻璃，既呼應Bowery的工業歷史，也藉前衛造型宣告曼哈頓下城將迎來一場文藝復興。

OMA操刀新館擴建，延續SANAA語彙、提升場館透明度

隨著品牌與場館規模擴大，New Museum展開擴建計畫，邀國際知名建築事務所OMA操刀，建築師Rem Koolhaas、重松象平領銜，在SANAA設計的原館舍旁，添上一座高7層樓、佔地達5,600平方公尺的新建築，將美術館總面積翻倍，以大幅提升日後承載展覽、公共活動、藝術家駐村等計畫的量能。

OMA並未更動原館舍標誌性的「堆疊白盒」外型，而是在新館建築外部，選用金屬與玻璃打造的立面，呼應SANAA原設計，保持New Museum兩期館舍外觀的一致性，同時藉玻璃的通透感提升場館的透明度，拉近美術館與社區的距離。

來到內部，OMA則透過「垂直擴展」的方式，增加場館空間。新建築與舊館2～4樓的既有展廳串連，兩邊天花板高度統一，藉此擴延展廳空間，也讓新舊兩館融為一體。另新設一座中庭樓梯，優化垂直向度的參訪動線，它不僅為藝術裝置提供新的展示空間，也讓觀者步行其上時，得以欣賞窗外街區景色。

除了展廳和觀展動線之外，其他設施也大幅調整——從地面層規模擴大的大廳、書店、美術館商店，到上層新設置的駐村藝術家工作室、論壇及表演場地，還有一間可容納約100人、以蔬食為主軸的新餐廳——共同將New Museum的機能形塑得更為多元且完整。再將視線轉往戶外，新館也包含了一座位於Bowery與王子街（Prince Street）交匯處的公共廣場，未來將展出藝術裝置，舉辦表演、公共活動等，將藝術對話從白盒子帶往流動街區。

隨時代脈動靈活調整的策展方針，2026怎麼做？

自創立以來，New Museum策展方針隨時代靈活調整，但始終不離「著眼當下」的核心精神。回望1970至1980年代，館方聚焦於具潛力、但尚未獲得關注的在世藝術家，除舉辦新銳藝術家個展，也策劃圍繞重要社會、政治議題展開的群展。

1990年代，館方打破僅展出在世藝術家之作的慣例，納入近期過世藝術家的作品，這是因1980年代美國愛滋病危機而啟動的新制；另也同步拓展策展視野，除持續挖掘新銳，更開始關注尚未在美國受矚目的重要國際藝術家。

開館至今近50年，New Museum挖掘許多現已聞名全球的當代藝術家，像是Jeff Koons、Richard Prince出道初期的大型個展都曾在此舉辦。

2026年重啟後，New Museum將加深實踐「公共教育」的力道，不僅邀請藝術家Azikiwe Mohammed專為兒童設計參訪指南，也為年輕觀眾專門設計語音導覽，每月開辦免費參觀的家庭日、青少年藝術創作活動，並邀請紐約公立學校免費參觀和參與導覽，透過一系列多角度切入的長期行動，強化博物館在城市教育中所扮演的角色。