「塩田千春：顫動的靈魂」已正式於北美館開展，經過兩個禮拜隔離、才進到現場布展的塩田千春，亦親自出席了4月30日的記者會與5月1日的開幕座談，分享創作概念與靈感來源；而策劃本展的森美術館館長片岡真實，亦透過視訊連線，一同解答此次展覽在北美館與2019年在森美術館，即使是相同作品，在不同空間中呈現的節奏與編排巧思，也會截然不同。

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以下為摘錄自記者會與座談現場的QA問答，相信每個人都能從塩田千春的話語中，得到同樣撼動人心、溫暖的力量，亦能從片岡真實館長的解說裡，更加了解此次「塩田千春：顫動的靈魂」展覽。

（記者會中藝術家塩田千春致詞）

塩田千春：這次的展覽，集結了我過去25年來100多件作品，我的作品多半是要去傳達，人心裡面一些糾葛、一些格鬥、還有一些我們無法表達的情緒，或者是說，我很難以去說明我自己是誰這件事，那我便把這些心情化為作品。

這次來到台灣，經過兩個禮拜隔離才進到現場布展，其中有件事情讓我印象非常深刻，我發現台灣入境表單的性別欄，除了男女，另外還有一個叫做其他。我首先看到這3個性別欄的時候便想到，其實這個世界上有多少人就有多少種想法，100個人會有100種不同的想法；那有些人他的生理性別是女的，但是他的腦子裡比較偏向男性的想法，或是反過來也是有可能的，也就是說，實際上世界有很多人是沒有辦法活在一個固定的框架中，我也是如此，我是個無法活在一些既定框架之中的人，因此我把心裡面這些無法套用既有規則說明的東西化為作品、傳遞我的心情。

而我看到台灣入境表單有3種不同的性別選擇，便覺得這一定是一個可以讓人活得很自在的社會，如果全世界都能如此，我們的世界一定可以變成讓所有人活得非常自在的社會。我自己這次的展覽叫做「顫動的靈魂」，可以在一個擁有如此開放性別的社會、這樣的國家之中展出，我覺得非常開心、非常榮幸。

（記者會中森美術館館長片岡真實致詞）

片岡真實：「塩田千春：顫動的靈魂」起始於2017年的春天，為了和住在德國柏林的塩田千春討論這計劃，我親自去拜訪她，而在拜訪她後的隔天，她告知了癌症復發的消息，再歷經半年的治療後，她開始準備這次的個展。而治療的過程大部分是在機械式的儀器中進行，彷彿自己的靈魂也被支配，她不知道如何處置這樣的心情，而此次展覽的主題也因而誕生。

展覽的創作歷程

此展最早由塩田千春幼稚園的畫作展開，關於她還未習得文字書寫前的部分，接著是她讓自己變成繪畫作品的一部分，成為她開始從事行為藝術的契機，然後是她拜師行為藝術之母瑪莉娜．阿布拉莫維奇後，所做的裝置與行為藝術等，九零年代至今的作品亦充分地在展覽中呈現，接著是現已是塩田千春代名詞，布滿空間的黑紅線條，大規模的裝置、船、洋裝、行李箱等，她作品中常使用的主題，皆能在此展中窺見。而她以歐洲為中心所製作的舞台設計，在亞洲著實難得可以看到，這個部分也有放在這次的展出。

耗時的新作《外在化的身體》
全新作品《外在化的身體》這件作品到完成之前耗時已久，我和塩田千春花了一年以上不斷討論，直到展覽開幕前終於完成，我認為這是件非常有力量的作品。而不管哪件作品，皆以「不存在的存在」為共同概念相互貫穿，將看不見未來的不安，轉化成嶄新的想像力能量。塩田千春關注人與人之間的關係，關注像是衣服、行李箱等人與記憶的關係、不確定性、生與死、靈魂等；她將這些不可見的領域，藉由作品一步步紮實穩固累積至今。

疫情下該如何生活？

從去年開始疫情大流行，我們正面對著不確定的時代，在這當中，我們該如何樂觀地生活？如何將不安轉化成生活的力量？這些困難的課題，應該能藉由洞察「塩田千春：顫動的靈魂」而被震懾吧？假如你們的靈魂能因此被顫動，能感受到塩田千春想像力能量的話，對我們而言就是最大的幸福。

