此次在北美館登場的「塩田千春：顫動的靈魂」，為國際巡迴的第一站，塩田千春本人也親自來台佈展；而在4月30日的開幕記者會中，塩田千春更帶逛展覽、解說作品理念，接著就來聽聽塩田千春親解創作過程故事！

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《去向何方？》

塩田千春：首先看到的第一個作品為《去向何方？》，這意味著我們在現代這個社會中，每天都會接收到很多資訊，然而過多的資訊，反而會讓你不知道要前往哪裡，而這艘船也是如此，它要往前或往上走，但你卻不知道船要航向何處。

《在手中》

塩田千春：接著往裡面走後，我們看到這個作品《在手中》，這個手其實是用女兒的手去翻模做成的元素，而這個小小的手中好像抱著很多很多東西，讓她的手心幾乎無法再容納，而這些東西可能是人的思想或是人的願望等，那大家如果仔細看的話，上面用黃銅做成的固體中，還藏著鑰匙，它象徵著未來的希望；而這兩個手掌併在一起的姿態，也有點像是在祈禱。

《蝶倚向日葵》

 《無題》

《成為畫》
塩田千春：《蝶倚向日葵》是我在5歲時畫的作品，大家可以看到左上角有署名 但是這個時候我還不太會寫自己的名字，仔細看的話會發現字是寫反，但這也讓我長大後想到，原來我在不會寫字的時候就已經會畫畫了；而我們在成長的過程中，會學會很多文字很多語言，卻失去了畫畫的能力。

這個作品旁是我最後一幅油畫，我其實是油畫科，但發覺我不管怎麼畫都會有其他人的影子、好像在模仿他人，因此遇到一些瓶頸，我就沒有往繪畫這條路走，而這就是我留下的最後一幅油畫。

在大學時期，我一直在煩惱畫畫這件事情，我就做了一個夢，在夢中我成為一幅畫，醒來隔天後我就做了這個行為藝術作品《成為畫》；而我身上的紅色，不是一般的顏料，是很難擦掉的瓷漆，有很長一段時間，這個顏料都附著在我身上很難洗掉，我甚至還要剪掉一部分的頭髮。儘管這顏料對我的身體帶來一些傷害，但我還是認為，這樣的表現形態呈現出我真正想要表現的東西，比較接近我對畫畫的認同，所以從我最後一幅油畫到《成為畫》，在我一生當中，的確是跨了很大一步。

《從DNA到DNA》

《嘗試．回家》

《一條線》

《浴室》

塩田千春：接下來在這個房間所看到的作品的影像，象徵了我不斷在尋找自我的旅程，但我仔細看這些作品，不管是影像或是攝影作品也好，這個時期我用了很多自己的身體，去創作這個作品、創作自己喜歡的行為藝術。 

《浴室》這個錄像作品是我泡在滿是泥水的浴缸裡面，一樣是越洗就越髒，去除不掉這些泥水，這是我剛到柏林時，心裡面有很多困惑，不知道我是誰、要往哪裡去，這般的掙扎時期所做的錄像作品。

《不確定的旅程》

塩田千春：在這個展場中，大家可以看到有很多鐵製的船，船在我記憶當中是個很重要的象徵；我小時候住在大阪，但我爸媽的老家在高知，所以小時候要回爺爺奶奶家，常常得從大阪坐一個晚上的船到高知。但這艘船在海上航行時，如果遇到較大的風浪，可能會搖晃，讓人覺得有點危險與恐懼，這讓我感受到渺小的人類處在浩瀚宇宙中的感覺。

而這些紅色的線就是毛線，我經常使用毛線，是因為這個線材經常會糾結在一起，它可能有些地方會緊繃、有時會斷裂，這就和人跟人之間的人際關係非常像，因此這是我相當喜歡運用這材質的原因。

 《內與外》

塩田千春：歡迎大家走進這個《內與外》作品裡面，裡頭的牆面可以看到一些照片，這是在東西德解體後，當時東德做了很多新的建設，有很多類似這樣工地的場景，我當時就從舊工地去撿了很多窗戶，我覺得窗戶帶來了很多的想像。