（以下摘錄自記者會與座談的QA問答）

Q：紅色對妳來說，在作品中有什麼安排上的用意？開始使用這顏色的靈感又是從何而來？

塩田千春：我的作品裡有很多使用到線這樣的媒材，那開始使用紅線應該可以追溯到， 我在威尼斯雙年展的作品，這個作品一開始以鑰匙做為主要的發想，那大家可以想像一下鑰匙的形狀，上面有一個圓圓的、下面細細的，是不是很像一個人的身體？

以「紅線」作為媒材的創作初衷
那要連接人跟人之間，我覺得日本與台灣都有同樣的說法，就是紅線可以牽起人們之間的緣分，因此，我的線材才使用紅色，這就是我作品當中常出現紅線的原因；而它除了有牽起人跟人之間的緣分之外，另外我們的血液也是紅色的，所以它是非常有代表性的顏色。

Ｑ：除了紅色的線，在妳的作品中也有使用黑線與白線，其概念為何？

塩田千春：先講一下我開始用不同顏色線材創作的經過，其實我從小就很想當個藝術家、畫家，我大概12歲時就立志以後要從事藝術、畫畫的工作，我這輩子從來沒有想過我還會從事什麼其他的職業，但後來上了美大開始畫畫後，我也發現我在繪畫上遇到一些瓶頸，平面的繪畫好像不太能表達我真正的想法，於是我轉而把我的目標放在這些畫布可能是一個立體三次元的空間當中，而在這個三次元的空間中，就像白色的畫布上會有黑色的線條一樣，我開始用一些黑色的線條在這些立體空間中去作畫。

用作畫的概念去創作

也就是說，我用作畫的概念去創作，因此作品中常常有黑線；使用白線則是因我覺得白線象徵純潔，意味著從一個什麼都沒有的空間開始，在日本我們的喪禮上常會出現白色的菊花，或者是說過世的死者，身上穿的衣服是白色的，所以白色也意味著結束 ，一個顏色同時它象徵著開始與結束，這也是我認為它所代表的意義，因此黑色跟白色都是我常用的顏色。

Ｑ：妳在柏林長期的生活，對妳的創作有什麼樣的影響？

塩田千春：我在日本住到24歲，後來我就搬到柏林，到現在也差不多24年，所以這輩子在日本與在德國生活的時間剛好各半。我在柏林剛開始生活時，剛好那時柏林圍牆倒塌不久，整個德國、這個柏林城市具有一股特別的吸引力，它吸引了許多藝術家來到這個城市居住；因此對我來講，這是一個非常適合創作的城市，同時我也在這城市中，獲得一些重新去檢視自己的自我認同的機會。

Ｑ：展覽在2019年時，已先在日本森美術館展出；而展覽在這兩個場域展出的不同處為何？以及各自特殊的地方？

塩田千春：這次北美館與森美術館的展場，在面積與空間的大小上，沒有什麼太大的差異，不過，北美館的樓梯及天花板很高，倒是很大的差異。而我的作品有時是同一個標題、同一個作品，比方《不確定的旅程》這項作品，雖然跟在森美術館展出是一樣的，但作品在每個地方展出完，那些線是會剪掉的；到了一個地方後，我會看著這個空間，重新再把這些線編織起來，因此作品沒有辦法一模一樣。

永遠是獨一無二的創作

比如雕刻品可以搬到全世界都是一樣的，但我的作品卻無法如此，每件作品皆是我去看完這個空間，思考今天來館的這些觀眾進來後，看到這個空間會有什麼樣的感受，站在這個角度，再去思考這作品放在這個地方、要以什麼樣的方式來呈現。

片岡真實：的確是有些不同，比方在森美術館展出的《集聚──找尋目的地》中掛著的行李箱，是由下往上，北美館則是由高往低懸掛。而我們作品的順序也不大一樣，比如當你進到森美術館時，第一個看到的是《不確定的旅程》，接著才會進入介紹塩田千春較早期作品手稿的區域；此次北美館則是顛倒過來，我們會先看到她早期作品的介紹，再進到《不確定的旅程》這個展區。

另外一個就是，我們有一個介紹塩田千春舞台設計作品的區域，在台北，我們把這專區幾乎是放在展覽的最後面，但在森美術館，我們大概是讓它位在動線中間，而之所以會有這些不同的安排，其實也是場域的關係，我們會去觀察場域或建築的特性，像是北美館天花板與樓梯高度不大一樣，我們便依據這特性，去做對看展的人來說最恰當的安排。

依照空間特性重塑作品

塩田千春：另外，《去向何方？》這項作品跟我們在森美術館展出的方法也有點不一樣。在森美術館，因為它在室內而且背景是個牆面，需要利用燈光照明，讓作品襯托得更好看，但在北美館兩邊是玻璃，有非常美的自然光與玻璃倒影等等，而每個空間皆有不同特色，我們在布展時，便盡量讓這場域的特色彰顯出來。

Ｑ：妳的創作主題常與生和死有關，那請問有沒有宗教與妳的生死觀較為相近呢？

塩田千春：若談到宗教的話，問題會被侷限得比較簡單，因為在宗教裡面可以找到很多答案；我會反覆思考咀嚼後，再去呈現我的作品（答案）。我想，藝術就是我的宗教吧。

塩田千春：顫動的靈魂

展期：2021.05.01 - 2021.10.17（週一休館）

地點：北美館 一樓 1A、1B 展覽室

票價：全票30元／優待票15元

文字整理、攝影｜Adela Cheng    

圖片提供｜臺北市立美術館、森美術館

想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group

藝術祭或展會常可見海外藝術家的大型委託製作，但你是否好奇過幕後：這麼大件的作品要如何「飄洋過海」？展方與藝術家之間得經過多少次溝通？在陌生國度搭建作品碰上意外怎麼辦？受2025東京六本木藝術之夜邀請委託製作〈六本木帆城〉的范承宗，首度公開從收到邀約到現地搭建的過程，包括談判方式、提案技巧、回信速度、包裝尺寸等細節，以及慘痛經驗的代價與教訓，都不藏私揭露！

2025東京六本木藝術之夜，范承宗受邀委託製作，將六本木周圍與東京代表建築印象，融合於裝置藝術〈帆城〉。其實展方最初是想向他借展舊作，但在他主動提案後，才促成全新製作的合作機會。

以下將以六本木藝術之夜的案子為例，將海外委託製作循序拆解成步驟，公開每一環節如何推進與解決問題，並旁及過去在紐約、倫敦、斯洛維尼亞的不同狀況與教訓。不論是藝術愛好者想窺探內幕，還是藝術工作者想借鏡經驗，都能作為實用指引！

① 收到接洽

2025年5月，范承宗第一次收到六本木藝術之夜主辦單位「六本木藝術之夜執行委員會」來信，對方表示想借展他的作品〈魯班塔〉。然而，〈魯班塔〉是他2021年於宜蘭傳藝中心展出的作品，有9公尺高，組裝難度高且耗時、難以平整化包裝，真要借目前也已經沒有材料。當對方詢問一個「已經不能借」的作品，范承宗採取的第一步是：沒有拒絕，並提案給對方兩個新選項。

② 首次回信，同時進行初次提案

「提案前，我會先預判對方為什麼來找我。」范承宗說，既然對方想要〈魯班塔〉，他就從該件作品的特性延伸，提出「喜歡〈魯班塔〉的人，不可能會不喜歡」的作品。第一個提案為〈魯班月〉，這件作品是《魯班》系列（此系列均運用「魯班鎖」為結構基礎）的家族作品。〈魯班月〉為圓形立體雕塑，2022彰化走讀藝術節展出時是裝在牆壁上。針對2025六本木藝術之夜，他提出的版本為「放在地上」，透過支架可擺放在任何地方，觀眾觀看角度也非常多。

第二個提案為〈帆城〉，該系列作品首次於2019屏東台灣燈會展出，之後在2021府中雙城、2024海安街道美術館等藝術祭，甚至還作為HBO影集《良辰吉時》劇中場景出現過。〈帆城〉的概念為「捕捉建築輪廓的集合」，加上六本木藝術之夜執行委員會主席為森美術館館長，而森美術館的母集團為建設公司「森集團」，令范承宗覺得有機會嘗試。「我其實是想push〈帆城〉，因為比較有訂製感，但麻煩度和成本就高許多。」但他分析，主辦單位第一封信就直接要一件9公尺高的作品，加上六本木藝術之夜早已舉辦多屆，勢必有一定預算與sense。

他的簡報會在第一頁附上歷年作品的小圖集合，「這是給人家的綜合第一印象，客戶都非常需要看到作品案例，且數量需要很多，我要讓你知道：我的創作品質是穩定的，不用擔心。」針對兩個新提案，他笑說自己會很「心機」地附上手繪草圖，且還要畫出作品在Instagram被展示的樣子，增加討喜度。

每件作品的提案，他都會附上這句：「尺寸可以依照活動或場地需求自由配合，也可以依照預算調整規模。」范承宗還會先預判客戶接下來會問的問題，例如在戶外展示得注重強度、安全，他就先在簡報上標明：「所有作品最終都會由結構技師計算，不怕颱風、地震。」