比方說以前東西德明明說著是同樣的語言、同樣的語種，卻被一道圍牆所阻斷，那這些人在自己家裡，透過這些窗戶，他們到底在想什麼、過著什麼樣的生活？也可能有些人他們是情人、是家人，卻因為柏林圍牆的關係，常常無法見面，這讓我非常好奇他們心裡在想什麼，於是創作了這樣的作品，而這也是跟人的記憶非常有關係的象徵媒材。

《時空的反射》

塩田千春：《時空的反射》可以看到兩件白色的洋裝，我的作品中也可以經常看到白色洋裝這樣的東西，因為我覺得衣服就是人類的第二層皮膚；大家現在看到作品中有兩件洋裝，事實上也是真的放了兩件洋裝，但你同時會覺得很像鏡子反映出來的影像。

在這裡面也有鏡子，一方面也有洋裝，因此你可能會困惑，你現在看到的到底是鏡射還是真正的洋裝呢？它其實也是提醒我們在觀察事情的時候，你看到的到底是事物的真像還是虛像。 

《靜默中》

塩田千春：這個作品中可以看到中間有一台燒焦的鋼琴，這其實是來自我9歲時的一個記憶，當時我們家鄰居失火了，他們家鋼琴也被燒掉了，而因為鋼琴是木製的，放在房子裡容易讓火勢繼續延燒，他們就把鋼琴丟到院子裡。

我隔天出去就看到鄰居家的中庭有台燒焦的鋼琴，雖然它已經壞掉無法再發出聲音，但這個燒焦鋼琴的影像對我來說非常有震撼力，一直留在我的記憶裡面；大概過了20多年左右，我再次把這個影像化為作品，我把一些絲線從鋼琴身上延伸出來，雖鋼琴無法再發出聲音，但我用這些線代表聲音，好像它可以再演奏一樣。

 《繫著微小記憶》

塩田千春：我其實本來就很喜歡收集小娃娃屋裡面的物件，但在收藏的時候並沒有想到要把它們化為作品，而在2019年森美術館的個展中，我想到或許這些東西也能變成作品；那仔細一看，這些物件當中，有很多都是出現在我過去作品中的象徵，比如一些鋼琴、椅子、床鋪、洋裝等等，因此我就試著用紅色的線把這些東西連在一起，它們自然而然就呈現出一些故事性。

《外在化的身體》

塩田千春：《外在化的身體》也是在森美術館個展時的新作品。當時聽到森美術館館長邀請我辦個展時，我冒出來的第一句話便是：「活著真好！」我可以活到現在，做這麼多作品，有人來邀請我做這個展覽，真的非常高興，但隔天我去回診時，醫生告訴我癌症又復發了、需要治療，而我也不免動了手術做治療，我的身體確實變得愈來愈健康，但在西洋醫學上，必須一個步驟一個步驟接收醫生的指令，在這過程中，我有一點點覺得我的靈魂跟不上這個身體。

我不斷思考說，如果今天我的肉體不在這個世界上，現在我腦中的這些想法與情感，會去哪裡？於是在這作品中，上面是一些切得很細的紅色皮革，下方是用我自己手腳翻模做成的銅塑，這之中，我利用一些網狀的東西或紅色的絲線，將它們連在一起，我企圖用這個作品傳達出，我想要連接我的靈魂與肢體這樣的感覺。

《集聚—找尋目的地》

塩田千春：在這展場中，大家可以看到大概400個行李箱，這些是我在柏林跳蚤市場收集來的；其中有些行李箱會動，那我覺得這些在動的行李箱，很像今天如果要去旅行或遠行整理行李時的早晨，你可能心情會有點浮動或躁動，但同時你的心裡會有些你想回去的地方，或者是你思念的人等等，這就象徵著這些紅線，它擁有一個把你往回拉的力量。

而在牆邊有3個打開的行李箱，裡頭放著一些像是報紙或照片等的象徵性物件，其實這些都是跟人的回憶有關的東西。

舞台設計作品（此展間不開放拍照錄影）

塩田千春：這個展間專門介紹我為舞台設計所做的作品，可以看到我和德國很多劇團的合作。常有人問我說做這種舞台設計和做裝置藝術的差別在哪？我覺得最大的差別就是，舞台設計的作品觀眾欣賞時間是有限的，因為觀眾必須在一定的時間內看完然後離場，但如果是在美術館裡的裝置藝術，通常我們不太會限制觀眾他想要用什麼樣的距離或時間去觀賞作品，因此，我覺得「時間」是很大的差別。

而我自己的裝置藝術有個很大的主題，為「不存在的存在」，所以你大概看不到有任何類似人這樣的形象出現在我的作品裡，但舞台藝術不一樣，它一定會有群演員或舞者出現在我的作品當中，這也是我覺得非常大的不同，雖然跟我平常熟悉的裝置藝術不大一樣，但做舞台設計，我可以跟整個團隊合作，比方說我要跟燈光設計配合、要去聽導演的意見等等，我也非常享受這種和大家一起創作作品的感覺。

《關於靈魂》

塩田千春：這是我在展場中的最後一個作品，稱作《關於靈魂》，我生病後就開始思考靈魂這件事，因此針對靈魂，去對德國的小朋友訪談，問他們說：「你覺得靈魂是什麼？你覺得靈魂有沒有顏色？你覺得靈魂從哪來？會前往哪裡？」等等這些問題。而我之所以會做這個作品，是因我得知癌症復發時，我女兒差不多10歲，身為一個母親我當然非常擔心，萬一有一天我不在了，我的女兒怎麼辦，那我也很好奇跟我女兒差不多年紀的孩子，他們是怎麼想像靈魂這件事情？因此才有這樣的發想。

不過實際上，如果你一開始就去問小朋友靈魂是什麼？對他們可能有點難，於是我們先問說你有沒有養寵物，因為寵物壽命通常比人類短，那你覺得寵物有沒有靈魂？有的話是什麼模樣？就從這個方面去切入。這個訪談中，有很多非常非常精彩的答案，因此我們把它放在展覽最後，希望大家可以從中得到很大的收穫。

塩田千春：顫動的靈魂

展期：2021.05.01 - 2021.10.17 （週一休館）

地點：北美館 一樓 1A、1B 展覽室

門票票價：全票30元／優待票15元

線上看   「塩田千春：顫動的靈魂」北美館館長王俊傑導覽塩田千春重要作品 

因應防疫措施，北美館休館至6月28日，而北美館近日釋出由館長王俊傑帶逛「塩田千春：顫動的靈魂」的影片，邀藝術迷們一同線上走訪展覽，欣賞《不確定的旅程》、《靜默中》、《集聚—找尋目的地》等大型裝置作品，並精選導覽塩田千春創作歷程的重要作品！

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  線上語音導覽「塩田千春：顫動的靈魂」！宅在家聆聽展覽解說

因應防疫措施，北美館自5月15日至5月28日休館，暫停對外開放；此時待在家的民眾不妨下載「臺北市立美術館TFAM」App，聆聽裡頭的「塩田千春：顫動的靈魂」語音導覽，以及搭配線上導覽手冊，更加認識塩田千春這位藝術家與她的作品。

>> 北美館官網下載app

臺北市立美術館TFAM App提供的塩田千春個展語音導覽，除設計貼近展場動線，且能隨時隨地收聽，民眾可先藉由App及線上導覽手冊來欣賞其作品。欲體驗者，可至app store和google play輸入「臺北市立美術館」搜尋下載；上述語音導覽及導覽手冊皆是免費，防疫期間就好好宅在家、來場藝術之旅。

導覽手冊點此下載

文字整理、攝影｜Adela Cheng    

圖片提供｜臺北市立美術館（攝影：林冠名）

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

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Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」