③ 回信速度

收到接洽的隔天，范承宗就首次回信，並在同封信進行首次提案。「我一定會在24小時內回信，畢竟將心比心，誰不想要馬上得到答覆？」他說，自己也做過策展，如果第一封回信僅回「〈魯班塔〉無法出借」，那對方又得再詢問其他作品，來來回回的溝通就拖得很長。「如果同時間有另一個藝術家，他的等級、對方喜歡他的程度都和我差不多，然後他剛好可以借作品，那我不就沒機會了？」

他也分享，「工作上的往來都是一個好緣分。」范承宗現在的很多合作機會，都是來自當年的窗口、後來去其他公司任職，或者過去某個在信上被cc的人，因為當時在信上的往來互動而被記住。

④ 確認合作

提案寄出後，對方對於〈帆城〉能與當地城市連結感到興趣，進一步詢問之前的作品規模和預算。范承宗便回覆每個作品的詳細尺寸，以及需要的搭建時間和預算。最後主辦單位直接提給他一個包含所有費用的總預算，並希望他在預算內發揮，尺寸則沒有特別限制。

⑤ 持續通信往返：確認細節、排除問題

雙方確認以〈帆城〉合作後，范承宗便開始著手針對2025六本木藝術之夜設計。由於作品需融合建築輪廓，他首先確認幾個問題：「作品確切的放置地點在哪裡？希望融入的建築僅限六本木或全東京皆可？由於森集團本身是建設公司，是否會介意其他公司的建案被納入？」最後確認以「六本木」整體建築印象為主，但並不局限地理範圍，例如東京鐵塔雖不在六本木，但因為六本木看得到東京鐵塔，所以仍可納入；建築也不限森集團。他補充，主辦單位也相當重視與尊重當地居民的感受，不希望作品冒犯當地禁忌。

范承宗汲取了不同年代的代表建築：天祖神社（1384）、東京鐵塔（1958）、六本木交叉路口（1967）、森大廈（2003）、國立新美術館（2007）、三得利美術館（2007）、21_21 DESIGN SIGHT（2007）、住友不動產六本木Grand大廈（2016），將所有的建築物拆開變成輪廓，再像拼圖般組合成全新〈帆城〉。

持續通信往返中，出現過幾個小插曲：其一是窗口告知展出的地面並非平地，而是一個小緩坡。范承宗便追問地的斜度，發現最高與最低差到7～8公分，且地不是草地而是硬地，因此不能打釘子。因應這個地面，他把裝置的腳，調整成能夠因應高低差的訂製金屬腳。

另一個插曲為「高度」。原來在日本，超過4公尺就會被判定為建築物，需要費時費力申請相關證照。但范承宗原初的設計為430公分，因此窗口建議調整為399公分。除了將裝置減少31公分，他每次傳給主辦單位的新提案，一定會以清楚的before、after對照標示「改了哪裡」。

⑥ 作品拆卸裝箱

待設計都確認完畢，接著就得處理作品的裝箱與海運。「海運的木箱運送尺寸可以很大，但上了陸地要轉貨運，貨車有尺寸限制，太大的計價會進入下個級別，會貴很多。」范承宗希望讓作品能全部裝在「一個木箱」內，而每次的道路狀況和車輛都不一樣，他會視實際情況調整木箱尺寸，以這趟為例，他的木箱為尺寸為「310 x 70 x 70公分」。

許多木箱是用釘子釘，僅能一次性使用；范承宗選擇的木箱是「全螺絲釘」，因為他每次展出，都會將作品再帶回來，而他的每件作品材料就像「樂高」一樣，可以重複組裝、搭配。「包裝是件很專業的事情，例如箱子在船上會搖晃，這些運送過程中可能產生的潛在問題，好的廠商都能幫助我們處理好。」他固定合作的木箱商為「証昌盛木業」，會先做好底板，再把東西放上去，之後才做四面牆壁和上方板子，如此一來才可以把尺寸壓到最小。

在作品裝進木箱前，團隊會實際在工廠「練習拆作品和組裝作品」。此次他僅有向展覽方申請需要「梯子」，其他工具全部都由自己帶去，「盡量不要請對方準備工具，對方準備越多就越可能出問題，畢竟你要的東西可能不是他想的。」而海外搭建不一定有預算攜帶燈光師，長期合作的燈光團隊「偶得設計」，會幫作品設計「只會鎖螺絲、接電線」就可以執行的燈光。

⑦ 國際運輸

范承宗表示，「海運」其實相當複雜，因為每個國家的海關規定都不一樣，常常會需要你補各種資料、規則朝令夕改，甚至還曾遇過海盜。有過之前的「慘痛」經驗，他現在固定與「承航國際物流」合作，該公司團隊的英文、溝通、解決問題能力很好，每當國外海關詢問任何問題，都可以協助處理。

不過此趟發生了一些插曲。運輸公司的日本代理發現，包裝內容物與跟invoice和packing list的內容對不起來，invoice和packing list漏了「捲尺和麥克筆」。范承宗釐清問題後說，同事為了讓invoice和packing list精簡，刪除了捲尺和麥克筆，卻忘了通知其他同事要將那兩項東西取出。最後雖然趕緊補上，但他也學到經驗：「國際運輸的東西項目越多、越雜，越容易被抽檢和發生invoice文件遺漏問題，以後國際運輸的東西，工具耗材類的雜項全都用托運行李。」

⑧ 貨運、實地搭建

解決了海運，沒想到陸上貨運也出了問題。范承宗說，原訂9月23日要在現場等貨車送來，卻不知道9月23日是日本的國定假日「秋分」。但由於六本木藝術之夜得在9月26日開幕，他估算最遲也得在9月24日上午到貨才能趕工完成。因此他透過運輸廠商與日方協調，任何可以加價優先處理的管道全部採用，9月23日也找了加價加班的貨車送來現場。范承宗記取教訓，未來海外委託製作得先查好當地接近日程的國定假日，海關、倉庫的上班時間也要確認；另外也學到，以後可以提早1個禮拜送達，就算多付1個禮拜的倉庫費用，也比現在採取的急救方案便宜，還可以降低風險。

在實際搭建時，也發生「插上插頭卻不明短路」的狀況。緊急連線在台灣的燈光團隊「偶得設計」後，偶得建議先將所有接頭都拆開，輪流用電錶檢查一次。他們也同步協請展方安排電工人員，最後順利解決。

同場加映：歐美委託製作難題

▸ 紐約

2022年，范承宗受邀至紐約東漢普敦的長屋花園（LongHouse Reserve）展出〈筌屋〉。他直說最困難的點在於「住宿費太高」，連Airbnb都是難以負擔的天價。最後他透過在紐約認識的台灣朋友，協助問到朋友家可以借住。不過由於地點距離場地很遠，每天得負擔30分鐘的Uber車程往返，也是一筆開銷。

▸ 倫敦

2024年，倫敦王冠劇院（The Coronet Theatre）首次舉辦「台灣藝術節」，范承宗受邀打造兩件作品。其中一件，他將〈筌屋〉掛在劇院外牆上。不過現在回想起來，他直說：「倫敦是想死度最高的。」首先在海運遭遇海盜，船得繞路，眼看來不及了，最後一批貨運連忙改成空運；到了現場又得知，作品與所有人員得先申請當地相關保險，不然無法施工；好不容易搞定後，卻發現因為建築物是古蹟，當初丈量尺寸只量了左側，但右側實際上和左側有些微誤差，導致原先的零件尺寸無法吻合——「這時候還剛好下起小雨，太崩潰了！」這趟倫敦行他也得到教訓：要準備備案；若場地是古蹟，要避免設計需要配合建築精準尺度的零組件，若真的要，就直接請人去當地丈量。

▸ 盧比安納

2025年，范承宗到斯洛維尼亞首都盧比安納，以「龍」為意象展出〈築巢計畫〉。有天突然收到海關來信，說要提交原料和產地證明，但他收到信時已是週五下班後，還剛好遇上台灣連假，緊急聯絡廠商才要到相關資料；還好事前預留時間足夠，最後仍然在預計開工時間前兩天送達。

這次在海運前也發生了插曲，由於烤漆鎖頭零件有些地方做工不均勻，重新送廠後已趕不上海運時間，只好變成托運行李。他也學到，「以後得在工廠現場一一檢查，就算要花上半天、一天的時間檢查也值得，若拿回來再檢查，對方還有可能不認帳。」現場也發現團隊完全忘了帶「橡膠塞」，好險當地找得到指定尺寸的零件，趕緊搭Uber去買。他也提醒，出發前去工廠拿材料時，最好要列出清單，一一打勾確認。范承宗提到，每結束一個案子，都會與他的團隊一起進行檢討會議，「事後一定要釐清問題，進行檢討，不要就此算了，才能減少甚至避免再發生相似的錯誤。」

_{文｜張以潔
攝影｜定影影像　圖片提供｜范承宗}